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Mit den 100% + 400% Oasis Knebworth Be@rbrick Toys präsentiert Medicom Toy ein Set, das eine Hommage an Oasis darstellt. Die beiden Be@rbrick-Figuren kommen mit etlichen grafischen Noel Gallagher-Referenzen, und das ganze Set ist wie gewohnt stark limitiert. Ein 500%iges Be@rbrick Original! Größen: 28 cm (400%) bzw. 7 cm (100%); Maße der Box: 23 x 30,5 x 18 cm.

Mit den 100% + 400% Andy Warhol Mick Jagger Be@rbrick Toys präsentiert Medicom Toy ein Set, das eine Hommage an Andy Warhol's Kunst darstellt. Die beiden Be@rbrick-Figuren kommen mit etlichen grafischen Mick Jagger-Referenzen von Warhol, und das ganze Set ist wie gewohnt stark limitiert. Ein 500%iges Be@rbrick Original! Größen: 28 cm (400%) bzw. 7 cm (100%); Maße der Box: 23 x 30,5 x 18 cm.

Mit den 100% + 400% Kiss Demon Chrome Be@rbrick Toys präsentiert Medicom Toy ein Set, das eine Hommage an die Glamrocker von KISS darstellt. Die beiden Be@rbrick-Figuren kommen in Chrome-Ausführung mit grafischen Kiss-Referenzen, und das ganze Set ist wie gewohnt stark limitiert. Ein 500%iges Be@rbrick Original! Größen: 28 cm (400%) bzw. 7 cm (100%); Maße der Box: 23 x 30,5 x 18 cm.

MR P GRFX - CREME DE LA CRIME Art Screenprint

Urban Fine Art Prints
Das perfekte Accesoire um deinem Zuhause einen Urbanen Spirit zu verschaffen.
Siebdruck auf braunem Maroc du Maron Papier 350g im Format 100 × 70 cm. Die Prints werden in einem Aufwendigem Verfahren mit Blattgold veredelt. Limitiert auf 100 Stück.

Lieferung erfolgt gerollt in Posterrolle.

Im Jahre 1960 reisten der Fotograf William Claxton und der renommierte Musikkenner Joachim Berendt auf den Spuren des Jazz durch die Vereinigten Staaten. In Konzertsälen und neben Marschkapellen, in Seitenstraßen und in U-Bahnhöfen versuchten sie dieses lebendige, atmende, pulsierende Musikphänomen zu dokumentieren, das Amerika über alle Klassen- und Rassenschranken hinweg in seinen Bann zog.

Das Ergebnis dieser Zusammenarbeit zwischen Claxton und Berendt war Jazzlife, ein bei Sammlern überaus begehrter Bildband, der fernab klischeehafter Vorstellungen von verrauchten Jazz-Kaschemmen zu ergründen versuchte, was diese originärste aller amerikanischen Kunstformen eigentlich ausmachte. Ob in New Orleans und New York, in St. Louis, Biloxi, Jackson, LA oder Newport – Claxton und Berendt waren zur rechten Zeit am rechten Ort, um der „Kunst des Moments“ Gesichter zu geben.

Mit Bildern von Charlie Parker, Count Basie, Duke Ellington, Muddy Waters, Gabor Szabo, Dave Brubeck, Stan Getz, Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Miles Davis, Charles Mingus, Thelonious Monk, John Coltrane und vielen anderen ist dieses Buch Dokument einer großartigen Epoche und eine liebenswerte persönliche Hommage an eine einzigartige Kunstform – ein Klassiker.

Ice Cold präsentiert die visuelle Geschichte vom Schmuck der Rapper und ihrer Bling-Kultur. Mit ikonischen Fotos aus 40 Jahren und fesselnden Storys wird die Welt des Hiphop-Adels in den Fokus genommen, in der Megastars wie Jay-Z, Migos, Pharell und Tupac mit funkelnden Klunkern Status zeigen und ihren persönlichen Stil ausdrücken.

Ice Ice Baby
Wie der Hiphop die Welt des Luxus neu definiert und zum Glitzern gebracht hat

Schmuck ist und bleibt eine Säule der Hiphop-Kultur – egal, ob es um diamantenbesetzte „Grillz“, überdimensionale „truck style“-Anhänger, bust down-Rolex- und Patek Phillippe-Uhren, oder eine Tiffany-Halskette geht. Der exzessive Bling ist das glitzernde Statement einer kollektiven Identität – kompromisslos, charismatisch und mit viel Street-Smartness.

Ice Cold. A Hiphop Jewelry History umspannt die gesamte Geschichte des Hiphop-Schmucks von den 1980ern bis heute – es ist die fantastische Verbindung des Hiphop-Narrativs und seiner Visualisierung. Hunderte von ungewöhnlichen Fotos präsentieren alle wichtigen Hip-hopkünstler und feiern „Ice“ als den Ausdruck der Identität und Selbstdarstellung.

Nach den Anfängen mit Run-DMCs goldenen adidas-Anhängern und Eric B. & Rakims pompösen Dookie-Ketten und Mercedes-Medaillons entwickelt sich der Hiphop-Schmuck vom Street-Accessoire zu einer boomenden Designkultur. Die Tradition des Schaulaufens erreicht neue Höhepunkte mit Künstlern wie Pharrell Williams, Jay-Z, Gucci Mane, und Cardi B, deren immer exklusiveren Schmuckstücke Motive aus der Popkultur integrieren, unkonventionelle Materialien verwenden und wiederholt auch Kollaborationen mit Künstlern wie Takashi Murakami eingehen.

Die Autorin Vikki Tobak zeigt mit vielen Beispielen die Arbeiten von Schmuckpionieren wie Tito Caicedo of Manny’s, Eddie Plein, und Jacob the Jeweler bis hin zu neueren Künstlern wie Avianne & Co., Ben Baller/IF & Co., Greg Yuna, Johnny Dang, Eliantte und vielen mehr.

Ice Cold ist die umfassende Schau eines schillernden, inspirierenden Stils, zu der die führenden zeitgenössischen Fotografen beitragen: Wolfgang Tillmans, Janette Beckman, Jamel Shabazz, Timothy White, Gillian Laub, David LaChapelle, Danny Clinch, Phil Knott, Raven B. Varona, Al Pereira, Albert Watson und viele andere.

Das Vorwort von Slick Rick und Essays von A$AP Ferg, LL COOL J, Kevin „Coach K“ Lee und Pierre „P“ Thomas von Quality Control Music nehmen uns auf eine sehr persönliche Reise in ihr Schmuck-Universum mit.

