Suche "dinosaur+jr+i+bet+on+sky" 178 Artikel

Was als ein loses Konzeptalbum mit Jingles und Werbespots begann, wurde zu einem der außergewöhnlichsten Alben jeder Ära - es ist das letzte 'Pop'-Album von The Who.

Das ikonische Cover-Design schufen David King und Roger Law und porträtierten damit ein kühnes Abbild der Zeit.

In Summe eine glorreiche Mischung aus klassischer, kraftvoller Who-Instrumentierung, melodischen Harmonien und satirischen lyrischen Bildern, die sich für das erst dritte Album der Gruppe herauskristallisiert haben – ein beinah konkurrenzloser Ehrgeiz und Umfang in dieser Zeit. Mit Klassikern wie „I Can See for Miles“

"Wir hatten gehofft, kostenlose Jaguars zu bekommen. Wir bekamen fünfzig Dosen kostenlose Baked Beans".

"The Who Sell Out" erscheint als Super-Deluxe Edition, 2LP und 2CD.

Die Super-Deluxe Edition kommt mit 5CDs und einer Bonus 7“. Die Box enthält insgesamt 112 Tracks, davon viele unveröffentlicht. Auch enthalten ist ein 80 Seiten hard-back full-colour Buch inklusive seltenen Fotos, Track-Anmerkungen und neue Linernotes von Pete Townshend, sowie Kommentare von zum Beispiel Pete Drummond (Radio Caroline DJ), Chris Huston (Talentmasters Studio) und Richard Evans (designer). Außerdem kommt die Box mit 9 Postern, verschiedenen Beilagen und mehreren Replikaten.

Die 2LP Versionen enthalten neben dem Originalalbum einige Highlights des Box-Sets.

Die 2CD Version enthält zusätzlich ein 16-seitiges Booklet.

Was als ein loses Konzeptalbum mit Jingles und Werbespots begann, wurde zu einem der außergewöhnlichsten Alben jeder Ära - es ist das letzte 'Pop'-Album von The Who.

Das ikonische Cover-Design schufen David King und Roger Law und porträtierten damit ein kühnes Abbild der Zeit.

In Summe eine glorreiche Mischung aus klassischer, kraftvoller Who-Instrumentierung, melodischen Harmonien und satirischen lyrischen Bildern, die sich für das erst dritte Album der Gruppe herauskristallisiert haben – ein beinah konkurrenzloser Ehrgeiz und Umfang in dieser Zeit. Mit Klassikern wie „I Can See for Miles“

"Wir hatten gehofft, kostenlose Jaguars zu bekommen. Wir bekamen fünfzig Dosen kostenlose Baked Beans".

"The Who Sell Out" erscheint als Super-Deluxe Edition, 2LP und 2CD.

Die Super-Deluxe Edition kommt mit 5CDs und einer Bonus 7“. Die Box enthält insgesamt 112 Tracks, davon viele unveröffentlicht. Auch enthalten ist ein 80 Seiten hard-back full-colour Buch inklusive seltenen Fotos, Track-Anmerkungen und neue Linernotes von Pete Townshend, sowie Kommentare von zum Beispiel Pete Drummond (Radio Caroline DJ), Chris Huston (Talentmasters Studio) und Richard Evans (designer). Außerdem kommt die Box mit 9 Postern, verschiedenen Beilagen und mehreren Replikaten.

Die 2LP Versionen enthalten neben dem Originalalbum einige Highlights des Box-Sets.

Die 2CD Version enthält zusätzlich ein 16-seitiges Booklet.

DEEP WOUND? Dieser Name geistert seit Jahren durch die Hirne derer, die DINOSAUR JR als unabdingbaren Teil ihres Lebens verstehen. In genau dieser Band unternahm nämlich ein gewisser J Mascis seine ersten musikalischen Gehversuche (als Drummer.) und traf dort, was vielleicht wichtiger war, auf Lou Barlow. Der Rest ist, wie man so schön sagt, Geschichte. Auf dieser 24 Track Vinyl Compilation die J Mascis höchstpersönlich zusammengestellt hat, findet sich alles, was diese Hardcore/Punk Band jemals aufgenommen hat, natürlich auch die Aufnahmen der 1983 EP. Und hier noch was für Musikhistoriker: DEEP WOUND gelten gemeinsam mit SIEGE als Inspiration für den Grindcore. Klingt komisch? Ist aber so.

Limitierte Nachpressung einer Farbversion der Jubiläums-Edition des Debüts der hierzulande erfolgreichsten Vertreter des wahren Independent! - "...their 1990 self-titled debut paid homage to the American hardcore and grunge bands they fell in love with as kids,..." (allmusic.com) -THE NOTWIST, 1989 gegründet, damals bestehend aus Martin Messerschmidt, sowie den Brüdern Micha und Markus Acher - veröffentlichte vor gut dreißig Jahren ihr selbstbetiteltes Debüt-Album auf Subway Records, eine einzigartige Gratwanderung zwischen melodiösem Independent, metallischen Rock und explosiven Hardcore-Parts." Die dreizehn noisy Songs ließen erst erahnen, dass sich hier der Beginn einer ebenso großartigen wie ungewöhnlichen und vielfältigen Karriere zeigt: "Über weite Strecken eine ziemlich heftige Punk/Hardcore/Metal-Mischung, taucht am Ende der Platte doch eine frühe Notwist-Hymne auf: "Nothing Like You"." (laut.de) Der erste Schritt war getan, doch an Top 10 und Feuilleton dachte damals wahrscheinlich noch niemand:"Hello! Laugh and sing, dance and jump...GROOOOOARRRR! It's notwist but my twist! YES SIR!", so geschrieben auf der Seitenfalz der LP: "...this record features a good helping of double bass drum action, consistent cymbal abuse, guitar fret squealing and wheedling, lots of chords chug-chug-chugging, and even a few spots where Markus Acher (he of the laconic Teutonic vocalizing) actually essays a few disgruntled ur-screamo barks." (pitchfork.com) - "Ich war schon Fan von euch, als eure Musik noch Neil Young Hardcore hieß. (_) Metallica Riffs, mit Dinosaur Jr Gesang mit Englisch mit bayerischem Akzent - das ist genial." (Thees Uhlmann 2021)" -Limitierte farbige Vinyl-Versionen (neuer Vinylschnitt), eine neue CD-Auflage (Digital Remaster, alternatives Artwork) und Album Digital ab November 2021! Die LP mit beigelegtem Prägedruck, Insert und Polaroid-Replika, die CD mit Kreuzfalz-Kraftpapier-Booklet und Polaroid-Replika.

