Suche "matthew halsall" 108 Artikel

The 1975 melden sich mit ihrem neuen Album "Being Funny In A Foreign Language" zurück. Das fünfte Studioalbum der Band wurde von Matthew Healy & George Daniel geschrieben und in den Real World Studios in Wiltshire, Großbritannien, und den Electric Lady Studios in New York aufgenommen. The 1975 wurden 2002 in Manchester gegründet und haben sich mit ihrer unverwechselbaren Ästhetik, einer begeisterten Fangemeinde und ihrem einzigartigen Sound als eine der wichtigsten Bands ihrer Generation etabliert.

Das letzte Album der Band, "Notes On A Conditional Form" aus dem Jahr 2020, wurde ihr viertes Nummer-1-Album in Großbritannien in Folge. Die Band wurde 2020 von NME zur "Band of the Decade" gekürt, nachdem sie 2017 und 2019 bei den Brit Awards als "Best Group" gekürt wurde. Ihr drittes Studioalbum, "A Brief Inquiry Into Online Relationships", wurde bei der Preisverleihung 2019 ebenfalls als "Mastercard British Album of the Year" ausgezeichnet.

Kings Of Leon kehren nach dreijähriger Albumpause zurück.

WALLS (ausgeschrieben We Are Like Love Songs) und ist eine Rückbesinnung auf die musikalischen Wurzeln des Quartetts. In den vergangenen Tagen streuten die Vier über ihre sozialen Netzwerke immer wieder kryptische Clips und Teaser, die einen kleinen Vorgeschmack auf die vielleicht persönlichste Platte ihrer Karriere darstellen. „… the walls come down“, heißt es immer wieder, und das wird sich auch lyrisch auf dem siebten Album der Brüder, Nathan, Jared sowie deren Cousin Matthew Followill zeigen.

Mit seiner freundlichen und manchmal melancholischen Art ist DJ Koze einer der bemerkenswertesten Akteure in der heutigen Clublandschaft und einer der wenigen international tätigen DJs, die auch außerhalb der Dance-Musik relevant sind. Für seine 70-minütige Reise für die Jubiläumsedition der Reihe "DJ Kicks" schafft es "Kosi Kos", dem Mix trotz der verschiedenen vertretenden Stile eine eigene Klangfarbe zu geben: sei es der reduzierte Hip-Hop von Madlib, brutalster Berghain-Techno, zeitloses Songwriting, fließender Indie-Pop und Tracks, die zwischen Absurdität und Melancholie oszillieren. "Ich wollte nicht mit Wissen glänzen", so Koze, "sondern lieber einige Perlen zusammenbringen, die auch für Leute Sinn ergeben, die nicht unbedingt Musiknerds sind." Es soll harmonisch zusamenpassen: "Die Idee war es, den Eindruck einer Radioshow zu erwecken, wie sie John Peel immer machte. Ein riesiger Musikkosmos, der durch meinen Filter rauscht." Für Fans von DJ Koze, Recondite, Mount Kimbie, Four Tet, Caribou, Matthew Dear, Simian Mobile Disco, Apparat, Efdemin.

Nach 'The Burden of Restlessness' und 'Acheron' aus dem Jahr 2021 folgt mit 'Regenerator' der dritte Teil von King Buffalos "Pandemie-Trilogie". Geschrieben und aufgenommen von der Band mit Mixing und Engineering von Gitarrist / Sänger Sean McVay und Mastering von Bernie Matthews.
Das 7-Track-Album ist nun also die dritte Verschmelzung progressiver Rhythmen, treibende Atmosphären zu einem spannenden Psychedelic Rock-Schmelztiegel.
Das sehr melodische Highlight 'Mammut' - mit McVays selbstbewusstester Stimme schimmert vor verzweifelter Hoffnung, auf 'Hours', entfalten sie klassischen Space Rock und die das abschließende 'Firmament' dient als Zusammenfassung aller drei Alben, die das Finale markieren von einer Trilogie, die wesentlicher Eckpfeiler von King Buffalo's Arbeit ist. 'Regenerator' ist auf CD sowie 180. Gr. LP erhältlich. Weißes Vinyl (inklusive Download).

VISIONS schrieb zum Vorgänger:

"…Umso schöner dann die Nachricht Anfang März, dass das Trio aus Rochester, New York in diesem Jahr drei Alben veröffentlichen will. Das passiert also, wenn man Ideen und - virusbedingt - Zeit hat. (…) Darunter pulsiert ein dichter Groove zwischen Psych und Prog. Tatsächlich sind King Buffalo nicht mehr weit von Tool entfernt. Der Klang von "The Burden Of Restlessness" ist unglaublich. Die Verstärker brummen und grummeln, die verzerrten Schichten sind transparent, der Bass groovt viril und transparent darunter und das Schlagzeug liefert ein sattes Fundament. Aufgenommen, produziert und gemixt hat die Band das Album selbst, was die Sache noch eindrucksvoller macht. "The Burden Of Restlessness" ist ein faszinierender, stimmungsvoller Trip, eine in sich bemerkenswert geschlossene Platte. Dessen aggressivere Ausbrüche sorgen meist ab Mitte und gegen Ende der massiven, mäandernden Songs für Höhepunkte." (VISIONS Juni 2021)

In Kürze tourt die Band in Europa, in Deutschland spielen sie folgende Konzerte:

