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Total wird dieses Jahr 21 Jahre alt, und KOMPAKTs ehrwürdige Compilation-Reihe hätte sich keine vielversprechendere Coming-of-Age-Sammlung wünschen können. Wenn Total 20 eine Selbstvergewisserung gegen alle Widrigkeiten war, bei der die KOMPAKT-Crew für einen herbei geträumten Dancefloor, der noch in einer ungewissen Zukunft lag, produzierte, dann fühlt sich Total 21 nun wie eine sehr lebendige Sammlung von neuen Möglichkeiten an. Bezeichnenderweise ist es das erste Mal seit einiger Zeit, das eine Total auf eine einzige Compact Disc passt; das macht Total 21 noch druckvoller als sonst, ein fröhlicher, reflektierender und stets aufregender 75-minütiger Audio-Scan der Welt, betrachtet durch die KOMPAKT-Brille.

Wie bei jeder Ausgabe von Total gibt es auch dieses Jahr eine ausgewogene Mischung zwischen Kompakt-Stammgästen und frischem Blut zu erleben. Aus der zweiten Kategorie gibt es einen ersten Auftritt von Kollmorgen, aus dessen “You Are The” Patrice Bäumel per Remix ein sentimentales Liebeslied gemacht hat; Nicky ELISABETHs "Celeste" hören wir im mitreißenden Remix von Roman Flügel; und Captain Mustache debütiert mit dem träumerischen Elektro-Überflieger "Everything" mit Play Paul im Schlepptau. Schließlich steuert auch Jonathan Kaspar einen neuen Track bei: "Von Draussen" mit seinem unwiderstehlichen Basslauf ist das was man unter DJs eine “Secret Weapon” nennt.

Weiter geht’s mit dem Titeltrack von Michael Mayers erstaunlicher aktueller EP, "Brainwave Technology", auf der er das Tech-Futuristen-Geplapper von KI, Transhumanismus und Posthumanismus auf die Hörner nimmt, untermalt von Mayer- typischen, glitzernden Sounds. John Tejada erinnert mit dem wunderschönen "Spectral Progressions" an die Blütezeit von Glitch und Dub-Techno, während Voigt & Voigt auf "Nicht Mein Job" von den ineinander verwobenen Mustern und dem funky Minimalismus der frühen Profan-Tage wiederbelebt scheinen. Jürgen Paape steht dem in nichts nach und eröffnet Total 21 mit "La Guitarra Romantica", einem klingenden Wiegenlied zum Nachdenken zu später Stunde.

Man hat das Gefühl, dass Kompakt einen Moment innehält, um sowohl den Staub der Vergangenheit einzuatmen, als auch in eine strahlende Zukunft zu blicken. Vielleicht ist das der Grund, warum Sascha Funke auf "Fasson" so selbstbewusst wirkt, mit messerscharfen Melodien, die wie Echos in einem Spiegelsaal herumhüpfen, oder die Art und Weise wie THE Bionaut mit "Blue Sky Motor Lodge" zurückkehrt, einem Song, der so melancholisch, so unglaublich schön ist, dass er uns Tränen der Freude weinen lässt. Robag Wruhme gerät im tickenden, sich drehenden "No" ein wenig ins Taumeln, und dann macht GUI Boratto mit dem blubbernden, stampfenden Glam-Stampfer "Wake Up" den Deckel drauf.

Das ist aber noch nicht alles - wenn Ihr euch für die Digital- und/oder Vinyl-Edition entscheidet, erhaltet ihr ein neues Stück, "Happy", von Michael Mayer sowie "I Am A Dancer" von Marc Romboy & C.A.R. Aber wie auch immer ihr euch entscheidet, jetzt, wo Total 21 wahr geworden ist, ist es eure Pflicht, eine Party zu schmeißen, die ihresgleichen sucht. Lasst die Feierei beginnen, und vergesst nicht, ein Geschenk mitzubringen