Buffalo Tom (Bill Janovitz, Chris Colbourn und Tom Maginnis) gründeten sich 1984 an der University of Massachusetts in Amherst - einer Brutstätte von Post-Punk-Gitarrenbands wie Dinosaur Jr. und Pixies. Die drei langjährigen Bandmitglieder erkennen die Leistung ihrer Langlebigkeit als kreative Einheit an. Anfänglich boten sie einen rauen, treibenden Sound, der Janovitz" imposanten Gitarrensound hervorhob, doch der frühe Ansatz von Buffalo Tom wich einem melodischeren, aber nicht weniger unverwechselbaren Stil. Die Band hat zehn Studioalben veröffentlicht, das jüngste, Jump Rope, erschien Anfang dieses Jahres. Birdbrain ist das zweite Album der Band, das mit Hilfe von J Mascis produziert wurde. Die Songs von "Birdbrain" sind zu Live-Favoriten geworden, darunter der epische Titelsong und "Enemy". Bill Janovitz sprach über den Songwriting-Prozess für dieses Album und sagte: "Ich denke, das Interessante an Birdbrain ist, dass sich das Songwriting verändert hat. Ich hatte alles auf der ersten Platte geschrieben. "Birdbrain" ist eine Art melancholischer Track, aber das meiste davon, wie "Fortune Teller" oder "Directive", das sind in vielerlei Hinsicht sehr wütende Songs. Für mich war das viel punkrockiger, aber wir haben uns in diese Richtung bewegt, und ich weiß nicht, warum. Aber Chris hat angefangen zu schreiben. Chris singt und schrieb "Baby" und die Art und Weise, wie wir schrieben - wir schrieben nicht im selben Raum zusammen - aber wir brachten diese Ideen zueinander und trieben sie herum."

Buffalo Tom (Bill Janovitz, Chris Colbourn und Tom Maginnis) gründeten sich 1984 an der University of Massachusetts in Amherst - einer Brutstätte von Post-Punk-Gitarrenbands wie Dinosaur Jr. und Pixies. Die drei langjährigen Bandmitglieder erkennen die Leistung ihrer Langlebigkeit als kreative Einheit an. Anfänglich boten sie einen rauen, treibenden Sound, der Janovitz" imposanten Gitarrensound hervorhob, doch der frühe Ansatz von Buffalo Tom wich einem melodischeren, aber nicht weniger unverwechselbaren Stil. Die Band hat zehn Studioalben veröffentlicht, das jüngste, Jump Rope, erschien Anfang dieses Jahres. 1992 nahm die Band ihr drittes Album "Let Me Come Over" auf, auf dem sie eine Reihe von Songs, die sie zu Hause und unterwegs entwickelt hatten, mit ihrem Live-Power-Trio-Sound und einigen akustischeren Gitarrenballaden mischte. Die Single "Taillights Fade" aus diesem Album wurde zu ihrem Markenzeichen. Auf ihren ersten beiden Alben bauten Buffalo Tom gewaltige Gitarrenlandschaften und beherrschten eine naturalistische Version der Dynamik von leise zu laut. Für ihr drittes Album haben Buffalo Tom ihre Haut ein wenig, aber nicht vollständig abgestreift und ihren Charme stärker in den Vordergrund gestellt. "Let Me Come Over" ist der Sound des Trios, das sich aus dem insularen Underground in die weite Welt des "alternativen" Rocks begibt - und dabei mehr oder weniger seine besten Moves mitbringt.

Buffalo Tom (Bill Janovitz, Chris Colbourn und Tom Maginnis) gründeten sich 1984 an der University of Massachusetts in Amherst - einer Brutstätte von Post-Punk-Gitarrenbands wie Dinosaur Jr. und Pixies. Die drei langjährigen Bandmitglieder erkennen die Leistung ihrer Langlebigkeit als kreative Einheit an. Anfänglich boten sie einen rauen, treibenden Sound, der Janovitz" imposanten Gitarrensound hervorhob, doch der frühe Ansatz von Buffalo Tom wich einem melodischeren, aber nicht weniger unverwechselbaren Stil. Die Band hat zehn Studioalben veröffentlicht, das jüngste, Jump Rope, erschien Anfang dieses Jahres. "Big Red Letter Day" wurde 1993 veröffentlicht. Auf ihrem vierten Album machten sie das, was sie sehr gut können, aber mit mehr Glanz in der Produktion. Das Album wurde in LA von den Robb Brothers aufgenommen und enthält zahlreiche Publikumslieblinge, vor allem: "Sodajerk", 'I"m Allowed", 'Treehouse" und 'Late At Night". Die Band erlangte neue Berühmtheit, als "Late At Night" in einer Schlüsselszene der kurzlebigen TV-Kultserie "My So Called Life" mit Claire Danes und Jared Leto in den Hauptrollen zu hören war, die Mitte der 90er Jahre ausgestrahlt wurde. Der Song kam nicht nur in der Folge vor, sondern die Band wurde auch bei der Aufführung des Songs gezeigt. Der Rolling Stone bezeichnete den Song in einem Bericht über die Band als "inspirierte, geradlinige Power-Pop-Sammlung", und Spin schrieb: "Die Leidenschaft fühlt sich echt an und die Musik ist erhaben."

