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Die auf 1000 Stück limitierte 7" Single enthält die Album-Auskopplung ,Soul Of Fire" und die exklusive B-Seite ,Rip Van Winkle". Die Band WITCH entstand aus der Verbindung gegensätzlicher Einflüsse. J Mascis (DINOSAUR JR.) und sein langjähriger Freund Dave Sweetapple gründeten erst vor kurzem die Hardrock Band. Mit Kyle Thomas und Asa Irons, Mitglieder der Avant-Folk Band FEATHERS, fanden sie willige Mitstreiter. Die vier erschaffen einen mächtig klingenden Angriff auf die Hörorgane, der dem klassischen Heavy Metal Sound der frühen 70er Tribut zollt und dabei trotzdem modern klingt. Das selbstbetitelte Debütalbum von WITCH, das im März auf TeePee erscheinen wird, wurde zusammen mit Engineer John Agnello aufgenommen, der den Fußnotenlesern durch seine Arbeit bei Alben von DINOSAUR JR., J MASCIS + THE FOG, EARLY MAN, SON VOLT und SCREAMING TREES bekannt sein dürfte.

Dev Hynes entlässt ein Mixtape in die Freiheit und füllt es mit reinster Wonne! Man könnte es Ausschussverwertung nennen, wir nennen es einen grandiosen Epilog zum letztjährigen "Negro Swan". Dev Hynes sagt über "Angel's Pulse": "My new record is called Angel's Pulse & I performed, produced and mixed the entire thing myself. I'm calling it a mixtape. I have a habit through the years of making records that I just give to friends, or on tape to people on the street, or no one. Usually this material is made directly after the album I've just put out. Somewhat of an epilogue to the thing I've made before. This time.. I decided to release it. I put as much work and care into it as I do with the albums I've released, but for some reason trained myself into not releasing things the rate at which I make them. I'm older now though, and life is unpredictable and terrifying ... so here you go mates." Mit dabei sind so illustere Gäste wie Toro y Moi, BennY RevivaL, Justien Skye, Project Pat, Ian Isiah, u.v.a.

Zweites Studioalbum des Hamburger Indietrios um Gitarrist und Sänger RICK MCPHAIL (TOCOTRONIC) als CD plus Bonus-CD und Vinyl-LP auf dem bandeigenen Label THE UPPER ROOM. Seit 2004 ist RICK MCPHAIL den Meisten als viertes Bandmitglied von TOCOCTRONIC bekannt, doch der aus Maine stammende Hamburger hat bereits vorher mit Bands wie VENUS VEGAS und seitdem mit GLACIER und MINT MIND ganz eigene Wege verfolgt. Nach dem Debüt Near Mint (2016) und der EP My New Skateboard (2018) legen MINT MIND im neuen Line-Up mit TIM WENZLICK am Schlagzeug und CHRISTIAN KLINDWORTH an der zweiten Gitarre zehn brandneue Songs vor, die exemplarisch die raue Soundästhetik der 60 s Fuzz-Garage-Ära mit der Experimentierfreude des Post Punk, New Wave und College Rock verbinden. Einflüsse von THE SEEDS bis DINOSAUR JR., THE STOOGES bis WIRE oder THE KINKS bis hin zu den PIXIES gesellen sich selbstverständlich zueinander, simple Songstrukturen bieten umso mehr Raum für Sounds, Effekte und dynamisches Auf und Ab. Vom noisigen Zweiminüter ( I Love A Good Queue ) bis zum über zehn Minuten langen Titelsong spielen sich MINT MIND mit erfreulicher Lässigkeit durch die besten Momente der Undergrond-Musik. Produziert und aufgenommen mit ZAC JOHNSON (ex READYMADE), in RICK s THE UPPER ROOM-Studio, gemastert von PHILIPP WELSING (MANDO DIAO, CALLEJON, PHILLIP BOA, GURR). Bonus-CD und Downloadcode der LP enthalten die Songs des ersten Albums und der EP! Indie-Tipp!

Im Leben geht es auf und ab. Manchmal rafft man sich auf, nur um wieder heruntergezogen zu werden. LADYHAWK wissen das. Sie standen wieder auf, gingen ins Studio und flogen vielleicht ein wenig zu nah an die Sonne, so dass sie mit angebrannten Flügeln wieder im Schatten landeten. Von dort hoben sie ihre versengten Instrumente auf, schoben die einzelnen Stücke zusammen und ließen sie so liegen, wie sie fielen. Das Resultat hört über sechs Songs hinweg auf den Namen ,Fight For Anarchy" kommt ganz ohne Bearbeitung oder Streichungen aus. Dabei zeigen LADYHAWK, dass sie wie SPOON, DINOSAUR JR oder TOM WAITS über ein ganzes Arsenal an Knurren und Lachen verfügen und ein musikalisches Gewitter erzeugen können, das niemals dieselbe Stelle noch einmal trifft.