Ice Cold geht dabei weit über den ostentativen Bling hinaus, um dessen transformative Geschichte zu enthüllen, die sowohl laut als auch stolz ist.

Die Autorin
Vikki Tobak schreibt für Magazine und Zeitungen wie Complex, Rolling Stone, The FADER, Mass Appeal, Paper, Vibe, i-D, und die Detroit News. Sie ist die Autorin von Contact High: A Visual History Of Hip-Hop und die Kuratorin der gleichnamigen Wanderausstellung. Für CBS, CNN und Bloomberg News hat sie als Producerin und Kolumnistin gearbeitet. Sie begann als Kulturredakteurin beim Paper magazine bevor sie bei Payday Records/Empire Management mit Gruppen wie Gang Starr, Jay-Z, Mos Def, Show and AG, Jeru and other Hiphop-Legenden zusammenarbeitete.

Leben auf großer Leinwand - Eine Begegnung mit dem Werk von Julian Schnabel

Jetzt als unlimitierte Ausgabe: die Taschen-Monografie über Julian Schnabel entstand in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler und zeigt sein Schaffen in allen Medien – Gemälde, Skulpturen, Filme. Die einmalige Gelegenheit, Schnabels Kunst so direkt zu erleben wie sonst nur in der persönlichen Begegnung mit den Werken.

Julian Schnabel macht Kunst aus dem Leben und findet seine Materialien in der Struktur des Alltags. Er verwendet zerbrochene Teller als unpraktischen Bildgrund, malt auf Samt, Planen von Marktständen und Armeefahrzeugen, Kabuki-Theaterkulissen oder dem Boden eines Boxrings – Oberflächen, die ihre jeweils eigene Geschichte in das Bild mit einbringen. Der Erfolg kam für Schnabel über Nacht mit seiner ersten New Yorker Einzelausstellung im Jahr 1979 und seitdem ist sein Name ein Synonym für die Rückkehr der totgesagten Gattung der Malerei in die zeitgenössische Kunst. Dabei hat er in einer Vielzahl von Medien gearbeitet: Seine Skulpturen erweitern die malerischen Formen der Bilder als grob gehauene, scheinbar abgenutzte Artefakte in den Raum. Als Regisseur von preisgekrönten Kinofilmen portraitiert er Künstler wie Basquiat, van Gogh und andere subtil-heroische Figuren. Und er baut seinen eigenen Traum von einem venezianischen Palast mitten in New York. „Ich möchte, dass mein Leben in meinem Werk steckt, komprimiert in meiner Malerei wie ein Auto in einer Schrottpresse. Sonst wäre meine Arbeit nur irgendwelches Zeugs“, sagt Julian Schnabel. Diese Dringlichkeit zieht sich durch sein Schaffen, ganz gleich, welche Mittel oder Medien der Künstler wählt.

Jetzt als unlimitierte Ausgabe erhältlich, stellt diese Taschen-Monografie die ganze Palette von Schnabels Arbeiten vor. Das Buch wurde in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler geschaffen. Die Texte steuern Freunde, Kuratoren und Kunsthistoriker bei, mit denen Schnabel schon zuvor an Projekten gearbeitet hat: Laurie Anderson zeichnet ein vertrauliches Porträt des Künstlers; Éric de Chassey widmet sich den Gemälden, Bonnie Clearwater den Skulpturen und Max Hollein der ortsspezifischen Arbeit; Donatien Grau schreibt über den Palazzo Chupi, das vom Künstler selbst entworfene Haus im New Yorker West Village; der Schriftsteller Daniel Kehlmann taucht in das filmische Werk ein. Mit diesen Texten und hochwertigen Werkabbildungen macht das Buch Schnabels Kunst auf eine direkte Weise erlebbar, wie es sonst nur in der persönlichen Begegnung mit den Werken möglich ist.

Der Künstler Julian Schnabel (born 1959) is an American painter, sculptor, and filmmaker. After his breakthrough in 1979, he became one of the most successful painters worldwide, with solo shows at the Stedelijk Museum, Amsterdam; the Tate and Whitechapel, London; Centre Georges Pompidou and Musée d'Orsay, Paris; the Whitney, New York, and many others. Began directing with Basquiat in 1996, most recently the van Gogh film At Eternity’s Gate from 2018.

Die Herausgeber Hans Werner Holzwarth ist Buchdesigner und Herausgeber mit zahlreichen Veröffentlichungen vor allem im Bereich der zeitgenössischen Kunst und Fotografie. Für Taschen hat er eine Reihe monografischer Collector’s Editions herausgegeben, darunter Jeff Koons, Christopher Wool, Albert Oehlen und Ai Weiwei, den David-Hockney-SUMO A Bigger Book und den XXL-Band Jean-Michel Basquiat.

Louise Kugelberg ist eine in Schweden geborene Innenarchitektin, die Gebäude aus dem 18. Jahrhundert renoviert und mit privaten Kunstsammlungen ausstattet, in Gemeinschaftsarbeiten Luxus-Boutique-Hotels entworfen und für Parley for the Oceans ein gewaltiges tragbares Pavillonzelt aus recyceltem Ozeanplastik gebaut hat. In den letzten fünf Jahren hat sie intensiv mit Julian Schnabel zusammengearbeitet, Ausstellungsräume und Kataloge entworfen sowie den Film At Eternity's Gate mitgeschrieben und bearbeitet. Sie lebt und arbeitet in New York.

