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Mit Music For Animals legt er das erste neue Studiomaterial seit dem Release von All Melody 2018 und dem ein Jahr später erschienenen zugehörigen Album All Encores vor. Mit insgesamt zehn Tracks und einer Spielzeit von über drei Stunden stellt Music For Animals eine ebenso ambitionierte wie auch faszinierende Ausnahme in Frahms bisherigem Schaffen dar: Während der Piano Day-Initiator diesmal komplett auf den Einsatz eines Klaviers verzichtet, bleibt er gleichzeitig seinen stilistischen Markenzeichen treu, die das einflussreiche Werk des Künstlers in den vergangenen beiden Dekaden ausgezeichnet haben.

Music For Animals entfaltet sich in einem gemächlichen, meditativen Tempo und wird durch das Zusammenspiel von Klangfarben, Timbre und Textur zu einem eindringlichen und intensiven Erlebnis. „Meine ständige Inspiration war“, so Frahm, „sich etwas ähnlich Hypnotisierendes wie einen riesigen Wasserfall oder die Blätter eines Baumes im Sturm anzuschauen. Es ist gut, dass wir Symphonien und andere Musik hören können, die eine gewisse Entwicklung haben. Aber der Wasserfall und die Blätter brauchen keinen ersten, zweiten oder dritten Akt und keinen Höhepunkt. Manche Leute sehen einfach gerne zu, wie das Wasser fällt, hören die Blätter rascheln und beobachten, wie sich die Äste bewegen. Dieses Album ist für sie.“

Mit einer Länge von drei Stunden mag Music For Animals auf den ersten Blick einschüchternd wirken – tatsächlich aber lädt dieses umfangreiche Werk das Publikum ein, so tief in seine Ruhe einzutauchen wie gewünscht und es je nach Bedarf mehr oder weniger aufmerksam zu genießen. Oder wie es Frahm ausdrückt: „Es geht alles auf diesen Wasserfall zurück. Wenn du ihn beobachten willst, dann beobachte ihn. Wenn nicht, dann musst du das auch nicht. Er wird immer derselbe sein, aber eben nie ganz derselbe.“ In der Tat die größte Stärke von Music For Animals: Sofort wiedererkennbar und doch mit nichts zu vergleichen.

Das 4LP-Vinyl-Set ist in einem single-pocket Cardboard Jacket untergebracht und wird durch antistatische, polygefütterte Innenhüllen geschützt.

Mit Mit Music For Animals legt er das erste neue Studiomaterial seit dem Release von All Melody 2018 und dem ein Jahr später erschienenen zugehörigen Album All Encores vor. Mit insgesamt zehn Tracks und einer Spielzeit von über drei Stunden stellt Music For Animals eine ebenso ambitionierte wie auch faszinierende Ausnahme in Frahms bisherigem Schaffen dar: Während der Piano Day-Initiator diesmal komplett auf den Einsatz eines Klaviers verzichtet, bleibt er gleichzeitig seinen stilistischen Markenzeichen treu, die das einflussreiche Werk des Künstlers in den vergangenen beiden Dekaden ausgezeichnet haben.



Music For Animals entfaltet sich in einem gemächlichen, meditativen Tempo und wird durch das Zusammenspiel von Klangfarben, Timbre und Textur zu einem eindringlichen und intensiven Erlebnis. „Meine ständige Inspiration war“, so Frahm, „sich etwas ähnlich Hypnotisierendes wie einen riesigen Wasserfall oder die Blätter eines Baumes im Sturm anzuschauen. Es ist gut, dass wir Symphonien und andere Musik hören können, die eine gewisse Entwicklung haben. Aber der Wasserfall und die Blätter brauchen keinen ersten, zweiten oder dritten Akt und keinen Höhepunkt. Manche Leute sehen einfach gerne zu, wie das Wasser fällt, hören die Blätter rascheln und beobachten, wie sich die Äste bewegen. Dieses Album ist für sie.“



Mit einer Länge von drei Stunden mag Music For Animals auf den ersten Blick einschüchternd wirken – tatsächlich aber lädt dieses umfangreiche Werk das Publikum ein, so tief in seine Ruhe einzutauchen wie gewünscht und es je nach Bedarf mehr oder weniger aufmerksam zu genießen. Oder wie es Frahm ausdrückt: „Es geht alles auf diesen Wasserfall zurück. Wenn du ihn beobachten willst, dann beobachte ihn. Wenn nicht, dann musst du das auch nicht. Er wird immer derselbe sein, aber eben nie ganz derselbe.“ In der Tat die größte Stärke von Music For Animals: Sofort wiedererkennbar und doch mit nichts zu vergleichen.



