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Nach den ersten Singles "Chihuahua", "Black Nipple" und dem Indie-Disco-Feger "Kira's New Sweater" kommt nun mit "Sugar Town" ein von illegalen Substanzen geschwängerter Hit, von dem sich wohl von den Strokes abwärts einige wünschen, er wäre ihnen eingefallen. In dem von Yatwa - ja wir haben es hier mit einer dieser Abkürzungs-Bands alter Schule zu tun - selbstproduzierten Musikvideo, kommt die Geschichte noch eindrucksvoller zur Geltung. Ein fröhliches Oszillieren zwischen Professionalität und Trash, Storytelling und munterer Performance . Dazu ein Sound der gar nicht daran denkt sich dafür zu entschuldigen zu rocken und zu rollen und fertig ist der feel good hit of the summer twentytwenty. Unverbraucht, hungrig und ein bisschen neben der Spur. Yatwa sind da, sie sind heiß und sie mögen Zucker. Katauna Kata, meine Lieben, Katauna Kata!

Man könnte meinen, dass Zeit für eine Band, die so beständig wie Yo La Tengo ist und seit nunmehr fast vier Jahrzehnten existiert, keine allzu große Rolle spielt. Und doch ist Zeit (und wie man ihr entkommt) das vorherrschende Thema auf dem neuen, am 10. Februar 2023 auf Matador Records erscheinenden Album “This Stupid World”. Der Band aus Hoboken gelingt das natürlich spielend leicht und elegant.



“I want to fall out of time”, singt Ira Kaplan in der ersten Single “Fallout”, weiter: “Reach back, unwind.” “I see clearly how it ends / I see the moon rise as the sun descends”, heißt es im Album-Opener “Sinatra Drive Breakdown”, während Kaplan im athmosphärischen Song "Until it Happens” aufruft: “Prepare to die / Prepare yourself while there’s still time.” Doch Resignation war nie ein Ausweg für Yo La Tengo, drum heißt es auch später im Song: "Stay alive", und, "Look away from the hands of time.”



Selbst befinden sich Ira Ira Kaplan, Georgia Hubley und James McNew natürlich weiterhin im stetigen Wandel, passen ihren Sound den Gegebenheiten an, um auch mal überraschend einen neuen Weg einzuschlagen. Für “This Stupid World” hat man erstmals nicht mit externen Produzenten und Mischern zusammengearbeitet, sondern alles in die eigene Hand genommen. Im Ergebnis klingen Yo La Tengo so direkt und live wie lange nicht mehr. Die Basis eines jede Songs war, dass das Trio ihn gleichzeitig in einem Raum zusammen eingespielt hat und nicht jeder in eigenen Takes.



Auf den Vorgänger “There’s A Riot Going On” (2018) folgt nun mit “This Stupid World” ein Album, welches den Hörern in Zeiten der Unsicherheit und der Ängste eine gewisse Ruhe vermitteln soll. Mit stoischer Ruhe und Gelassenheit trotzen Yo La Tengo der bewegten Gegenwart und beweisen einmal mehr, dass sich ihre Musik nicht von der Zeit treiben lässt, sondern zeitlos wie eh und je klingt.

Mit seinem neuen Album beschreitet der Pianist Yaron Herman ganz neue Wege. Nachdem er bereits zehn Alben veröffentlicht hat, lässt er sich ins Leere fallen und bietet erstmals ein Korpus völlig improvisierter Musik - einen verblüffenden Schnappschuss und einen lebendigen Spiegel seiner Vergangenheit. Das Klavier wird damit zum Mittelpunkt umfassenderen Nachdenkens, ein Gefährte, der dabei hilft, die Geheimnisse der Welt zu lüften. Dieser schöpferische, vielseitige und atypische Werdegang steht im Hintergrund einer begeisternden, großherzigen globalen Reflexion, die er kürzlich in einem früheren Werk durchführte. Ohne irgendein Konzept im Hinterkopf überlässt er sich völlig dem, was die Musik zu sagen hat; er eröffnet Räume, in denen er selbst noch nicht war. Improvisieren heißt in Echtzeit Komponieren. Beim Komponieren ist die erste Geste - das, was man manchmal "Inspiration" nennt - improvisiert. Auf diese Weise konzise und kunstvoll aufgebaute Stücke zu konstruieren, Melodien zu erfinden, die sich gemäß einer in Echtzeit entstehenden Logik entwickeln, ist ein unendlich komplexer Vorgang. Er setzt eine außergewöhnliche Erfindungs- und Konzentrationskraft voraus, einen Sinn für die Gegenwart, der mit Offenheit für die Zukunft gepaart ist, ohne die keine Entwicklung möglich ist. 'Alma' ist eine seltene Aufforderung, ein innerer Tanz, der uns sehr weit mit sich führt, eine sensorische Reise, zu der der Hörer eingeladen ist, und eine tiefe Emotion, die ihn nie loslässt.