Total wird dieses Jahr 21 Jahre alt, und KOMPAKTs ehrwürdige Compilation-Reihe hätte sich keine vielversprechendere Coming-of-Age-Sammlung wünschen können. Wenn Total 20 eine Selbstvergewisserung gegen alle Widrigkeiten war, bei der die KOMPAKT-Crew für einen herbei geträumten Dancefloor, der noch in einer ungewissen Zukunft lag, produzierte, dann fühlt sich Total 21 nun wie eine sehr lebendige Sammlung von neuen Möglichkeiten an. Bezeichnenderweise ist es das erste Mal seit einiger Zeit, das eine Total auf eine einzige Compact Disc passt; das macht Total 21 noch druckvoller als sonst, ein fröhlicher, reflektierender und stets aufregender 75-minütiger Audio-Scan der Welt, betrachtet durch die KOMPAKT-Brille.

Wie bei jeder Ausgabe von Total gibt es auch dieses Jahr eine ausgewogene Mischung zwischen Kompakt-Stammgästen und frischem Blut zu erleben. Aus der zweiten Kategorie gibt es einen ersten Auftritt von Kollmorgen, aus dessen “You Are The” Patrice Bäumel per Remix ein sentimentales Liebeslied gemacht hat; Nicky ELISABETHs "Celeste" hören wir im mitreißenden Remix von Roman Flügel; und Captain Mustache debütiert mit dem träumerischen Elektro-Überflieger "Everything" mit Play Paul im Schlepptau. Schließlich steuert auch Jonathan Kaspar einen neuen Track bei: "Von Draussen" mit seinem unwiderstehlichen Basslauf ist das was man unter DJs eine “Secret Weapon” nennt.

Weiter geht’s mit dem Titeltrack von Michael Mayers erstaunlicher aktueller EP, "Brainwave Technology", auf der er das Tech-Futuristen-Geplapper von KI, Transhumanismus und Posthumanismus auf die Hörner nimmt, untermalt von Mayer- typischen, glitzernden Sounds. John Tejada erinnert mit dem wunderschönen "Spectral Progressions" an die Blütezeit von Glitch und Dub-Techno, während Voigt & Voigt auf "Nicht Mein Job" von den ineinander verwobenen Mustern und dem funky Minimalismus der frühen Profan-Tage wiederbelebt scheinen. Jürgen Paape steht dem in nichts nach und eröffnet Total 21 mit "La Guitarra Romantica", einem klingenden Wiegenlied zum Nachdenken zu später Stunde.

Man hat das Gefühl, dass Kompakt einen Moment innehält, um sowohl den Staub der Vergangenheit einzuatmen, als auch in eine strahlende Zukunft zu blicken. Vielleicht ist das der Grund, warum Sascha Funke auf "Fasson" so selbstbewusst wirkt, mit messerscharfen Melodien, die wie Echos in einem Spiegelsaal herumhüpfen, oder die Art und Weise wie THE Bionaut mit "Blue Sky Motor Lodge" zurückkehrt, einem Song, der so melancholisch, so unglaublich schön ist, dass er uns Tränen der Freude weinen lässt. Robag Wruhme gerät im tickenden, sich drehenden "No" ein wenig ins Taumeln, und dann macht GUI Boratto mit dem blubbernden, stampfenden Glam-Stampfer "Wake Up" den Deckel drauf.

Das ist aber noch nicht alles - wenn Ihr euch für die Digital- und/oder Vinyl-Edition entscheidet, erhaltet ihr ein neues Stück, "Happy", von Michael Mayer sowie "I Am A Dancer" von Marc Romboy & C.A.R. Aber wie auch immer ihr euch entscheidet, jetzt, wo Total 21 wahr geworden ist, ist es eure Pflicht, eine Party zu schmeißen, die ihresgleichen sucht. Lasst die Feierei beginnen, und vergesst nicht, ein Geschenk mitzubringen