Das 4LP-Vinyl-Set ist in einem single-pocket Cardboard Jacket untergebracht und kommt in einer speziellen Edition mit hochwertigen, dreilagigen, antistatischen Innenhüllen (Mobile Fidelity Sound Lab’s Original Master Sleeves).

Seit seinem Start 2011 setzt der Londoner Online-Radiosender NTS (mit Filialen in Los Angeles, Shanghai und Manchester) dank Coolness, Eklektizismus und DIY-Ethos neue Maßstäbe im Rundfunkbereich. Über 200 Radio-DJs aus aller Herren Länder sorgen für Underground-Dance-Vibes, zusätzlich wird das Programm regelmässig durch prominente Gäste bereichert. Der April 2018 gehörte dem britischen Electronic-Duo Autechre, das an vier Donnerstagen vier Livesets mit komplett neuem Material mit einer Gesamtdauer von acht(!) Stunden bestritt. Dieses wird nun in Form von Deluxe-Tonträgerformaten erhältlich, die alle auf ihre Erstauflage limitiert bleiben werden.

Mit Slipmat aus Kork!

Zehn Jahre nach der Veröffentlichung ihres bahnbrechenden selbstbetitelten Albums feiern Kiasmos mit einer limitierten Auflage auf blauem Vinyl. Die Pressung ist weltweit auf 2000 Stück limitiert. Das Album, das allein auf Spotify über 100 Millionen Mal gestreamt wurde, ist zu einem unverzichtbaren Album der elektronischen Musik geworden und hat seitdem Künstler auf der ganzen Welt inspiriert. Nach der erfolgreichen Kampagne zum Nachfolgealbum ("ii") Anfang des Jahres scheint es nun an der Zeit zu sein, sich darauf zu besinnen, wo alles begann: mit zwei Freunden, die im Studio experimentierten und Spaß hatten.

Nur eine pro Nase!

Ende der 90er fehlten die K&D-Sessions wohl in kaum einer Plattensammlung. Ihre beiden Schöpfer Peter Kruder und Richard Dorfmeister sind seit 25 Jahren aktiv. Kruder & Dorfmeister spielen sich auf ihren Mix-Alben ruhige, dubbige, deepe Klänge. Die perfekte Hintergrundmusik für die frühen Stunden der WG-Party, die Nachtfahrt über die Autobahn oder den Absacker in der Kneipe. Zugegeben: Oft waren es selbstgebrannte Rohlinge. Dennoch fehlte der DJ-Kicks-Mix (1996) oder das Mix-Doppelalbum „K & D – Sessions“ (1998) bei nur wenigen Menschen in der Sammlung. 2020 sind sie mit ihrem neuen Album 1995 zurück!

2LP als limitierte 180g Pressung mit 21 von 23 ausgespielten Tracks, audiophil auf halber Geschwindigkeit gemastered, inkl. Bonus-Download-Code mit allen Tracks (einmal komplett ausgespielt, einmal als Mixset) in wav/mp3-Formaten, im Gatefold mit antistatischen Innentaschen plus Kunstdruck in 12" Größe.