Softpak mit 14 Polaroid inserts, Sticker WE, das mit Spannung erwartete sechste Studioalbum von Arcade Fire, erscheint am 6. Mai 2022 über Columbia Records.

Produziert von Nigel Godrich, Win & Régine und aufgenommen an verschiedenen Orten wie New Orleans, El Paso und Mount Desert Island, destilliert WE paradoxerweise "die längste Zeit, die wir jemals ununterbrochen mit dem Schreiben verbracht haben, wahrscheinlich jemals" (Win Butler) in ein prägnantes 40-minütiges Epos - ein Epos, das sowohl von den Kräften handelt, die uns von den Menschen, die wir lieben, wegzuziehen drohen, als auch von der dringenden Notwendigkeit, sie zu überwinden. WE's kathartische Reise folgt einem definierbaren Bogen von der Dunkelheit ins Licht über den Verlauf von sieben Songs, die in zwei unterschiedliche Seiten unterteilt sind – die Seite "I", welche die Angst und Einsamkeit der Isolation kanalisiert, und die Seite "we", welche die Freude und Kraft der Wiedervereinigung ausdrückt.



Das Cover des Albums zeigt die Fotografie eines menschlichen Auges des Künstlers JR, die an Sagittarius A*, das supermassive schwarze Loch im Zentrum der Galaxie, erinnert. Dieses atemberaubende Bild - verschönert durch die unverwechselbare Airbrush-Farbgebung von Terry Pastor (der dieselbe Technik wie bei David Bowies legendären Covern von Hunky Dory und Ziggy Stardust anwendet) - ist der visuelle Ausdruck von WE.

Das achte Album der vierköpfigen Band strotzt nur so vor eindringlich-emotionalen Pop-Rock-Hooks, zu Herzen gehenden, erlösenden Texten, headbangenden Riffs, kraftvoller Dynamik, donnernden Drums und ihrer bisher mitreißendsten Musikalität. Das 12-Song-Album ist auch das größte und am besten klingende Album von BSC. Das selbstproduzierte Studioalbum wurde in einem klassischen Theater in Kentucky aufgenommen, und es klingt, als würden die Jungs den Hammer der Götter schwingen. In den letzten zwei Jahrzehnten haben Black Stone Cherry einen neuen Standard für Südstaaten-Rock gesetzt und die Tradition mit ihren stämmigen Riffs und mitreißenden Rock-Hooks wiederbelebt. Seit ihrer Gründung im Jahr 2001 besteht die vierköpfige Bruderschaft aus Chris Robertson, Gesang/Gitarre; Ben Wells, Gitarre/Gesang; und John Fred Young, Schlagzeug. Heute begrüßt die Band ihren guten Freund Steve Jewell Jr. am Bass/Backing Vocals.

Screamin' At The Sky war eine Katharsis für Black Stone Cherry, und das Quartett genießt die Ruhe nach dem Sturm.