Vor einigen Wochen saß ich spät abends kurz vor Sonnenuntergang am Chlodwigplatz in Köln. Ein paar Jahre lang saß ich hier fast jeden Abend mit meiner besten Freundin, bis das Café, das wir so mochten, der Gentrifizierung anheim fiel. Am Chlodwigplatz kreuzen fünf sehr alte Römerstraßen, hier steht außerdem die Severinstorburg, ein Überrest der mittelalterlichen Stadtmauer Kölns. Um die Ecke wurde Heinrich Böll geboren. Im November 1992 versammelten sich an diesem Ort mehr als 100.000 Menschen, um gegen Ausländerfeindlichkeit in Deutschland zu protestieren. Der Chlodwigplatz ist das emotionale, soziale und politische Herz dieses Stadtteils, in dem ich seit über 20 Jahren lebe. Manchmal sehe ich Julian vorbei spazieren, irgendwie beschwingt und stets elegant gekleidet; wir grüßen, sprechen kurz, möglicherweise geht er zum Sport oder Musik machen in seine Wohnung, die ein paar Straßen weiter liegt. Bei Julian weiß ich nie so genau, ob er gerade glücklich ist oder sehr traurig. Aber dass er sehr viel fühlt, das sieht man eigentlich sofort. Vermutlich wohnen wir beide aus genau diesem einen Grund hier in dieser Stadt, in diesem Viertel. An diesem Abend ist der Himmel über der Südstadt ein Meer aus Licht und Farben. Das einzigartige meteorologische Schauspiel der Natur erinnert an impressionistische Malerei und es ist so überwältigend schön, dass die sozialen Netzwerke später voller Fotos sind von dieser Orgie aus Orange, Gelb, Blau und Grau. Es sieht aus, als würde der Himmel brennen. An diesen Anblick muss ich zurückdenken, als ich “Sky Without Colours” das erste Mal höre und mir das Cover anschaue. Das Artwork von Frederike Wetzels und Franziska Stetter für Julians erstes Solo-Album sieht aus wie eine minimalistische, reduzierte Abstraktion meiner Erinnerung: eine ruhige Fläche, die ganz allmählich von einem kühlem Blau hin zu warmen rötlichen Farben am unteren Bildrand verläuft. Doch im Gegensatz zu dem beschriebenen, so farbenprächtigen und euphorischen Augenblick, hört sich der Titel des Albums nach einer tiefen Melancholie an, nach Abwesenheit und Verlust. In der Tat wird dieses Album von einer ganz besonderen Emotion getragen, es ist kein Werk, das in grellen Farben und mit lauten Worten mit der Außenwelt kommuniziert. Stattdessen funktioniert es wie ein inverses Bild dieses glühenden, vor Intensität fast berstenden Himmels über der Südstadt: Es ruht gänzlich in sich und trotzdem brennt es lichterloh. Julian Stetter stülpt einfach das Innere nach Außen, aber er tut dies ohne Pathos, ohne Kitsch. Er verschiebt ganz sanft die Linien zwischen Club und Pop, zwischen Song und Track, - wie ein Maler verwischt er die Grenzen (und seine Spuren) und lässt die Übergänge langsam verschwimmen. Aydo Abay ist Julians Stimme, die sich durch ihn und durch das Album hindurch bewegt, und die all das zum Ausdruck bringt, ausformuliert, zur Sprache bringt, wofür dem Produzenten selbst die Worte fehlen. Im wunderschön Titelsong “Sky Without Colours”, im über allen Wolken schwebenden “No Cure” und schließlich im leicht düster-gebrochenen “Mountain Of Geeks” meint man Neil Tennant singen zu hören, so schön, so klar und präzise, androgyn und immer auch ein wenig traurig klingt Abay hier. In den instrumentalen Skizzen greift Julian auf seine lange und erfolgreiche Erfahrung als Komponist von Soundtracks und Musik für Film und Theater zurück. Der Opener “Calm” und vor allem der letzte Track “Sleep”, die das Album von beiden Seiten umarmen, sind solche kleinen Meisterwerke, die zwischen Ambient und dem überaus nuancierten und behutsamen Einsatz von Sounds und Rhythmus das Gehirn zu nächtlichen Spaziergängen einladen. Und immer ist da diese emotionale Ambivalenz, zugleich lachende und weinende Augen, die den Blick nach vorne richten, zuversichtlich betrübt. Kaum eine gerade Bassdrum, keine fetten Beats, – Julian Stetter benötigt überhaupt keine Imperative für ein Album, das musikalisch wie atmosphärisch wie aus einem Guss klingt; es ist reich an Spirit, Intensität und Resilienz, voller Eleganz, Leidenschaft und von exzellentem Timing. Tief drinnen ist es beseelt von einer bemerkenswert selbstbewussten Bescheidenheit. “Sky Without Colours” zu hören und darüber zu schreiben, hat mir tatsächlich geholfen, den Menschen hinter dem Produzenten und DJ Julian Stetter anders wahrzunehmen. Wenn ich ihn nun das nächste Mal am Chlodwigplatz sehe, werde ich mich zwar immer noch fragen, ob er gerade glücklich oder eher traurig ist. Nur den Himmel, den sehe ich jetzt mit anderen Augen.