„Sein wohl grösstes Buch – und ja, seines, weil es in engster Regie mit ihm zusammen ediert wurde: Auch es ist «larger than life», wie man im Angelsächsischen sagt… Schnabels Bilder feiern die Malerei, sind ein Fest der Farben, der Bezüge und Verweise – und vor allem der Freiheit.“ Neue Zürcher Zeitung

Hardcover, 25 x 33.4 cm, 3.69 kg, 572 Seiten

It’s Just a Shot Away

Die ultimative illustrierte Geschichte der Rolling Stones

Der Berühmtheitsgrad, den die Rolling Stones im Laufe ihrer fast 60-jährigen Karriere erreicht haben, ist beispiellos; ihre bekanntesten Riffs und eingängigsten Textzeilen haben sich unauslöschlich in unser kollektives Gedächtnis eingegraben. Mit ihrer hypnotisierenden Präsenz auf und jenseits der Bühne setzten die Stones Maßstäbe dafür, wie eine Rockband klingen und sich in Szene setzen sollte. Sie waren die ersten, die instinktiv verstanden, dass das Image einer Band, ihr Aussehen, ihr Style, mindestens so wichtig ist wie die Musik, und dass die Fotografie dabei eine entscheidende Rolle spielt. „Kleidung und Frisuren sind stets tadellos“, schreibt der Autor Luc Sante. „Sie spielten immer nur sich selbst, aber mit so außergewöhnlicher Finesse, da sie die Präsenz der Kamera spürten und wussten wie gut sie auf den Fotos aussehen werden." So ist es wenig überraschend, dass viele der größten Fotografen in der Geschichte des Mediums sie fotografieren wollten.f

In enger Zusammenarbeit mit den Stones entstanden, zeichnet diese aktualisierte Ausgabe auf über 450 Seiten anhand von zahllosen Fotos und Zeitdokumenten die erstaunliche Historie der Band und ihren unverschämt lässigen Lifestyle nach. Viele der aus Archiven weltweit zusammengetragenen Bilder wurden hier zum ersten Mal veröffentlicht. Zum ersten Mal konnte man auf die privaten Archive der Rolling Stones in New York und London zugreifen, was manche Überraschung bereithält. Für Mick, Keith, Charlie und Ronnie ist dieses Buch das offizielle fotografische Archiv der Rolling Stones.

Der Band enthält: über 450 Seiten mit fantastischen Bildern von einigen der berühmtesten Fotografen unserer Zeit, darunter David Bailey, Annie Leibovitz, Cecil Beaton, Anton Corbijn, Herb Ritts, Albert Watson, Andy Warhol, David LaChapelle, Peter Beard, Helmut Newton, Bent Rej, Gered Mankowitz und Norman Parkinson. Essays der preisgekrönten Autoren David Dalton, Waldemar Januszczak und Luc Sante einen ausführlichen Anhang mit einer Chronologie der Bandgeschichte und ihrer medialen Rezeption, einer Diskografie und Kurzbiografien der Fotografen.

Diese Ausgabe entstand in enger Zusammenarbeit mit der Band, die dafür beispiellosen Zugang zu ihren Archiven gewährte. Mehr als 450 reich bebilderte Seiten dokumentieren die 60-jährige Geschichte der Stones – mit Werken legendärer Fotografen wie David Bailey, Herb Ritts, Peter Beard, Andy Warhol, David LaChapelle, Albert Watson, Annie Leibovitz, Cecil Beaton und Anton Corbijn. Satisfaction guaranteed!

Der Herausgeber Reuel Golden, ehemaliger Chefredakteur des British Journal of Photography, ist Editor für Fotografie bei Taschen. Für Taschen hat er unter anderem die Titel Mick Rock: The Rise of David Bowie, die Bände zu London und New York aus der Reihe Porträt einer Stadt, The Rolling Stones, Her Majesty, die Bildbände zu National Geographic, den David Bailey Sumo sowie Andy Warhol, Polaroids, herausgegeben.

Chronik eines legendären Labels

Capitol Records von 1942 bis heute

Von den Beatles bis Beck, von Sinatra bis Sam Smith – unzählige Künstler, die ganze Epochen geprägt haben, sind durch die Türen des Capitol Records Tower gegangen, einem der Wahrzeichen Hollywoods und Heimat einer der weltweit einflussreichsten Plattenfirmen der letzten acht Jahrzehnte.

Zur Erinnerung an diese außergewöhnliche Erfolgsgeschichte präsentiert Taschen die offizielle Chronik von Capitol Records, ausgehend vom Gründungsjahr 1942 bis in die Gegenwart. Mit einem Vorwort von Beck, Essays ausgewiesener Musikexperten und Historiker, sowie Hunderten von Bildern aus den umfangreichen Archiven des Labels, folgen wir der Entstehung einiger der größten Songs des 20. und 21. Jahrhunderts. Der Band durchstreift dafür sämtliche Genres – Pop, Rock, Country, Klassik, Soul und Jazz – und präsentiert die erfolgreichsten, coolsten, angesagtesten und kreativsten Stars des Labels, aber auch die vielen “one-hit wonders”, die nur kurz im Rampenlicht standen und kurz darauf wieder verschwanden.

Wir begegnen Legenden wie Miles Davis, Nat King Cole, dem Kingston Trio und Frank Sinatra aus den ersten 20 Jahren von Capitol; in den 1960er Jahren den Beach Boys, The Band und den Beatles; in den 1970er Jahren Rockikonen wie Pink Floyd, den Wings, der Steve Miller Band, Bob Seger und Linda Ronstadt; den Beastie Boys, Duran Duran, Radiohead und Bonnie Raitt aus den 1980ern und 1990ern; schließlich aktuellen Stars wie Coldplay, Katy Perry und Sam Smith. Capitol Records ist ein Meilenstein der Musikgeschichtsschreibung, auf den kein Fan verzichten sollte, und eine Hommage an ein legendäres Label, das für zahllose Generationen den Soundtrack ihres Lebens schuf.

Capitol Records brachte die Beatles nach Amerika, machte die Beach Boys weltweit bekannt und war mit seinem berühmten Tower in Hollywood die musikalische Heimat von Nat King Cole und Frank Sinatra. Diese offizielle Chronik folgt der außergewöhnlichen Erfolgsgeschichte des Labels und enthält ein Vorwort von Beck sowie Hunderte von Bildern aus den Archiven der Capitol Records zur Geschichte des Pop, Rock, Country, Klassik, Soul und Jazz.

Der Autor Barney Hoskyns kam 1959 in London zur Welt. Er ist der leitende Redakteur von Mick Rocks "Backpages", der einzigen Bibliothek der Popliteratur und des Popjournalismus. Er ist außerdem ehemaliger Redakteur des New Musical Express, hat für die Vogue geschrieben und für Mojo als U.S.-Korrespondent gearbeitet. Seine Biografie über Tom Waits, Lowside of the Road, ist 2009 erschienen, sein Buch über Led Zeppelin, Trampled Under Foot, im Jahr 2012.

Der Herausgeber Reuel Golden, ehemaliger Chefredakteur des British Journal of Photography, ist Editor für Fotografie bei Taschen. Für Taschen hat er unter anderem die Titel Mick Rock: The Rise of David Bowie, die Bände zu London und New York aus der Reihe Porträt einer Stadt, The Rolling Stones, Her Majesty, die Bildbände zu National Geographic, den David Bailey Sumo sowie Andy Warhol, Polaroids, herausgegeben.

