Suche "dinosaur+jr+i+bet+on+sky" 178 Artikel

Die auf 1000 Stück limitierte 7" Single enthält die Album-Auskopplung ,Soul Of Fire" und die exklusive B-Seite ,Rip Van Winkle". Die Band WITCH entstand aus der Verbindung gegensätzlicher Einflüsse. J Mascis (DINOSAUR JR.) und sein langjähriger Freund Dave Sweetapple gründeten erst vor kurzem die Hardrock Band. Mit Kyle Thomas und Asa Irons, Mitglieder der Avant-Folk Band FEATHERS, fanden sie willige Mitstreiter. Die vier erschaffen einen mächtig klingenden Angriff auf die Hörorgane, der dem klassischen Heavy Metal Sound der frühen 70er Tribut zollt und dabei trotzdem modern klingt. Das selbstbetitelte Debütalbum von WITCH, das im März auf TeePee erscheinen wird, wurde zusammen mit Engineer John Agnello aufgenommen, der den Fußnotenlesern durch seine Arbeit bei Alben von DINOSAUR JR., J MASCIS + THE FOG, EARLY MAN, SON VOLT und SCREAMING TREES bekannt sein dürfte.

Das Londoner Duo Jockstrap, bestehend aus Georgia Ellery und Taylor Skye, kündigt heute mit "I<3UQTINVU" eine komplett neu abgemischte Version ihres für den Mercury Prize nominierten Albums "I Love You Jennifer B" aus dem Jahr 2022 an. Produziert wurde es von Taylor Skye selbst. "I<3UQTINVU", eine Abkürzung für I Love You Cutie, I Envy You, wird am 3. November über Rough Trade Records veröffentlicht. Der erste neue Track "Red Eye" (feat. IAN STARR) ist ab sofort erhältlich. "I<3UQTINVU" wird auf schwarzem Standard-Vinyl und in limitierter Auflage auf rotem Vinyl erhältlich sein, mit einem nach Parfüm duftenden Inlay. Das Remix-Album basiert auf der Idee von Skye, der mehrere Versionen des Original-Tracklistings des Albums gemacht hatte, um sich während des Schreibens von "I Love You Jennifer B." inspirieren zu lassen. Die Gastbeiträge auf dem Remix-Album reichen von Ersatz, den beiden britischen Musikern, die Skye vor vielen Jahren zum Musikmachen inspiriert haben, bis hin zu IAN STARR, mit dem er sich erst vor ein paar Monaten via Zoom getroffen hat.

Nachgepressed in klassisch schwarz!Focus On Nature ist das neue Studioalbum des gefeierten Post-Psych/Independent Singer-Songwriters Nick Saloman und seiner Band The Bevis Frond. Fünfundsiebzig Minuten herrlicher Melodien, die sich zwischen 60er-Jahre-Psych, englischem Folk, den Seattle Art-Punks The Wipers, dem Buzzsaw-Pop von Dinosaur Jr. und Hendrix-esken Erkundungen bewegen. Ihre Musik hat immer etwas spielerisch Englisches an sich. Die Kult-Ikonen, die sicherlich The Lemonheads, Teenage Fanclub, Elliot Smith, Pavement und Dinosaur Jr. beeinflussten, haben eine weitere schräge Mischung aus melodischer, klaviergeführter Melancholie, akustischen Grübeleien, kratzigem Garagen-Rock mit punkigem Einschlag und voller Gitarren-Histrionik produziert. Wie der viel gelobte und äußerst erfolgreiche Vorgänger "Little Eden" befasst sich die neue Platte mit dem Überdruss der Welt, füllt aber eine größere Leinwand aus: Fast Food und globale Erwärmung, gebrochene Herzen und lange Nächte, alltägliche Unsterblichkeit und Gottes Geschenk - all das findet seinen Platz. Es ist wie Townshend in seiner thematischsten Phase; Big Star in all ihrer akustischen Pracht, perfekt ausbalanciert mit der punkigen Garage-Rock-Combo, die auf "Empty" mit Gilmour-Breaks endet, die das Ganze zur Größe erheben. "Sie mischen immer noch Pop, Punk und Psych mit schwindelerregender Wirkung. The Guardian "Selbstreflexion gepaart mit einer reumütigen Bestandsaufnahme des aktuellen Zustands der Nation." Uncut zu Little Eden- Erhältlich auf Ltd Double Classic Black Vinyl mit DLC und/oder als CD im Digisleeve -

Im Leben geht es auf und ab. Manchmal rafft man sich auf, nur um wieder heruntergezogen zu werden. LADYHAWK wissen das. Sie standen wieder auf, gingen ins Studio und flogen vielleicht ein wenig zu nah an die Sonne, so dass sie mit angebrannten Flügeln wieder im Schatten landeten. Von dort hoben sie ihre versengten Instrumente auf, schoben die einzelnen Stücke zusammen und ließen sie so liegen, wie sie fielen. Das Resultat hört über sechs Songs hinweg auf den Namen ,Fight For Anarchy" kommt ganz ohne Bearbeitung oder Streichungen aus. Dabei zeigen LADYHAWK, dass sie wie SPOON, DINOSAUR JR oder TOM WAITS über ein ganzes Arsenal an Knurren und Lachen verfügen und ein musikalisches Gewitter erzeugen können, das niemals dieselbe Stelle noch einmal trifft.

DEEP WOUND? Dieser Name geistert seit Jahren durch die Hirne derer, die DINOSAUR JR als unabdingbaren Teil ihres Lebens verstehen. In genau dieser Band unternahm nämlich ein gewisser J Mascis seine ersten musikalischen Gehversuche (als Drummer.) und traf dort, was vielleicht wichtiger war, auf Lou Barlow. Der Rest ist, wie man so schön sagt, Geschichte. Auf dieser 24 Track Vinyl Compilation die J Mascis höchstpersönlich zusammengestellt hat, findet sich alles, was diese Hardcore/Punk Band jemals aufgenommen hat, natürlich auch die Aufnahmen der 1983 EP. Und hier noch was für Musikhistoriker: DEEP WOUND gelten gemeinsam mit SIEGE als Inspiration für den Grindcore. Klingt komisch? Ist aber so.

MAN ON MAN ist das queere Projekt von Roddy Bottum (Imperial Teen, Faith No More) und Joey Holman (HOLMAN), deren selbstbetiteltes Debütalbum 2021 als 'eine neue Art queere Hymne, die Körperbild und Vielfalt zelebriert, aber gleichzeitig ironisch und subversiv bleibt' gefeiert wurde. Auf PROVINCETOWN verfeinert das New Yorker Paar seine Songwriting- und Produktionsskills mit einer adrenalingeladenen Agenda. Abgemischt von Steven James Aguilar (The Head & The Heart, Moby) und mit J Mascis (Dinosaur Jr.) als Gast präsentieren sie Themen der Ermutigung und Unterstützung für die queere Community auf eine Weise, die als provokativ und unorthodox gesehen werden kann, als laute, aggressive Rockmusik mit einer Message. Wenn MAN ON MAN die Welt mit den schwulen Hymnen zweier sich unterstützender Liebender bekannt machte, geht PROVINCETOWN Risiken ein, stellt sich auf die Straße und schreit nach dem, woran es glaubt.