Die TALULAH GOSH Anthologie aus 29 Tracks! Doppel-LP im Klappcover! Mit Linernotes und einem neuen Interview mit der Band von Musikjournalist-Legende Everett True (,The Legend"!)! TALULAH GOSH waren eine Indiepop Band aus Oxford und eine der Speerspitzen der Twee Pop Bewegung/C86, die ihren Namen aus dem Titel eines Interviews mit Clare Grogan im NME zogen. Angeblich kamen sie zusammen, als sich Amelia Fletcher und Elizabeth Price in einem Club in Oxford trafen und beide PASTELS-Buttons trugen. Gegründet 1986 bestand das Original Line-UP aus Amelia Fletcher (Gesang, Gitarre), ihrem jüngeren Bruder Matthew Fletcher (Schlagzeug), Peter Momtchiloff (Gitarre), Rob Pursey (Bass) und Elizabeth Price (Gesang). Rob verließ die Band früh; seine Stelle wurde von Chris Scott übernommen. Elizabeth trennte sich 1987 von der Band; Ersatz für sie wurde in Form von Eithne Farry gefunden. TALULAH GOSH verabschiedeten sich bereits 1988; Amelia, Matthew und Peter formierten sich als HEAVENLY neu. Amelia und Rob spielen inzwischen bei TENDER TRAP und veröffentlichten 2012 das Album ,10 Songs About Girls". Peter Momtchiloff spielt gerade bei den WOULD-Be-GOODS und THE HOT HOOVES. Eithne Farry ist Autorin und mag Sherry. Elizabeth Price gewann kürzlich den Turner Preis für ihre Videoinstallation ,The Woolworths Choir of 1979". Diese Compilation versammelt das komplette Output von TALULAH GOSH plus zwei BBC Sessions und die vier Tracks, die 2011 auf der Demos 7" EP erschienen sind.

Die südkalifornische Shoegaze-Truppe Cold Gawd kehrt zurück zu Dais mit ihrer zweiten und bisher besten Suite von erdrückender Downer-Seligkeit: "I'll Drown On This Earth". Vom trotzigen Schrei, mit dem das Eröffnungsstück "Gorgeous" beginnt, reißt das Album mit, was Sänger und Haupt-Songwriter Matthew Wainwright als "Go for it"-Modus beschreibt: Nichts zurückhalten, keine Zeit verschwenden. Obwohl der Großteil der Songs im Jahr 2022 geschrieben wurde, waren die Aufnahmesessions nicht vor März 2024 gebucht, so dass genügend Zeit zur Verfeinerung und Destillierung der Hooks, die Schwere und den Dunst der Musik war. Das Ergebnis ist ein perfekter Sturm aus Verzerrung und Dream-Pop, zerrissene Liebeslieder, die sich in schwindelerregende Wände aus Lärm legen. Aufgenommen bei Paradise Recorders in Anaheim, Kalifornien, mit Colin Knight (von der Post-Punk-Band Object of Affection), spielte Wainwright die Streicher ein, während Cameron Fonacier das Schlagzeug bediente. Der Prozess war effizient und effektiv, geschärft durch jahrelange Performance. Songs wie "Portland", "All My Life, My Heart Has Yearned For A Thing I Cannot Name" und "Malibu Beach House" klingen dynamisch und gehen den Musikern in Fleisch und Blut über. Die Texte von Wainwright wurden nur eine Woche vor der Aufnahme geschrieben. Stimmungen der Surrealität, Verliebtheit und Melancholie flackern und verblassen in einem Nebel aus Erinnerung und Hall. Wie auf "God Get Me The Fuck Out Of Here" von 2022 manifestiert sich die zeitgemäße Vision des Shoegazevon Cold Gawd auf faszinierende Weise in Momenten, wie der gedämpften, strudelnden Träumerei von "Tappan", oder dem dunstigen, schleppenden Downtempo von ""Nudism"" (mit königlichem Klavier-Outro). Ihre Muse ist so lebendig wie vielfältig, sie reicht von "Loveless" von My Bloody Valentine über Drake, Post-Hardcore und Beach House. "I'll Drown On This Earth" erweitert auf eindrucksvolle Weise den Kanon von Cold Gawd, dicht an Riffs und Entrückung, Flucht und und Offenbarung, kanalisiert durch gesta...

2024 krempelt Sarah Lesch ihr Liedermacher-Image komplett um und läutet mit dem neuem Album "Gute Nachrichten" und neuem Sound den Anfang einer neuen Ära ein. Lauter, leichtfüßiger und kantiger als je zuvor dreht sie 2024 so richtig auf! Ihre ansteckende Energie paart sich mit der wunderbaren, neuen und doch vertrauten Mischung aus rockigen Sounds und nachhaltigen Worten. Gute Nachrichten ist ein Befreiungsschlag - und was für einer! Sarah lebt genau das, wo für Rockmusik steht: Befreiung, Liebe, Respekt und Diversität. Musikalisch wird es episch, punkig und bluesig. Neuer Sound mit gewohnter Haltung! Sarah Lesch singt über sich und erzählt damit gleichzeitig viel über uns: Wie wir uns gerade selbst zerfleischen, zweifeln, trauern, lachen, sinnlose Diskussionen fuhren, verzweifeln an der Welt, Liebe machen und wie man überhaupt mit dem ganzen Gefu?hlschaos umgehen kann. Das, was wir alle kennen, worüber wir aber nur ungern mit jemandem sprechen In pointierte Texten erzählt die Leipzigerin Geschichten, voller Kraft, Botschaft und Lebensfreude. Es ist, als hatten sich endlich die richtigen gefunden: Sarah, Rock und Punk. Definitiv Gute Nachrichten für 2024!