Mit dem neuen Studioalbum setzt Fujita seine musikalische Entdeckungsreise fort, indem er sich konsequent auf unbekanntes Terrain bewegt.Nachdem er 13 Jahre lang in Berlin gelebt hatte, kehrte Fujita im Jahr 2020 mit seiner Ehefrauund den drei gemeinsamen Kindern nach Japan zurück. Dort erfüllte er sich einen Lebenstraum,denn er wollte schon immer aufs Land ziehen - und mitten in der Natur leben und arbeiten. Ihrneues Zuhause fand seine Familie in den Hügeln nahe der Küste von Kami-cho in der PräfekturHyogo, etwa drei Stunden westlich von Kyoto.Auf dem neuen Album entlockt der Komponist und Produzent dem Vibraphon, seinem Trademark- und Kern-Instrument, faszinierende und vollkommen neue Klänge, und zugleich setzt er jene Experimente mit Marimba und Synthesizern fort, die er auf dem Vorgängeralbum Bird Ambience (2021) begonnen hatte. Zuvor hatte er sein gefeiertes Vibraphon-Triptychon, bestehend aus den Alben Stories (2012), Apologues (2015) und Book of Life (2018), zum Abschluss gebracht. Wie bereits auf Bird Ambience sind unsere gefiederten Freunde auch dieses Mal die zentraleInspirationsquelle. Der Albumtitel Migratory bezieht sich auf ein Bild, das ihm kam, als er überZugvögel nachdachte, die irgendwo zwischen Afrika, Ostasien und Japan leben. Er stellte sichvor, wie sie die Musik der verschiedenen Regionen und Landstriche unter sich hören - und wiediese gelebte Vogelperspektive nicht nur die Grenzen der Musik, sondern auch die der Länderverwischt und ausradiert.

Zehn Jahre nach der Veröffentlichung ihres bahnbrechenden selbstbetitelten Albums feiern Kiasmos mit einer limitierten Auflage auf blauem Vinyl. Die Pressung ist weltweit auf 2000 Stück limitiert. Das Album, das allein auf Spotify über 100 Millionen Mal gestreamt wurde, ist zu einem unverzichtbaren Album der elektronischen Musik geworden und hat seitdem Künstler auf der ganzen Welt inspiriert. Nach der erfolgreichen Kampagne zum Nachfolgealbum ("ii") Anfang des Jahres scheint es nun an der Zeit zu sein, sich darauf zu besinnen, wo alles begann: mit zwei Freunden, die im Studio experimentierten und Spaß hatten.

Die vier-köpfige Band Porij aus Manchester gehört mit ihrem Alternative-Dance-Sound zu den aufregendsten und spannendsten Newcomern aus UK und durfte bereits Größen wie Coldplay, Metronomy, Friendly Fires und Jungle supporten. Nicht umsonst steht die Band auf „ones to watch“ Listen von u.a. The Guardian, NME und BBC 6. Nun erscheint das Debütalbum 'Teething'. Ein Coming-Of-Age Album, eine Kollision von Indie-Rock und Dance, das organische und elektronische Klänge einzigartig vermischt zu zärtlichen und zugleich transzendenten Songs.

Ein einzigartiger Künstler an einem legendären Ort: Tripping with Nils Frahm dokumentiert seine transzendentalen Liveshows in der geschichtsträchtigen Kulisse des Funkhaus Berlin. Gleich vier Shows im Funkhaus Berlin gaben den Auftakt zu Nils Frahms ambitionierter All Melody Tournee Anfang 2018, die sein gleichnamiges und allseits gepriesenes Studioalbum in den nächsten zwei Jahren auf die Bühnen dieser Welt brachte. In den folgenden über 180 ausverkauften Shows war der Ausnahmekünstler unter anderem im Sydney Opera House, in der Disney Hall in Los Angeles, im Barbican in London, in der Elbphilharmonie sowie auf zahlreichen großen Festivalbühnen zu Gast. Dennoch blieben Frahm die Konzerte im ehrwürdigen und für seine großartige Akustik gerühmten Saal 1 im Funkhaus Berlin in,mm besonderer Erinnerung.

Als Frahm ein knappes Jahr später zu vier weiteren Konzerten im Funkhaus einlud, waren die Tickets binnen Stunden vergriffen. Frahms langjähriger Freund und Filmemacher Benoit Toulemonde, der unter bereits für die Film-Konzertserie La Blogothèque mit zahlreichen weltbekannten Künstler-innen und Bands zusammenarbeitete, hielt die Abende an diesem geschichtsträchtigen Ort mit einem siebenköpfigen Kamera-Team fest.