Das Londoner Duo Jockstrap (Georgia Ellery und Taylor Skye) wird sein lange erwartetes Debütalbum "I Love You Jennifer B" am 9. September via Rough Trade Records veröffentlichen. Jockstrap haben die bevorstehende Veröffentlichung bereits mit ihren Singles "50/50" und "Concrete Over Water" angedeutet. Beide wurden von BBC Radio 6 Music auf Rotation genommen und von der nationalen und internationalen Presse hoch gelobt. Das kosmische Begleitvideo zu "Concrete Over Water" wurde bei einer exklusiven Vorführung im The Castle Cinema, Hackney, uraufgeführt, gefolgt von einer weiteren von Jockstraps kultigen Partys im The Glove That Fits. Georgia Ellery und Taylor Skye von Jockstrap kommentierten die Albumveröffentlichung wie folgt: "I Love You Jennifer B ist eine Sammlung von Jockstrap-Tracks, die seit 3 Jahren in der Mache sind. Alles darauf klingt ziemlich einzigartig, also hoffen wir, dass für jeden ein Track dabei ist; also etwas, das dich anspricht und sagt 'Ich bin ein Banger'." Skye fügte über 'Glasgow' (ihre neue Single) hinzu: "'Glasgow' ist unser coming of age, moving forward, long-distance, travelling, beautiful bosk, wonderful thicket song." Und Ellery sagte über das Thema des Songs: "Glasgow ist eine tolle Stadt, vielleicht meine Lieblingsstadt in Großbritannien! Der einzige Nachteil ist, dass es die ganze Zeit so verdammt kalt ist." Wenn Georgia Ellery und Taylor Skye als Jockstrap Musik machen, gibt es für den Prozess und das Ergebnis nur eine Definition: pure moderne Pop-Alchemie. Mit ihrem Debütalbum"I Love You Jennifer B" werden sich Jockstrap als eine der vitalsten jungen Gruppen etablieren, die seit Jahren aus Londons Schmelztiegel der Musikkulturen hervorgegangen sind.

Das Londoner Duo Jockstrap (Georgia Ellery und Taylor Skye) wird sein lange erwartetes Debütalbum "I Love You Jennifer B" am 9. September via Rough Trade Records veröffentlichen.Jockstrap haben die bevorstehende Veröffentlichung bereits mit ihren Singles "50/50" und "Concrete Over Water" angedeutet. Beide wurden von BBC Radio 6 Music auf Rotation genommen und von der nationalen und internationalen Presse hoch gelobt. Das kosmische Begleitvideo zu "Concrete Over Water" wurde bei einer exklusiven Vorführung im The Castle Cinema, Hackney, uraufgeführt, gefolgt von einer weiteren von Jockstraps kultigen Partys im The Glove That Fits. Georgia Ellery und Taylor Skye von Jockstrap kommentierten die Albumveröffentlichung wie folgt: "I Love You Jennifer B ist eine Sammlung von Jockstrap-Tracks, die seit 3 Jahren in der Mache sind. Alles darauf klingt ziemlich einzigartig, also hoffen wir, dass für jeden ein Track dabei ist; also etwas, das dich anspricht und sagt "Ich bin ein Banger"." Skye fügte über "Glasgow" (ihre neue Single) hinzu: ""Glasgow" ist unser coming of age, moving forward, long-distance, travelling, beautiful bosk, wonderful thicket song." Und Ellery sagte über das Thema des Songs: "Glasgow ist eine tolle Stadt, vielleicht meine Lieblingsstadt in Großbritannien! Der einzige Nachteil ist, dass es die ganze Zeit so verdammt kalt ist." Wenn Georgia Ellery und Taylor Skye als Jockstrap Musik machen, gibt es für den Prozess und das Ergebnis nur eine Definition: pure moderne Pop-Alchemie. Mit ihrem Debütalbum"I Love You Jennifer B" werden sich Jockstrap als eine der vitalsten jungen Gruppen etablieren, die seit Jahren aus Londons Schmelztiegel der Musikkulturen hervorgegangen sind.

Mit "Music For Kids" legen The Folk Implosion ihre Songs aus dem Soundtrack für den Kultfilm "Kids" (1995) neu auf.

1995 steuerten The Folk Implosion, die Band um Lou Barlow (Sebadoh, Dinosaur Jr) und John Davis den Löwenteilanteil zum Soundtrack des Harmony Korine Kultfilms "Kids" bei. Die zusammen mit Engineer/Produzent Wally Gagel entstandenen Songs lieferten einen unschätzbaren klanglichen Kontrapunkt zu dem radikalen Film, den sie begleiteten. Fast 30 Jahre später erscheint nun "Music for Kids", ein Kompendium, das die zahlreichen Aktivitäten der Band zusammenfasst. Im Mittelpunkt stehen die Originalsongs sowie B-Seiten, unveröffentlichte Stücke und Remixe aus dieser Zeit. Die Tracks wurden neu gemastert und einige, wie der erfolgreichste Song des Duos "Natural One", sind zum ersten Mal auf Streaming-Diensten verfügbar. Die Neuauflage enthält außerdem zwei Remixe von den Dust Brothers und Unkle sowie eine Instrumentalversion von "Nothing Gonna Stop".

Buffalo Tom (Bill Janovitz, Chris Colbourn und Tom Maginnis) gründeten sich 1984 an der University of Massachusetts in Amherst - einer Brutstätte von Post-Punk-Gitarrenbands wie Dinosaur Jr. und Pixies. Die drei langjährigen Bandmitglieder erkennen die Leistung ihrer Langlebigkeit als kreative Einheit an. Anfänglich boten sie einen rauen, treibenden Sound, der Janovitz" imposanten Gitarrensound hervorhob, doch der frühe Ansatz von Buffalo Tom wich einem melodischeren, aber nicht weniger unverwechselbaren Stil. Die Band hat zehn Studioalben veröffentlicht, das jüngste, Jump Rope, erschien Anfang dieses Jahres. "Big Red Letter Day" wurde 1993 veröffentlicht. Auf ihrem vierten Album machten sie das, was sie sehr gut können, aber mit mehr Glanz in der Produktion. Das Album wurde in LA von den Robb Brothers aufgenommen und enthält zahlreiche Publikumslieblinge, vor allem: "Sodajerk", 'I"m Allowed", 'Treehouse" und 'Late At Night". Die Band erlangte neue Berühmtheit, als "Late At Night" in einer Schlüsselszene der kurzlebigen TV-Kultserie "My So Called Life" mit Claire Danes und Jared Leto in den Hauptrollen zu hören war, die Mitte der 90er Jahre ausgestrahlt wurde. Der Song kam nicht nur in der Folge vor, sondern die Band wurde auch bei der Aufführung des Songs gezeigt. Der Rolling Stone bezeichnete den Song in einem Bericht über die Band als "inspirierte, geradlinige Power-Pop-Sammlung", und Spin schrieb: "Die Leidenschaft fühlt sich echt an und die Musik ist erhaben."