Pigs, Pigs, Pigs, Pigs, Pigs, Pigs, Pigs-Drummer Ewan Mackenzie präsentiert die fünfte LP seines Soloprojekts Dextro auf dem neuen Pigs-eigenen Label Mr Medicine. "Respire" ist eine Reise in einen versunkenen Raum, in dem sich akustische Motive mit symphonischer Elektronik zu zauberhaften Klanglandschaften verbinden. Dextro veröffentlicht u.a. bei Grönland und Border Community und war erst kürzlich an Grönlands Harmonia-Rework-Projekt beteiligt. Ihm zur Seite standen Saxofonistin Faye MacCalman (Archipelago, Me Lost Me, The Unthanks), Cellist Tom Merrit Smith und Harmonistin Kate Halsall (Galvanize Ensemble).

Seit ihrem vielbeachteten, selbstbetitelten Debütalbum von 1999 haben DEAD MEADOW sieben Studioalben veröffentlicht. Ihre einzigartige Verbindung von SABBATH-Riffs, verträumten Wellen von Gitarren-Fuzz-Glückseligkeiten mit Sänger Jason Simons melodischem Croon hat sowohl psychedelische Pop/Rock- als auch Stoner-Rock-Fans überzeugt und mit diesem neuen Album verschmilzt die Band weiterhin ihre Liebe zum Hardrock der frühen 70er Jahre und zur Psychedelia der 60er Jahre mit ihrem ganz eigenen Sound. Das Album wurde im Studio/Proberaum von DEAD MEADOWS, ,The Wiggle Room", aufgenommen und feiert das zwanzigjährige Bestehen der Band mit acht Songs. Zu Jason und Steve Kille gesellen sich der Original-Schlagzeuger Mark Laughlin, Stephen McCarty (der Schlagzeuger der Matador-Jahre) und der aktuelle Schlagzeuger Juan Londono. Cory Shane schließt sich ihnen auf der Gitarre für einige Doppelgitarren aus der ,Feathers"-Ära an. So sind alle Dead Meadows Mitglieder aus 20 Jahren auf einem Album vereint.

Das neu gegründete Kollektiv Silver Moth kündigt das Album 'Black Bay' an!

Stuart Braithwaite von Mogwai, Elisabeth Elektra, Evi Vine und Steven Hill kamen Anfang 2021 zusammen, um an ersten Albumskizzen zu feilen. Nach einigen Zoom-Calls besuchten die Vier gemeinsam mit Abrasive Trees-Gitarrist Matthew Rochford, Burning House-Schlagzeuger Ash Babb und Cellist Ben Roberts die Black Bay Studios in Schottland, wo die Songs in nur vier Tagen gemeinsam mit Produzent Pete Fletcher geschrieben und aufgenommen wurden.

Entstanden sind sechs Tracks in einer imposante Soundkulissen mit atmosphärischen Synthies und verträumten Gitarren-Arpeggios, hypnotische Spoken-Word-Stücke und 15-minütigen Noise-Rock-Epen.

Die dritte LP der in New York lebenden Cellistin/Komponistin Clarice Jensen, 'Esthesis', ist ein tiefgründiges und wunderschönes neues Werk, das konzeptionell um das emotionale und harmonische Spektrum und das Phänomen der Chromästhesie aufgebaut ist - ein Zustand, bei dem Klang unwillkürlich eine Erfahrung von Farbe, Form und Bewegung hervorruft.
Nach ihrer von der Kritik hochgelobten LP 'The experience of repetition as death' aus dem Jahr 2020 erweitert Jensen mit 'Esthesis' ihr Oeuvre und führt ein breiteres instrumentales Spektrum ein, darunter das Klavier von Timo Andres und die Stimmen von Laura Lutzke, Francesca Federico und Emma Broughton. Das Album wurde von Francesco Donadello gemischt und von Matthew Agoglia gemastert und erscheint eine Woche vor einer UK/EU-Tournee mit Dustin O'Halloran.

Jensen hat mit einer Vielzahl von Künstlern wie Jóhann Jóhannsson, Max Richter, Björk, Stars of the Lid, Dustin O'Halloran, Nico Muhly, Taylor Swift, Michael Stipe, The National und vielen anderen zusammengearbeitet.

Eco Vinyl heißt, dass jede Platte anders aussieht.

The Wombats läuten mit ihrem fünften Studioalbum, welches via Awal erscheint, die aufregendste Phase ihrer bemerkenswerten Erfolgsgeschichte ein. Während des letzten Jahres hat die Band getrennt zusammengearbeitet, quasi vom Homeoffice aus, und dabei einige der packendsten, originellsten und innovativsten Songs ihrer bisherigen Laufbahn geschaffen. Frontmann Matthew "Murph" Murphy saß in Los Angeles, Bassist Tord Øverland Knudsen in Oslo und Drummer Dan Haggis in London. Den Tagesplan besprachen sie jeweils auf Zoom , nahmen getrennt auf und schickten die einzelnen Dateien an die Produzenten Jacknife Lee (U2, The Killers), Gabe Simon (Dua Lipa, Lana Del Rey), Paul Meaney (Twenty One Pilots, Nothing But Thieves), Mark Crew (Bastille, Rag'n'Bone Man) und Mike Crossey (The 1975, The War on Drugs, Yungblud), damit diese die finalen Tracks zusammenbauen konnten.