Die auf 1000 Stück limitierte 7" Single enthält die Album-Auskopplung ,Soul Of Fire" und die exklusive B-Seite ,Rip Van Winkle". Die Band WITCH entstand aus der Verbindung gegensätzlicher Einflüsse. J Mascis (DINOSAUR JR.) und sein langjähriger Freund Dave Sweetapple gründeten erst vor kurzem die Hardrock Band. Mit Kyle Thomas und Asa Irons, Mitglieder der Avant-Folk Band FEATHERS, fanden sie willige Mitstreiter. Die vier erschaffen einen mächtig klingenden Angriff auf die Hörorgane, der dem klassischen Heavy Metal Sound der frühen 70er Tribut zollt und dabei trotzdem modern klingt. Das selbstbetitelte Debütalbum von WITCH, das im März auf TeePee erscheinen wird, wurde zusammen mit Engineer John Agnello aufgenommen, der den Fußnotenlesern durch seine Arbeit bei Alben von DINOSAUR JR., J MASCIS + THE FOG, EARLY MAN, SON VOLT und SCREAMING TREES bekannt sein dürfte.

Im Leben geht es auf und ab. Manchmal rafft man sich auf, nur um wieder heruntergezogen zu werden. LADYHAWK wissen das. Sie standen wieder auf, gingen ins Studio und flogen vielleicht ein wenig zu nah an die Sonne, so dass sie mit angebrannten Flügeln wieder im Schatten landeten. Von dort hoben sie ihre versengten Instrumente auf, schoben die einzelnen Stücke zusammen und ließen sie so liegen, wie sie fielen. Das Resultat hört über sechs Songs hinweg auf den Namen ,Fight For Anarchy" kommt ganz ohne Bearbeitung oder Streichungen aus. Dabei zeigen LADYHAWK, dass sie wie SPOON, DINOSAUR JR oder TOM WAITS über ein ganzes Arsenal an Knurren und Lachen verfügen und ein musikalisches Gewitter erzeugen können, das niemals dieselbe Stelle noch einmal trifft.

Broken Social Scene sind zurück!
Das Kollektiv um Kevin Drew und Brendan Canning ist die Ursuppe der kanadischen
Indierockexplosion der Nullerjahre. Feist, Stars, Metric, sie alle sind daraus hervorgegangen und bis
heute gerne gesehene Gäste. Ohne Broken keine Arcade Fire, keine Wolf Parade, kein Arts & Crafts
Label, keine Timber Timbre und und und. Dabei ist diese Social Scene eigentlich so etwas wie die
archetypische, fleischgewordene Definition einer Indierockband im traditionellsten Sinn. Think:
Pavement, eine gute Dekade früher, irgendwie Slack, aber dabei hymnisch, hippie-esque und gerne
verquer. Außerdem waren sie bei frühen Auftritten alle auch noch barfüßig!
Kanadier sagen von sich ja gerne, we try harder – we have to, wenn sie sich an den Brüdern und
Schwestern in den USA messen. Und darum eben klang bei Broken Social Scene immer alles diesen
einen Ticken größer und manchmal auch bombastischer, aber dann doch auch immer diese Spur
dreckig und unaufgeräumt.
Wenn Bei Broken Bombast ins Spiel kam, dann klang das eher so, als ob Kevin Shields (My Bloody
Valentine) und J Mascis (Dinosaur Jr.) zusammen ein Stadion in Schutt und Asche legen wollen.
Broken Social Scene, mit Kevin Drew und Brendan Canning im Kern des Wahnsinns, haben
durchgehalten und sich nicht beirren lassen.

Weiße Vinyl LP inklusive Textblatt und mit Downloadcode. Die Erfinder des Lo-Fi-Indie-Rock kehren mit einem 15-Track-Blaster der melodischen Melancholie zurück. Auf ihrem ersten Studioalbum seit "Defend Yourself" (2013) liefern Lou Barlow, Jason Loewenstein und Bob D'Amico ein Sammelsurium von wunderschön dysfunktionalen Melodien, die auf ihre besten College-Rock-Hymnen zurückgehen. Hier ist Barlow mit seinem introvertierten Songwriting am besten; er liefert einen Strom von Geschichten, die sich selbst in Frage stellen und haut die Einzeiler nur so raus, unterbrochen von verstimmten Gitarren und wirbelnden Tempowechseln. Loewenstein steht Barlow in Nichts nach, und sorgt für die gefühlt härteren Rock-Momente, nicht ohne den gewissen Hauch Weirdness. Eine körnige Post-Grunge-Postkarte, umhüllt von bittersüßen Melodien mit einem Nachgeschmack, der ein reiner Herzschmerz ist. Weitere Songs über das falsche Aufwachsen für diejenigen, die weiterhin vom Leben überrascht werden - alles unleserlich handschriftlich und liebevoll auf Vinyl geschrieben.

Pinky Pinky haben ein gutes Bauchgefühl. Während einer Ära von grenzenlosen Ablenkungen, gesellschaftlichen Belastungen und klanglichen Trends konzentrieren sich die drei besten Freunde darauf, zwischen all dem Lärm glücklich zu sein. Das ist auf ihrer neuen Musik zu hören, die auf zwei früheren EPs und mehreren Tourneen direkt nach der High School aufbaut, was ihnen viele frühe Fans einbrachte, u.a. große Rock-Stars wie Dave Grohl, Brian Bell, Weezer, Albert Hammond, The Strokes. Die erste Album ist ein Patchwork-Quilt aus Garage-Rock und Oddball-Indie mit Pop-Sensibilitäten, produziert von Hanni El Khatib & Jonny Bell. Es ist klassisch im Bass, Schlagzeug und Gitarrenkontext verwurzelt, aber wird durch die Perspektiven eines Trios von Jugendlichen aus LA gestützt, die über ihre alltäglichen Beobachtungen, Ängste und Leidenschaften schreiben. Deshalb ist es unprätentiös, roh und unvorhersehbar verrückt.