Zweites Studioalbum des Hamburger Indietrios um Gitarrist und Sänger RICK MCPHAIL (TOCOTRONIC) als CD plus Bonus-CD und Vinyl-LP auf dem bandeigenen Label THE UPPER ROOM. Seit 2004 ist RICK MCPHAIL den Meisten als viertes Bandmitglied von TOCOCTRONIC bekannt, doch der aus Maine stammende Hamburger hat bereits vorher mit Bands wie VENUS VEGAS und seitdem mit GLACIER und MINT MIND ganz eigene Wege verfolgt. Nach dem Debüt Near Mint (2016) und der EP My New Skateboard (2018) legen MINT MIND im neuen Line-Up mit TIM WENZLICK am Schlagzeug und CHRISTIAN KLINDWORTH an der zweiten Gitarre zehn brandneue Songs vor, die exemplarisch die raue Soundästhetik der 60 s Fuzz-Garage-Ära mit der Experimentierfreude des Post Punk, New Wave und College Rock verbinden. Einflüsse von THE SEEDS bis DINOSAUR JR., THE STOOGES bis WIRE oder THE KINKS bis hin zu den PIXIES gesellen sich selbstverständlich zueinander, simple Songstrukturen bieten umso mehr Raum für Sounds, Effekte und dynamisches Auf und Ab. Vom noisigen Zweiminüter ( I Love A Good Queue ) bis zum über zehn Minuten langen Titelsong spielen sich MINT MIND mit erfreulicher Lässigkeit durch die besten Momente der Undergrond-Musik. Produziert und aufgenommen mit ZAC JOHNSON (ex READYMADE), in RICK s THE UPPER ROOM-Studio, gemastert von PHILIPP WELSING (MANDO DIAO, CALLEJON, PHILLIP BOA, GURR). Bonus-CD und Downloadcode der LP enthalten die Songs des ersten Albums und der EP! Indie-Tipp!

Dev Hynes entlässt ein Mixtape in die Freiheit und füllt es mit reinster Wonne! Man könnte es Ausschussverwertung nennen, wir nennen es einen grandiosen Epilog zum letztjährigen "Negro Swan". Dev Hynes sagt über "Angel's Pulse": "My new record is called Angel's Pulse & I performed, produced and mixed the entire thing myself. I'm calling it a mixtape. I have a habit through the years of making records that I just give to friends, or on tape to people on the street, or no one. Usually this material is made directly after the album I've just put out. Somewhat of an epilogue to the thing I've made before. This time.. I decided to release it. I put as much work and care into it as I do with the albums I've released, but for some reason trained myself into not releasing things the rate at which I make them. I'm older now though, and life is unpredictable and terrifying ... so here you go mates." Mit dabei sind so illustere Gäste wie Toro y Moi, BennY RevivaL, Justien Skye, Project Pat, Ian Isiah, u.v.a.

Der Nachschlag zum 2018er Werk „Negro Swan“, mit illusteren Gästen, komplett in Eigenregie von Dev Hynes produziert.

Dev Hynes entläßt ein Mixtape in die Freiheit und füllt es mit reinster Wonne! Man könnte es Ausschussverwertung nennen, wir nennen es einen grandiosen Epilog zum letztjährigen Negro Swan. Dev Hynes sagt über Angel's Pulse: "My new record is called Angel’s Pulse & I performed, produced and mixed the entire thing myself. I’m calling it a mixtape. I have a habit through the years of making records that I just give to friends, or on tape to people on the street, or no one. Usually this material is made directly after the album I’ve just put out. Somewhat of an epilogue to the thing I’ve made before. This time.. I decided to release it. I put as much work and care into it as I do with the albums I’ve released, but for some reason trained myself into not releasing things the rate at which I make them. I’m older now though, and life is unpredictable and terrifying… so here you go mates." Mit dabei so illustere Gäste wie Toro y Moi, BennY RevivaL, Justien Skye, Project Pat, Ian Isiah & viele weitere)

Robert Cray hat, während der letzten vier Jahrzehnte die Grenzen zwischen Blues, Soul und R&B verschmelzen lassen, 5 Grammys gewonnen (15x nominiert!) und 20 Alben veröffentlicht. Sein neues Album "That's What I Heard" wurde in den berühmten Capitol Records Studios aufgenommen und von Steve Jordan (Sheryl Crow, Josh Groban, Keith Richards, Boz Scaggs) produziert. Das Album ist eine schöne Mischung aus Blues, Soul, Boogaloo und Gospel. Als Gastmusiker sind Ray Parker Jr and Steve Perry.

Das achte Album der vierköpfigen Band strotzt nur so vor eindringlich-emotionalen Pop-Rock-Hooks, zu Herzen gehenden, erlösenden Texten, headbangenden Riffs, kraftvoller Dynamik, donnernden Drums und ihrer bisher mitreißendsten Musikalität. Das 12-Song-Album ist auch das größte und am besten klingende Album von BSC. Das selbstproduzierte Studioalbum wurde in einem klassischen Theater in Kentucky aufgenommen, und es klingt, als würden die Jungs den Hammer der Götter schwingen. In den letzten zwei Jahrzehnten haben Black Stone Cherry einen neuen Standard für Südstaaten-Rock gesetzt und die Tradition mit ihren stämmigen Riffs und mitreißenden Rock-Hooks wiederbelebt. Seit ihrer Gründung im Jahr 2001 besteht die vierköpfige Bruderschaft aus Chris Robertson, Gesang/Gitarre; Ben Wells, Gitarre/Gesang; und John Fred Young, Schlagzeug. Heute begrüßt die Band ihren guten Freund Steve Jewell Jr. am Bass/Backing Vocals.

Screamin' At The Sky war eine Katharsis für Black Stone Cherry, und das Quartett genießt die Ruhe nach dem Sturm.