In den letzten zehn Jahren hat der in Ägypten geborene und in Barcelona lebende DJ und Techno-Produzent Raxon, der Freunden und Familie auch als Ahmed Raxon bekannt ist, eine ganze Reihe von 12inch-Singles auf Labels wie Cocoon, Drumcode, Diynamic, Truesoul und Ellum Audio veröffentlicht. Wir kennen Raxon außerdem durch seinen Beitrag zur Kompakt Extra/Speicher-Reihe – man höre sich nur mal "The Ancient" und "Dark Light" auf dem 2019 erschienenen Speicher 107 an. Nun hat Raxon mit “Sound Of Mind“ sein lang erwartetes Debütalbum produziert, das sowohl für den Dancefloor als auch für die eigenen vier Wände geeignet ist und dabei sowohl die Hitze des Clubs als auch die Wärme des eigenen Zuhauses durchmisst.

"Die Idee eines Albums schwebte in den letzten Jahren immer in meinem Kopf herum", bestätigt Raxon, "aber es gab nie den richtige Moment." Stattdessen verfolgte er leidenschaftlich seine Vision von tiefem, elegantem Techno, die ihn von frühen DJ-Gigs in Dubai, einschließlich der legendären Audio-Tonic-Nacht, dann auf Empfehlung von Hernan Cattaneo nach Europa führte. Im Laufe dieser Zeit sammelte er unzählige Erfahrungen, die es ihm erlaubten, seinen Stil als Produzent mehr und mehr zu transformieren. Raxon ist gelernter Architekt (obwohl er die Architektur für die elektronische Musik aufgegeben hat), was vielleicht erklärt, warum seine Produktionen so robust und gut durchdacht sind; aber man sollte auch nicht vergessen, dass Architektur bestenfalls immer ein Feld mutiger Experimente ist, etwas, worauf Raxon in “Sound Of Mind“ definitiv zurückgreift.

Wie viele andere Alben der letzten zwölf Monate auch wurde Raxon’s Debüt von der einzigartigen gesellschaftlichen Situation, in der sich der Planet momentan befindet, beeinflusst. "Anfang 2020 habe ich angefangen, an ein paar Tracks für das Album zu arbeiten", erinnert er sich, "ohne zu wissen, was in den nächsten Monaten auf uns zukommen würde. So katastrophal die Situation auch war/ist, ich fand mich im Studio wieder; in gewisser Weise gab mir der Lockdown auch eine kreative Freiheit im Studio, um zu versuchen, eine Geschichte durch meinen Sound zu erzählen." Und in der Tat gibt es auf “Sound Of Mind“ so etwas wie eine "Lebensgeschichte", besonders in der Art und Weise, wie Raxon’s Produktionen eine subtile Hommage an seine prägenden musikalischen Erfahrungen in den späten Neunzigern darstellen.