Mittlerweile können The Wombats auf eine 15-jährige Karriere mit drei UK-Top5-Alben zurückblicken und zu ihren Konzerten kommen so viele Menschen wie nie zuvor. Der virale Erfolg von Oliver Nelsons Remix des 2015 erschienenen Hits 'Greek Tragedy' auf TikTok hat eine ganz neue Generation von Fans begeistert - eine Leistung, die die Band eigentlich seit Erscheinen ihres Debüts A Guide To Love, Loss & Desperation im Jahr 2007 ständig wiederholt. Der Remix wurde in mehr als 600.000 Videos genutzt, einige davon mit über 100 Millionen Klicks, und wurde mehr als 30 Millionen mal gestreamt, was dem Original zu mittlerweile 120 Millionen Streams und einer Goldauszeichnung in den USA verholfen hat. Er hat bestimmt auch dazu beigetragen, dass The Wombats seit Januar auf Spotify 2,4 Millionen zusätzliche, monatliche Hörer einzusammeln konnte - ein weiterer Beweis dafür, dass die Band allein mit der zeitlosen Kraft ihres Songwritings und ihrer Texte neue Generationen von Fans erreichen kann.

The Wombats freuen sich auf einen Sommer, in dem sie beim Line-up des Reading & Leeds Festivals und beim Neighbourhood Weekender an zweiter Stelle auf der Hauptbühne stehen werden. Außerdem wurde gerade ihre bisher größte UK-Headlinetour für 2022 bestätigt. Und das ist erst der Anfang, denn neue und alte Fans schlagen gemeinsam mit einer der beliebtesten Bands Großbritanniens ein neues Kapitel auf.

The Wombats läuten mit ihrem fünften Studioalbum, welches via Awal erscheint, die aufregendste Phase ihrer bemerkenswerten Erfolgsgeschichte ein. Während des letzten Jahres hat die Band getrennt zusammengearbeitet, quasi vom Homeoffice aus, und dabei einige der packendsten, originellsten und innovativsten Songs ihrer bisherigen Laufbahn geschaffen. Frontmann Matthew "Murph" Murphy saß in Los Angeles, Bassist Tord Øverland Knudsen in Oslo und Drummer Dan Haggis in London. Den Tagesplan besprachen sie jeweils auf Zoom , nahmen getrennt auf und schickten die einzelnen Dateien an die Produzenten Jacknife Lee (U2, The Killers), Gabe Simon (Dua Lipa, Lana Del Rey), Paul Meaney (Twenty One Pilots, Nothing But Thieves), Mark Crew (Bastille, Rag'n'Bone Man) und Mike Crossey (The 1975, The War on Drugs, Yungblud), damit diese die finalen Tracks zusammenbauen konnten.

Mittlerweile können The Wombats auf eine 15-jährige Karriere mit drei UK-Top5-Alben zurückblicken und zu ihren Konzerten kommen so viele Menschen wie nie zuvor. Der virale Erfolg von Oliver Nelsons Remix des 2015 erschienenen Hits 'Greek Tragedy' auf TikTok hat eine ganz neue Generation von Fans begeistert - eine Leistung, die die Band eigentlich seit Erscheinen ihres Debüts A Guide To Love, Loss & Desperation im Jahr 2007 ständig wiederholt. Der Remix wurde in mehr als 600.000 Videos genutzt, einige davon mit über 100 Millionen Klicks, und wurde mehr als 30 Millionen mal gestreamt, was dem Original zu mittlerweile 120 Millionen Streams und einer Goldauszeichnung in den USA verholfen hat. Er hat bestimmt auch dazu beigetragen, dass The Wombats seit Januar auf Spotify 2,4 Millionen zusätzliche, monatliche Hörer einzusammeln konnte - ein weiterer Beweis dafür, dass die Band allein mit der zeitlosen Kraft ihres Songwritings und ihrer Texte neue Generationen von Fans erreichen kann.

The Wombats freuen sich auf einen Sommer, in dem sie beim Line-up des Reading & Leeds Festivals und beim Neighbourhood Weekender an zweiter Stelle auf der Hauptbühne stehen werden. Außerdem wurde gerade ihre bisher größte UK-Headlinetour für 2022 bestätigt. Und das ist erst der Anfang, denn neue und alte Fans schlagen gemeinsam mit einer der beliebtesten Bands Großbritanniens ein neues Kapitel auf.

Als Matthew E. White an dem Nachfolger seines zweiten Studioalbums arbeitete, wollte er seine Herangehensweise an das Songwriting neu erfinden, zumindest für eine Session. White versammelte eine vertrauenswürdige Truppe von sieben Musikern in Richmond, Virginia. Er dirigierte das Septett durch eine Reihe von lockeren, größtenteils gestischen Kompositionen. Die Klänge waren gewaltig, eine Reihe von Keyboards und Gitarren untermalten den Schwung einer ineinandergreifenden vierköpfigen Rhythmusgruppe. Aber die Ergebnisse passten nicht ganz zu der in Arbeit befindlichen Platte, so dass White die Jams auf Eis legte, bis die richtige Muse kam.Das war, wie sich herausstellte, Lonnie Holley, dessen wunderschön verwelkte Stimme bald eine Art kosmische Weisheit über Whites wartende Arbeit ergoss. Das Ergebnis - Broken Mirror: A Selfie Reflection - ist explosiver und eindringlicher als alles, was die beiden Künstler je gemacht haben. Aggressiv, aber ekstatisch, spielerisch, aber pointiert, ist Broken Mirror eine pointierte, aber einfühlsame Sozialkritik, unterlegt mit einem mächtigen Groove. Holley nahm seine Vocals über Whites Aufnahmen in nur vier Stunden auf. Als Visionär und intuitiver Texter hörte sich Holley 20 Sekunden an und proklamierte die Bilder, die die Klänge hervorriefen. Wenn ihm etwas gefiel, zog er ein Notizbuch zu Rate, das voller lyrischer Einfälle war, und sang dann komplette erste Takes zu Musik, die er noch nie gehört hatte. Abzüglich bescheidener Bearbeitungen und leichter Overdubs wurde Broken Mirror: A Selfie Reflection an Ort und Stelle fertiggestellt, ein Blitz, der einen Platz zum Einschlagen suchte.Holley und White mögen als unwahrscheinliche Kollaborateure erscheinen, da sie durch Jahrzehnte und Disziplinen getrennt sind, aber die beiden teilen tiefe Alabama-Wurzeln. Und was noch wichtiger ist: Holley und White betrachten Musik als ein unheimliches Gefäß für sonst undurchdringliche Vorstellungen von Trauer, Leid und Solidarität. Broken Mirror: A Selfie Reflection ist ein zeitgemä...