Buffalo Tom (Bill Janovitz, Chris Colbourn und Tom Maginnis) gründeten sich 1984 an der University of Massachusetts in Amherst - einer Brutstätte von Post-Punk-Gitarrenbands wie Dinosaur Jr. und Pixies. Die drei langjährigen Bandmitglieder erkennen die Leistung ihrer Langlebigkeit als kreative Einheit an. Anfänglich boten sie einen rauen, treibenden Sound, der Janovitz" imposanten Gitarrensound hervorhob, doch der frühe Ansatz von Buffalo Tom wich einem melodischeren, aber nicht weniger unverwechselbaren Stil. Die Band hat zehn Studioalben veröffentlicht, das jüngste, Jump Rope, erschien Anfang dieses Jahres. Birdbrain ist das zweite Album der Band, das mit Hilfe von J Mascis produziert wurde. Die Songs von "Birdbrain" sind zu Live-Favoriten geworden, darunter der epische Titelsong und "Enemy". Bill Janovitz sprach über den Songwriting-Prozess für dieses Album und sagte: "Ich denke, das Interessante an Birdbrain ist, dass sich das Songwriting verändert hat. Ich hatte alles auf der ersten Platte geschrieben. "Birdbrain" ist eine Art melancholischer Track, aber das meiste davon, wie "Fortune Teller" oder "Directive", das sind in vielerlei Hinsicht sehr wütende Songs. Für mich war das viel punkrockiger, aber wir haben uns in diese Richtung bewegt, und ich weiß nicht, warum. Aber Chris hat angefangen zu schreiben. Chris singt und schrieb "Baby" und die Art und Weise, wie wir schrieben - wir schrieben nicht im selben Raum zusammen - aber wir brachten diese Ideen zueinander und trieben sie herum."

Buffalo Tom (Bill Janovitz, Chris Colbourn und Tom Maginnis) gründeten sich 1984 an der University of Massachusetts in Amherst - einer Brutstätte von Post-Punk-Gitarrenbands wie Dinosaur Jr. und Pixies. Die drei langjährigen Bandmitglieder erkennen die Leistung ihrer Langlebigkeit als kreative Einheit an. Anfänglich boten sie einen rauen, treibenden Sound, der Janovitz" imposanten Gitarrensound hervorhob, doch der frühe Ansatz von Buffalo Tom wich einem melodischeren, aber nicht weniger unverwechselbaren Stil. Die Band hat zehn Studioalben veröffentlicht, das jüngste, Jump Rope, erschien Anfang dieses Jahres. 1992 nahm die Band ihr drittes Album "Let Me Come Over" auf, auf dem sie eine Reihe von Songs, die sie zu Hause und unterwegs entwickelt hatten, mit ihrem Live-Power-Trio-Sound und einigen akustischeren Gitarrenballaden mischte. Die Single "Taillights Fade" aus diesem Album wurde zu ihrem Markenzeichen. Auf ihren ersten beiden Alben bauten Buffalo Tom gewaltige Gitarrenlandschaften und beherrschten eine naturalistische Version der Dynamik von leise zu laut. Für ihr drittes Album haben Buffalo Tom ihre Haut ein wenig, aber nicht vollständig abgestreift und ihren Charme stärker in den Vordergrund gestellt. "Let Me Come Over" ist der Sound des Trios, das sich aus dem insularen Underground in die weite Welt des "alternativen" Rocks begibt - und dabei mehr oder weniger seine besten Moves mitbringt.

Broken Social Scene sind zurück!
Das Kollektiv um Kevin Drew und Brendan Canning ist die Ursuppe der kanadischen
Indierockexplosion der Nullerjahre. Feist, Stars, Metric, sie alle sind daraus hervorgegangen und bis
heute gerne gesehene Gäste. Ohne Broken keine Arcade Fire, keine Wolf Parade, kein Arts & Crafts
Label, keine Timber Timbre und und und. Dabei ist diese Social Scene eigentlich so etwas wie die
archetypische, fleischgewordene Definition einer Indierockband im traditionellsten Sinn. Think:
Pavement, eine gute Dekade früher, irgendwie Slack, aber dabei hymnisch, hippie-esque und gerne
verquer. Außerdem waren sie bei frühen Auftritten alle auch noch barfüßig!
Kanadier sagen von sich ja gerne, we try harder – we have to, wenn sie sich an den Brüdern und
Schwestern in den USA messen. Und darum eben klang bei Broken Social Scene immer alles diesen
einen Ticken größer und manchmal auch bombastischer, aber dann doch auch immer diese Spur
dreckig und unaufgeräumt.
Wenn Bei Broken Bombast ins Spiel kam, dann klang das eher so, als ob Kevin Shields (My Bloody
Valentine) und J Mascis (Dinosaur Jr.) zusammen ein Stadion in Schutt und Asche legen wollen.
Broken Social Scene, mit Kevin Drew und Brendan Canning im Kern des Wahnsinns, haben
durchgehalten und sich nicht beirren lassen.

Lucy Dacus' drittes Album “Home Video” basiert auf Erinnerungen ihrer Coming-of-Age-Jahre in Richmond, Virginia. Viele der Songs beginnen auf die Weise, wie Memoiren es tun – zum Beispiel: „In the summer of ’07 I was sure I’d go to heaven, but I was hedging my bets at Vbs” – und alle haben die Passion, den Humor und die Ehrlichkeit von erfrischend autobiographischen Texten. Am wichtigsten aber: das neue Album der amerikanischen Songwriterin zeugt wie kein anderes davor von ihrer Fähigkeit persönliche Empfindungen in universelle zu verwandeln. “I can’t hide behind generalizations or fiction anymore,” sagt Dacus darüber. Denn während ihre Songs seit jeher einen nostalgische Anstrich haben, öffnet sich Dacus auf dem neuen Album komplett! Während die lange Zeit auf Tour in Lucy den Wunsch nach ihrer Heimatstadt immer größer werden ließ, fand sie nach ihrer Rückkehr in Richmond ein Zerrbild ihrer selbst vor Ort wieder. Plötzlich schienen Menschen, die sie nicht kannte, sie besser zu kennen, als sie sich selbst und Fremde tauchten immer wieder vor ihrer Tür auf, um sie mit ihrer Version Dacus‘ zu konfrontieren. “You used to be so sweet,” singt sie dementsprechend auf dem Opener "Hot & Heavy", “now you're a firecracker on a crowded street.” Und das in einer Zeit, als sie ihr Zuhause am meisten brauchte. So brach Lucy kurzerhand nach einem Monat Stille auf, um im August 2019 in den Trace Horse Studios in Nashville mit ihren loyalen Freunden und Bandkollegen Jacob Blizard, Collin Pastore und Jake Finch an neuem Material zu arbeiten. Ihre boygenius Kolleginnen Phoebe Bridgers und Julien Baker stießen hinzu um ihre Stimmen den Chorussen von „Please Stay“ und „Going Going Gone“ zu leihen und auch jeder für sich noch neue Solo-Songs während der Sessions aufzunehmen. Das „Home Video“ zum hoffentlich bald nahenden Ende dieser außergewöhnlichen, wie furchterregenden Zeit erscheint, wirkt wie vorbestimmt. “I don’t necessarily think that I’m supposed to understand the songs just because I made them,” sagt Dacus im Videocall, “I feel like there’s this person who has been in me my whole life and I’m doing my best to represent them.” Nach mehr als einem Jahr zuhause und in der Videoscreens und Anrufe größtenteils die einzig mögliche Form von menschlichem Kontakt war, ist das Schwelgen in der Vergangenheit eh für viele zum Standard geworden. In diesem Zuge ist „Home Video“ ein einzigartiges Beispiel dafür, wie man aus Verletzlichkeit Stärke gewinnen kann. Dacus‘ Stimme, sowohl die gesungene als auch ihre innere, bieten einem dafür die nötige Kraft, das Fundament und den Glaube.

