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Dass Rudy Van Gelders Tonstudio in Englewood Cliffs am 25. April nicht in Flammen aufgegangen ist, grenzt an ein Wunder: Denn an diesem historischen Tag spielte der Hammond-B3-Virtuose Jimmy Smith dort in einem Rutsch gleich zwei kochend heiße Alben ein, die sofort zu Klassikern wurden und bei AllMusic beide die seltene Bestwertung erhielten. Eines davon war “Midnight Special”, auf dem Smith groovigen Soul-Jazz und Hard-Bop mit einer satten Dosis Blues bot. Blue Note Classic Vinyl Edition: Stereo, komplett analog, von Kevin Gray von den Original-Masterbändern gemastert, bei Optimal auf 180g-Vinyl gepresst.

Jimmy Smith (Hammond B3 organ); Stanley Turrentine (tenor sax); Kenny Burrell (guitar); Donald Bailey (drums)

STEREO
Am 15. September 1957 ging John Coltrane in Rudy Van Gelders Studio und schuf ein über 40-minütiges Meisterwerk, das als eines der größten Jazzalben aller Zeiten gilt. „Blue Train“ ist ein bahnbrechender Blues-durchdrungener Hard-Bop-Ausflug mit fünf Songs, der mit Kraft und Poesie, Wildheit und Finesse, Rasanz und Zärtlichkeit berauscht. Anlässlich des 65. Jahrestages der Aufnahme ist „Blue Train“ jetzt in zwei verschiedenen Editionen als Teil der gefeierten audiophilen Tone-Poet-Serie von Blue Note erhältlich. 2-LP-Stereo-Edition „Complete Masters“: Originalalbum in Stereo, enthält zweite LP mit alternativen und unvollständigen bislang unveröffentlichten Takes. 2-LP-Set mit eingebundenem Booklet mit nie zuvor gesehenen Session-Fotos von Francis Wolff und Essay von Coltrane-Experte Ashley Kahn.

MONO
Am 15. September 1957 ging John Coltrane in Rudy Van Gelders Studio und schuf ein über 40-minütiges Meisterwerk, das als eines der größten Jazzalben aller Zeiten gilt. „Blue Train“ ist ein bahnbrechender Blues-durchdrungener Hard-Bop-Ausflug mit fünf Songs, der mit Kraft und Poesie, Wildheit und Finesse, Rasanz und Zärtlichkeit berauscht. Anlässlich des 65. Jahrestages der Aufnahme ist „Blue Train“ jetzt in zwei verschiedenen Editionen als Teil der gefeierten audiophilen Tone-Poet-Serie von Blue Note erhältlich. 1-LP-Mono-Edition: komplett analog von Kevin Gray von den Originalbändern gemastert, RTI-Pressung (180 g), stabiles Tip-on-Gatefold, wattierte Innenhülle.

Man sagt: Lightning never strikes twice. Aber es gibt Ausnahmen. In der Jazzwelt wird der Blitz jetzt ein zweites Mal einschlagen!

Im Juni 2018 veröffentlichte Impulse! Records „Both Directions At Once“ ein „verlorenes Album“ von John Coltrane, aufgenommen im Jahr 1963, das neue Kompositionen Coltranes, aufgenommen mit seinem Classic Quartet mit McCoy Tyner (Piano), Jimmy Garrison (Bass) und Elvin Jones (Drums), zum ersten Mal ans Tageslicht brachte. Die Resonanz bei Medien und Fans war wie erwartet riesig, das jahrzehntealte Album landete auf Platz 21 der US-Billboard-Charts (Coltranes höchstes Debüt aller Zeiten), führte die Jazz-Charts auf der ganzen Welt an und brachte Coltrane unter die Top-20 der Pop-Charts in Großbritannien, Frankreich, Deutschland, Japan, Italien und vielen weiteren Ländern. Bis dato hat „Both Directions At Once“ weltweit mehr als eine Viertelmillion Alben verkauft.

Obwohl es ganz danach aussah, dass es sich hier um einen Jahrhundertfund handelt, hat das Schicksal jetzt ein zweites „Coltrane-Ass“ aus dem Ärmel gezogen, denn bei Recherchen im Nachzug zu „Both Directions At Once“ fand sich ein weiteres Tonband mit einer bislang komplett unveröffentlichten Session des Meisters.