Scott Matthew, das ist der mit der hohen Stimme und dem tiefen Bart. Und sehr viel Gefühl im Bariton. In New York wohnt der Songwriter, nannte eine Zeit Berlin seinen "safe place", verzauberte nicht nur dort die Clubs, mit seinem zu Liedern geflossenen Leid. Matthew fühlt Musik, er singt seine Hörer an, bis es kein Entkommen gibt vor dem Empfinden. Er singt von Liebe und Einsamkeit und rettet seine Hörer. Aber was ist, wenn man von sich selbst aus singt und sich dabei verändert? In den letzten Jahren las Scott viele Geschichtsbücher, um die Welt zu verstehen. "Die Erkenntnis, dass etwa vorbei geht und Zeit alles ändert, hilft, die Hoffnung zu behalten." Was ist, wenn man mit dem Verständnis für Traurigkeit zu Ruhm gekommen ist, aber nach Vorne schauen will? Wenn die Welt zu durcheinander ist, um nur nach Innen zu blicken? "Ich bin schon auch ein Zweifler, aber ich versuche, dagegen anzukämpfen, indem ich in mir nach Hoffnung grabe." Also kleidet er seine Lieder in ein neues Gewand, nimmt ihnen den schweren Samtmantel von den Schultern, zieht ihnen Seidenunterwäsche an und lässt sie durch die Welt tänzeln, in der Hoffnung, dass auch sie zu tanzen beginnt. In Zusammenarbeit mit dem in Los Angeles lebenden, dänisch-deutschen Produzenten Jens Gad, der auch für Enigma raumgreifende Produktionen schrieb, hat Scott Matthew nun zehn neue Versionen seiner Klassiker erarbeitet. Hier geht der Blick auf. Und das Herz. Wie Gad mit traumwandlerischer Sicherheit die Ohrwürmer rausarbeitet, den Melodien an den richtigen Stellen Platz gibt, bleibt hängen. "Adorned ist nicht, was die Leute von mir gewohnt sind. Ich dränge sie dazu, beim Hören, Spaß zu haben. Es ist ein Experiment, das vielleicht nicht die Probleme dieser Welt löst, aber sie für einen Moment lindern mag." Zu hören ist eine Zuversicht, ein Vertrauen, kein Verdrängen. Lieder, die verziert wurden. Verziert, so übersetzt man "adorned" ins Deutsche. Auseinandergenommen und neu zusammengesetzt mit höchster Handwerkskunst.

Das Debütalbum von Son Lux Drummer Ian Chang mit Features von KAZU (Blonde Redhead) und KiahVictoria und Hanna Benn!

Auf "Belonging" beschwört Ian Chang in neun prägnanten, weitgehend instrumentalen Popsongs einen ganz persönlichen Kosmos herauf. Ganz nach der Tradition von Björk, Burial und Flying Lotus haucht Ian Chang der Electronica eine neue Art menschlicher Verletzlichkeit ein. Während sich Ian Chang auf seiner EP "Spiritual Leader" (2017) darauf beschränkte, ungeschnittene Aufführungen ohne Overdubs einzufangen, gräbt sich der Schlagzeuger auf Albumlänge noch tiefer in geschichtetes, symphonisches Unterbewusstsein ein.
Highlights sind die Songs mit Gast-Gesang von u.a KAZUU (Blonde Redhead, Kiah IVctoria und Hanna Benn). Ian Chang wurde 1988 in Hongkong geboren und nach 10 Jahren in New York, ist er vor kurzem nach Dallas, Texas, umgezogen. Wenn er nicht gerade irgendwo auf der Welt live performt oder als Mitglied von Son Lux oder Landlady aufnimmt, feilt er an seiner Kollaborationsliste, dort finden sich inzwischen u.a. Moses Sumney, Kazu Makino, Joan As Policewoman, Body Language, Matthew Dear und Rubblebucket.