Buffalo Tom (Bill Janovitz, Chris Colbourn and Tom Maginnis) formed at the University of Massachusetts at Amherst in 1984 - a breeding ground of post punk guitar bands like Dinosaur Jr. and Pixies. The three longstanding bandmates recognize the achievement of their longevity as a creative unit. Initially offering a raw, propulsive sound that emphasized Janovitz's imposing guitar squall on such early releases as 1989's Buffalo Tom and 1990's Birdbrain, Buffalo Tom's early approach gave way to a more melodic, yet no less distinctive, style on 1992's Let Me Come Over (including the hit ballad "Taillights Fade"), 1993's Big Red Letter Day (including the hit "Soda Jerk") and 1995's Sleepy Eyed.Their friendship with J. Mascis helped the band's career take off by assisting with the production on the band's first two albums; their self-titled debut, and Birdbrain.Since Birdbrain's release 30 years ago, many songs from it album have become live favorites including the epic title track "Birdbrain", and "Enemy". Trouser Press wrote that "[Birdbrain] boasts most of Buffalo Tom's best songs."Buffalo Tom continues to make fantastic music, and they only get better with age. Their most recent album Quiet and Peace, came out in 2018.

Das neue Album von Misty Coast in limitierter Auflage als White Vinyl!

Hinter Misty Coast verbergen sich Linn Frokedal und Richard Myklebust. Ihr neues Album "Nevereverending" ist der Nachfolger des Debütalbums "When I Fall From The Sky" von 2021. Die musikalischen Wurzeln des norwegischen Duos gehen auf die Noise-Rock-Lieblinge The Megaphonic Thrift zurück, und ihre Vorliebe für ungeschliffene Produktionen, Fuzz-Pedale und großartige Pop-Melodien ist deutlicher denn je, mit verträumten Atmosphären, eingängigen Melodien und psychedelischen Vibes. Mit Gastauftritte von Kim Age Furuhaug, Anne Lise Frokedal, Hakon Brunborg Kjenstad und Tuvaband. In limitierter Auflage auf White Vinyl. Für Fans von: The Flaming Lips, My Bloody Valentine und Warpaint.

Man muss sich nur kurz mit dem Indie-Rock-Trio unterhalten, um die innige Wärme ihrer starken Verbundenheit zu spüren, die drei jungen Musikerinnen sind beste Freunde. Diese persönliche Nähe schimmert auch auf ihrem Debütalbum "Versions of Modern Performance" durch. Penelope Lowenstein (Gitarre, Gesang), Nora Cheng (Gitarre, Gesang) und Gigi Reece (Schlagzeug) machen alles gemeinsam, vom Songwriting über den wechselnden Gesang und den Tausch von Instrumenten bis hin zum Sound- und Visual Art-Design. "Versions of Modern Performance" wurde mit John Agnello (Kurt Vile, The Breeders, Dinosaur Jr.) im Electrical Audio-Studio aufgenommen. "Es ist unser erstes Album. Wir hatten bei Agnello sofort das Gefühl, dass er wirklich respektiert, was wir zu tun versuchten", sagt die Band. Horsegirl spielen auf dem Album gekonnt mit Texturen, Formen und Schattierungen und zeigen ihre Vorliebe für Improvisationen und Experimente. Der Opener "Anti-glory" ist schillernder Post-Punk-Song. "Dirtbag Transformation (Still Dirty)" und "World of Pots and Pans" haben einen rauen Pop-Charme. "The Fall of Horsegirl" besticht wiederum durch seine scharfen Konturen und einem kantigen Sound. Man kann in ihrer Musik Elemente der Independent-Musik der 80er und 90er Jahre hören, die Sounds die Horsegirl so sehr lieben - die schraddelige Melodik dessen, was man früher "College-Rock" nannte, den kühlen und sprudelnden Space-Age-Glanz der 90er-Jahre, das laute Dröhnen von Shoegaze, die sparsamen Hooks und Rhythmen von Post-Punk. Sogar ein bisschen No-Wave ist mit dabei. Horsegirl vermischen die Einflüsse zu einem Sound einer neuen Generation, für die die 90er-Jahre Lichtjahre entfernt zurückliegen und gleichzeitig doch so nah sind.

Man muss sich nur kurz mit dem Indie-Rock-Trio unterhalten, um die innige Wärme ihrer starken Verbundenheit zu spüren, die drei jungen Musikerinnen sind beste Freunde. Diese persönliche Nähe schimmert auch auf ihrem Debütalbum "Versions of Modern Performance" durch. Penelope Lowenstein (Gitarre, Gesang), Nora Cheng (Gitarre, Gesang) und Gigi Reece (Schlagzeug) machen alles gemeinsam, vom Songwriting über den wechselnden Gesang und den Tausch von Instrumenten bis hin zum Sound- und Visual Art-Design. "Versions of Modern Performance" wurde mit John Agnello (Kurt Vile, The Breeders, Dinosaur Jr.) im Electrical Audio-Studio aufgenommen. "Es ist unser erstes Album. Wir hatten bei Agnello sofort das Gefühl, dass er wirklich respektiert, was wir zu tun versuchten", sagt die Band. Horsegirl spielen auf dem Album gekonnt mit Texturen, Formen und Schattierungen und zeigen ihre Vorliebe für Improvisationen und Experimente. Der Opener "Anti-glory" ist schillernder Post-Punk-Song. "Dirtbag Transformation (Still Dirty)" und "World of Pots and Pans" haben einen rauen Pop-Charme. "The Fall of Horsegirl" besticht wiederum durch seine scharfen Konturen und einem kantigen Sound. Man kann in ihrer Musik Elemente der Independent-Musik der 80er und 90er Jahre hören, die Sounds die Horsegirl so sehr lieben - die schraddelige Melodik dessen, was man früher "College-Rock" nannte, den kühlen und sprudelnden Space-Age-Glanz der 90er-Jahre, das laute Dröhnen von Shoegaze, die sparsamen Hooks und Rhythmen von Post-Punk. Sogar ein bisschen No-Wave ist mit dabei. Horsegirl vermischen die Einflüsse zu einem Sound einer neuen Generation, für die die 90er-Jahre Lichtjahre entfernt zurückliegen und gleichzeitig doch so nah sind.

