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Das britische Kult-Duo Tears For Fears hat sein erstes offizielles Live-Album Songs For A Nervous Planet angekündigt, das am 25. Oktober erscheinen soll. Es enthält vier neue Studiotracks sowie Live-Aufnahmen von Tears For Fears auf Tour aus ihrer besten Zeit. Das Album enthält Live-Performances von Hits wie „Shout“, „Head Over Heels“, „Everybody Wants To Rule The World“, „Mad World“ & mehr. Es umfasst alle Epochen der Band von The Hurting bis The Tipping Point und und nimmt den Hörer mit auf die unvergleichliche Klangreise, die eine Tears For Fears-Liveshow und ihre bisherige Karriere darstellt. Das Album enthält zudem 4 brandneue Studiotracks, darunter die neue Single „The Girl That I Call Home“, die ab sofort erhältlich ist. Zusammen mit dem Album haben sie zudem einen atemberaubenden Konzertfilm angekündigt, der im malerischen FirstBank Amphitheater at Graystone Quarry in Franklin, TN, während ihrer ausverkauften Tipping Point Tour Part 2 aufgenommen wurde. Tears For Fears Live (A Tipping Point Film) wird über Trafalgar Releasing weltweit in die Kinos kommen. Einen Ausschnitt der Live-Performance können Sie Hier ansehen/teilen.

Über die Entstehung des Albums und des Films sagt Curt Smith: „Wir haben letztes Jahr beschlossen, die Live-Show zu filmen. Ich glaube, viele Leute wissen gar nicht, dass wir eigentlich eine gute Live-Band sind! Sie sehen ein Duo und denken, es wären zwei Leute mit ein paar Keyboards und einem Haufen Backing-Tapes, und das war's. Im Laufe der Jahre haben wir uns seit unserer Blütezeit in den Achtzigern enorm verbessert.“ Roland Orzabal fügt hinzu: „Wir haben noch nie ein offizielles Live-Album veröffentlicht, man könnte also sagen, dass dies ein Album ist, das vierzig Jahre in der Mache ist.“

Das Debüt des Französisch-US-Amerikanischen Duo fühlt sich an wie ein magischer Ausflug: durch bunte Traumwelten, Meereswellen und Retro-Synthesizern. Auf dem 13 Tracks umfassenden Werk kreieren Pearl & The Oysters ein Jazz, Pop und Electronica Gemisch, das den Sweet Spot aus Steely Dan, Beach Boys und Yellow Magic Orchestra trifft.

Die kolumbianische Musikerin Ela Minus hat die Songs ihres Debutalbum "acts of rebellion" selbst geschrieben, auf ihren analogen Instrumenten eingespielt, aufgenommen und produziert. Entstanden ist ein elektronisches Pop Album par excellence!

Die kolumbianische Musikerin Ela Minus hat ihr Debütalbum selbst eingespielt, produziert und aufgenommen und mit „acts of rebellion“ ein komplexes Manifest der Klarheit, ein Aufruf zu kämpfen, zu leben und präsent zu sein, produziert. Als self-made Künstlerin und Punk im Geiste setzt Ela ihren eigenen Akzent auf traditionelle elektronische Musik. Sie hat sich selbst als Regel auferlegt, dass kein Ton in ihrer Musik am Computer erzeugt wird. Ela, die jahrelang studiert hat, wie man Synthesizer entwirft und baut, bevorzugt einen menschlichen, analogen Ansatz und benutzt ausschließlich Hardware zum Aufführen, Schreiben und Aufnehmen. Laptops lehnte sie vor allem wegen ihres Hintergrunds als Musikerin, die jahrelang professionell akustische Instrumente spielte, ab. Als Inspirationen nennt sie Kraftwerk und die frühen Daft Punk: elektronische Künstler, die nach ihren Worten "sowohl innerhalb als auch außerhalb des Clubkontextes existieren können". "Ich identifiziere mich zutiefst mit der Clubkultur und möchte Musik machen, zu der man tanzen kann", sagt sie. "Ich möchte auch Songs im traditionelleren Sinne machen, mit Melodien, Texten und Gesang. Ich möchte Lieder machen, die die Menschen über die Jahre hinweg begleiten". Als Teenager sah sie eine klare Verbindung zwischen der Freiheit der DIY-Szene, in der sie aufgewachsen ist, und der Clubkultur - die Kraft der Menschen, die in einem Raum sind, präsent sind und gemeinsam etwas Einzigartiges und Kraftvolles erleben. Ela Minus ist "the new kid on the block" bei Domino und wir sind sehr stolz auf diese Künstlerin.