Es ist fürwahr kein Retro-Trip, aber es gibt hier viel Abwechslung und ein paar Momente, die das kollektive Gedächtnis kitzeln werden - zum Beispiel der sich langsam heran pirschende Pulsschlag im Eröffnungstrack "Majestic", oder die außerirdischen Breakbeats von "Vice" und "Journey Mode", in denen sich die interstellaren Sounds ein wenig wie Foul Play oder Steve Gurley anfühlen. Dann das ausströmende Gas und die wummernden Tasten, die "Droid Solo" subtil destabilisieren, oder die Strobo-Drones, die in "El Multiverse" herum sprudeln und flackern, wo einzelne Töne einer Orgel mit interdimensionalen Transmittern um die Wette strahlen und schließlich in den Strudel eines nächtlichen Techno-Mantras gesogen werden. “Sound Of Mind“ fühlt sich formvollendet an, wie ein elegantes Set, das Raxon’s Vision verstärkt in den Fokus rückt. Ein Fiebertraum voller Kreativität und Möglichkeiten.

Ein Downloadcode ist inklusive.

Die zweite Veröffentlichung auf Michael Mayers IMARA Label - das Debüt von Juliana Martínez aka Servicio al Cliente - beinhaltet genau die richtige Portion an Überraschungs-Potenzial und Rätselhaftigkeit, die man sich von einem Label wünscht, das von einem Gründungsmitglied der Kompakt-Familie betrieben wird. In den sechs wunderschönen Liedern der EP transportiert Martínez sowohl Freude als auch Melancholie. Süße Pop-Melodien untermalt sie mit intimen, sanften wie auch sehr mutigen rhythmischen elektronischen Arrangements.

Martínez, die heute in Berlin lebt, wuchs als Tochter einer kolumbianischen Mutter und eines uruguayischen Vaters in Kolumbien auf, beide Psychiater, wodurch sie einiges über die Freuden der Kreativität lernte: "Meine Mutter glaubte vor allem, dass die Wirkung, die Musik auf dein Gehirn und deine Seele haben kann, keine Grenzen kennt. Das ist so ähnlich wie das, was Sport mit deinem Körper macht." Martínez besuchte eine katholische Mädchenschule, nahm aber auch privaten Musikunterricht, von dem sie allerdings verwiesen wurde, "weil ich Melodien komponierte, statt zu proben." Im Nachhinein liest sich diese Erfahrung wie ein Vorzeichen. Nach ihrem Jurastudium und einem Aufbaustudium in Spanien beschloss Martínez, die Dinge selbst in die Hand zu nehmen: Sie hatte bereits in einer Gruppe namens Las Palabras Correctas gespielt und fühlte sich in der freundschaftlichen Gemeinschaft mit anderen Künstlern bestens aufgehoben; Künstler, die "ständig Songs schreiben und Kunst machen und sich untereinander austauschen über das, was wir die 'Botschafter der kolumbianischen Musik' nannten, ein Name, der einer beliebten kolumbianischen Fernsehshow entlehnt ist. Diese Freunde haben dafür gesorgt, dass ich mich intensiver mit meinen Instrumenten und Liedern beschäftigt habe."