Die Wiederveröffentlichung eines Klassikers: Deer Ticks Debüt-Meisterwerk War Elephant jetzt erhältlich auf "heavy metal grey" Zweifach-Vinyl mit einer Ätzung auf Seite D und dem Original-Cover-Artwork. Ein bedruckter Einleger liegt bei.

John McCauley III hat das Album im zarten Alter von 21 Jahren geschrieben, arrangiert, eingespielt und aufgenommen. Es ist voll von Liedern, die weiser und nuancierter sind, als man für einen jungen Mann in seinem Alter vermuten könnte. Die Texte sind nachdenklich und warmherzig, ganz im Stil von Johns Singer/Songwriter-Helden wie Townes van Zandt, Neil Young und Richie Valens. Das Album endet mit einer Coverversion des 1962 mit dem GRAMMY? ausgezeichneten Songs des Jahres "What Kind of Fool Am I" von Sammy Davis, Jr.

Ein Debütalbum das sich der Genrekategorisierung entzieht und schon jetzt als Klassiker gilt. Ein Barroom-Rock-Album voller Hooks, das mit der eingängigen Düsternis der 90er Jahre in Seattle ebenso verbunden ist wie mit dem Honky Tonk der späten 80er Jahre in Minneapolis und den 70er Jahren in Austin.

Weiße Vinyl LP inklusive Textblatt und mit Downloadcode. Die Erfinder des Lo-Fi-Indie-Rock kehren mit einem 15-Track-Blaster der melodischen Melancholie zurück. Auf ihrem ersten Studioalbum seit "Defend Yourself" (2013) liefern Lou Barlow, Jason Loewenstein und Bob D'Amico ein Sammelsurium von wunderschön dysfunktionalen Melodien, die auf ihre besten College-Rock-Hymnen zurückgehen. Hier ist Barlow mit seinem introvertierten Songwriting am besten; er liefert einen Strom von Geschichten, die sich selbst in Frage stellen und haut die Einzeiler nur so raus, unterbrochen von verstimmten Gitarren und wirbelnden Tempowechseln. Loewenstein steht Barlow in Nichts nach, und sorgt für die gefühlt härteren Rock-Momente, nicht ohne den gewissen Hauch Weirdness. Eine körnige Post-Grunge-Postkarte, umhüllt von bittersüßen Melodien mit einem Nachgeschmack, der ein reiner Herzschmerz ist. Weitere Songs über das falsche Aufwachsen für diejenigen, die weiterhin vom Leben überrascht werden - alles unleserlich handschriftlich und liebevoll auf Vinyl geschrieben.

WE, das mit Spannung erwartete sechste Studioalbum von Arcade Fire, erscheint am 6. Mai 2022 über Columbia Records.



Produziert von Nigel Godrich, Win & Régine und aufgenommen an verschiedenen Orten wie New Orleans, El Paso und Mount Desert Island, destilliert WE paradoxerweise "die längste Zeit, die wir jemals ununterbrochen mit dem Schreiben verbracht haben, wahrscheinlich jemals" (Win Butler) in ein prägnantes 40-minütiges Epos - ein Epos, das sowohl von den Kräften handelt, die uns von den Menschen, die wir lieben, wegzuziehen drohen, als auch von der dringenden Notwendigkeit, sie zu überwinden. WE's kathartische Reise folgt einem definierbaren Bogen von der Dunkelheit ins Licht über den Verlauf von sieben Songs, die in zwei unterschiedliche Seiten unterteilt sind – die Seite "I", welche die Angst und Einsamkeit der Isolation kanalisiert, und die Seite "we", welche die Freude und Kraft der Wiedervereinigung ausdrückt.



Das Cover des Albums zeigt die Fotografie eines menschlichen Auges des Künstlers JR, die an Sagittarius A*, das supermassive schwarze Loch im Zentrum der Galaxie, erinnert. Dieses atemberaubende Bild - verschönert durch die unverwechselbare Airbrush-Farbgebung von Terry Pastor (der dieselbe Technik wie bei David Bowies legendären Covern von Hunky Dory und Ziggy Stardust anwendet) - ist der visuelle Ausdruck von WE.

Limitierte Nachpressung einer Farbversion der Jubiläums-Edition des Debüts der hierzulande erfolgreichsten Vertreter des wahren Independent! - "...their 1990 self-titled debut paid homage to the American hardcore and grunge bands they fell in love with as kids,..." (allmusic.com) -THE NOTWIST, 1989 gegründet, damals bestehend aus Martin Messerschmidt, sowie den Brüdern Micha und Markus Acher - veröffentlichte vor gut dreißig Jahren ihr selbstbetiteltes Debüt-Album auf Subway Records, eine einzigartige Gratwanderung zwischen melodiösem Independent, metallischen Rock und explosiven Hardcore-Parts." Die dreizehn noisy Songs ließen erst erahnen, dass sich hier der Beginn einer ebenso großartigen wie ungewöhnlichen und vielfältigen Karriere zeigt: "Über weite Strecken eine ziemlich heftige Punk/Hardcore/Metal-Mischung, taucht am Ende der Platte doch eine frühe Notwist-Hymne auf: "Nothing Like You"." (laut.de) Der erste Schritt war getan, doch an Top 10 und Feuilleton dachte damals wahrscheinlich noch niemand:"Hello! Laugh and sing, dance and jump...GROOOOOARRRR! It's notwist but my twist! YES SIR!", so geschrieben auf der Seitenfalz der LP: "...this record features a good helping of double bass drum action, consistent cymbal abuse, guitar fret squealing and wheedling, lots of chords chug-chug-chugging, and even a few spots where Markus Acher (he of the laconic Teutonic vocalizing) actually essays a few disgruntled ur-screamo barks." (pitchfork.com) - "Ich war schon Fan von euch, als eure Musik noch Neil Young Hardcore hieß. (_) Metallica Riffs, mit Dinosaur Jr Gesang mit Englisch mit bayerischem Akzent - das ist genial." (Thees Uhlmann 2021)" -Limitierte farbige Vinyl-Versionen (neuer Vinylschnitt), eine neue CD-Auflage (Digital Remaster, alternatives Artwork) und Album Digital ab November 2021! Die LP mit beigelegtem Prägedruck, Insert und Polaroid-Replika, die CD mit Kreuzfalz-Kraftpapier-Booklet und Polaroid-Replika.

Wooden Shjips, long-time leaders of the contemporary psychedelic movement, expand their sound with V. The quartet of Omar Ahsanuddin, Dusty Jermier, Nash Whalen and Ripley Johnson augment their already rich sound with laid back, classic summer songs. The songs were written during the summer of 2017 by singer and guitarist Ripley Johnson as an antidote to the pervasive anxiety both political and natural. As Ripley tells it, "We had huge forest fires just outside of Portland and there was intense haze and layers of ash in the city. I was sitting on my porch every evening, watching ash fall down like snow, the sky looking like it was on fire. It was an apocalyptic feeling. Summer in Portland is usually really chill and beautiful, and we were working on a 'summer record,' but the outside world kept intruding on my headspace." V., a graphic representation of the Peace sign, seemed apt to an album focused on the power of peace, beauty and resistance. The music is a balm against the noise and negativity.