Der Nachschlag zum 2018er Werk „Negro Swan“, mit illusteren Gästen, komplett in Eigenregie von Dev Hynes produziert.

Dev Hynes entläßt ein Mixtape in die Freiheit und füllt es mit reinster Wonne! Man könnte es Ausschussverwertung nennen, wir nennen es einen grandiosen Epilog zum letztjährigen Negro Swan. Dev Hynes sagt über Angel's Pulse: "My new record is called Angel’s Pulse & I performed, produced and mixed the entire thing myself. I’m calling it a mixtape. I have a habit through the years of making records that I just give to friends, or on tape to people on the street, or no one. Usually this material is made directly after the album I’ve just put out. Somewhat of an epilogue to the thing I’ve made before. This time.. I decided to release it. I put as much work and care into it as I do with the albums I’ve released, but for some reason trained myself into not releasing things the rate at which I make them. I’m older now though, and life is unpredictable and terrifying… so here you go mates." Mit dabei so illustere Gäste wie Toro y Moi, BennY RevivaL, Justien Skye, Project Pat, Ian Isiah & viele weitere)

Dev Hynes entlässt ein Mixtape in die Freiheit und füllt es mit reinster Wonne! Man könnte es Ausschussverwertung nennen, wir nennen es einen grandiosen Epilog zum letztjährigen "Negro Swan". Dev Hynes sagt über "Angel's Pulse": "My new record is called Angel's Pulse & I performed, produced and mixed the entire thing myself. I'm calling it a mixtape. I have a habit through the years of making records that I just give to friends, or on tape to people on the street, or no one. Usually this material is made directly after the album I've just put out. Somewhat of an epilogue to the thing I've made before. This time.. I decided to release it. I put as much work and care into it as I do with the albums I've released, but for some reason trained myself into not releasing things the rate at which I make them. I'm older now though, and life is unpredictable and terrifying ... so here you go mates." Mit dabei sind so illustere Gäste wie Toro y Moi, BennY RevivaL, Justien Skye, Project Pat, Ian Isiah, u.v.a.

Robert Cray hat, während der letzten vier Jahrzehnte die Grenzen zwischen Blues, Soul und R&B verschmelzen lassen, 5 Grammys gewonnen (15x nominiert!) und 20 Alben veröffentlicht. Sein neues Album "That's What I Heard" wurde in den berühmten Capitol Records Studios aufgenommen und von Steve Jordan (Sheryl Crow, Josh Groban, Keith Richards, Boz Scaggs) produziert. Das Album ist eine schöne Mischung aus Blues, Soul, Boogaloo und Gospel. Als Gastmusiker sind Ray Parker Jr and Steve Perry.

Buffalo Tom (Bill Janovitz, Chris Colbourn and Tom Maginnis) formed at the University of Massachusetts at Amherst in 1984 - a breeding ground of post punk guitar bands like Dinosaur Jr. and Pixies. The three longstanding bandmates recognize the achievement of their longevity as a creative unit. Initially offering a raw, propulsive sound that emphasized Janovitz's imposing guitar squall on such early releases as 1989's Buffalo Tom and 1990's Birdbrain, Buffalo Tom's early approach gave way to a more melodic, yet no less distinctive, style on 1992's Let Me Come Over (including the hit ballad "Taillights Fade"), 1993's Big Red Letter Day (including the hit "Soda Jerk") and 1995's Sleepy Eyed.Their friendship with J. Mascis helped the band's career take off by assisting with the production on the band's first two albums; their self-titled debut, and Birdbrain.Since Birdbrain's release 30 years ago, many songs from it album have become live favorites including the epic title track "Birdbrain", and "Enemy". Trouser Press wrote that "[Birdbrain] boasts most of Buffalo Tom's best songs."Buffalo Tom continues to make fantastic music, and they only get better with age. Their most recent album Quiet and Peace, came out in 2018.

Hier ist Oscillate von PG.LOST - das neue Album der Band, welche pures Drama und Katharsis lebt. Ihr fünftes Gesamtwerk - und erstes seit dem erfolgreichen 2016er Versus - braucht mit dem ausgeprägtem Verständnis von Spannung/Entspannung einen Vergleich mit Werken von Mono, Explosions in the Sky und Godspeed You! Black Emperor nicht zu scheuen. Mit Einflüssen, die von der emotionalen Wucht von Big Thief über den erfinderischen Geist des Krautrock bis hin zur Brutalität von Neurosis und dem dunklen Experimentalismus von Coil reichen, verflechten sich diese schwereren Elemente und öffnen sich in der Weite gar bis Fennesz oder Tim Hecker. Eine neue Ausrichtung, welche eine schimmernde Schönheit und Tiefe enthüllt, wie sie in der heutigen überkomprimierten und überproduzierten Version "moderner" Musik selten zu finden ist. Das Titelstück beginnt mit einer blühend dunklen Ambientpassage, ein aufsteigender Gitarren-/Synth-Part, der die Spannung aufbaut bis die endgültige Befreiung durch einem großen Refrain, gigantische Wellen von Gitarrenklängen und Percussion-Dichte erreicht wird. Oscillate steht exemplarisch für das Album als Ganzes - massiv im Umfang und noch größer im Klang. Oscillate ist nicht nur Instrumentalmusik, es ist ein eigener Film, projeziert in einem Kino mit einem makellosen Soundtrack, der mit 120 db explodiert. Das Album wurde von der Band in ihrem eigenen Studio aufgenommen und von Magnus Lindberg von Cult of Luna gemischt und gemastert. Souverän in der Ausführung ist Oscillate acht Tracks wahrer dramatischer Bombast und ein gewaltiger Schritt vorwärts für die Band - vier Jahre warten haben sich gelohnt. Für Fans von Mono, Explosions In The Sky, Mogwai, Cult of Luna, EF, Caspian, Russian Circles Band Info: PG.LOST wurde 2004 in Norrköping, Schweden, gegründet und besteht aus Mattias Bhatt, Martin Hjertstedt (ex- Ghost), Gustav Almberg (The Great Discord) und Kristian Karlsson (Cult of Luna). Auf der Suche nach einem einzigartigen Klang und der Liebe zu Post-Rock, Ambient und Shoegaze mit einem Hang zum Post-Metal, veröffentlichte die Band 2006 und 2007 ihre selbstbetitelten sowie die Yes, I Am-EPs. Daraufhin veröffentlichten PG.LOST 2008 ihre Debut-LP It's Not Me, It's You! Es folgten In Never Out, Key, die Split-LP mit Wang Wen und zuletzt Versus.