Nach dem Erfolg von Jazz Covers kommt nun diese gewaltige Groove-Kollektion mit 500 legendären Coverbildern aus dem goldenen Zeitalter des Funk & Soul auf den Markt. In der betörenden visuellen Anthologie trifft Psychedelic auf Black Power, sexuelle Befreiung auf soziales Gewissen, authentische Schwarzweiß-Fotografie auf surrealen Comicstil.

Präsentiert werden sowohl seltene Cover als auch Klassiker, denen allen gemeinsam ist, dass sie nicht nur ins Auge fallen, sondern auch eine ganze musikalische Ära symbolisieren. Entdecken Sie die brillanten, gewagten, total schrägen oder einfach nur wahnsinnig schönen Entwürfe, in die epochale Musiker wie Marvin Gaye, James Brown, Curtis Mayfield, Michael Jackson oder Prince ihre einzigartige und unvergessliche Musik verpackten.

Funk & Soul Covers enthält Interviews mit führenden Persönlichkeiten der Musikbranche. Zu vielen der ausgewählten Plattencover gibt es außerdem Texte zum damaligen kulturellen Umfeld und eine detaillierte Stilanalyse.

L.A. Grooves Unterwegs mit dem Soul Train: Bruce W. Talamon Eigentlich hatte Bruce W. Talamon Anwalt werden sollen, aber dann lockte ihn doch die Welt des Entertainments. Als junger afroamerikanischer Fotograf trieb sich Talamon, später erfolgreicher Still Photographer in Hollywood, in der quecksilbrigen Jazz- und R&B-Szene von Los Angeles herum und versuchte sich einen Namen zu machen als jemand, der mehr als nur die Schauseite der Stars einfängt. Sein Durchbruch gelang ihm mit einer Festanstellung als Fotograf beim renommierten Soul Magazine Anfang der Siebzigerjahre, als die Soul-, Funk- und R&B-Szene das breite Publikum und die Charts eroberte. Mit seiner Kamera fing er, immer ganz nah dran, einige der größten Stars der Szene ein – für offizielle Porträts, bei Aufnahmesessions im Studio, unterwegs im Tourbus, in der Garderobe, beim Chillen, beim Soundcheck und bei ihren oft spektakulären Auftritten. Seine Aufnahmen vermitteln den Groove einer Epoche, die bekannt wurde für ihren Glamour, coole Klamotten und ihre musikalische Experimentierfreude.

Dieses Buch versammelt rund 300 Fotografien aus der Zeit von 1972 bis 1982. Ob eingefleischter Soulfan oder neugieriger Newcomer in der Siebzigerszene: Talamons Bilder stecken jeden an. Sie zeigen Legenden wie Earth, Wind & Fire, Marvin Gaye, Diana Ross, Al Green, Gil Scott-Heron, James Brown, Barry White, Rick James, Aretha Franklin, The Jackson Five, Donna Summer, Chaka Kahn und die P-Funk-Ahnherren George Clinton und Bootsy Collins mit Funkadelic und Parliament und Impressionen aus den Studios und Kulissen der langlebigen US-Fernsehshow Soul Train des legendären Moderators und Produzenten Don Cornelius.

Goodbye Ziggy

Mick Rocks legendäre Fotos von David Bowies Aufstieg zum Glam-Hero

1972 veröffentlichte David Bowie das geniale Konzeptalbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars und präsentierte sich einer konsternierten Welt als androgyne, wimperngetuschte Kunstfigur in Glitzerklamotten, die die Grenzen zwischen männlich und weiblich, hetero und schwul, Fakten und Fiktion einriss, bis nur noch ein funkelndes Spektakel fantastischer Selbstinszenierung blieb. Album und Bühnenspektakel machten den stillen Londoner zu einem der größten Stars der Welt.

Begleitet wurde er auf diesem Glam-Trip in die Stratosphäre des Pophimmels von seinem Landsmann, dem Londoner Fotografen Mick Rock. Rock lag künstlerisch und persönlich auf einer Wellenlänge mit Bowie, wurde Teil seiner Entourage und arbeitete in den Jahren 1972/73 als Leibfotograf des Sängers.

Diese einzigartige, 2015 noch unter Bowies Mitwirkung entstandene Sammlung zeigt das Beste aus Mick Rocks Bowie-Portfolio, von spektakulären Liveshows, legendären Studio-Porträts, Coverfotos bis hin zu Bildern aus Promofilmen, aus dem Backstage-Bereich und vom Tour-Alltag; sie zeigen Bowie, die Kunstfigur, aber auch den nicht minder facettenreichen Menschen jenseits cooler Rock-Posen – eine leidenschaftliche Hommage an einen brillanten und inspirierenden Künstler, dessen kreative Vision bis heute fortlebt. Auch das Cover ist ein Tribut an Bowies Persönlichkeit: es schillert in allen Facetten und zeigt je nach Blickwinkel einen anderen Bowie.

Eine wunderbare Hommage an den David Bowie der frühen Siebziger, der sich als androgyne Kunstfigur Ziggy Stardust neu erschuf, die Welt in einen Taumel polyamouröser Begeisterung riss und zum umjubelten Kultstar aufstieg. Der Band wurde 2015 noch unter Bowies Mitwirkung von Mick Rock, seinem Hausfotografen der Ziggy-Jahre, zusammengestellt.

Der Fotograf Mick Rock (1948–2021), geboren in London, wurde als „der Mann, der die 70er ablichtete“ bekannt. Außer David Bowie hat er auch Lou Reed, Queen, Iggy Pop, Roxy Music und Blondie porträtiert. Er produzierte zudem die Videos für Bowies Songs “John, I’m Only Dancing”, “The Jean Genie”, “Space Oddity” und “Life on Mars?”. Wichtige Ausstellungen seiner Werke fanden in London, New York, Los Angeles, Tokyo, San Francisco und Las Vegas statt.

Die Autoren Barney Hoskyns kam 1959 in London zur Welt. Er ist der leitende Redakteur von Mick Rocks "Backpages", der einzigen Bibliothek der Popliteratur und des Popjournalismus. Er ist außerdem ehemaliger Redakteur des New Musical Express, hat für die Vogue geschrieben und für Mojo als U.S.-Korrespondent gearbeitet. Seine Biografie über Tom Waits, Lowside of the Road, ist 2009 erschienen, sein Buch über Led Zeppelin, Trampled Under Foot, im Jahr 2012.