WE, das mit Spannung erwartete sechste Studioalbum von Arcade Fire, erscheint am 6. Mai 2022 über Columbia Records.

In manchen Ländern ist diese Pressung ein Amazon-Exclusive.



Produziert von Nigel Godrich, Win & Régine und aufgenommen an verschiedenen Orten wie New Orleans, El Paso und Mount Desert Island, destilliert WE paradoxerweise "die längste Zeit, die wir jemals ununterbrochen mit dem Schreiben verbracht haben, wahrscheinlich jemals" (Win Butler) in ein prägnantes 40-minütiges Epos - ein Epos, das sowohl von den Kräften handelt, die uns von den Menschen, die wir lieben, wegzuziehen drohen, als auch von der dringenden Notwendigkeit, sie zu überwinden. WE's kathartische Reise folgt einem definierbaren Bogen von der Dunkelheit ins Licht über den Verlauf von sieben Songs, die in zwei unterschiedliche Seiten unterteilt sind – die Seite "I", welche die Angst und Einsamkeit der Isolation kanalisiert, und die Seite "we", welche die Freude und Kraft der Wiedervereinigung ausdrückt.



Das Cover des Albums zeigt die Fotografie eines menschlichen Auges des Künstlers JR, die an Sagittarius A*, das supermassive schwarze Loch im Zentrum der Galaxie, erinnert. Dieses atemberaubende Bild - verschönert durch die unverwechselbare Airbrush-Farbgebung von Terry Pastor (der dieselbe Technik wie bei David Bowies legendären Covern von Hunky Dory und Ziggy Stardust anwendet) - ist der visuelle Ausdruck von WE.

Softpak mit 14 Polaroid inserts, Sticker WE, das mit Spannung erwartete sechste Studioalbum von Arcade Fire, erscheint am 6. Mai 2022 über Columbia Records.

Produziert von Nigel Godrich, Win & Régine und aufgenommen an verschiedenen Orten wie New Orleans, El Paso und Mount Desert Island, destilliert WE paradoxerweise "die längste Zeit, die wir jemals ununterbrochen mit dem Schreiben verbracht haben, wahrscheinlich jemals" (Win Butler) in ein prägnantes 40-minütiges Epos - ein Epos, das sowohl von den Kräften handelt, die uns von den Menschen, die wir lieben, wegzuziehen drohen, als auch von der dringenden Notwendigkeit, sie zu überwinden. WE's kathartische Reise folgt einem definierbaren Bogen von der Dunkelheit ins Licht über den Verlauf von sieben Songs, die in zwei unterschiedliche Seiten unterteilt sind – die Seite "I", welche die Angst und Einsamkeit der Isolation kanalisiert, und die Seite "we", welche die Freude und Kraft der Wiedervereinigung ausdrückt.



Das Cover des Albums zeigt die Fotografie eines menschlichen Auges des Künstlers JR, die an Sagittarius A*, das supermassive schwarze Loch im Zentrum der Galaxie, erinnert. Dieses atemberaubende Bild - verschönert durch die unverwechselbare Airbrush-Farbgebung von Terry Pastor (der dieselbe Technik wie bei David Bowies legendären Covern von Hunky Dory und Ziggy Stardust anwendet) - ist der visuelle Ausdruck von WE.

What Do We Do Now ist das fünfte Solo-Studioalbum, das J Mascis seit 1996 aufgenommen hat. Das ist natürlich kein besonders aggressiver Veröffentlichungsrhythmus, aber wenn man die Live-Alben, Gastauftritte und Aufnahmen mit seinen verschiedenen anderen Bands (Dinosaur Jr., The Fog, Heavy Blanket, Witch, Sweet Apple usw.) mit einbezieht, kann man mit den Worten von Lou Reed sagen: "J's week beats your year". What Do We Do Now begann in den letzten Tagen der Pandemie zu entstehen. In seinem eigenen Bisquiteen Studio begann J damit, eine Reihe von akustischen Stücken zu schreiben, die eine andere Dynamik haben als die Stücke, die er für Dino schreibt. "Wenn ich für die Band schreibe", sagt er, "versuche ich immer, an Dinge zu denken, in die Lou und Murph hineinpassen würden. Bei mir selbst denke ich mehr darüber nach, was ich mit einer Akustikgitarre machen kann, sogar bei den Leads. Dieses Mal habe ich natürlich ein Schlagzeug und elektrische Leads hinzugefügt, obwohl die Rhythmus-Parts immer noch akustisch sind. Normalerweise versuche ich, die Solosachen einfacher zu machen, damit ich sie selbst spielen kann, aber ich wollte unbedingt das Schlagzeug hinzufügen. Als ich damit angefangen habe, hat sich alles andere von selbst ergeben. So klang es am Ende viel mehr wie eine Bandplatte. Ich weiß nicht genau, warum ich das gemacht habe, aber es ist einfach so passiert." Diesmal sind zwei Gastmusiker mit von der Partie: Ken Mauri (von den B52s) aus Western Mass spielt bei einigen Stücken Klavier. Da J selbst einige Erfahrung mit den Tasten hat, sagt er auf die Frage, warum er einen Gastmusiker brauchte: "Ken ist großartig und er spielt alle Tasten. Ich habe versucht, auf dem ersten Fog-Album ein paar Keyboards zu spielen, aber ich fühle mich nur wohl, wenn ich die weißen Noten spiele, also ist das irgendwie einschränkend. (lacht) Heutzutage könnte ich einfach die Tonhöhe auf einem Mini-Mellotron ändern, um verschiedene Sounds zu spielen, aber schwarze Tasten sind einfach schwierig. Warum auch immer, ich haue lieber auf die weißen Tasten. Es scheint schwieriger zu sein, herauszufinden, wie man seine Finger um die anderen Tasten herum streckt." Mauri hat keine solchen Skrupel und spielt alle Tasten verdammt gut. Besonders toll klingt er bei "I Can't Find You", wo er als Jack Nitzsche zu Neil Young von J. eine der schönsten Melodien des Albums schafft. Der andere Gastmusiker, Matthew "Doc" Dunn, ist ebenfalls auf diesem Stück zu hören. Dunns Steel-Guitar macht die Musik sowohl breiter als auch weicher und verleiht ihr ein ganz klassisches Profil. Dunn ist ein vielseitiger Musiker aus Ontario, den J durch Matt Valentine kennengelernt hat. Nachdem J auf Docs großartiger Sub Pop-Single "Your Feel" aus dem Jahr 2022 mitgespielt hatte, fand er, dass es Zeit für eine Revanche war. Sowohl Dunn als auch Mauri tragen dazu bei, die Songs von akustischen Skizzen in ausgewachsene Post-Core-Power-Balladen zu verwandeln. What Do We Do Now ist das beste Soloprogramm, das J bisher geschrieben hat, und die Art und Weise, wie es präsentiert wird, ist einfach perfekt. Auf die Frage, ob er auf Tour gehen wird, um das Album zu unterstützen, sagt J, dass er einige Wochenendtermine wahrnehmen wird, aber wahrscheinlich keine Band zusammenstellen wird. Ich bin mir sicher, dass die Songs auch solo und akustisch großartig klingen werden, aber die Arrangements auf diesem Album sind wirklich großartig und geben Mascis' sofort erkennbarem Ansatz, Musik zu machen, einen coolen, anderen Dreh. Und was machen wir jetzt? Ich weiß es nicht. Aber anscheinend macht J. eine seiner besten Platten überhaupt. Hut ab vor ihm. - Byron Coley