Wooden Shjips, long-time leaders of the contemporary psychedelic movement, expand their sound with V. The quartet of Omar Ahsanuddin, Dusty Jermier, Nash Whalen and Ripley Johnson augment their already rich sound with laid back, classic summer songs. The songs were written during the summer of 2017 by singer and guitarist Ripley Johnson as an antidote to the pervasive anxiety both political and natural. As Ripley tells it, "We had huge forest fires just outside of Portland and there was intense haze and layers of ash in the city. I was sitting on my porch every evening, watching ash fall down like snow, the sky looking like it was on fire. It was an apocalyptic feeling. Summer in Portland is usually really chill and beautiful, and we were working on a 'summer record,' but the outside world kept intruding on my headspace." V., a graphic representation of the Peace sign, seemed apt to an album focused on the power of peace, beauty and resistance. The music is a balm against the noise and negativity.

Eine Textzeile, die einem im Nachhinein einen Schauer über den Rücken jagen kann. Dabei haben nicht wenige Sätze und Passagen, die in Chester Benningtons Songs auftauchen, diese Qualität: Vieles, was der viel zu früh gestorbene Musiker sang, schrie, mit seiner unverwechselbaren Stimme in Songs verpackte, ob nun mit Linkin Park oder einer anderen Formation, hatte das Zeug dazu. Hatte diese einzigartige Wucht.

Als er jedoch von jener „zweiten Chance“ sang, war Bennington gerade mal 17 Jahre alt. Er war damals Sänger und Frontmann seiner allerersten Band: Grey Daze. Sein Versprechen geht im Jahr 2020 in Erfüllung – wenn das Album Amends (zu Deutsch: Wiedergutmachung) von Grey Daze bei Loma Vista Recordings erscheint. Kurz vor seinem Tod hatte Chester Bennington den Plan gefasst, ein neues Album mit Grey Daze aufzunehmen, das eigentlich im Jahr 2018 erscheinen sollte. Stattdessen kamen die alten Bandkollegen aus den Neunzigern, befreundete Musiker, Familienmitglieder und weitere Gäste zusammen und taten alles dafür, den Songideen jene „zweite Chance“ zu geben, die diese Kompositionen verdienten. Letztendlich sollten sie fertigstellen, was der verstorbene Musiker begonnen hatte.

Die verbleibenden Bandmitglieder – Gründungsmitglied Sean Dowdell (Schlagzeug, Hintergrundgesang) sowie Mace Beyers (Bass) und Cristin Davis (Gitarre), die Chester erst 2017 ins Boot geholt hatte – wählten schließlich 11 Songs aus und machten im Jahr 2019 Neuaufnahmen, mit denen sie seine Originalgesangsspuren einrahmten und unterfütterten. Viele dieser Gesangsaufnahmen waren bislang unveröffentlicht, echte Schätze aus dem Archiv. Das Ergebnis zeigt vor allem, wie weit die Ikone Bennington seiner Zeit damals schon voraus war, an jenem so wichtigen Punkt in der Geschichte des Rock. Zugleich wächst sein musikalisches Erbe um einen weiteren Meilenstein...

„Viele der Themen, die er da vor 20 Jahren in diesen Songs adressiert hat, sollten sich danach bewahrheiten, und sie klingen auch heute noch absolut relevant“, sagt Sean. „Was sofort auffällt, wenn man sich diese Platte anhört, ist die Intensität, die emotionale Wucht, die bei jedem einzelnen Wort mitschwingt. Er zeigt ganz offen seine Traurigkeit, seinen Schmerz, Aggression, auch Wut. Und jedes Gefühl, das er transportieren will, klingt absolut ungefiltert und glaubwürdig. Unsere Parts noch einmal neu um seine Gesangsspuren aufzunehmen war eine wahnsinnig intensive Erfahrung: Es war einfach verdammt cool, endlich mal wieder mit meinem besten Freund zusammenspielen zu können.“

Amends ist ein Album, dessen Entstehungsgeschichte gut zwei Jahrzehnte umspannt. Genau genommen beginnt diese Geschichte sogar schon im Jahr 1992, als Sean ein kleines Bandprojekt in Phoenix, Arizona gründet. Ein gemeinsamer Freund machte damals den Vorschlag, es doch mal mit dem 15-jährigen Chester als Sänger zu versuchen. Und nachdem der sein Können mit einigen Pearl-Jam-Coverversionen unter Beweis gestellt hatte, war die Sache eigentlich geritzt. Allerdings hatte der neue Sänger seinerseits eine Bedingung...

„Er fragte mich: ‘Kannst vielleicht mit meinem Vater klären, ob das okay ist?’“, erinnert sich Sean und muss lachen. „Woraufhin ich sagte: ‘Na, klar doch.’ Ich fuhr ihn dann nach dem Vorsingen rum und ging mit ihm ins Haus. Chesters Vater war Polizist, und er trug gerade seine Uniform, als ich das Elternhaus betrat. Ich war damals ein 17-jähriger Punk mit ultralangen Haaren, was seinen Vater echt skeptisch machte – vollkommen berechtigt, wie ich finde. Ihm war wichtig, dass sein Sohn bei mir gut aufgehoben war. Ich versprach seinem Vater, dass ich mich immer um ihn kümmern würde, und das tat ich dann auch.“