Michael Bracewell ist ein britischer Schriftsteller und Kulturhistoriker. Er schreibt über moderne und zeitgenössische Kunst, seine jüngsten Veröffentlichungen sind Richard Hamilton: Modern Moral Matters (Serpentine Gallery, London, 2010), Bridget Riley Paintings and Related Work (National Gallery, London, 2010), Damien Hirst: Beauiful Inside My Head (Sotheby's London, 2008) und The Postcard Art of Gilbert and George 1979 - 2010 (Prestel, 2011)

Übersetzung aus dem Englischen von Susen Truffel-Reiff.
448 Seiten mit über 1000 meist farbigen Abbildungen.
Broschur mit Klappen, im Format 28 × 21,6 cm

Jetzt endlich auch auf Deutsch: Das Standardwerk über das Wesen, die Erfahrung und die Energie des Hip-Hops und seinen enormen kulturellen und gesellschaftlichen Einfluss. Der Band enthält umfangreiche Auszüge aus Semtex’ beispielloser Sammlung an Interviews mit Hip-Hop-Künstlern, von den 90er-Jahren bis heute, die sich an die wichtigsten Momente ihrer Karriere erinnern, darunter Jay-Z, Kanye West, Eminem, Macklemore & Ryan Lewis, Drake, Nicki Minaj, J. Cole, Kendrick Lamar, Nas und der Wu-Tang Clan. Mit eigens in Auftrag gegebenen Fotografien von Hip-Hop-Momenten und Plattencovern, mit freundlicher Genehmigung der spezialisierten Sammler.

Infographiken zeigen den fortwährenden Einfluß der wichtigsten Hip-Hop-Künstler und die sich wandelnden Trends, die aus der Underground- Kultur ein Mainstream-Phänomen machten. Die wichtigsten Ereignisse in der Hip-Hop-Geschichte werden dabei ebenfalls beleuchtet.

Durch seine thematische Gliederung und mit Hilfe seiner richtungsweisenden Interviews mit den wichtigsten Künstlern der Branche, skizziert Semtex die Geschichte des Hip-Hops: von seinen Ursprüngen in den frühen 70er-Jahren mit DJ Kool Hercs Block-Partys in der South Bronx, über den Aufstieg des Hip-Hops zum Mainstream-Genre und die Entstehung des Gangsta Raps in den späten 80er-Jahren mit Run-D.M.C., Public Enemy und Ice-T, bis hin zu zeitgenössischen Künstlern. Heutzutage ist der Hip-Hop ein bedeutender Teil der globalen Musikindustrie, und auch die Künstler haben sich im Laufe der Zeit zu erfolgreichen Unternehmern und Geschäftsleuten entwickelt. Der Hip-Hop ist erwachsen geworden.

DJ Semtex, der als der John Peel des Hip-Hops gilt, produziert mit 1Xtra die wichtigste Hip-Hop-Radioshow Großbritanniens, die jeden Freitag
auf BBC Radio gesendet wird. Er hat alle großen Hip-Hop-Stars interviewt, auf allen Kontinenten aufgelegt und stand mit Größen wie Nas, Rick Ross, Iggy Azalea und Dizzee Rascal auf der Bühne. Zudem war er mit Legenden wie dem Wu-Tang Clan auf Tour und hat für eine Vielzahl von Künstlern, von
Macklemore bis De La Soul, die Show eröffnet. DJ Semtex ist eine einflußreiche Persönlichkeit, ob im Radio, online oder auf der Bühne. Derzeit ist er auch als „Director of Artist Development” für Sony Music tätig.

Chuck D, Gründer von Public Enemy, ist ein Hip-Hop-Gigant und Mitglied der „Rock and Roll Hall of Fame”. Als radikaler MC mit kraftvollem Rap-Stil ist er eine der angesehensten Stimmen im Hip-Hop.

Es gibt eine Flut von Publikationen über John Lennons Leben und die Musik der Beatles. Dabei übersieht man leicht sein außergewöhnliches Solo-Oeuvre, geschrieben von 1969 bis kurz vor seiner Ermordung 1980. Lennons Leben war in diesen Jahren ereignisreich und erstaunlich. Er wandelte sich vom Star in der berühmtesten Rockband aller Zeiten zum globalen Friedensaktivisten sowie zum führenden Kopf gewichtiger und radikaler Ansichten.

Befreit von den Einschränkungen bei den Beatles wurde Lennons Songwriting wesentlich direkter und gewährte intime Einblicke in seine Gefühlswelt und Ansichten. Lennons Werk ist so populär und aktuell wie bei Erscheinen. Immer neue Generationen, Musiker und politische Aktivisten lieben seine Songs. Der renommierte Musikjournalist Paul du Noyer präsentiert erstmals alle Songlyrics in einem Band, analysiert Song für Song und liefert die Hintergrundgeschichten dazu.

Über den Autor: Paul du Noyer, geboren in Liverpool, begann seine Karriere 1978 beim NME. Er arbeitete dort bis 1985 und begleitete 1986 den Erstauftritt des QMagazines. 1992 hob er das MOJOMagazine aus der Taufe. Er schrieb diverse Bücher, darunter Liverpool:Wondrous Place, Modern Icons: The Clash und Modern Icons: Marc Bolan und zeichnete als Herausgeber von Story of R'n'R.

Mit einem Vorwort von Steve Turner. 304 Seiten mit über 200 Fotos und Illustrationen Einband in Halbleinen. Format 18,5 × 23,8 cm

Aus der Einleitung von Steve Turner:

„Paul verriet mir, was ihn und John einst zum Schreiben eigener Songs motivierte: Sie mussten sich von der örtlichen Konkurrenz abheben! Immer, wenn sie in einem Club auftreten wollten, stellte sich heraus, dass ihr Repertoire aus raren B-Seiten und LP-Tracks bereits von unbedeutenderen Bands gespielt wurde. Es war die Geburtsstunde der größten Songwriting-Partnerschaft in der Geschichte des Rock’n’Roll!

Sie analysierten Rock-Klassiker und testeten die eigenen Songs vor Publikum, das so nah vor ihnen stand, dass man gleich sah, ob eine Nummer funktionierte.

Anfangs wurden ihre Texte kaum thematisiert, man kritisierte höchstens flapsige Ausdrücke wie „Yeah, yeah, yeah“ (sogar Pauls Vater hätte „Yes, yes, yes“ besser gefunden). Auf Pressekonferenzen wurden sie nach ihrer Schwäche für Jelly Babies befragt, aber nicht, wie sie ihre Songs schrieben. Doch das änderte sich.