Hier ist Oscillate von PG.LOST - das neue Album der Band, welche pures Drama und Katharsis lebt. Ihr fünftes Gesamtwerk - und erstes seit dem erfolgreichen 2016er Versus - braucht mit dem ausgeprägtem Verständnis von Spannung/Entspannung einen Vergleich mit Werken von Mono, Explosions in the Sky und Godspeed You! Black Emperor nicht zu scheuen. Mit Einflüssen, die von der emotionalen Wucht von Big Thief über den erfinderischen Geist des Krautrock bis hin zur Brutalität von Neurosis und dem dunklen Experimentalismus von Coil reichen, verflechten sich diese schwereren Elemente und öffnen sich in der Weite gar bis Fennesz oder Tim Hecker. Eine neue Ausrichtung, welche eine schimmernde Schönheit und Tiefe enthüllt, wie sie in der heutigen überkomprimierten und überproduzierten Version "moderner" Musik selten zu finden ist. Das Titelstück beginnt mit einer blühend dunklen Ambientpassage, ein aufsteigender Gitarren-/Synth-Part, der die Spannung aufbaut bis die endgültige Befreiung durch einem großen Refrain, gigantische Wellen von Gitarrenklängen und Percussion-Dichte erreicht wird. Oscillate steht exemplarisch für das Album als Ganzes - massiv im Umfang und noch größer im Klang. Oscillate ist nicht nur Instrumentalmusik, es ist ein eigener Film, projeziert in einem Kino mit einem makellosen Soundtrack, der mit 120 db explodiert. Das Album wurde von der Band in ihrem eigenen Studio aufgenommen und von Magnus Lindberg von Cult of Luna gemischt und gemastert. Souverän in der Ausführung ist Oscillate acht Tracks wahrer dramatischer Bombast und ein gewaltiger Schritt vorwärts für die Band - vier Jahre warten haben sich gelohnt. Für Fans von Mono, Explosions In The Sky, Mogwai, Cult of Luna, EF, Caspian, Russian Circles Band Info: PG.LOST wurde 2004 in Norrköping, Schweden, gegründet und besteht aus Mattias Bhatt, Martin Hjertstedt (ex- Ghost), Gustav Almberg (The Great Discord) und Kristian Karlsson (Cult of Luna). Auf der Suche nach einem einzigartigen Klang und der Liebe zu Post-Rock, Ambient und Shoegaze mit einem Hang zum Post-Metal, veröffentlichte die Band 2006 und 2007 ihre selbstbetitelten sowie die Yes, I Am-EPs. Daraufhin veröffentlichten PG.LOST 2008 ihre Debut-LP It's Not Me, It's You! Es folgten In Never Out, Key, die Split-LP mit Wang Wen und zuletzt Versus.

The Folk Implosion, bestehend aus Lou Barlow (von Dinosaur Jr. und Sebadoh) und John Davis, kündigen heute ihr erstes neues Album seit 25 Jahren an! „Walk Thru Me” erscheint am 28. Juni auf Joyful Noise Recordings.

Die erste Single des Albums, „Moonlit Kind", ist eine wippende, schimmernde Ode an die Nachtschwärmer. Der Song bietet einen Einblick in die Gedankenwelt von Barlow, der sich selbst als einen Bären, der "aus der Höhle kommt“ beschreibt. Mit nahöstlichen Instrumenten wie Setar, Oud, Saz und Tombak lassen Davis und Produzent Scott Solter (St. Vincent, Spoon, The Mountain Goats) den Song aufsteigen.

„Wie zum Teufel sollen wir das in einen Song verwandeln?" Das ist die Frage, die sich Lou Barlow und John Davis stellen, seit sie Anfang der 1990er Jahre The Folk Implosion mitbegründet haben. Ausgehend von improvisierten Jams mit Barlow am Bass und Davis am Schlagzeug entwickelt das Duo seine Beat-getriebenen Pop-Collagen von Grund auf neu. Diesen Prozess wendeten sie auf ihrer Debütkassette „Walk Through This World with the Folk Implosion“ an und kehren 30 Jahre später auf ihrem fesselnden, selbstreferenziellen Reunion-Album „Walk Thru Me“ zurück. Getrennt von ihren Wohnorten in Massachusetts und North Carolina arbeiteten Barlow und Davis aus der Ferne zusammen und erinnerten sich an ihre frühe Freundschaft als Brieffreunde. Eine schweißtreibende Bass- und Schlagzeugsession fand auf Barlows Dachboden statt, bevor sie einen Studiotermin mit dem Produzenten Scott Salter (St. Vincent, Spoon, The Mountain Goats) buchten. Kontraste und Vergleiche sind der Schlüssel zum Verständnis von „Walk Thru Me“ und der Folk Implosion als Ganzes. Abgesehen von den hörbaren Unterschieden zwischen Barlows sanfter Stimme und Davis' eindringlichen, schilfartigen Proklamationen sind ihre Herangehensweisen an das Songwriting auffallend unterschiedlich. Während Barlow seine Texte aus einer beschützenden väterlichen Perspektive heraus verfasste ("My Little Lamb"), zollte Davis seinem verstorbenen Vater Tribut und beleuchtete ihre komplizierte Beziehung ("The Day You Died"). Schließlich inspirierte Davis' Studium der persischen Musik in den wöchentlichen Zoom-Stunden ihn zur Integration traditioneller nahöstlicher Instrumente wie Setar, Oud, Saz und Tombak. "Weil wir so weit voneinander entfernt sind, ist ein Teil dieses Albums mein verzweifelter Versuch, telepathisch mit John und Scott zu kommunizieren, die 700 Meilen von mir entfernt sind", sagt Barlow abschließend. "Ein großer Teil dessen, was ich als Folk Implosion betrachte, ist es, disparate Dinge zu nehmen und sie in Pop zu verwandeln."