Carsten von Postel, Jann Petersen und Mathias Wolff gründen ihre Band 2013 während des gemeinsamen Studiums an der Universität der Künste Berlin auf Basis einer beschwipst- euphorischen SMS. Alle Bandmitglieder kommen zu der Zeit aus unterschiedlichsten musikalischen Richtungen, sind neu in ihrer Rolle am jeweiligen Instrument und starten unter dem Namen “girlie” mit poppigem Post-Punk. Eines ihrer ersten Konzerte spielen sie im mittlerweile abgerissenen Club Antje Øklesund und finden in dessen sozialer Umgebung schnell ein Zuhause. Im Oktober 2015 veröffentlichen sie über das Berliner Label Späti Palace ihre erste gleichnamige EP auf Kassette & digital, touren zusammen mit der Band Molde und spielen auf Festivals (u.a. beim Jenseits von Millionen, c/o pop, Alinae Lumr und dem Incubate in den Niederlanden). Der Musikexpress kürt sie zu einem der besten Newcomer auf dem c/o pop Festival 2016. Im gleichen Jahr veröffentlichen sie eine gemeinsame Split-EP (12“ Vinyl und digital) mit der Berliner Band Pigeon, anlässlich derer die TAZ ihren Sound als Weiterführung von 80er-Jahre Gruppen wie Dinosaur Jr., Sonic Youth oder The Wedding Present einordnet. Diese Genre-Schublade werden sie in 2017/2018 jedoch in Teilen verlassen und beginnen an ihrem Debütalbum „Im Flausch“ zu arbeiten. Im Zuge dessen entschließen sie sich, mit deutschsprachigen Texten weiterzuarbeiten. Die Stimmung der Songs wird offener, zwischen die Instrumentalparts kehrt so etwas wie Popmusik ein – ausgebreitet auf immer wieder gern 5 bis 7 Minuten Spielzeit. Es ist ein unironisches Nebeneinander von schroffen Oberflächen und einladendem Gestus, von Noise und Pop, von Frustration und Euphorie, ja von der grauen Welt (auch der in einem selbst) und von etwas, dass sie Utopie nennen könnten. Vor der Veröffentlichung des Albums benennt sich die Band in Die Wände um und beendet damit ihre Neuerfindung. Im Flausch erscheint im Frühjahr 2019 auf Vinyl bei Späti Palace. Es folgen ausgedehnte Touren und Festivalshows im In- und Ausland während die Band parallel bereits an neuem Material arbeitet. Im Frühjahr 2020 macht die Corona-Krise dann jedoch von heute auf morgen einen Großteil des kulturellen Lebens auf unbestimmte Zeit unmöglich. Es wird still - auch um die Wände. Und jetzt? Ein Rückzug nach innen, der Proberaum der Gruppe wird zu einem besonderen Ort. Für lange Zeit ist er der einzige soziale Bezugspunkt in der Isolation: gemeinsames Labor, Raum für Auszeiten, aber gleichzeitig auch ein Ort tiefer Konzentration auf ein gemeinsames Tun. Während auf den Straßen der Stadt eine seltsame Leere entsteht schauen Die Wände aus dem Fenster in die Dunkelheit und warten ab was passiert. Zeit wird zu einem schwammigen Konzept, das sich mal sonderbar dehnt und dann wieder zusammenzieht. Das intensive gemeinsame musikalische Agieren auf den Bühnen der letzten Jahre führt hier zu neuen Formen der Kollaboration, das Material ist in seinem Urspung intuitiver, Impulse für das Songwriting kommen aus neuen Konstellationen in dieser dichten Gemeinsamkeit. Über einen Zeitraum von fast zwei Jahren entstehen so zahlreiche Skizzen und Ideen für neue Musik. Im Spätsommer 2021 geht es für die Band ins Studio Tutti nach Leipzig um nach „Im Flausch“ erneut gemeinsam mit Alexander Günther (u.a. Mellie, Adrie, Molde, Go Lamboghini Go) ein neues Album zu produzieren und aufzunehmen. Aufbauend auf dem Nebeneinander von schroffem Noise und einladendem Pop auf dem Debütalbum sind auch die neuen Songs mal schneidend dissonant, dann wieder fesselnd hypnotisch oder melancholisch wohltönend - gepaart mit oft pointierten, assoziativen Texten. 14-minütige hypnotische Grooves (24h) treffen auf knapp zwei Minuten Powerpunk (Der Trick), dazwischen finden sich aber auch nahezu klassische Popsongs (Future Me). Alle Songs verbindet die seltsam unheimliche (Un-)Ruhe einer pandemischen Zeit. Das zweite Album der Gruppe Die Wände erscheint im Frühjahr 2022 bei Glitterhouse Records.

Der Nachschlag zum 2018er Werk „Negro Swan“, mit illusteren Gästen, komplett in Eigenregie von Dev Hynes produziert.

Dev Hynes entläßt ein Mixtape in die Freiheit und füllt es mit reinster Wonne! Man könnte es Ausschussverwertung nennen, wir nennen es einen grandiosen Epilog zum letztjährigen Negro Swan. Dev Hynes sagt über Angel's Pulse: "My new record is called Angel’s Pulse & I performed, produced and mixed the entire thing myself. I’m calling it a mixtape. I have a habit through the years of making records that I just give to friends, or on tape to people on the street, or no one. Usually this material is made directly after the album I’ve just put out. Somewhat of an epilogue to the thing I’ve made before. This time.. I decided to release it. I put as much work and care into it as I do with the albums I’ve released, but for some reason trained myself into not releasing things the rate at which I make them. I’m older now though, and life is unpredictable and terrifying… so here you go mates." Mit dabei so illustere Gäste wie Toro y Moi, BennY RevivaL, Justien Skye, Project Pat, Ian Isiah & viele weitere)

Pinky Pinky haben ein gutes Bauchgefühl. Während einer Ära von grenzenlosen Ablenkungen, gesellschaftlichen Belastungen und klanglichen Trends konzentrieren sich die drei besten Freunde darauf, zwischen all dem Lärm glücklich zu sein. Das ist auf ihrer neuen Musik zu hören, die auf zwei früheren EPs und mehreren Tourneen direkt nach der High School aufbaut, was ihnen viele frühe Fans einbrachte, u.a. große Rock-Stars wie Dave Grohl, Brian Bell, Weezer, Albert Hammond, The Strokes. Die erste Album ist ein Patchwork-Quilt aus Garage-Rock und Oddball-Indie mit Pop-Sensibilitäten, produziert von Hanni El Khatib & Jonny Bell. Es ist klassisch im Bass, Schlagzeug und Gitarrenkontext verwurzelt, aber wird durch die Perspektiven eines Trios von Jugendlichen aus LA gestützt, die über ihre alltäglichen Beobachtungen, Ängste und Leidenschaften schreiben. Deshalb ist es unprätentiös, roh und unvorhersehbar verrückt.