1964 gingen John Coltrane und sein Classic Quartet in Rudy Van Gelders Studio und nahmen in einem für Coltrane beispiellosen Schritt neue Versionen einiger seiner berühmtesten Kompositionen auf. In dem Jahr, in dem er auch „A Love Supreme“ aufnahm, wurde Coltrane von Gilles Groulx, einem kanadischen Filmemacher, kontaktiert. Groulx bereitete seinen Film „Le chat dans le sac“ vor, eine in Montreal spielende Liebesgeschichte mit politischen Untertönen. Groulx, ein eingefleischter Coltrane-Fan, war fest entschlossen, den als schwierig geltenden Saxophonisten einen Soundtrack für seinen Film kreieren zu lassen. Groulx trat über einen persönlichen Kontakt zu Bassist Jimmy Garrison an Coltrane heran, und dieser stimmte erstaunlicherweise zu.

Kurzentschlossen trommelte Coltrane seine Quartett-Kollegen Jimmy Garrison, Elvin Jones und McCoy Tyner direkt zwischen den Aufnahmen für die inzwischen legendären Alben „Crescent“ und „A Love Supreme“ im Juni ‘64 in den Van Gelder Studios zusammen um etwas in der Coltrane-Welt Beispielloses zu tun: frühere Werke neu zu interpretieren und aufzunehmen.

Regisseur Gilles Groulx war bei den Aufnahmen anwesend. Heute ist unklar, wie viel kreativen Input der Filmemacher hatte und wie viel kreative Abstimmung zwischen ihm und Coltrane stattfand. Auf ¼-Zoll analogem Mono-Band aufgenommen, wurde die Session am 24. Juni 1964 von Rudy Van Gelder in seinem Studio nicht nur aufgenommen, sondern auch abgemischt und gemastert. Überglücklich nahm Groulx am darauffolgenden Tag das Masterband nach Kanada, obwohl in seinem Film am Ende dann nur zehn Minuten der 37- Minuten Aufnahme Verwendung fanden. Für die weltweit erste Veröffentlichung der Musik wurde „Blue World“ jetzt von Kevin Reeves bei Universal Music Mastering in New York vom ursprünglichen Analogband neu gemastert, die Vinyl-Edition wurde von Ron McMaster in den Capitol Studios geschnitten.

„Blue World“ demonstriert Coltranes künstlerische Entwicklung zusammen mit seinem Classic Quartet an einem Fixpunkt seiner Karriere. Es ist bezeichnend, dass diese Session zwischen zwei von Coltranes expansivsten, spirituell transzendentesten Platten stattfand, die seine Wahrnehmung von dann an bestimmen sollten.

Eine weitere Coltrane-Entdeckung von Weltgeltung!

Ken Peplowski hat sich in Japan als Tenorsaxophonist einen Namen gemacht und bei Venus Records in den letzten Jahren drei seiner Alben veröffentlicht. „When You Wish Upon A Star“ enthält abwechslungsreiche Arrangements. Peplowski wird begleitet von Ted Rosenthal am Klavier, Gary Mazzaroppi am Bass und Jeff Brillinger am Schlagzeug.

Hinweis: Von diesem Album gibt es zwei Versionen. Eine, in der Ken Peplowski die Lieder auf dem Tenorsaxophon spielt, und eine andere, in der er die Lieder auf der Klarinette spielt. Dies ist die Version, auf der er Tenorsaxophon spielt.

Luca Mannutza (Klavier), Stefano Senni (Bass) und Marcello Di Leonardo (Schlagzeug) spielen eine Auswahl von Jazz- und Popstandards, darunter "It Could Happen To You", "Woody'n You", "Just One Of Those Things" und "Airegin".

Limitierte Auflage von 200 Exemplaren für unseren Summer of Jazz 2023, der sich auf den südafrikanischen Jazz konzentriert. Nur bei HHV erhältlich.