Auch wenn sich diese allererste Band schon bald wieder zerschlagen sollte, ging bloß sechs Monate später eine andere Konstellation daraus hervor – Grey Daze. In der Gegend um Phoenix machten sie sich direkt einen Namen, besonders mit ihrem selbstveröffentlichten Debüt Wake Me aus dem Jahr 1994. Erst waren die Clubs in der Stadt regelmäßig ausverkauft, 1996 konnten sie sich dann sogar die Bühne mit Bands wie Bush oder No Doubt teilen. Als sie 1997 dann ... no sun today nachlegten, füllten sie in ihrer Heimatregion schon locker 2000er-Hallen. Dann kam das Ende: Zwar wurden zwischendurch mehrere Verträge unterzeichnet, doch es folgten bandinterne Konflikte – und die Auflösung im Jahr 1998. Chester hatte danach ein halbes Jahr lang gar keine Band; er ging zurück in seinen alten Job und fertigte Scans von Landkarten an. Dann meldete sich ein alter Freund, der den Vorschlag machte, doch mal für die Band Xero aus L.A. vorzusingen – die sich dann wenig später in Linkin Park umbenennen sollte.

Schon 2001 fassten Chester und Sean gemeinsam den Plan, Grey Daze für einen Charity-Auftritt wiederzubeleben, um so Geld für ihren Freund und Gitarristen Bobby Benish zu sammeln, bei dem ein tödlicher Hirntumor festgestellt worden war. Obwohl das geplante Konzert letztlich doch nicht stattfinden konnte, blühte die alte Freundschaft wieder auf: Beide lebten ab sofort in derselben Gegend und wurden sogar Businesspartner, die Seans erfolgreiches Tattoo-Unternehmen Club Tattoo groß machten.

Pünktlich zum 20. Jubiläum von ... no sun today rief Chester bei Sean an, um ihm eine Idee zu unterbreiten. „Er sagte ungefähr: ‘Mir fehlt das einfach, astreinen Rock zu spielen – und mir fehlen unsere gemeinsamen Sessions. Wir sollten die Band wieder zusammenbringen, beim großen Jubiläum von Club Tattoo auftreten und unsere alten Songs neu aufnehmen.’ Also fassten wir den Plan, diese Live-Show auf die Beine zu stellen und ein Album zu machen. Wir kündigten die Sache sogar schon im Netz an: Das Konzert sollte am 20. Oktober 2017 steigen. Und dann kam, was dann kam.“

Aufgewühlt, traurig, verwirrt und einfach nur leer, nachdem die Nachricht von seinem Tod bei Sean & Co. angekommen war, wurde es wieder still um Grey Daze. Ein weiteres Jahr verging. Bis Sean den Entschluss fasste, den Wunsch seines Freundes doch noch zu verwirklichen – sprich: eine Auswahl von Songs von Wake Me und ... no sun today neu aufzunehmen. Talinda Bennington gab der Sache ihren Segen. Und so kamen Sean, Mace und Cristin mehrfach in den NRG Studios zusammen, um den Songs zusammen mit Executive Producer Jay Baumgardner neues Leben einzuhauchen.

Der Eröffnungstitel „Sickness“, zugleich erste Single, erhebt sich auf einem ominösen Beat, schlägt dann in dichte, verstimmte und verzerrte Sounds um, wobei auch Paige Hamilton (Helmet) ausgeholfen hat. Chesters Stimme klingt eindringlich, hypnotisch, wenn er schreit: „I need more. Can you help me? Feed my sin. Come and kill me. It’s calling me.“

Über die Entstehung des für diese Band so zentralen Songs „Sometimes“ sagt Sean dann: „In dem Text geht es um Verlust, um Hoffnungslosigkeit. Er bittet um Hilfe. Es ist ein Schrei der Verzweiflung. Und dazu sehr prophetisch, was die späteren Geschehnisse angeht. Ich werde nie vergessen, wie dieser Song entstanden ist: Wir schrieben damals gerade im Studio, und er war spät dran. Als er dann schließlich kam, ging er sofort ans Mikrofon und brüllte diesen Refrain da hinein. Der Text spiegelte genau das wider, was in seinem Leben gerade vor sich ging: Er hatte die Schule hingeschmissen, sich von seiner Freundin getrennt, wohnte danach bei mir. Diese ganzen Spannungen, die Ängste und Schmerzen kann man da raushören. Und sie ziehen sich wie rote Fäden durch die Tracks.“

Ein luftiger Bass durchzieht „Just Like Heroin“, bis die düstere Bridge einsetzt: „It’s my time to fade“, singt er, die Sätze knapp, ungeschönt: „Dying on the floor. See myself as I am. Excuses are just like heroin.“ „Ja, der handelt davon, wie damals all unsere persönlichen Helden durch Heroin ums Leben gekommen sind“, so Sean. „Shannon Hoon, Jonathan Melvoin, Bradley Nowell – jeweils eine Überdosis. Uns hat das echt fertiggemacht, diese Jungs zu verlieren, weil es da diese emotionale Verbindung gab, weil uns ihre Musik einfach so viel bedeutet hat.“

Auf dem schonungslos ehrlichen „Soul Song“ ist neben Chester auch erstmals dessen Sohn Jaime am Mikrofon zu hören; außerdem hilft hier der Gitarrist Chris Traynor (von Bush) aus. Die beiden Korn-Gitarristen Brian „Head“ Welch und James „Munky“ Shaffer verleihen „B12“ noch mehr Nachdruck, während die US-Sängerin LP bei „Shouting Out“ als weiterer Gast zu hören ist.

Der Titel des Albums geht auf das vom Klavier getragene, eingangs zitierte Stück „Morei Sky“ zurück: „Dieser Song brachte einfach die ganze Stimmung und das Kerngefühl dieses Projekts auf den Punkt“, sagt Sean. „Ich denke, uns hat das geholfen, den Schlussstrich zu ziehen: Er ist nicht mehr unter uns, aber wir können seine Musik verbreiten, sie den Fans präsentieren.“

Insgesamt unterstreicht Amends Chesters Worte, macht seine Zeilen unsterblich.