Metz, das von aller Welt geliebte und herrlich laute Punk-Trio aus Toronto, Kanada, veröffentlichte 2012 sein selbstbetiteltes Sub Pop-Debüt und hat seitdem kontinuierlich seinen Ruf als einer der aufregendsten Live-Acts gefestigt. Mit "Automat" wird eine chronologische Reise durch das weniger bekannte Material von Alex Edkins, Hayden Menzies und Chris Slorach veröffentlicht. "Automat" ist eine Sammlung von Metz Non-Album-Singles, B-Seiten und Raritäten, die nun erstmals als LP erhältlich sind. Die Konsumenten des Vinylformats von "Automat" werden mit einer Bonus-Single belohnt, die drei weitere Tracks enthält: "Pig", ein Cover von Sparklehorse aus einer sehr limitierten Split-Single des Record Store Day 2012; "I'm A Bug", ein Cover von Art-Punk-Klassiker von The Urinals, der 2014 ursprünglich auf YouTube (kein echtes Plattenlabel) veröffentlicht wurde; und die bisher unveröffentlichte Version von Gary Numans "M.E.". Alle Tracks auf "Automat" wurden von Matthew Barnhart vom Chicago Mastering Service liebevoll remastered. [ENG] METZ, our own widely-adored and delightfully noisy 3-piece punk band from Toronto (ON, CANADA), have been laying waste to stages around the globe for over 10 years. During that tumultuous chunk of time METZ, comprised of Alex Edkins, Hayden Menzies, and Chris Slorach, have cemented their reputation as one of the planet's most exhilarating live acts and trusted providers of bombastic outsider rock. Along the way, they've earned enthusiastic support from The New Yorker, Mojo, NPR, The New York Times, KEXP, Pitchfork, Stereogum, The AV Club, Q, Uncut, Exclaim, and a bunch of others. Referring to the trio's tireless tour regime and unquenchable thirst to bring their music to the people, John Reis (Hot Snakes, RFTC, Drive Like Jehu) once said, "your ambition is really unflattering, chill out." They did not listen. Instead, their love of the road and passion to create uncompromising and challenging music remains unwavering and has only grown over time. Their recorded output to date, a cornucopia of pop-inflected noise punk and damaged fuzz anthems, includes 3 critically-acclaimed LPs with Sub Pop, as well as a plethora of limited-edition releases, collaborations, covers, and rarities. Which brings us to Automat, a collection of non-album singles, B-sides, and rarities dating back to 2009, available on LP for the first time, and including the band's long out-of-print early (pre-Sub Pop) recordings. Included here are the band's first three 7" singles, recorded 2009-2010 and originally released by We Are Busy Bodies Records; a demo version of "Wet Blanket," the explosive single from 2012's METZ; two tracks from the limited-edition bonus single that accompanied preorders of METZ; "Can't Understand," originally released in 2013 by [adult swim]; and both tracks from the band's 2015 single on Three One G. Consumers of the vinyl format of Automat will be rewarded with a bonus single that includes three additional tracks: a cover of Sparklehorse's "Pig," from a very limited 2012 Record Store Day split single originally released by Toronto's Sonic Boom record shop; "I'm a Bug," a cover of The Urinals' art-punk classic, originally released on YouTube (not an actual record label) in 2014; and METZ's previously unreleased rendition of Gary Numan's "M.E." All tracks on Automat have been lovingly remastered for maximum soundiness by Matthew Barnhart at Chicago Mastering Service. METZ are currently hard at work on their 4th full-length LP which will be released on Sub Pop when we are all damn good and ready.

Kurt Wagner liefert sein bedeutendstes Album seit „Is A Woman“ ab (Uncut)! Ein Album, ergreifend ehrlich, atemberaubend, wunderschön und überraschend!

Die Geschichte von Lambchop ist die der steten Veränderung und Weiterentwicklung. Was vor fast 30 Jahren im Keller von Kurt Wagner begann und von ihm selbst scherzhaft als “most fucked-up country band in Nashville” bezeichnet wurde, hat sich inzwischen nicht nur als eine der dienstältesten sondern auch innovativsten Bands der US amerikanischen Musikszene etabliert. Seit jeher verbinden Lambchop unterschiedlichste Genres wie Folk & Country, mit Soul und Urban Electronica zu einem ganz eigenen, unnachahmlichen Sound. Kein Lambchop-Album klingt wie das andere, aber jedes klingt immer unverwechselbar nach Lambchop. Nach ihrem wegweisenden Album „Flotus“ (2016) hat die Band aus Nashville jetzt ein neues Album für den 22.03.2019 angekündigt. Für “This (is what i wanted to tell you)” arbeitete Kurt Wagner mit Matthew McCaughan (Bon Iver, Hiss Golden Messenger) zusammen, der ihn auch als Teil des Lambchop Live Ensembles im April auf Tour begleiten wird.

Das Ergebnis ist "This (is what I wanted to tell you)", ein Album, ergreifend ehrlich, atemberaubend, wunderschön und überraschend. Aber Lambchop sind nicht immer nur für eine Überraschung gut, sondern überraschen immer wieder mit verdammt guten Songs. Wenn Kurt Wagner etwas zu sagen hat, hören wir natürlich hin, das sollten sich alle zu Herzen nehmen. Diese Platte muss man einfach hören!

Die letzten fünf Jahre von Matthew Houck aka
Phosphorescent waren eine lebensverändernde Zeit, in der
er sich verliebte, eine Familie gründete, New York in Richtung
Nashville verließ und ein Studio von Grund aufbaute. Mit dem
Fokus, diese Erfahrungen so intuitiv wie möglich in Musik
umzusetzen, geht Houck mit seinem neuen Album an die
Grenzen dessen, wie eine Phosphorescent-Platte klingen
kann, indem er das Erdige und das Glühende, das Unruhige und
das Gelassene ausbalanciert und dabei seinen eigenen
musikalischen Kosmos erschafft. ,C'est La Vie" wurde von Houck
produziert und in seinem Spirit Sounds Studio in Nashville
aufgenommen, das speziell für diese Sessions neu gebaut wurde.
Das Album wurde von Matthew Houck und Vance Powell (Jack
White, Chris Stapleton, Arctic Monkeys) gemischt.
,C'est La Vie" folgt auf das 2013er Phosphorescent-Album
,Muchacho", Houcks hochgelobtes und bisher meistverkauftes
Album, sowie auf die 2015 in Brooklyn aufgenommene
karriereumspannende 3er-LP ,Live At The Music Hall".

Ein Downloadcode ist inklusive.

Auf „Temples“ kreuzen sich die nackten Emotionen von Sufjan Stevens mit der aufwühlenden Melancholie von Matthew Hegartys Labelkollegen Bear’s Den.