"baum" als Album ist das Ergebnis einer Metamorphose, so beschreibt Mine ihre künstlerische Entwicklung: vom Struggle der Ich-Findung auf „Klebstoff“, über das Hadern mit einer kaputten Welt auf „Hinüber“. „Ich hatte das Gefühl, das Verrottete fällt ab, und es entsteht etwas Neues“, sagt sie dazu.

„Baum“ ist Mines fünftes Soloalbum in zehn Jahren, neben weiteren Projekten mit Fatoni in 2017 und dem Orchesterprojekt in 2018.

Und es ist auch der Beginn eines neuen Kapitels für Mine: Arbeitsweisen und Songstrukturen verändern sich, die Songs werden kürzer, flexibler, freier. Sie lässt Horn-Arrangements in elektronische Kompositionen münden, setzt unbekannte, unerwartete Instrumente ein, die sie etwa schon auf ihrer Social-Media-Reihe „Sweet Instrumente“ vorstellte.

Und gleichzeitig ändert sich auch nichts: es ist immer noch die gleiche Mine mit der wunderbar wandelbaren Stimme, dem Hunger auf unerwartete Sounds, der Lust an der Sprache, an Texten und der Freude, diese mit anderen Künstler*innen zu teilen. Das wären diesmal der Männerchor ffortissibros und der Kieler Knabenchor sowie Battelrapper Mauli, die französische Singer-Songwriterin Léonie Pernet und die Berliner Sängerin und Produzentin Madanii.

„Baum“ ist das selbstbewusste, selbstsichere Album einer Künstlerin, die ihre vielfältigen Einflüsse immer wieder neu und klug miteinander verbindet – und die uns klug, erfrischend ehrlich und voller Wahrhaftigkeit von ihrer Perspektive auf die Welt erzählt.

The Cinematic Orchestra kündigen eine limitierte Vinyl-Reissue ihres erstmal 2003 veröffentlichten Klassikers 'Man With A Movie Camera’ an. Im Rahmen der Filmfestspiele zur Europäischen Kulturstadt Porto im Jahr 2001 wurde Jason Swinscoe vom Cinematic Orchestra beauftragt, einen Soundtrack zu einem Stummfilm zu komponieren, der einmalig aufgeführt werden sollte. Bei dem Film handelte es sich um Dziga Vertovs Experimentalwerk „Der Mann mit der Kamera“, einen frühen Dokumentarfilm aus der Ukraine von 1929, den viele, darunter das British Film Institute, fast 100 Jahre nach seiner Entstehung als einen der besten Filme aller Zeiten bezeichnen. Die Aufführung fand im historischen Coliseu do Porto statt und endete mit stehenden Ovationen von 3.500 Menschen. The Cinematic Orchestra hat die Show im Laufe der Jahre auf internationalen Tourneen aufgeführt, unter anderem im Barbican in London, im Winter Garden des World Trade Centers in New York und im Sydney Opera House.

RAGGED GLORY (1990) war ein ununterbrochenes Fest für die Musik, die Neil Young & Crazy Horse immer noch mit voller Kraft schaffen, und wurde auf Youngs Broken Arrow Ranch in Nordkalifornien aufgenommen. Das 10 Songs umfassende Originalalbum wurde für diese Wiederveröffentlichung um 4 seltene Tracks erweitert. „Interstate“ und ‚Don't Spook The Horse‘ waren beides B-Seiten zu Singles. „Box Car“ und das 12-minütige ‚Born To Run‘ waren beide bisher unveröffentlichte Versionen, bevor sie in der ORS 5 Box veröffentlicht wurden. Die 4 zusätzlichen Songs haben dazu geführt, dass das Album auf 3 LPs und 2 CDs erweitert wurde. Das Album wurde von den analogen Originalbändern neu gemastert.