Broken Social Scene sind zurück!
Das Kollektiv um Kevin Drew und Brendan Canning ist die Ursuppe der kanadischen
Indierockexplosion der Nullerjahre. Feist, Stars, Metric, sie alle sind daraus hervorgegangen und bis
heute gerne gesehene Gäste. Ohne Broken keine Arcade Fire, keine Wolf Parade, kein Arts & Crafts
Label, keine Timber Timbre und und und. Dabei ist diese Social Scene eigentlich so etwas wie die
archetypische, fleischgewordene Definition einer Indierockband im traditionellsten Sinn. Think:
Pavement, eine gute Dekade früher, irgendwie Slack, aber dabei hymnisch, hippie-esque und gerne
verquer. Außerdem waren sie bei frühen Auftritten alle auch noch barfüßig!
Kanadier sagen von sich ja gerne, we try harder – we have to, wenn sie sich an den Brüdern und
Schwestern in den USA messen. Und darum eben klang bei Broken Social Scene immer alles diesen
einen Ticken größer und manchmal auch bombastischer, aber dann doch auch immer diese Spur
dreckig und unaufgeräumt.
Wenn Bei Broken Bombast ins Spiel kam, dann klang das eher so, als ob Kevin Shields (My Bloody
Valentine) und J Mascis (Dinosaur Jr.) zusammen ein Stadion in Schutt und Asche legen wollen.
Broken Social Scene, mit Kevin Drew und Brendan Canning im Kern des Wahnsinns, haben
durchgehalten und sich nicht beirren lassen.

Carsten von Postel, Jann Petersen und Mathias Wolff gründen ihre Band 2013 während des gemeinsamen Studiums an der Universität der Künste Berlin auf Basis einer beschwipst- euphorischen SMS. Alle Bandmitglieder kommen zu der Zeit aus unterschiedlichsten musikalischen Richtungen, sind neu in ihrer Rolle am jeweiligen Instrument und starten unter dem Namen “girlie” mit poppigem Post-Punk. Eines ihrer ersten Konzerte spielen sie im mittlerweile abgerissenen Club Antje Øklesund und finden in dessen sozialer Umgebung schnell ein Zuhause. Im Oktober 2015 veröffentlichen sie über das Berliner Label Späti Palace ihre erste gleichnamige EP auf Kassette & digital, touren zusammen mit der Band Molde und spielen auf Festivals (u.a. beim Jenseits von Millionen, c/o pop, Alinae Lumr und dem Incubate in den Niederlanden). Der Musikexpress kürt sie zu einem der besten Newcomer auf dem c/o pop Festival 2016. Im gleichen Jahr veröffentlichen sie eine gemeinsame Split-EP (12“ Vinyl und digital) mit der Berliner Band Pigeon, anlässlich derer die TAZ ihren Sound als Weiterführung von 80er-Jahre Gruppen wie Dinosaur Jr., Sonic Youth oder The Wedding Present einordnet. Diese Genre-Schublade werden sie in 2017/2018 jedoch in Teilen verlassen und beginnen an ihrem Debütalbum „Im Flausch“ zu arbeiten. Im Zuge dessen entschließen sie sich, mit deutschsprachigen Texten weiterzuarbeiten. Die Stimmung der Songs wird offener, zwischen die Instrumentalparts kehrt so etwas wie Popmusik ein – ausgebreitet auf immer wieder gern 5 bis 7 Minuten Spielzeit. Es ist ein unironisches Nebeneinander von schroffen Oberflächen und einladendem Gestus, von Noise und Pop, von Frustration und Euphorie, ja von der grauen Welt (auch der in einem selbst) und von etwas, dass sie Utopie nennen könnten. Vor der Veröffentlichung des Albums benennt sich die Band in Die Wände um und beendet damit ihre Neuerfindung. Im Flausch erscheint im Frühjahr 2019 auf Vinyl bei Späti Palace. Es folgen ausgedehnte Touren und Festivalshows im In- und Ausland während die Band parallel bereits an neuem Material arbeitet. Im Frühjahr 2020 macht die Corona-Krise dann jedoch von heute auf morgen einen Großteil des kulturellen Lebens auf unbestimmte Zeit unmöglich. Es wird still - auch um die Wände. Und jetzt? Ein Rückzug nach innen, der Proberaum der Gruppe wird zu einem besonderen Ort. Für lange Zeit ist er der einzige soziale Bezugspunkt in der Isolation: gemeinsames Labor, Raum für Auszeiten, aber gleichzeitig auch ein Ort tiefer Konzentration auf ein gemeinsames Tun. Während auf den Straßen der Stadt eine seltsame Leere entsteht schauen Die Wände aus dem Fenster in die Dunkelheit und warten ab was passiert. Zeit wird zu einem schwammigen Konzept, das sich mal sonderbar dehnt und dann wieder zusammenzieht. Das intensive gemeinsame musikalische Agieren auf den Bühnen der letzten Jahre führt hier zu neuen Formen der Kollaboration, das Material ist in seinem Urspung intuitiver, Impulse für das Songwriting kommen aus neuen Konstellationen in dieser dichten Gemeinsamkeit. Über einen Zeitraum von fast zwei Jahren entstehen so zahlreiche Skizzen und Ideen für neue Musik. Im Spätsommer 2021 geht es für die Band ins Studio Tutti nach Leipzig um nach „Im Flausch“ erneut gemeinsam mit Alexander Günther (u.a. Mellie, Adrie, Molde, Go Lamboghini Go) ein neues Album zu produzieren und aufzunehmen. Aufbauend auf dem Nebeneinander von schroffem Noise und einladendem Pop auf dem Debütalbum sind auch die neuen Songs mal schneidend dissonant, dann wieder fesselnd hypnotisch oder melancholisch wohltönend - gepaart mit oft pointierten, assoziativen Texten. 14-minütige hypnotische Grooves (24h) treffen auf knapp zwei Minuten Powerpunk (Der Trick), dazwischen finden sich aber auch nahezu klassische Popsongs (Future Me). Alle Songs verbindet die seltsam unheimliche (Un-)Ruhe einer pandemischen Zeit. Das zweite Album der Gruppe Die Wände erscheint im Frühjahr 2022 bei Glitterhouse Records.