Die südkalifornische Shoegaze-Truppe Cold Gawd kehrt zurück zu Dais mit ihrer zweiten und bisher besten Suite von erdrückender Downer-Seligkeit: "I'll Drown On This Earth". Vom trotzigen Schrei, mit dem das Eröffnungsstück "Gorgeous" beginnt, reißt das Album mit, was Sänger und Haupt-Songwriter Matthew Wainwright als "Go for it"-Modus beschreibt: Nichts zurückhalten, keine Zeit verschwenden. Obwohl der Großteil der Songs im Jahr 2022 geschrieben wurde, waren die Aufnahmesessions nicht vor März 2024 gebucht, so dass genügend Zeit zur Verfeinerung und Destillierung der Hooks, die Schwere und den Dunst der Musik war. Das Ergebnis ist ein perfekter Sturm aus Verzerrung und Dream-Pop, zerrissene Liebeslieder, die sich in schwindelerregende Wände aus Lärm legen. Aufgenommen bei Paradise Recorders in Anaheim, Kalifornien, mit Colin Knight (von der Post-Punk-Band Object of Affection), spielte Wainwright die Streicher ein, während Cameron Fonacier das Schlagzeug bediente. Der Prozess war effizient und effektiv, geschärft durch jahrelange Performance. Songs wie "Portland", "All My Life, My Heart Has Yearned For A Thing I Cannot Name" und "Malibu Beach House" klingen dynamisch und gehen den Musikern in Fleisch und Blut über. Die Texte von Wainwright wurden nur eine Woche vor der Aufnahme geschrieben. Stimmungen der Surrealität, Verliebtheit und Melancholie flackern und verblassen in einem Nebel aus Erinnerung und Hall. Wie auf "God Get Me The Fuck Out Of Here" von 2022 manifestiert sich die zeitgemäße Vision des Shoegazevon Cold Gawd auf faszinierende Weise in Momenten, wie der gedämpften, strudelnden Träumerei von "Tappan", oder dem dunstigen, schleppenden Downtempo von ""Nudism"" (mit königlichem Klavier-Outro). Ihre Muse ist so lebendig wie vielfältig, sie reicht von "Loveless" von My Bloody Valentine über Drake, Post-Hardcore und Beach House. "I'll Drown On This Earth" erweitert auf eindrucksvolle Weise den Kanon von Cold Gawd, dicht an Riffs und Entrückung, Flucht und und Offenbarung, kanalisiert durch gesta...

Seit 2001 ist Matthew in der Indie-Rock-Szene aktiv und hat bis heute acht Studioalben aufgenommen. Er trat auf unzähligen internationalen Festivals auf, sowohl solo wie auch als Gitarrist und Sänger einer sechsköpfigen Band. Er hat mit anderen Indie-Größen wie Father John Misty zusammengearbeitet und sein 2018er Album mit Vance Powell (Jack White, Phish, Chris Stapleton) produziert. Ein erstes Karrierehighlight war sein 2013 erschienenes Album "Muchacho", sein jüngstes Album ist "C'est La Vie" aus dem Jahr 2018. Derzeit in Nashville/Tennessee ansässig, ist Phosphorescent weiterhin ein bemerkenswertes Indie-Aushängeschild und seine Rückkehr nach fünf Jahren wird von Fans und Kritikern gleichermaßen mit Spannung erwartet.



"Revelator" setzt sich in neun eigenen Songs mit stillen Hindernissen und unausgesprochenen Wahrheiten auseinander, die im Umgang mit Heimat, Partnerschaft und Familie entstehen. Auf "Revelator" grübelt Phosphorescent über Fragen nach, die schwer zu beantworten sind: warum ein scheinbar idyllisches Leben von einem Gefühl des Grauens bestimmt sein kann, oder wie wir uns auf natürliche Weise voneinander und von uns selbst entfernen. Aber getreu seinem Titel ist dies ein Werk, das darauf abzielt, die hart erkämpfte Rückgewinnung, Neuerfindung und Offenbarung im täglichen Leben zu finden.

Das Album, das am 5. April über Captured Tracks erscheint, folgt auf die jüngsten Singles "LipSync" und "Under The Glass" und ist ihre erste Full-Length-Veröffentlichung seit ihrem von der Kritik gefeierten Debüt Useless Coordinates aus dem Jahr 2019. Aufgenommen mit Matthew Benn und Jamie Lockhart im Jahr 2023, ist angeltape ein avantgardistisches Dokument der Ereignisse, die sich in der fünfjährigen Pause zwischen den Alben entfaltet haben. Eine Vielzahl von Veränderungen - gute und schlechte – lenkten das berufliche und persönliche Leben der Bandmitglieder in unbekannte Bahnen. Doch anstatt sich den Widrigkeiten zu ergeben, tauchen Drahla mit angeltape wieder auf. Sängerin und Gitarristin Luciel Brown, Bassist Rob Riggs und Schlagzeuger Mike Ainsley erweiterten ihren Sound mit Gitarrist Ewan Barr und klingen nun wesentlich dunkler, komplexer und konzeptioneller. Drahla beschreiten neue klangliche Wege und experimentieren dabei mehr als je zuvor mit der Form der Musik. Das berauschende Zusammenspiel von treibenden Bass-Riffs und aufgeladenen Schlagzeugmustern bildet einen fesselnden Kontrast zu Browns melodischem Sprechgesang. Die einhüllende Atmosphäre, die von dem Quartett ausgeht, wird durch die eindringliche Saxophonbegleitung des langjährigen Mitstreiters Chris Duffin noch verstärkt. Die Band beschäftigt sich mit Themen wie Trauer und Trauma, während sie gleichzeitig Momente der Sentimentalität und Unterstützung in schwierigen Zeiten zelebriert. Eine unwiderstehliche und unerschütterliche Kraft durchzieht dieses meisterhafte zweite Album. angeltape ist eine herausfordernde, tröstliche und letztlich lohnende Platte für Künstler und Publikum.