Tripping with Nils Frahm ist ein Dokument Frahms vielfach gepriesener Fähigkeiten als Komponist und passionierter Live- Musiker sowie der besonderen Stimmung und Atmosphäre seiner legendären Funkhaus-Shows. Ein außergewöhnlicher musikalischer Trip — exklusiv und intim, roh und direkt.

"It was about time to document my concerts in picture and sound, trying to freeze a moment of this period where my team and I were nomads, using any method of travel to play yet another show the next day. Maybe tonight is the night where everything works out perfectly and things fall into place? Normally things go wrong with concerts, but by combining our favorite moments of four performances, we were able to achieve what I was trying to do in these two years of touring: getting it right! When you hear the applause on the end of the film you should know that I was smiling happily, being a tad proud and feeling blessed to share these moments with you.

Much love, Nils"

"Fading" folgt der Anfang 2020 veröffentlichten remasterten Neuauflage der wegweisenden Trilogie "1 2 3" des in Berlin lebenden Künstlers und elektronischen Klangtüftlers Stefan Betke aka Pole. Grundelemente, Sprache und Vokabular der Trilogie übernimmt er für "Fading" - beispielsweise die prägenden, im Hintergund schwirrenden Knack- und Störgeräuche - und ergänzt sie um moderne Details.
So ist "Fading" ist ein facettenreiches Album, das sich für immersives Hören über Kopfhörer ebenso gut eignet wie dafür, durch eine Lautsprecheranlage laut herausgepumpt zu werden, um zu spüren, wie der Bass am Brustkorb rasselt.

Ein Downloadcode ist inklusive.

Mit dem neuen Studioalbum setzt Fujita seine musikalische Entdeckungsreise fort, indem er sich konsequent auf unbekanntes Terrain bewegt.Nachdem er 13 Jahre lang in Berlin gelebt hatte, kehrte Fujita im Jahr 2020 mit seiner Ehefrauund den drei gemeinsamen Kindern nach Japan zurück. Dort erfüllte er sich einen Lebenstraum,denn er wollte schon immer aufs Land ziehen - und mitten in der Natur leben und arbeiten. Ihrneues Zuhause fand seine Familie in den Hügeln nahe der Küste von Kami-cho in der PräfekturHyogo, etwa drei Stunden westlich von Kyoto.Auf dem neuen Album entlockt der Komponist und Produzent dem Vibraphon, seinem Trademark- und Kern-Instrument, faszinierende und vollkommen neue Klänge, und zugleich setzt er jene Experimente mit Marimba und Synthesizern fort, die er auf dem Vorgängeralbum Bird Ambience (2021) begonnen hatte. Zuvor hatte er sein gefeiertes Vibraphon-Triptychon, bestehend aus den Alben Stories (2012), Apologues (2015) und Book of Life (2018), zum Abschluss gebracht.Wie bereits auf Bird Ambience sind unsere gefiederten Freunde auch dieses Mal die zentraleInspirationsquelle. Der Albumtitel Migratory bezieht sich auf ein Bild, das ihm kam, als er überZugvögel nachdachte, die irgendwo zwischen Afrika, Ostasien und Japan leben. Er stellte sichvor, wie sie die Musik der verschiedenen Regionen und Landstriche unter sich hören - und wiediese gelebte Vogelperspektive nicht nur die Grenzen der Musik, sondern auch die der Länderverwischt und ausradiert.

"Fading" folgt der Anfang 2020 veröffentlichten remasterten Neuauflage der wegweisenden Trilogie "1 2 3" des in Berlin lebenden Künstlers und elektronischen Klangtüftlers Stefan Betke aka Pole. Grundelemente, Sprache und Vokabular der Trilogie übernimmt er für "Fading" - beispielsweise die prägenden, im Hintergund schwirrenden Knack- und Störgeräuche - und ergänzt sie um moderne Details. So ist "Fading" ist ein facettenreiches Album, das sich für immersives Hören über Kopfhörer ebenso gut eignet wie dafür, durch eine Lautsprecheranlage laut herausgepumpt zu werden, um zu spüren, wie der Bass am Brustkorb rasselt.