Sind Beatles-Texte Gedichte? Nicht wirklich. In Songtexten hingegen finden sich Leerstellen, die von Gitarre, Keyboard und Drums gefüllt werden müssen. Gedichte verfügen über eine eigene Musikalität. Die Gedichte, die wir in der Schule gelernt haben, wissen wir meist nicht mehr auswendig, aber „All You Need Is Love“ oder „Hey Jude“ können wir textsicher mitsingen. 178 solcher Songs finden Sie nun in diesem schönen Buch, chronologisch nach dem Zeitpunkt der Veröffentlichung geordnet.

Viel Freude damit!

Vom Gastarbeiter zum Gangsta-Rapper Remix Almanya schreibt die Geschichte von HipHop neu. Murat Güngör und Hannes Loh begraben „Deutschrap“ und untersuchen die größte Popkultur des Landes als erstes postmigrantisches Phänomen, das Deutschland für immer verändert hat. Mit Gespür für die Szene und kritischem Blick auf Politik und Gesellschaft zeichnen sie zusammen mit Musikjournalist Uh-Young Kim die erstaunliche Entwicklung vom sogenannten Gastarbeiter zum Rapstar nach – entlang von historischen Umbrüchen, Rassismus und Empowerment gegen alle Widerstände. Wichtige Stimmen aus migrantischen, Schwarzen und transnationalen Communities rücken dabei erstmals in den Mittelpunkt und kommen selbst zu Wort – u.a. die Rap Artists Xatar, Eko Fresh, Apsilon, Ebow, Megaloh oder die Anadolu-Rock-Band Engin, Filmemacher Cem Kaya, Schriftsteller Dinçer Güçyeter, Podcasterin und Moderatorin Miriam Davoudvandi, sowie HipHop-Forscherin Dr. Heidi Süß und Migrationsexpertin Prof. Dr. Naika Foroutan.

»Dieses Buch verändert den Blick auf HipHop in Deutschland.« Eko Fresh

Die Rap-Historie in Almanya ist untrennbar mit der Geschichte der Migration und politisch-gesellschaftlichen Umbrüchen verknüpft. HipHop in Deutschland zeichnet sich nicht durch die lineare Kontinuität einer nationalen Erzählung aus, wie Deutschrap-Dokus, -Bücher und -Podcasts immer wieder behaupten. Diese Geschichte ist vielmehr von Brüchen, Hindernissen und Kulturtechniken durchzogen, deren Kämpfe bis in die Zeit der ersten Anwerbeabkommen zurückreichen.

»Das ist alles an mir vorbeigegangen. Wahnsinn! Das hätten wir alle wissen müssen, als wir mit Rap angefangen haben.« Xatar

Die ersten migrantischen Musiker:innen und die HipHop-Pionier:innen der Old School haben Rassismus und Ausgrenzung in eigne Ausdrucksformen von ungeahnter kreativen Power verwandelt. Heute sind Rapper:innen mit türkischen, kurdischen, arabischen oder afrikanischen Wurzeln die neuen Stars der deutschen Jugend. Die Sprache der Chabos und Babos hat die Schulhöfe erobert und von dort die hintersten Winkel der Republik erreicht. Und auch wenn der Terroranschlag von Hanau, die Wahlerfolge rechtsradikaler Parteien und die täglichen Nadelstriche des strukturellen Rassismus das alles zunichtemachen wollen – die postmigrantische Gesellschaft ist längst real, und Rap ein zentraler Treiber für den gesellschaftlichen Wandel.

»Rap steht explizit für migrantische Selbstermächtigung.« Prof. Dr. Naika Froutan

Für Remix Almanya haben sich Murat Güngör und Hannes Loh nach ihrem szenekritischen Standardwerk Fear Of A Kanak Planet (2002) und der Chronologie 35 Jahre HipHop (2025) mit Popkultur-Experte Uh-Young Kim als Co-Autor (u.a. Spex, Cosmo) zusammengetan. Gemeinsam fächern sie die ganze Vielfalt von HipHop auf. Sie verknüpfen postmigrantische mit feministischen Sichtweisen, hinterfragen das nationale Narrativ von „Deutschrap“ und laden zu Exkursen in Literatur, Städtebau, Journalismus und Bildungssystem ein. Dieses Buch mixt die Perspektiven neu und legt den Blick auf ein hybrides Almanya frei.

Der Sound der Jahre – ein detaillierter Überblick über die Musiklandschaft der BRD im Wandel der Zeit.

Mit dabei: Amon Düül II, Ash Ra Tempel, Birth Control, Can, Cluster / Kluster, Cosmic Jokers, DAF, Dieter Dierks, Klaus Doldinger, Floh de Cologne, Frumpy, Sergius Golowin, Manuel Göttsching, Guru Guru, Harmonia, Rolf-Ulrich Kaiser, Kraan, Kraftwerk, La Düsseldorf, James Last, Udo Lindenberg, Giorgio Moroder, NEU!, Conny Plank, Popol Vuh, Tangerine Dream, The Rattles, Ton Steine Scherben, Achim Reichel (A. R. & Machines), Hans-Joachim Roedelius, Klaus Schulze, Eberhard Schoener, Karlheinz Stockhausen, Walter Wegmüller, Witthüser & Westrupp, Xhol Caravan und viele mehr …

Mehr Infos

Englische Originalausgabe.
192 Seiten mit über 150 meist farbigen Fotos.
Fester Einband im Format 25 × 25 cm.

Das Jahr 1968 ist gezeichnet von politisch einschneidenden
Ereignissen, die bis heute nachwirken. Die Beatles reagieren darauf
auf ihre Weise. Die Band ist durch den Tod Ihres Freundes und
Mentors Brian Epstein ohne Manager. Doch im Vergleich zu früher
können sie mit mehr Zeit und ohne die ständigen Unterbrechungen
durch Live-Auftritte sogar in mehreren Studios gleichzeitig
arbeiten. Und so gelingt ihnen ein absolutes Meisterwerk – trotz
der Spannungen innerhalb der Band und der Anwesenheit von
Yoko Ono während der Aufnahmen.