Sechs Jahre nach ihrem letzten Album 'Enter The Kingdom" meldet sich die US-Band endlich mit neuem Studioalbum 'On The Northline'zurück!

Die aus Metro Detroit, Michigan kommende Band Frontier Ruckus veröffentlicht mit 'On The Northline' ihr lange überfälliges neues Studioalbum", auf dem die Band lässig Americana, Rock und orchestralen Folk-Pop fusioniert. Matthew Milia, David Jones und Zachary Nichols begeistern mit ihrer Spielfreude und sozial-kritischen Lyrics auf ganzer Länge. Die Jahre nach dem fünften Album der Gruppe, dem opulenten 'Enter the Kingdom' von 2017, waren große Jahre für die Band. Ihr mehr als zehnjähriges ununterbrochenes Touren wurde dann allerdings durch die Pandemie beendet, die jeden zu Beginn des Jahres 2020 betraf, aber während sich diese Surrealität abspielte, durchlief Milia auch eine separate Zeitlinie, auf der er wirklich die Liebe fand, heiratete und zu gegebener Zeit Vater wurde. Fans von Elliott Smith bis hin zu Sufjan Stevens sollten die Band Frontier Ruckus nicht verpassen!

What Do We Do Now ist das fünfte Solo-Studioalbum, das J Mascis seit 1996 aufgenommen hat. Das ist natürlich kein besonders aggressiver Veröffentlichungsrhythmus, aber wenn man die Live-Alben, Gastauftritte und Aufnahmen mit seinen verschiedenen anderen Bands (Dinosaur Jr., The Fog, Heavy Blanket, Witch, Sweet Apple usw.) mit einbezieht, kann man mit den Worten von Lou Reed sagen: "J's week beats your year". What Do We Do Now begann in den letzten Tagen der Pandemie zu entstehen. In seinem eigenen Bisquiteen Studio begann J damit, eine Reihe von akustischen Stücken zu schreiben, die eine andere Dynamik haben als die Stücke, die er für Dino schreibt. "Wenn ich für die Band schreibe", sagt er, "versuche ich immer, an Dinge zu denken, in die Lou und Murph hineinpassen würden. Bei mir selbst denke ich mehr darüber nach, was ich mit einer Akustikgitarre machen kann, sogar bei den Leads. Dieses Mal habe ich natürlich ein Schlagzeug und elektrische Leads hinzugefügt, obwohl die Rhythmus-Parts immer noch akustisch sind. Normalerweise versuche ich, die Solosachen einfacher zu machen, damit ich sie selbst spielen kann, aber ich wollte unbedingt das Schlagzeug hinzufügen. Als ich damit angefangen habe, hat sich alles andere von selbst ergeben. So klang es am Ende viel mehr wie eine Bandplatte. Ich weiß nicht genau, warum ich das gemacht habe, aber es ist einfach so passiert." Diesmal sind zwei Gastmusiker mit von der Partie: Ken Mauri (von den B52s) aus Western Mass spielt bei einigen Stücken Klavier. Da J selbst einige Erfahrung mit den Tasten hat, sagt er auf die Frage, warum er einen Gastmusiker brauchte: "Ken ist großartig und er spielt alle Tasten. Ich habe versucht, auf dem ersten Fog-Album ein paar Keyboards zu spielen, aber ich fühle mich nur wohl, wenn ich die weißen Noten spiele, also ist das irgendwie einschränkend. (lacht) Heutzutage könnte ich einfach die Tonhöhe auf einem Mini-Mellotron ändern, um verschiedene Sounds zu spielen, aber schwarze Tasten sind einfach schwierig. Warum auch immer, ich haue lieber auf die weißen Tasten. Es scheint schwieriger zu sein, herauszufinden, wie man seine Finger um die anderen Tasten herum streckt." Mauri hat keine solchen Skrupel und spielt alle Tasten verdammt gut. Besonders toll klingt er bei "I Can't Find You", wo er als Jack Nitzsche zu Neil Young von J. eine der schönsten Melodien des Albums schafft. Der andere Gastmusiker, Matthew "Doc" Dunn, ist ebenfalls auf diesem Stück zu hören. Dunns Steel-Guitar macht die Musik sowohl breiter als auch weicher und verleiht ihr ein ganz klassisches Profil. Dunn ist ein vielseitiger Musiker aus Ontario, den J durch Matt Valentine kennengelernt hat. Nachdem J auf Docs großartiger Sub Pop-Single "Your Feel" aus dem Jahr 2022 mitgespielt hatte, fand er, dass es Zeit für eine Revanche war. Sowohl Dunn als auch Mauri tragen dazu bei, die Songs von akustischen Skizzen in ausgewachsene Post-Core-Power-Balladen zu verwandeln. What Do We Do Now ist das beste Soloprogramm, das J bisher geschrieben hat, und die Art und Weise, wie es präsentiert wird, ist einfach perfekt. Auf die Frage, ob er auf Tour gehen wird, um das Album zu unterstützen, sagt J, dass er einige Wochenendtermine wahrnehmen wird, aber wahrscheinlich keine Band zusammenstellen wird. Ich bin mir sicher, dass die Songs auch solo und akustisch großartig klingen werden, aber die Arrangements auf diesem Album sind wirklich großartig und geben Mascis' sofort erkennbarem Ansatz, Musik zu machen, einen coolen, anderen Dreh. Und was machen wir jetzt? Ich weiß es nicht. Aber anscheinend macht J. eine seiner besten Platten überhaupt. Hut ab vor ihm. - Byron Coley