Das Album "Yakhal' Inkomo" des Mankunku Quartetts aus dem Jahr 1968 ist knapp über 30 Minuten Jazz in Perfektion. Dieses kompakte und auf den Punkt gebrachte Album würde sich problemlos in die Kataloge der wichtigsten Jazzlabels wie Blue Note, Prestige und Impulse einreihen. Yakhal' Inkomo" wurde jedoch ursprünglich auf dem südafrikanischen Plattenlabel World Record Co. veröffentlicht, was dazu führte, dass es für Jazzsammler zu einem schwer zugänglichen und begehrten Stück wurde. Erstpressungen erzielen auf dem Sammlermarkt manchmal Preise von bis zu 1.000 Pfund. Es gilt seit langem als eines der besten südafrikanischen Jazz-Alben und der DJ und Moderator Gilles Peterson untermauerte dies, als er es in seine Radiosendung "The 20 - South African Jazz" aufnahm, die sich auf das Beste des Genres konzentriert. Der Tenorsaxofonist Winston "Mankunku" Ngozi nahm die Session am 23. Juli 1968 in den Manley van Niekerk Studios in Johannesburg auf. Sie wurde von Dave Challen aufgenommen und von Ray Nkwe produziert. Die Session besteht aus zwei Originalwerken von Mankunku auf der A-Seite, "Yakhal' Inkomo" & "Dedication (To Daddy Trane and Brother Shorter)", und auf der B-Seite aus der Horace Silver-Komposition "Doodlin" und einer John Coltrane-Nummer "Bessie's Blues". Auffallend ist, dass die von Mankunku geschriebenen Kompositionen nicht nur mit Silver und Coltrane mithalten können, sondern sogar die besseren Stücke auf der Platte sind - ein Beweis für das wunderbare Schreiben und Spielen von Mankunku. Bei "Yakhal' Inkomo" spielen die großartigen Musiker Agrippa Magwaza am Bass, der Schlagzeuger Early Mabuza und der Pianist Lionel Pillay mit. Pillay war indischer Abstammung, was die Gruppe zu einer gemischtrassigen Gruppe machte. Schon die Aufnahme des Albums war ein Akt des Widerstands, da sie die damaligen Apartheid-Beschränkungen durchbrach. Der Titel "Yakhal' Inkomo" bedeutet "das Brüllen des Stiers". Das schwarze Publikum hätte dies als verschlüsselte Gemeinschaftssymbolik und als einen Akt des Protests verstanden, aber es entging der Aufmerksamkeit der weißen Regierung. Für diese Ausgabe haben wir die Dienste von Miles Showell, dem Mastering- und Lackschneidetechniker der Abbey Road Studios, in Anspruch genommen, um ein spezielles Master mit halber Geschwindigkeit von den Original-Masterbändern zu schneiden. Miles hat bereits an den Wiederveröffentlichungen von Arthur Verocai, Marcos Valle und Ian Carr mitgewirkt und auch dieses Mal sind wir von der Fülle und Klarheit seiner Arbeit überwältigt. Wir haben sie auch als Replikat mit dem Cover und den Etiketten der Originalversion der World Record Co. herausgebracht. Ray Nkwe, der Produzent und Präsident der Jazz Appreciation Society of South Africa, schreibt auf dem Cover: "Dies ist die LP, auf die jeder Jazzfan gewartet hat", und Ray hat sich nicht geirrt: Es ist ein zeitloser Jazzklassiker.

Fun In The Church und HHV präsentieren diese auf 150 Stück limitierte Sonderausgabe auf aquamarine vinyl, die mit einem Lyric Fanzine ausgestattet ist. Diese Edition gibt es exklusiv bei HHV Records.

Nach 20 ereignisreichen Jahren als Schlagzeugerin, Sängerin, Produzentin und Komponistin in ihrer Heimatstadt São Paulo, verschlug es die Brasilianerin Mariá Portugal vor einiger Zeit nach Duisburg.
Am 12. November 2021 veröffentlicht sie mit Erosão nun ihr jüngstes Album. Ihr Debüt für Fun In The Church erscheint als Kooperation von selo Risco (Brasilien) und Fun in The Church auf Vinyl und digital.