Mount Kimbie, WXAXRXP Session, 21/06/2019: Das erweiterte Live-Lineup von Mount Kimbie demonstriert hier hervorragend, wie sehr sich ihr Material 'on the road' weiter entwickelt hat. Aufgenommen für den WXAXRXP x NTS Event. Inklusive eines Gastauftritts von Mica Levi.

Zur Sommersonnenwende 2019 nahm Warp den Onlineradiosender NTS für ein ganzes Wochenende in Beschlag, um die Feiern zu seinem 30-jährigen Jubiläum zu eröffnen. Über 100 Stunden Programm mit Mixsets, Dokus, Live-Performances und Sessions des gesamten Warp-Artistrosters von Aphex Twin über Brian Eno bis Kelela samt Gästen wie Ryuichi Sakamoto wurden von hunderttausenden Fans weltweit live verfolgt. Jetzt knüpft Warp mit der Veröffentlichung der "WXAXRXP Sessions" an diesen Event an, einer Serie aus zehn 12" Vinylen mit Radiosessions aus 30 Jahren Labelgeschichte, von frühen Peel Sessions bis zum diesjährigen WXAXRXP x NTS Wochenende, allesamt in höchster Audio- und Design-Qualität.

Cluster boten live eine Art Performancekunst, die wesentlich aus Improvisation, Krach, bewusster
Vermeidung von rhythmisch-harmonischen Strukturen und dem zügellosen Einsatz elektronischer
Klangerzeuger bestand. Dazu kamen Auftrittsdauern von bis zu sechs Stunden, in denen Künstler und
Publikum nicht selten in rauschhafte Zustände gerieten. Clusters Musik war anfänglich roh, brutal, spontan
und wurde mit einfachstem Equipment - keine Synthesizer, keine Sequencer, keine High-End-Verstärker -
erzeugt. Hans-Joachim Roedelius und Dieter Moebius ließen keine mechanischen Prozesse ablaufen. Sie
benutzten ihre Maschinen, aber verließen sich nicht auf sie. Vielmehr setzten sie auf Intuition. Das
Experiment glückte nicht immer, aber oft. Dann spürte man tatsächlich so etwas wie Magie und hörte das
Entstehen einer utopischen Klangwelt. Die zwei von Moebius und Roedelius autorisierten Mitschnitte dieses
Albums geben eindrücklich die Atmosphäre und die Magie eines Cluster-Auftritts wieder. Der eine fand 1977
während eines Science-Fiction-Festivals in Metz statt, der andere entstand im Januar 1972 bei einem Auftritt
in der Hamburger Fabrik.

Im Vorfeld seiner anstehenden Nordamerika- und Europa-Tournee veröffentlicht Rival Consoles seinen Fanliebling "Night Melody" auf limitierter blauer Vinyl, passend zum 7. Jahrestag in diesem Monat. Ursprünglich im vergangenen Jahrzehnt veröffentlicht, war "Night Melody" das Resultat intensiver Sessions, die oft bis weit in die Nacht hinein dauern sollten. Der Titel trifft es dabei sehr gut: Das Minialbum vereint Aufnahmen, die absolut nächtlich klingen - und denen etwas Mysteriöses anhaftet, eine besondere Stimmung, die man häufig mit den dunkelsten Stunden der Nacht assoziiert.