re-releaseVor drei Jahren veröffentlichte Sebastian Lee Philipp gemeinsam mit dem Produzenten Ralf Beck (Nalin & Kane, Unit 4) das Debütalbum des Bandprojekts Die Wilde Jagd. Bald darauf zog sich Beck aus dem "operativen Geschäft" zurück. Aber dennoch hat er einen gewichtigen Anteil am neuen, zweiten Album: Er hat dieses nicht nur co-produziert und abgemischt, ohne seine analogen Synthesizer, Drumcomputer und Studiotechnik würde Die Wilde Jagd nicht derart kraftvoll und gleichzeitig fein ziseliert klingen. Nächtelang schloss sich Philipp in Becks Tonstudio Uhrwald Orange ein, um seine ganz eigene, zu Klang gewordene Bilderwelt aufzunehmen. Sie gleicht einem nächtlichen Flug ins Unbewusste durch das Geäst des symbolischen "Uhrwalds", hinein in eine "Fremde Welt" und ihren gespenstigen Protagonisten - den "Sa¦êurega¦êulen", "Flederboys" und "2000 Elefanten". Das minimalistische, spannungsgeladene und düster-hypnotische Werk ist natürlich auch eine Ode an das Tonstudio selbst - an die analogen Gerätschaften und den allgegenwärtigen EMT-Plattenhall. Nur hier konnte Philipp sein Klangideal mit den von Beck erstellten Signalketten aus Kompressoren, Vorverstärkern und Kanalzügen nach seinen Vorstellungen verwirklichen.

Erstmals auf Vinyl: das Debütalbum des Synth-Pop-Trios Gunship aus 2015. Exzellenter 1980er Retro-Sound aus analogen Synths, cineastischen Vocals und Cyperpunk-Attitüde, mit einem Feature von Horror-Meister John Carpenter höchstpersönlich. Exklusiver Bonustrack ist der Gunship-Remix für Lionface "No Hope State" (2017), der hier seine Erstveröffentlichung auf Tonträger erfährt. Für Fans von Empire Of The Sun, MGMT oder Röyksopp.

Roberto Carlos Lange alias Helado Negro liefert mit "PHASOR" den Nachfolger zu seinem von der Kritik gelobten Album "Far In" (2021)ab. Gleichzeitig erscheint die erste Single "LFO", die von einem halluzinatorischen, selbstgedrehten offiziellen Video begleitet wird. Den Anfang nahm "PHASOR" 2019 an Langes 39. Geburtstag nach einem fünfstündigen Besuch von Salvatore Matiranos SAL MAR-Projekt an der Universität von Illinois. Diese Maschine ist ein komplexer Synthesizer, der mit einem alten Supercomputergehirn und analogen Oszillatoren generativ Musik erzeugt. Er kann eine unendliche Anzahl von Klangsequenzen erzeugen. Diese SAL MAR-Erfahrung wurde zum Grundstein für PHASOR. Sie lehrte Lange mehr über sich selbst und wurde zu einem zentralen Faktor in seinem kreativen Prozess. "PHASOR" ist Langes dichteste Song-Sammlung - tiefgründig, atmosphärisch, akribisch ausgeführt. Damit reiht es sich ein in das langjährige Schaffen Langes sowie an das 2019er Album "This Is How You Smile", auf dem er mehr Schlagzeug und Bass und fokussierte Grooves einsetzte. Sein Album "Far In" aus dem Jahr 2021 befasste sich mit dem Thema "Quarantäne". "PHASOR" wiederum ist eine Rückkehr ins Leben, eine Erinnerung daran, wie sich die Sonne anfühlt und wie man sich von ihr wärmen lassen kann.