Lucy Dacus' drittes Album “Home Video” basiert auf Erinnerungen ihrer Coming-of-Age-Jahre in Richmond, Virginia. Viele der Songs beginnen auf die Weise, wie Memoiren es tun – zum Beispiel: „In the summer of ’07 I was sure I’d go to heaven, but I was hedging my bets at Vbs” – und alle haben die Passion, den Humor und die Ehrlichkeit von erfrischend autobiographischen Texten. Am wichtigsten aber: das neue Album der amerikanischen Songwriterin zeugt wie kein anderes davor von ihrer Fähigkeit persönliche Empfindungen in universelle zu verwandeln. “I can’t hide behind generalizations or fiction anymore,” sagt Dacus darüber. Denn während ihre Songs seit jeher einen nostalgische Anstrich haben, öffnet sich Dacus auf dem neuen Album komplett! Während die lange Zeit auf Tour in Lucy den Wunsch nach ihrer Heimatstadt immer größer werden ließ, fand sie nach ihrer Rückkehr in Richmond ein Zerrbild ihrer selbst vor Ort wieder. Plötzlich schienen Menschen, die sie nicht kannte, sie besser zu kennen, als sie sich selbst und Fremde tauchten immer wieder vor ihrer Tür auf, um sie mit ihrer Version Dacus‘ zu konfrontieren. “You used to be so sweet,” singt sie dementsprechend auf dem Opener "Hot & Heavy", “now you're a firecracker on a crowded street.” Und das in einer Zeit, als sie ihr Zuhause am meisten brauchte. So brach Lucy kurzerhand nach einem Monat Stille auf, um im August 2019 in den Trace Horse Studios in Nashville mit ihren loyalen Freunden und Bandkollegen Jacob Blizard, Collin Pastore und Jake Finch an neuem Material zu arbeiten. Ihre boygenius Kolleginnen Phoebe Bridgers und Julien Baker stießen hinzu um ihre Stimmen den Chorussen von „Please Stay“ und „Going Going Gone“ zu leihen und auch jeder für sich noch neue Solo-Songs während der Sessions aufzunehmen. Das „Home Video“ zum hoffentlich bald nahenden Ende dieser außergewöhnlichen, wie furchterregenden Zeit erscheint, wirkt wie vorbestimmt. “I don’t necessarily think that I’m supposed to understand the songs just because I made them,” sagt Dacus im Videocall, “I feel like there’s this person who has been in me my whole life and I’m doing my best to represent them.” Nach mehr als einem Jahr zuhause und in der Videoscreens und Anrufe größtenteils die einzig mögliche Form von menschlichem Kontakt war, ist das Schwelgen in der Vergangenheit eh für viele zum Standard geworden. In diesem Zuge ist „Home Video“ ein einzigartiges Beispiel dafür, wie man aus Verletzlichkeit Stärke gewinnen kann. Dacus‘ Stimme, sowohl die gesungene als auch ihre innere, bieten einem dafür die nötige Kraft, das Fundament und den Glaube.