"Oui Bitte", das elfte Studioalbum von Station 17, wurde in intensiver Arbeit und nicht selten bis spät in die norddeutsche Nacht auf dem Forellenhof in Nordhastedt produziert. Mit müden Augen saß das Musikerkollektiv so für gewöhnlich zu vorgerückter Stunde beisammen und hörte die Takes durch, die das Tagwerk hervorgebracht hatte. Ist der zwingende Rhythmus als Königsdisziplin der 1989 gegründeten Band in ihrem Werk immer schon angelegt, ergab sich spätestens beim housigen "Hausmann" kollektiv der Wunsch: hier muss ein Remix her! Der Wunsch wuchs und legte sich über das gesamte Album ... Remixalben haben dabei in der über 30 Jahre währenden Geschichte des Kollektivs bereits Tradition: 2001 erschien beim legendären Label Mute Records, das nicht nur Depeche Mode zu Ruhm verholfen hatte, das Album "Mikroprofessor" mit Remixen von etwa DJ Koze, Thomas Fehlmann, Justus Köhncke oder To Rococo Rot. Im Jahr 2011 folgten die "Goldstein Variationen Remixes", darunter Versionen von Erobique, Tobias Thomas, aber auch von Ada und Mense Reents, die uns auch hier wiederbegegnen. Zaghaft fing die Band also an, ihre Lieblingsproduzent/innen anzufragen, die ohne Umschweife komplett zusagten. So stand schon bald ein hochkarätiges Remixalbum mit dem Who-is-Who der hiesigen Landschaft elektronischer Musik im Raum. Und auch, wenn die Grundlagen der Stücke wiedererkennbar sind, ist hier ein gänzlich neues Hörerlebnis entstanden, das durch die Versiertheit der Beteiligten und ihre Expertise zu einem eigenständigen Werk gewachsen ist, das sich auch losgelöst vom Ausgangsmaterial genießen lässt. Wie von Zauberhand entsteht ein zugleich stringenter und abwechslungsreicher Vibe, der "Oui Mixe" zu mehr macht als nur eine Ergänzung zu "Oui Bitte".

Can - Live in Cuxhaven 1976 ist der bereits dritte Teil der gefeierten Live-Serie, die 2021 mit Can 'Live in Stuttgart 1975' begann und nun eine kürzere, prägnantere Performance über vier Abschnitte von Can präsentiert. Das neue Album wird auf limitierten blauem Vinyl. CD und digital erscheinen.

Für die Can Live-Reihe wurden die besten von Can’s Bootleg Aufnahmen – von denen viele von Andrew Hall aufgenommen wurden, der leider im April 2021 verstorben ist – genommen und diese unter der Aufsicht von Gründungsmitglied Irmin Schmidt und Produzent/Ingenieur René Tinner durch die Mangel der Technologie des 21. Jahrhunderts gedreht, um den Fans diese wichtigen historischen Dokumente in den bestmöglichen Qualitätsversionen zur Verfügung zu stellen. Die Liner Notes von Can - Live in Cuxhaven 1976 wurden von dem französischen Autor Pascal Bussy geschrieben, zu dessen Büchern The Can Story (zusammen mit Andy Hall, 1989) und Kraftwerk: Man, Machine, and Music (1993) gehören. Über Can Live sagt Bussy: „Bis zum Schluss waren Can-Gigs nicht nur eine logische Erweiterung ihrer Studioarbeit, sie waren definitiv eine Arbeit für sich. Und wir haben das große Glück, noch viel davon zu entdecken.“ Ende der 60er Jahre gegründet und etwas mehr als ein Jahrzehnt später aufgelöst, hat Can’s beispiellose und mutige Verbindung von hypnotischen Grooves und avantgardistischen Instrumentaltexturen sie zu einer der wichtigsten und innovativsten Bands aller Zeiten gemacht, und diese Alben zeigen eine völlig andere Perspektive auf die Gruppe. Der Hörer wird bekannte Themen, Riffs und Motive entdecken, die auftauchen und durch diese Jams plätschern, aber sie sind oft flüchtig wie wiedererkannte Gesichter in einer wirbelnden Menge. An anderen Stellen hören Sie Musik, die es nicht auf den offiziellen Album-Kanon geschafft hat. Bei diesen Aufnahmen gehen Can in noch extremere Bereiche als bei ihrer Studioarbeit: von sanftem Ambient-Drift-Rock bis hin zu den White-Dwarf-Sonic-Meltdown-Momenten, denen sie den Spitznamen „Godzillas“ verliehen. Und selbst wenn man sich von Minute zu Minute anpasst und dem Rhythmus nachjagt, kann man die außergewöhnliche musikalische Telepathie hören, die Can’s Mitglieder teilten.

Das Soloalbum des Snarky Puppy Keyboarders, Bill Laurance.. Auf seinem ersten Soloalbum spielte Bill Laurance jedes Instrument selbst ein. Im Mittelpunkt von "Cables" steht Bills einzigartiges Klavierspiel besteht, das auf acht brandneuen Tracks zu hören ist, die von Electronica Elementen und subtilen Beats leben. Das Album wurde von zudem von Nic Hard Co-Produziert.