Vertreten sind:
Psychedelia (Glass Onion, Piggies, Long Long Long)
Rock ’n’ Roll (Back in the USSR, Birthday)
Blues (Yer Blues, Why Don’t We Do It in the Road, Revolution 1)
Progressive Rock (Happiness Is a Warm Gun)
Country (Rocky Raccoon, Don’t Pass Me By)
Folk (Blackbird, Mother Nature’s Son, The Continuing Story of
Bungalow Bill)
Ragtime (Honey Pie)
Reggae (Ob-La-Di, Ob-La-Da)
Hard Rock (Helter Skelter, Everybody’s Got Something to Hide
Except Me and My Monkey)
Balladen (Julia, While My Guitar Gently Weeps, Dear Prudence,
Martha My Dear, I Will, Sexy Sadie, Cry Baby Cry, Good Night) und
eine avantgardistische Toncollage (Revolution 9)

Das Album erscheint am 22. November 1968. Es ist das
einzige Doppelalbum der Beatles. George Martin wollte eine einzelne
LP daraus machen, hat aber später akzeptiert, dass die Fans vom Ergebnis
begeistert waren. Die Songs werden noch heute diskutiert und
sind für viele nachfolgende Musiker stilprägend.

Unser täglich Pop gib’ uns heute: Welcher singende Brillen-Fan schrieb am 20. Mai 1979 Geschichte? Wo stieg am 11. Januar 1985 eine der größten Musikpartys des Jahres? Welche Band wurde am 12. Juli 1991 auf dem Weg an die Spitze kurzfristig gestoppt und wie hieß noch gleich der weltberühmte Computerfreak, der sich wegen seiner eigenwilligen Erfindung am 13. April 2000 vor Gericht verantworten musste?

Pop Headlines liefert die Anworten – und nicht nur das: 366 Tage lang erzählt der Abreißkalender von den kleinen und großen Ereignissen der Pop-Historie. Jeden Tag eine Anekdote, ein Ereignis, eine prägende Personalie oder ein legendäres Konzert, unter anderem mit dabei: The Beatles und Lady Gaga, Chris Cornell und Take That, Nina Simone und Wham!, alles von Punk und Pop über Jazz und Soul bis zu Reggae und Ska.

Als Anfang der 1960er die afroamerikanische Musik aus der Kirche ausbrach und Sänger wie Ray Charles oder Sam Cooke den Gospel mit weltlichen Texten versahen, um ein neues Publikum zu erschließen, war die 7“-Single das Medium der Stunde. Die frühen Soul-LPs waren meist Zusammenstellungen erfolgreicher Singles, angereichert mit Coverversionen.Das sollte sich 1971 radikal ändern, als Marvin Gaye „What’s Going On“ gegen den Widerstand seines Labels Motown herausbrachte. Danach gab es kein Halten mehr.

Sly & The Family Stone, Stevie Wonder, Isaac Hayes, The Temptations, James Brown und zahllose sträflich unbeachtete Gruppen, nutzten das Medium, um Missstände zu kommentieren und Experimente zu wagen. Songs dehnten sich über zehn Minuten und verließen das radiofreundliche Drei-Minuten-Format. Zudem erhielt die Musik eine optische Ästhetik, die Musiker bekamen ein Gesicht und erzählten auf den Rückseiten der Cover ihre Geschichte. Wer vorher für die Stimme von Al Green schwärmte, konnte ihn jetzt im weißen Anzug auf einem Korbstuhl fläzend als LP in den Händen halten.

Heute werden Original-LPs für teils schwindelerregende Summen gehandelt. Plattenläden und Onlinebörsen boomen. Die Haptik der Platte, das Knistern, wenn die Nadel in die Rille greift, die analoge Wiedergabe und nicht zuletzt die DJ-Kultur haben sich der Logik des technischen Fortschritts einfach widersetzt. Totgesagte leben länger, heißt es. Das gilt allemal für die LP. Jener Aura, die nur eine Originalpressung haben kann, ist dieser Kalender gewidmet.

"Ich bin neu in der Hamburger Schule" haben Tocotronic 1995 gesungen. "Die Lehrer sind alle ganz nett hier und die meisten meiner Mitschüler auch."Doch wer sind die "Lehrer" dieser 1993 gegründeten Band, die erst spät zu der unter dem Namen "Hamburger Schule" bekannten Szene gestoßen ist? Und wie blicken die "Mitschüler" heute auf die Musikszene, die sich ab Mitte der Achtziger an den Tresen, in den Übungsräumen und Konzertsälen der Hansestadt entwickelte?Zu einer Zeit als Deutschpunk stumpfer und die Neue Deutsche Welle schlagerhafter wurde, entstand irgendwo dazwischen etwas Neues, Eigenes. Noch ohne Trainingsjacken, Seitenscheitel und deutschsprachige Texte herrschte zunächst eine musikalisch wilde Mischung vor - Alternative neben Northern Soul, Punk neben Noise, Pop neben Instrumentalmusik. Erst nach und nach schälte sich der deutschsprachige, intellektuelle Diskurspop heraus, der zum Markenzeichen - und Klischee - der Hamburger Schule wurde und Bands wie Blumfeld, Die Sterne oder Tocotronic zu überregionaler Bekanntheit führte."Der Text ist meine Party" begleitet zahlreiche Akteur:innen auf ihrem Weg aus der Provinz nach Hamburg. Viele der Musiker:innen hatten in der Punkszene die Selbstermächtigung, den Do-it-yourself-Ethos erlernt und gründeten Bands und Tonstudios, Labels und Konzertorte.Die Vielfältigkeit der Musikszene Hamburgs der letzten Jahrzehnte beschreiben unter anderem:Bernd Begemann, Myriam Brüger (L"Age D"Or), Ale Dumbsky (Buback), Ebba & Jakobus Durstewitz (JaKönigJa), Charlotte Goltermann (L"Age D"Or), Carsten Hellberg (Ostzonensuppenwürfelmachenkrebs), Bernadette La Hengst (Die Braut haut ins Auge), Oliver Hörr (Boy Division), Bernd Kroschewski (Boy Division, Hrubesch Youth), Tobias Levin (Cpt. Kirk &.), Dirk von Lowtzow (Tocotronic), Jan Müller (Tocotronic), Hans Nieswandt (Whirlpool Productions), Carol und Chris von Rautenkranz, Knarf Rellöm (Huah!), Frank Spilker (Die Sterne), Linus Volkmann, Rebecca "Nixe" Walsh, Frank Werner (Fast Weltweit), T...