„Vor allem war es eine Gelegenheit, Chester so den Fans zu präsentieren, wie wir es für richtig und angebracht halten“, sagt Sean abschließend. „Wir wollten erreichen, dass es sich so anhört, als ob Chester ein Soloalbum aufgenommen hätte. Es war stets sein Plan gewesen, die Band wieder zusammenzubringen und die Songs richtig gut zu produzieren, sie allen zugänglich zu machen. Begonnen haben wir diese Songs gemeinsam. Ich musste sie dann für ihn fertigmachen – damit die ganze Welt sehen kann, wie viel emotionale Integrität in jedem seiner Worte lag.“

Zweites Studioalbum des Hamburger Indietrios um Gitarrist und Sänger RICK MCPHAIL (TOCOTRONIC) als CD plus Bonus-CD und Vinyl-LP auf dem bandeigenen Label THE UPPER ROOM. Seit 2004 ist RICK MCPHAIL den Meisten als viertes Bandmitglied von TOCOCTRONIC bekannt, doch der aus Maine stammende Hamburger hat bereits vorher mit Bands wie VENUS VEGAS und seitdem mit GLACIER und MINT MIND ganz eigene Wege verfolgt. Nach dem Debüt Near Mint (2016) und der EP My New Skateboard (2018) legen MINT MIND im neuen Line-Up mit TIM WENZLICK am Schlagzeug und CHRISTIAN KLINDWORTH an der zweiten Gitarre zehn brandneue Songs vor, die exemplarisch die raue Soundästhetik der 60 s Fuzz-Garage-Ära mit der Experimentierfreude des Post Punk, New Wave und College Rock verbinden. Einflüsse von THE SEEDS bis DINOSAUR JR., THE STOOGES bis WIRE oder THE KINKS bis hin zu den PIXIES gesellen sich selbstverständlich zueinander, simple Songstrukturen bieten umso mehr Raum für Sounds, Effekte und dynamisches Auf und Ab. Vom noisigen Zweiminüter ( I Love A Good Queue ) bis zum über zehn Minuten langen Titelsong spielen sich MINT MIND mit erfreulicher Lässigkeit durch die besten Momente der Undergrond-Musik. Produziert und aufgenommen mit ZAC JOHNSON (ex READYMADE), in RICK s THE UPPER ROOM-Studio, gemastert von PHILIPP WELSING (MANDO DIAO, CALLEJON, PHILLIP BOA, GURR). Bonus-CD und Downloadcode der LP enthalten die Songs des ersten Albums und der EP! Indie-Tipp!

"I've been driving through the darkness....through the smoke and fire on the ground"Lingering at the remains of a campfire before dawn, with the politics of the personal burnt into ash, running his stick through what's left, Wand singer/guitarist Cory Hanson is reflecting on a series of moments in which he steps farther into himself, finding the ultimate big sky country on the inside of his skull. It's a combination of songs and sounds that journey through bleak and broken territory and places of sweet, lush remove, and it adds up to the best record he's been involved in yet: his second solo album, Pale Horse Rider.Cory's first solo, The Unborn Capitalist From Limbo, was an intense affair, a grand experiment that produced inspiring, unconventional music - but this time around, he wanted to breathe a bit easier, to feel that breath in the music as well. So he and his band drove out to the desert to record in a low-stress environment: Brian Harris' Cactopia, a house surrounded by 6ft tall sculptural psychotropic cacti. They built a studio inside and then they made music and lived off pots of coffee and chili and cases of Miller High Life as they played guitars, bass, keyboards and drums in what seemed increasingly like a living biomech, their tech made out of fungal networks and cacti needles.It was loose and flowed onto tape well. Recorded by Robbie Cody and Zac Hernandez (who assisted on Wand's Laughing Matter), the sounds were great from the get-go. First takes were mostly best takes. Fueled with DNA lifted from country-rock cut with native psych and prog strands, Cory guided his craft toward the cosmic side of the highway, a benevolent alien in ambient fields hazy with heat and synths, early morning fog and space echo spreading the harmonies wide.Pale Horse Rider's got a lot to get out of its mind, looking around and seeing that, on the surface, things don't always look like much. A lifelong Californian, Cory's naturally found himself standing to the left of most of the country. The west may b...

Lucy Dacus' drittes Album “Home Video” basiert auf Erinnerungen ihrer Coming-of-Age-Jahre in Richmond, Virginia. Viele der Songs beginnen auf die Weise, wie Memoiren es tun – zum Beispiel: „In the summer of ’07 I was sure I’d go to heaven, but I was hedging my bets at Vbs” – und alle haben die Passion, den Humor und die Ehrlichkeit von erfrischend autobiographischen Texten. Am wichtigsten aber: das neue Album der amerikanischen Songwriterin zeugt wie kein anderes davor von ihrer Fähigkeit persönliche Empfindungen in universelle zu verwandeln. “I can’t hide behind generalizations or fiction anymore,” sagt Dacus darüber. Denn während ihre Songs seit jeher einen nostalgische Anstrich haben, öffnet sich Dacus auf dem neuen Album komplett! Während die lange Zeit auf Tour in Lucy den Wunsch nach ihrer Heimatstadt immer größer werden ließ, fand sie nach ihrer Rückkehr in Richmond ein Zerrbild ihrer selbst vor Ort wieder. Plötzlich schienen Menschen, die sie nicht kannte, sie besser zu kennen, als sie sich selbst und Fremde tauchten immer wieder vor ihrer Tür auf, um sie mit ihrer Version Dacus‘ zu konfrontieren. “You used to be so sweet,” singt sie dementsprechend auf dem Opener "Hot & Heavy", “now you're a firecracker on a crowded street.” Und das in einer Zeit, als sie ihr Zuhause am meisten brauchte. So brach Lucy kurzerhand nach einem Monat Stille auf, um im August 2019 in den Trace Horse Studios in Nashville mit ihren loyalen Freunden und Bandkollegen Jacob Blizard, Collin Pastore und Jake Finch an neuem Material zu arbeiten. Ihre boygenius Kolleginnen Phoebe Bridgers und Julien Baker stießen hinzu um ihre Stimmen den Chorussen von „Please Stay“ und „Going Going Gone“ zu leihen und auch jeder für sich noch neue Solo-Songs während der Sessions aufzunehmen. Das „Home Video“ zum hoffentlich bald nahenden Ende dieser außergewöhnlichen, wie furchterregenden Zeit erscheint, wirkt wie vorbestimmt. “I don’t necessarily think that I’m supposed to understand the songs just because I made them,” sagt Dacus im Videocall, “I feel like there’s this person who has been in me my whole life and I’m doing my best to represent them.” Nach mehr als einem Jahr zuhause und in der Videoscreens und Anrufe größtenteils die einzig mögliche Form von menschlichem Kontakt war, ist das Schwelgen in der Vergangenheit eh für viele zum Standard geworden. In diesem Zuge ist „Home Video“ ein einzigartiges Beispiel dafür, wie man aus Verletzlichkeit Stärke gewinnen kann. Dacus‘ Stimme, sowohl die gesungene als auch ihre innere, bieten einem dafür die nötige Kraft, das Fundament und den Glaube.