Die Songs von Servicio al Cliente kamen über ein unaufgefordert eingereichtetes Demo zu Michael Mayer - "es gab keinen Soundcloud- oder Dropbox-Link", erinnert er sich, "sondern nur eine sehr schön gestaltete Website mit einem integrierten MP3-Player. Das leicht surreale Artwork in Kombination mit der herzerwärmenden, irgendwie naiven Musik von Servicio al Cliente brach mir sofort das Herz." In der Tat strotzen diese Songs nur so von Gefühl, Charme und Rhythmus, umspielt von sanften Orgel und Keyboard-Tönen. Über all dem schwebt Martínez' Stimme, vor allem ihre Sprechstimme ist erfüllt von ungezwungener Zuversicht. "Es klingt wie etwas, das ich schon immer kannte", staunt Mayer, "wie ein alter vergessener Freund oder eine Kindheitserinnerung, die in einem Traum auftaucht." Servicio al Cliente erwischt uns mit voller Wucht, die Komplexität des kolumbianischen Lebens ist tief in die DNA ihrer Musik eingebrannt. Da ist diese oberflächliche Süße, das sinnliche Auf und Ab der Melodien wie in "La Mujer Que Bailó Con El Diablo" oder direkt im ersten Stück "Romántico", – all das verrät eine tiefe Sehnsucht, die den Liedern innewohnt, und verweist auf Martínez' scharfsinniges und kluges Bewusstsein für so etwas wie Erinnerungsarbeit, von der ein irgendwie glücklich-trauriges Strahlen ausgeht. "Meine Musik ist voll südamerikanischer Nostalgie", stimmt Juliana zu, "sie ist ein Versuch, sich an ein umfassenderes Verständnis der Realität zu erinnern, wozu Kolumbien einen zwingt. Eine bittersüße Ironie, wo die meisten Dinge einfach möglich sind. Ich versuche, meine Musik nach diesem Gefühl klingen zu lassen." Tatsächlich war es ein Moment großen Verlustes und großer Traurigkeit, an dem Martínez sich entschloss, ihre Musik mit anderen zu teilen: "Erst als mein Vater starb, zwang ich mich dazu, Michael zu schreiben." "Und Michael hat zurückgeschrieben."

Steffi und Virginia kehren mit einer Acht-Track-Doppel-EP zurück zu Ostgut Ton und laden ein in neue Dimensionen ihrer sonischen Welt, die sie im Laufe mehrerer Jahre geschaffen haben. Work A Change erscheint am 20. September 2019 als 2x12”-Vinyl und in digitalen Formaten. Seit ihrer ikonischen 2011er-Kollaboration „Yours“ – das Stück wurde zum Klassiker – experimentierte das Duo mit neuen Arten, die eigene, einzigartige Dancefloormelancholie auszudrücken. Anders als bei sonst mit Vocals in Dance Music assoziiertem großen Maximalismus, nutzt Steffi und Virginias Schaffen die Stimme weniger als zentrales Element, sondern mehr als integralen Teil des Grooves selbst, subtil im Temperament und zu gleichen Teilen ihrer Gegenstücke. Leidenschaftliche Vocals schrauben sich um melodische Leads und warme Harmonien, eine sanfte Art von Entspannung, die mit jedem Hören tiefer wirkt. Work A Change transportiert uns unmittelbar in ein paralleles Gehöruniversum, entzieht sich einem festen Stil und mischt vielfache Referenzen in eigene neue Formate.

The Micronaut vertont jenen Moment, wenn das Quietschen der S-Bahn und die Schritte auf dem nassen Asphalt im dämmrigen Himmel über den Straßen verhallt sind. Jenen Moment, wenn die verlorenen Seelen der Abgase und Bremslichtern zwischen den Häusern umherirren, hinter deren leuchtenden Fenster sich Träume und Ausstiegsfantasien fürs Bett vorbereiten. Wenn alle nah beieinander sind und doch jeder für sich ist, wenn die Stadt ruhig wird und in den Köpfen ihrer Bewohner immer noch geschäftiges Treiben herrscht. Irgendwo zwischen Bass Music, Electronica und Pop findet Stefan Streck die rhythmisch-melodische Entsprechung dieser epischen Atmosphäre. Dass er dabei einen ausgeprägten Hang zur Tragödie hat, das findet nicht nur in der leidenschaftlich-impulsiven Geste seiner Live-Auftritte Ausdruck, sondern auch auf ‘Forms’, seinem dritten Studio-Album auf Acker Records, vertrieben durch Kompakt. Der fiebrige Spannungszustand seines nächtlichen Stadt-Blues nimmt zwischen Momenten der gedankenverlorenen Melancholie und endorphingeladener Aufbruchstimmung immer wieder neue Formen an.