Vor 50 Jahren forderte Aretha Franklin »Respect«, in den Neunzigern rebellierten die Riot Grrrls und heute vermarkten Superstars wie Beyoncé eine sexy Version des Feminismus. Die Charts sind voll mit weiblichen Stimmen, doch bleiben Festivalbühnen, Musikzeitschriften und Clubnächte männerdominiert. Dabei gibt es Role Models an jeder Ecke, in jedem Jahrzehnt, in dem Frauen zu Gitarre, Mikrofon oder DJ-Software griffen.

Jede hat ihre eigenen Geschichten. Es geht um Selbstermächtigung, um Wut, um Gleichberechtigung, um Drugs and Rock n Roll, um Sex und Sexualität und auch mal um Menstruation. Vor allem aber um Musik. Egal, ob Stimmen im Soul, Battles im Rap, Gitarrensoli im Rock, große Hits im Pop oder Tunes im Techno. Ganze Enzyklopädien könnten mit herausragenden Musikerinnen und weiblichen Bands vollgeschrieben werden. Dieses Buch ist eher vergnügliche Lektüre als Lexikon, doch gibt es einen vielseitigen Einblick in die feministische Musikgeschichte.

In über 100 lehrreichen, kurzweiligen und persönlichen Texten schreiben Journalistinnen und Journalisten, Musikerinnen und Musiker, Fans und Freunde über Bands, die sie prägten, über Künstlerinnen, die den Feminismus eine neue Facette gaben, über Lieblingsplatten, Lebenswerke und Lieder, die sie mitgrölen vom Klassiker bis zum Außenseitertipp. Françoise Cactus, Paula Irmschler, Jacinta Nandi, Klaus Walter, Christina Mohr, Bettina Wilpert, Sonja Eismann, Linus Volkmann, Jonas Engelmann, Diviam Hoffmann, Sven Kabelitz, Elke Wittich, Myriam Brüger und viele andere schreiben über Björk, Christina Aguilera, Bikini Kill, Billie Holiday, Alice Coltrane, ESG, Georgia Anne Muldrow, Kimya Dawson, Madonna, Patti Smith, Spice Girls, Terre Thaemlitz und viele weitere Künstler*innen.

Surprise: Auch Feminist*innen und Queers feiern HipHop.

Awesome HipHop Humans sind Veranstalter*innen, DJ-Kollektive, Fans, Jornalist*innen, Aktivist*innen, Rapper*innen, Sprüher*innen, Booker*innen, Radiomacher*innen, Beatboxer*innen … Weitab vom HipHop-Mainstream hat sich im deutschsprachigen Raum im Verlauf der letzten zehn Jahre eine ausgesprochen linke, dezidiert feministische und in Teilen queere Szene entwickelt. Sie trägt eine Leidenschaft für die Möglichkeiten von HipHop in sich und hat Spaß an der politischen Artikulation. Von Anpassung oder Anbiederung an dominanzmännliche Maßstäbe: kaum eine Spur. Feministische Werte und Praxen wie Wertschätzung, Selbstbestimmung und Intersektionalität gehen in Form von Songs auf Demos, Partys und Konzerten sowie in zahlreichen Biografien auf. In »Awesome HipHop Humans« teilen Menschen, die sich mit Queer_Fem_Rap befassen und identifizieren, ihre Erfahrungen, Politisierungsprozesse, biografischen Einlassungen, subkulturellen Netzwerke und diskursiven Reflexionen. Es ist eine Bestandsaufnahme dessen, was sich an unterschiedlichen Orten im HipHop niederschlägt und was nur danach schreit, gelebt, argumentiert, gehört, wertgeschätzt und dokumentiert zu werden.

Die Beiträge schreiben die Geschichte sowohl von HipHop als auch von Feminismen fort. Sie machen etwas zugänglich, das bislang als Recherchegrundlage nicht zur Verfügung stand. Es geht um Potenziale, Widersprüche, Stagnationen, Entwick- lungen, Kraftakte und Einzigartigkeiten, und das alles im Kontext einer Kultur, die in der öffentlichen Wahrnehmung weitestgehend vom problematischen Auftreten medienwirksamer Cis-Männer überdeckt wird. Die Beiträge bestehen aus Porträts, Interviews, Briefwechseln, Songanalysen, Essays, Artikeln, Collagen, Flashlights. Ihnen liegt nicht der akademische Anspruch abgeschlossener, final ausrecherchierter Sachtexte zugrunde, stattdessen sprechen Herzensbildung und Leidenschaft.

Ergänzt wird das Buch von Literaturempfehlungen, einem Glossar und zahlreichen Kurzporträts von Rapper*innen und anderen HipHop-Aktiv(ist*inn)en.

Mit Beiträgen von: Anna Groß, Anna Wegricht, B2BCrew, Ebow, Elnaz Amiraslani, Esrap, Fatima Moumouni, Faulenz*A, Fem* im Pott, Fettes Brot, Finna, Form, Freya Randale, Gizem Adiyaman, Haszacara, Jana Asmus, Jule Wasabi, Klitclique, Böseundgemein Konzertkollektiv, Lady Lazy, Lia Sahin, Louigi Klassen, Menina Morenike, Missy Magazin, Murat Güngör, Hannes Loh, Frieda Frost, Bettina Lösch, FVU, Marie Curry, nobigbutL, Refpolk, Simon Shnuti, Jess Friar, Sir Mantis, Spezial-K, Squeeril, Yasmo, Vanessa Cutraro, Molli Mönch, La Nefera, Lina Burghausen, Seria Kurz, Rana Esculenta, Plaeikke, Philo Tsongui

Sneeze Magazine N60, auch bekannt als "the human nature issue", enthält Features von Kevin Bradley (fotografiert von Jared Sherbert) sowie Inhalte von Charlotte Day Wilson, Mayuri, Billy Menezes, Artworks von Ian de Beer, Jacob Lawrence usw. Maße: 28 x 40 cm (56 x 82 cm ungefaltetes Posterformat). Gedruckt in Kanada.

Ein Buch über Labels: Solche die auf Platten kleben und solche die im Jamaica der 70er wirkten. Ein Buch darüber wie alles zusammenhängt – also der Kleber und die Künstler, Jamaica und die 70er. Auf einer ganzen Menge üppig bebilderter Seiten hat Slow Pete seine 7" lang genug angehalten, um ein Bild vom inneren Kreis zu machen. Und um zu erklären wer da gerade Musik machte. Sollte man sich anschauen, weil es ein schönes Buch ist und weil Slow Pete sich auskennt.