Das neue Album von Misty Coast in limitierter Auflage als White Vinyl!

Hinter Misty Coast verbergen sich Linn Frokedal und Richard Myklebust. Ihr neues Album "Nevereverending" ist der Nachfolger des Debütalbums "When I Fall From The Sky" von 2021. Die musikalischen Wurzeln des norwegischen Duos gehen auf die Noise-Rock-Lieblinge The Megaphonic Thrift zurück, und ihre Vorliebe für ungeschliffene Produktionen, Fuzz-Pedale und großartige Pop-Melodien ist deutlicher denn je, mit verträumten Atmosphären, eingängigen Melodien und psychedelischen Vibes. Mit Gastauftritte von Kim Age Furuhaug, Anne Lise Frokedal, Hakon Brunborg Kjenstad und Tuvaband. In limitierter Auflage auf White Vinyl. Für Fans von: The Flaming Lips, My Bloody Valentine und Warpaint.

Weiße Vinyl LP inklusive Textblatt und mit Downloadcode. Die Erfinder des Lo-Fi-Indie-Rock kehren mit einem 15-Track-Blaster der melodischen Melancholie zurück. Auf ihrem ersten Studioalbum seit "Defend Yourself" (2013) liefern Lou Barlow, Jason Loewenstein und Bob D'Amico ein Sammelsurium von wunderschön dysfunktionalen Melodien, die auf ihre besten College-Rock-Hymnen zurückgehen. Hier ist Barlow mit seinem introvertierten Songwriting am besten; er liefert einen Strom von Geschichten, die sich selbst in Frage stellen und haut die Einzeiler nur so raus, unterbrochen von verstimmten Gitarren und wirbelnden Tempowechseln. Loewenstein steht Barlow in Nichts nach, und sorgt für die gefühlt härteren Rock-Momente, nicht ohne den gewissen Hauch Weirdness. Eine körnige Post-Grunge-Postkarte, umhüllt von bittersüßen Melodien mit einem Nachgeschmack, der ein reiner Herzschmerz ist. Weitere Songs über das falsche Aufwachsen für diejenigen, die weiterhin vom Leben überrascht werden - alles unleserlich handschriftlich und liebevoll auf Vinyl geschrieben.

Buffalo Tom (Bill Janovitz, Chris Colbourn und Tom Maginnis) gründeten sich 1984 an der University of Massachusetts in Amherst - einer Brutstätte von Post-Punk-Gitarrenbands wie Dinosaur Jr. und Pixies. Die drei langjährigen Bandmitglieder erkennen die Leistung ihrer Langlebigkeit als kreative Einheit an. Anfänglich boten sie einen rauen, treibenden Sound, der Janovitz" imposanten Gitarrensound hervorhob, doch der frühe Ansatz von Buffalo Tom wich einem melodischeren, aber nicht weniger unverwechselbaren Stil. Die Band hat zehn Studioalben veröffentlicht, das jüngste, Jump Rope, erschien Anfang dieses Jahres. "Big Red Letter Day" wurde 1993 veröffentlicht. Auf ihrem vierten Album machten sie das, was sie sehr gut können, aber mit mehr Glanz in der Produktion. Das Album wurde in LA von den Robb Brothers aufgenommen und enthält zahlreiche Publikumslieblinge, vor allem: "Sodajerk", 'I"m Allowed", 'Treehouse" und 'Late At Night". Die Band erlangte neue Berühmtheit, als "Late At Night" in einer Schlüsselszene der kurzlebigen TV-Kultserie "My So Called Life" mit Claire Danes und Jared Leto in den Hauptrollen zu hören war, die Mitte der 90er Jahre ausgestrahlt wurde. Der Song kam nicht nur in der Folge vor, sondern die Band wurde auch bei der Aufführung des Songs gezeigt. Der Rolling Stone bezeichnete den Song in einem Bericht über die Band als "inspirierte, geradlinige Power-Pop-Sammlung", und Spin schrieb: "Die Leidenschaft fühlt sich echt an und die Musik ist erhaben."