Carsten von Postel, Jann Petersen und Mathias Wolff gründen ihre Band 2013 während des gemeinsamen Studiums an der Universität der Künste Berlin auf Basis einer beschwipst- euphorischen SMS. Alle Bandmitglieder kommen zu der Zeit aus unterschiedlichsten musikalischen Richtungen, sind neu in ihrer Rolle am jeweiligen Instrument und starten unter dem Namen “girlie” mit poppigem Post-Punk. Eines ihrer ersten Konzerte spielen sie im mittlerweile abgerissenen Club Antje Øklesund und finden in dessen sozialer Umgebung schnell ein Zuhause. Im Oktober 2015 veröffentlichen sie über das Berliner Label Späti Palace ihre erste gleichnamige EP auf Kassette & digital, touren zusammen mit der Band Molde und spielen auf Festivals (u.a. beim Jenseits von Millionen, c/o pop, Alinae Lumr und dem Incubate in den Niederlanden). Der Musikexpress kürt sie zu einem der besten Newcomer auf dem c/o pop Festival 2016. Im gleichen Jahr veröffentlichen sie eine gemeinsame Split-EP (12“ Vinyl und digital) mit der Berliner Band Pigeon, anlässlich derer die TAZ ihren Sound als Weiterführung von 80er-Jahre Gruppen wie Dinosaur Jr., Sonic Youth oder The Wedding Present einordnet. Diese Genre-Schublade werden sie in 2017/2018 jedoch in Teilen verlassen und beginnen an ihrem Debütalbum „Im Flausch“ zu arbeiten. Im Zuge dessen entschließen sie sich, mit deutschsprachigen Texten weiterzuarbeiten. Die Stimmung der Songs wird offener, zwischen die Instrumentalparts kehrt so etwas wie Popmusik ein – ausgebreitet auf immer wieder gern 5 bis 7 Minuten Spielzeit. Es ist ein unironisches Nebeneinander von schroffen Oberflächen und einladendem Gestus, von Noise und Pop, von Frustration und Euphorie, ja von der grauen Welt (auch der in einem selbst) und von etwas, dass sie Utopie nennen könnten. Vor der Veröffentlichung des Albums benennt sich die Band in Die Wände um und beendet damit ihre Neuerfindung. Im Flausch erscheint im Frühjahr 2019 auf Vinyl bei Späti Palace. Es folgen ausgedehnte Touren und Festivalshows im In- und Ausland während die Band parallel bereits an neuem Material arbeitet. Im Frühjahr 2020 macht die Corona-Krise dann jedoch von heute auf morgen einen Großteil des kulturellen Lebens auf unbestimmte Zeit unmöglich. Es wird still - auch um die Wände. Und jetzt? Ein Rückzug nach innen, der Proberaum der Gruppe wird zu einem besonderen Ort. Für lange Zeit ist er der einzige soziale Bezugspunkt in der Isolation: gemeinsames Labor, Raum für Auszeiten, aber gleichzeitig auch ein Ort tiefer Konzentration auf ein gemeinsames Tun. Während auf den Straßen der Stadt eine seltsame Leere entsteht schauen Die Wände aus dem Fenster in die Dunkelheit und warten ab was passiert. Zeit wird zu einem schwammigen Konzept, das sich mal sonderbar dehnt und dann wieder zusammenzieht. Das intensive gemeinsame musikalische Agieren auf den Bühnen der letzten Jahre führt hier zu neuen Formen der Kollaboration, das Material ist in seinem Urspung intuitiver, Impulse für das Songwriting kommen aus neuen Konstellationen in dieser dichten Gemeinsamkeit. Über einen Zeitraum von fast zwei Jahren entstehen so zahlreiche Skizzen und Ideen für neue Musik. Im Spätsommer 2021 geht es für die Band ins Studio Tutti nach Leipzig um nach „Im Flausch“ erneut gemeinsam mit Alexander Günther (u.a. Mellie, Adrie, Molde, Go Lamboghini Go) ein neues Album zu produzieren und aufzunehmen. Aufbauend auf dem Nebeneinander von schroffem Noise und einladendem Pop auf dem Debütalbum sind auch die neuen Songs mal schneidend dissonant, dann wieder fesselnd hypnotisch oder melancholisch wohltönend - gepaart mit oft pointierten, assoziativen Texten. 14-minütige hypnotische Grooves (24h) treffen auf knapp zwei Minuten Powerpunk (Der Trick), dazwischen finden sich aber auch nahezu klassische Popsongs (Future Me). Alle Songs verbindet die seltsam unheimliche (Un-)Ruhe einer pandemischen Zeit. Das zweite Album der Gruppe Die Wände erscheint im Frühjahr 2022 bei Glitterhouse Records.