Vorab der Versuch einer kurzen biografischen und künstlerischen Einordnung: 1984 in São Paulo geboren, begann Mária Portugal im Alter von neun Jahren mit dem Klavierunterricht; bevor sie zu Schlagzeug und Orchesterschlagwerk wechselte. 2007 nahm sie am Sommerkurs von Karlheinz Stockhausen in Kürten teil. Im Jahr 2011 absolvierte sie ihr Bachelorstudium in Komposition an der Universidade Federal de São Paulo. Das anschließende Masterstudium Kommunikation und Semiotik an der Pontifícia Universidade Católica de São Paulo schloss sie mit einer Untersuchung der kognitiven Beziehungen von Körper und Klang im Kontext von improvisierter Musik und Tanz ab. Sie arbeitete mit dem Experimentalmusiker und Schauspieler Arrigo Barnabé, veröffentlichte mit dem Instrumentalquintett Quartabê drei Alben und tourte mit Dona Zica und Fernanda Takai, mit denen ebenfalls Alben entstanden. Als Schlagzeugerin und Sängerin hat sie mit Künstler*innen wie Maggie Nicols, Elza Soares, Joëlle Léandre, Charlotte Hug, Caroline Kraabel, Sarah Gail Brand, und der Gruppe Metá Metá gearbeitet. Mit Jasper van’t Hof und Paul van Kemenade entstand 2017 das Album „Daytime Sketches“. Daneben komponierte sie Musik für Tanztheater, insbesondere für Felipe Hirsch und für Nova Dança 4, für verschiedene Theaterstücke, Videos, Kinofilme und Kunstinstallationen. Zusammen mit der Sozialanthropologin Jamille Pinheiro Dias produzierte sie das genreübergreifende OnlineRadioprogramm Livrofonia für Stanford University (us). Obzwar verwurzelt in der brasilianischen Songwriter-Tradition hat sie ein großes Interesse an elektronischer Musik, das nicht zuletzt ihrer Rezeption europäischer Improvisationsmusik entspringt. 2020 schließlich war Portugal „Improviser in Residence“ beim 13. Moers Festival, womit wir uns in großen Schritten der Gegenwart nähern – und ihrem jüngsten Album, das Zeiten, (transatlantische) Räume und eine Pandemie umspannt. Erosão nämlich besteht aus drei Ebenen: 1) dem ursprünglichen Songmaterial, 2) akustischen Improvisationen darüber und 3) elektronischen Manipulationen derer. In jeder Schicht ist sowohl die Erinnerung an - als auch das Vergessen des - Vorangegangenen aufgehoben, wie bei einem Stein etwa, der aus sich überlagernden Schichten aufgebaut ist, die sich durch mechanische und chemische Wechselwirkungen verändern, wenn man es weniger dialektisch denken möchte.Die erste Schicht und Grundlage von Erosão fußt aus Portugals Songwriting, auf jüngeren von ihr geschriebenen Stücken, die einerseits in der brasilianischen Liedtradition stehen, die von Dorival Caymmi über Itamar Assumpção und Arrigo Barnabé bis hin zu Caetano Veloso reicht, zugleich aber auch von Komponist*innen ihrer Generation wie Negro Leo, Lara Rennó, Kiko Dinucci und Maria Beraldo informiert sind
Anfang 2019, noch in der Experimental-Szene São Paulos beheimatet, nahm Portugal in der
Besetzung Saxophon, Klarinette/Bassklarinette, Gitarre, Klavier, Kontrabass, Schlagzeug und Gesang
eine Reihe an improvisierten Live-Sessions auf, als deren musikalisches Ausgangsmaterial acht
dieser Stücke dienten. Dazu eingeladen waren Musiker*innen von Bands wie Metá Metá, Música de
Selvagem, Quartabê und dem Quarteto Solto. Da es nicht möglich war, im Rahmen der AufnahmeSessions ihre Stimme akustisch vom Schlagzeug zu trennen, lud Mariá Tó Brandileone (5 a Seco) ein, ihre Texte an ihrer Stelle einzusingen. Diese Improv-Sessions bilden die zweite Ebene von
EROSÃO.
Im Jahr 2020 schließlich brachte sie das daraus entstandene Audiomaterial mit nach Moers, wohin sie
als "Improviser in Residence" eingeladen war. Während des Aufenthalts in Moers bearbeitete Portugal
das Material weiter und fügte den Aufnahmen ihre eigene Stimme, aber auch elektronische
Manipulationen zwischen Freiheit und Form, Zufall und Zweckgerichtetheit hinzu - die dritte und
letzte Schicht des Albums.
Von den ursprünglich aufgenommen acht Titel finden sich auf EROSÃO nur noch sechs Stücke
wieder, die in unterschiedlich engen Beziehungen zu ihrem Ausgangsmaterial stehen. Sie reichen von
nur geringfügigen Veränderungen (wie bei "Dois Litorais", dem nur wenige Stimm-Overdubs
hinzugefügt wurden) bis hin zu vollständig überarbeiteten Titeln, scheinbar ohne Bezug zum
Ausgangsmaterial (wie "Telepatía", eine Collage aus Material verschiedener Stücke und nicht
intendierten Nebengeräuschen aus den vorangegangenen Aufnahmesessions).

Massimo Farao', Davide Palladin (Gitarre), Nicola Barbon (Bass), Bobo Facchinetti (Schlagzeug) und Cesare Mecca (Trompete) zollen dem Maestro der Filmmusik mit diesem Set von Morricone-Songs Tribut.

Massimo Farao' (Klavier), Davide Palladin (Gitarre), Nicola Barbon (Bass) und Roberto "Bobo" Facchinetti (Schlagzeug) spielen mit dem Streichorchester der Accademia Arrigoni.

Acht Titel des bedeutenden kubanischen Komponisten und Pianisten Ernesto Lecuona werden von Massimo Faraò (Klavier), Nicola Barbon (Bass) und Ernesttico (Perkussion) interpretiert. Die Aufnahmen fanden im Juni 2022 im Riverside Studio in Turin statt.

Stark unterstützt vom 22-köpfigen “Strings Orchestra” sowie Nicola Barbon am Bass und Bobo Facchinetti am Schlagzeug, spielt der italienische Jazz-Pianist Massimo Farao ein romantisches Konzert. Venus-LPs werden nur einmal gepresst. Nach Abverkauf der Erstauflage werden die Titel aus dem Katalog gestrichen. Sammler sollten daher einen Kauf rechtzeitig in Erwägung ziehen.