Buffalo Tom (Bill Janovitz, Chris Colbourn und Tom Maginnis) gründeten sich 1984 an der University of Massachusetts in Amherst - einer Brutstätte von Post-Punk-Gitarrenbands wie Dinosaur Jr. und Pixies. Die drei langjährigen Bandmitglieder erkennen die Leistung ihrer Langlebigkeit als kreative Einheit an. Anfänglich boten sie einen rauen, treibenden Sound, der Janovitz" imposanten Gitarrensound hervorhob, doch der frühe Ansatz von Buffalo Tom wich einem melodischeren, aber nicht weniger unverwechselbaren Stil. Die Band hat zehn Studioalben veröffentlicht, das jüngste, Jump Rope, erschien Anfang dieses Jahres. Birdbrain ist das zweite Album der Band, das mit Hilfe von J Mascis produziert wurde. Die Songs von "Birdbrain" sind zu Live-Favoriten geworden, darunter der epische Titelsong und "Enemy". Bill Janovitz sprach über den Songwriting-Prozess für dieses Album und sagte: "Ich denke, das Interessante an Birdbrain ist, dass sich das Songwriting verändert hat. Ich hatte alles auf der ersten Platte geschrieben. "Birdbrain" ist eine Art melancholischer Track, aber das meiste davon, wie "Fortune Teller" oder "Directive", das sind in vielerlei Hinsicht sehr wütende Songs. Für mich war das viel punkrockiger, aber wir haben uns in diese Richtung bewegt, und ich weiß nicht, warum. Aber Chris hat angefangen zu schreiben. Chris singt und schrieb "Baby" und die Art und Weise, wie wir schrieben - wir schrieben nicht im selben Raum zusammen - aber wir brachten diese Ideen zueinander und trieben sie herum."

Buffalo Tom (Bill Janovitz, Chris Colbourn und Tom Maginnis) gründeten sich 1984 an der University of Massachusetts in Amherst - einer Brutstätte von Post-Punk-Gitarrenbands wie Dinosaur Jr. und Pixies. Die drei langjährigen Bandmitglieder erkennen die Leistung ihrer Langlebigkeit als kreative Einheit an. Anfänglich boten sie einen rauen, treibenden Sound, der Janovitz" imposanten Gitarrensound hervorhob, doch der frühe Ansatz von Buffalo Tom wich einem melodischeren, aber nicht weniger unverwechselbaren Stil. Die Band hat zehn Studioalben veröffentlicht, das jüngste, Jump Rope, erschien Anfang dieses Jahres. 1992 nahm die Band ihr drittes Album "Let Me Come Over" auf, auf dem sie eine Reihe von Songs, die sie zu Hause und unterwegs entwickelt hatten, mit ihrem Live-Power-Trio-Sound und einigen akustischeren Gitarrenballaden mischte. Die Single "Taillights Fade" aus diesem Album wurde zu ihrem Markenzeichen. Auf ihren ersten beiden Alben bauten Buffalo Tom gewaltige Gitarrenlandschaften und beherrschten eine naturalistische Version der Dynamik von leise zu laut. Für ihr drittes Album haben Buffalo Tom ihre Haut ein wenig, aber nicht vollständig abgestreift und ihren Charme stärker in den Vordergrund gestellt. "Let Me Come Over" ist der Sound des Trios, das sich aus dem insularen Underground in die weite Welt des "alternativen" Rocks begibt - und dabei mehr oder weniger seine besten Moves mitbringt.

Das Londoner Duo Jockstrap (Georgia Ellery und Taylor Skye) wird sein lange erwartetes Debütalbum "I Love You Jennifer B" am 9. September via Rough Trade Records veröffentlichen.Jockstrap haben die bevorstehende Veröffentlichung bereits mit ihren Singles "50/50" und "Concrete Over Water" angedeutet. Beide wurden von BBC Radio 6 Music auf Rotation genommen und von der nationalen und internationalen Presse hoch gelobt. Das kosmische Begleitvideo zu "Concrete Over Water" wurde bei einer exklusiven Vorführung im The Castle Cinema, Hackney, uraufgeführt, gefolgt von einer weiteren von Jockstraps kultigen Partys im The Glove That Fits. Georgia Ellery und Taylor Skye von Jockstrap kommentierten die Albumveröffentlichung wie folgt: "I Love You Jennifer B ist eine Sammlung von Jockstrap-Tracks, die seit 3 Jahren in der Mache sind. Alles darauf klingt ziemlich einzigartig, also hoffen wir, dass für jeden ein Track dabei ist; also etwas, das dich anspricht und sagt "Ich bin ein Banger"." Skye fügte über "Glasgow" (ihre neue Single) hinzu: ""Glasgow" ist unser coming of age, moving forward, long-distance, travelling, beautiful bosk, wonderful thicket song." Und Ellery sagte über das Thema des Songs: "Glasgow ist eine tolle Stadt, vielleicht meine Lieblingsstadt in Großbritannien! Der einzige Nachteil ist, dass es die ganze Zeit so verdammt kalt ist." Wenn Georgia Ellery und Taylor Skye als Jockstrap Musik machen, gibt es für den Prozess und das Ergebnis nur eine Definition: pure moderne Pop-Alchemie. Mit ihrem Debütalbum"I Love You Jennifer B" werden sich Jockstrap als eine der vitalsten jungen Gruppen etablieren, die seit Jahren aus Londons Schmelztiegel der Musikkulturen hervorgegangen sind.