Mit "The Machine in the Ghost" erreichen Haujobb den beeindruckenden Meilenstein des zehnten Studioalbums. Auch ihr neuestes Werk unterscheidet sich von all seinen Vorgängern. Das derzeit in Leipzig residierende Duo verweigert sich weiterhin standhaft jeder Wiederholung. "The Machine in the Ghost" unterscheidet sich bereits durch die Verwendung von Feldaufnahmen, um die Sounds für dieses Album zu erzeugen. Um die gewünschten Effekte zu erzielen, haben Haujobb bewusst auf eine Mischung aus Software und Hardware gesetzt - letzteres in Form von mit Alltagsgegenständen erzeugten Tönen. Diese symbolische Anspielung auf eine Zeit, in der es weniger Software und mehr analoges Drehen an den Reglern gab, ergänzt das Thema von "The Machine in the Ghost" um einen Hauch von Retro-Feeling - ohne jede nostalgische Verklärung. Das Album dreht sich um die spannungsgeladene Beziehung zwischen analog und digital, Geist und Materie. Als sich Haujobb im ostwestfälischen Bielefeld zunächst zu einem Trio formierten, kamen ihre Haupteinflüsse noch aus der Vancouver-Schule des Industrial - und speziell Skinny Puppy sowie Front Line Assembly. Dies ist auf ihrem ersten Album "Homes & Gardens" (1993) noch hörbar, doch schon bald wurden Haujobb selbst als Aushängeschilder eines modernen elektronischen Industrial-Sounds angesehen. Auf den folgenden Alben "Freeze Frame Reality" (1995) und "Solutions for a Small Planet" (1996) entfernten sich die Deutschen zunehmend von den kanadischen Einflüssen, indem sie damit begannen, IDM (Intelligent Dance Music) mit Industrial und EBM zu verschmelzen. Damit katapultierten sich die Deutschen mitten in die internationale Szene und verschafften sich sogar in den USA einen Kultstatus. Auch nachdem Haujobb zum Duo mutiert waren, blieben sie einflussreich und insbesondere ihr 2011 in Eigenregie veröffentlichtes Album "New World March" gilt als weitere Großtat. Mit "The Machine in the Ghost" schlagen Haujobb ein neues spannendes Kapitel in ihrer bemerkenswerten Karriere auf. Unmittelbar zu Beginn der nächsten industriellen und kreativen Revolution, die der rasante Aufstieg der künstlichen Intelligenz auszulösen verspricht, legen Haujobb ihre metaphorischen musikalischen Finger erneut direkt an den Puls der Zeit.

Far View is a compilation of tracks from Joel Vandroogenbroeck's series of library music releases for the Coloursound label - a uniquely trippy catalog of music vignettes long overdue for their day in the library music sun, remastered from the original analog reels!The late Joel Vandroogenbroeck was among that rare breed of musician who defy all categorization, using music conventions to explore the far reaches of human and cosmic consciousness. After passing through the jazz and rock worlds from the 1950s through the 70s, Joel found new outlets for his expansive vision in the 80s with the Swiss library music label Coloursound. Far View draws tracks from these releases, which form a unique entry in the genre of library music. For the uninitiated, this is just one way to begin a brilliant musical trip through Vandroogenbroeck's undersung career.A musical prodigy from youth, Joel arrived at Brussels' classical Music Conservatory in the early 50s, but his studies were curtailed by the revelation of jazz. Soon, Joel was touring in groups around Europe and beyond with luminaries like Eje Thelin, Stan Getz, Bob Brookmeyer and Zoot Sims. As time passed, his musical consciousness continued to expand: time spent in Africa sparked a deep exploration of the music of the Middle East. The new rock sounds from England, like The Beatles and Jimi Hendrix, were mind-blowing. And from Germany came the krautrockers, with something completely else again.Vibing on the eclectic energies of the day, Vandroogenbroeck formed Brainticket, whose approach to composition fused jazz, rock, and a mélange of global musical traditions, combining a western rhythm section and analog synthesizers with an astonishing array of acoustic instruments; ethnic flutes, sitar, harp, kalimba and all manner of percussion. Steeped in diverse approaches of playing and listening, Brainticket drew from prog rock and psych, traditional sounds and minimalist music, all of which passed through their hands like the tributaries that formed the basis of...

Hinter Pure Bathing Culture stehen die beiden amerikanischen Musiker Sarah Versprille und Dan Hindman aus Portland, Oregon. Ihr zweites Album, nach dem von der Kritik gelobten Debüt "Moon Tides", entstand zusammen mit John Congleton (St Vincent) völlig analog in dessen Studio in Dallas, Texas. Das Ergebnis: klassisch schöne Popmusik, in der Hindmans sauberen, aber verschlungenen Gitarrenlinien mit der lebhaften Rhythmussektion und Versprilles heller Stimme interagieren. "Pray For Rain" präsentiert den Sound einer Gruppe, die einen großen Schritt hin zu sich selbst gemacht hat. Die LP erscheint mit Downloadcode.