Man muss sich nur kurz mit dem Indie-Rock-Trio unterhalten, um die innige Wärme ihrer starken Verbundenheit zu spüren, die drei jungen Musikerinnen sind beste Freunde. Diese persönliche Nähe schimmert auch auf ihrem Debütalbum "Versions of Modern Performance" durch. Penelope Lowenstein (Gitarre, Gesang), Nora Cheng (Gitarre, Gesang) und Gigi Reece (Schlagzeug) machen alles gemeinsam, vom Songwriting über den wechselnden Gesang und den Tausch von Instrumenten bis hin zum Sound- und Visual Art-Design. "Versions of Modern Performance" wurde mit John Agnello (Kurt Vile, The Breeders, Dinosaur Jr.) im Electrical Audio-Studio aufgenommen. "Es ist unser erstes Album. Wir hatten bei Agnello sofort das Gefühl, dass er wirklich respektiert, was wir zu tun versuchten", sagt die Band. Horsegirl spielen auf dem Album gekonnt mit Texturen, Formen und Schattierungen und zeigen ihre Vorliebe für Improvisationen und Experimente. Der Opener "Anti-glory" ist schillernder Post-Punk-Song. "Dirtbag Transformation (Still Dirty)" und "World of Pots and Pans" haben einen rauen Pop-Charme. "The Fall of Horsegirl" besticht wiederum durch seine scharfen Konturen und einem kantigen Sound. Man kann in ihrer Musik Elemente der Independent-Musik der 80er und 90er Jahre hören, die Sounds die Horsegirl so sehr lieben - die schraddelige Melodik dessen, was man früher "College-Rock" nannte, den kühlen und sprudelnden Space-Age-Glanz der 90er-Jahre, das laute Dröhnen von Shoegaze, die sparsamen Hooks und Rhythmen von Post-Punk. Sogar ein bisschen No-Wave ist mit dabei. Horsegirl vermischen die Einflüsse zu einem Sound einer neuen Generation, für die die 90er-Jahre Lichtjahre entfernt zurückliegen und gleichzeitig doch so nah sind.

Man muss sich nur kurz mit dem Indie-Rock-Trio unterhalten, um die innige Wärme ihrer starken Verbundenheit zu spüren, die drei jungen Musikerinnen sind beste Freunde. Diese persönliche Nähe schimmert auch auf ihrem Debütalbum "Versions of Modern Performance" durch. Penelope Lowenstein (Gitarre, Gesang), Nora Cheng (Gitarre, Gesang) und Gigi Reece (Schlagzeug) machen alles gemeinsam, vom Songwriting über den wechselnden Gesang und den Tausch von Instrumenten bis hin zum Sound- und Visual Art-Design. "Versions of Modern Performance" wurde mit John Agnello (Kurt Vile, The Breeders, Dinosaur Jr.) im Electrical Audio-Studio aufgenommen. "Es ist unser erstes Album. Wir hatten bei Agnello sofort das Gefühl, dass er wirklich respektiert, was wir zu tun versuchten", sagt die Band. Horsegirl spielen auf dem Album gekonnt mit Texturen, Formen und Schattierungen und zeigen ihre Vorliebe für Improvisationen und Experimente. Der Opener "Anti-glory" ist schillernder Post-Punk-Song. "Dirtbag Transformation (Still Dirty)" und "World of Pots and Pans" haben einen rauen Pop-Charme. "The Fall of Horsegirl" besticht wiederum durch seine scharfen Konturen und einem kantigen Sound. Man kann in ihrer Musik Elemente der Independent-Musik der 80er und 90er Jahre hören, die Sounds die Horsegirl so sehr lieben - die schraddelige Melodik dessen, was man früher "College-Rock" nannte, den kühlen und sprudelnden Space-Age-Glanz der 90er-Jahre, das laute Dröhnen von Shoegaze, die sparsamen Hooks und Rhythmen von Post-Punk. Sogar ein bisschen No-Wave ist mit dabei. Horsegirl vermischen die Einflüsse zu einem Sound einer neuen Generation, für die die 90er-Jahre Lichtjahre entfernt zurückliegen und gleichzeitig doch so nah sind.