Das zweite und letzte Studioalbum der Punk-Ikonen - X-Ray Spex. Das heiß begehrte Album wurde 1995 in einer sehr kleiner Auflage nur auf CD bei Receiver Records in Großbritannien veröffentlicht und war in den letzten 27 Jahren offiziell nicht erhältlich! Das Album vereinte die original X-Ray Spex-Sängerin Poly Styrene mit der ursprünglichen X-Ray Spex-Saxophonistin Lora Logic und dem Bassisten Paul Dean sowie dem Kula Shaker-Frontmann Crispian Mills an der Gitarre unter seinem damaligen Pseudonym Red Spectre. Das Reissue wurde von den Original-Masterbändern neu gemastert und ist zum ersten Mal überhaupt auf LP erhältlich! Mit dem originalen und erweiterten Artwork, einschließlich bisher unveröffentlichter Texte und originaler Cover-Notizen von Poly. Die Popkultur ist voll von klassischen Alben, die iregndwie durchrutschen. In den letzten Jahren haben die verstorbenen Poly Styrene und X-Ray Spex mit ihrem 1978er Debütalbum "Germfree Adolescents" Kultstatus erlangt, aber das 17 Jahre später veröffentlichte Nachfolgealbum "Conscious Consumer" ist im Sand der Zeit untergegangen. Heutzutage wissen die meisten Leute nicht einmal, dass X-Ray Spex ein Nachfolgealbum hatten. Diese liebevoll zusammengestellte Neuauflage rückt ein verlorenes Juwel ins Rampenlicht, das viele Merkmale des Debüts aufweist, aber durch eine andere Brille betrachtet wird. Conscious Consumer" war eine Weiterentwicklung des klassischen Debüts mit derselben Punkrock-Dringlichkeit und denselben Konsumthemen, aber mit einer poppigeren Kante und einer durchdachteren Weisheit, die aus der Perspektive eines älteren, weiseren Krishna-Anhängers aus den Höhen und Tiefen des Lebens geschöpft wurde. Im Jahr 1995 war das Album ein unerwartetes Comeback und wurde ein verlorener Klassiker. Es war das erste neue Material, das die Band seit Jahren aufnahm, obwohl viele der Songs bereits ein Jahrzehnt zuvor geschrieben worden waren. Nach der Veröffentlichung verschwand das Album jedoch schnell vom Radar, lang bevor Poly dihren verdienten Kultstatus er...

"You're the One I Idolise" - Dies ist ein Liebeslied, ähnlich der Balladen, die wir zu Zeiten der Milkshakes gemacht haben - inspiriert von Arthur Alexander. Es scheint auch Richard Hell mitzuschwingen (die Voidoids waren im Laufe der Jahre eine große Inspiration - ich sah sie 1977 als Vorband von The Clash im Hastings Pier Pavillon). "Like an Inexplicable Wheel" - Das Seltsamste im Leben ist die Zeit, nicht die Uhren, sondern dass es eine Vergangenheit gab und es (scheinbar) eine Zukunft geben wird. Das Leben scheint ein unerklärliches Rad zu sein, und ich dachte, es sollte einen Popsong (oder zwei) darüber geben. "Last Punk Standing" - Ein typisch CTMF-klingender Track, der eigentlich "Who'll be the Last Punk Standing" heißen sollte, aber ein verkürzter Titel sieht besser aus. Wieder geht es um Zeit und darum, dass das Wissen zur Neige geht. Wenn eine Generation ausstirbt, gibt es niemanden mehr, der die wahre Natur ihrer Erfahrung erklären kann. Diejenigen, die im Zweiten Weltkrieg gekämpft haben, sind so gut wie verschwunden und so bekommen wir den Aufstieg der neuen Rechten: Wir lernen aus der Geschichte, dass wir nicht aus der Geschichte lernen. Wer bleibt übrig, um die Essenz dessen, worum es bei Punk ging - hausgemachte, sich selbst befriedigende Musik - weiterzugeben? PS - die Figur Roberta ist aus einem Leadbelly-Song - ich fand es schön, sie und Mark E. Smith im selben Popsong zu haben. (Mark war noch unter uns, als wir die Nummer aufgenommen haben) - Billy Childish - Mai 2019 [ENG] limited red or grey vinyl! 600 of each colour available, randomly shipped. "'You're the One I Idolise' - This is a love song, along the lines of some of the ballads we used to do in the Milkshakes - inspired by Arthur Alexander. There also seems to be some Richard Hell in there (the Voidoids have been a big inspiration over the years (I saw them supporting the Clash at Hastings Pier Pavilion in '77. 'Like an Inexplicable Wheel' - The strangest thing in life is time, not clocks but that there was a past and there will be a future (apparently). Life seems to be an inexplicable wheel, and I thought there should be a pop song (or two) about that. 'Last Punk Standing' - A more CTMF sounding track. This should really be called 'Who'll be the Last Punk Standing?' but it looked better as a shortened title. Again it's about time, and knowledge running out. When a generation passes there's no one left to explain the true nature of their experience. eg- those who fought in WW2 are all but gone and that's how we get the rise of the new right: we learn from history that we don't learn from history. Who'll be left to pass on the essence of what punk was about - home-made, please yourself music. PS - the character Roberta, is from a Leadbelly tune- I thought it nice to have her and Mark E. Smith in the same pop song (Mark was still with us when we recorded this number)." Billy Childish - May 2019

Nach dem hochgelobten Album Cousin von Wilco aus dem Jahr 2023 griffen die Musiker bei der Produktion von Hot Sun Cool Shroud auf unvollendetes Material aus diesen Sessions zurück. In erneuter Zusammenarbeit mit dem Toningenieur Tom Schick schuf die Band sechs Tracks, die den Sound von Cousin erweitern. Laut Jeff Tweedy haben sie "a summertime-after-dark kind of feeling" geschaffen. Es fängt ziemlich heiß an, wie die Hitze des Tages, hat ein paar Instrumentalstücke, die ein bisschen unruhig und unangenehm sind, und endet mit einer kühlenden Brise“. Erhältlich auf Vinyl und CD.

Die kratzigen Gitarrenhooks, das eingängige Schlagzeugspiel und die ausgedehnten Codas klingen eindeutig nach Großstadt, doch bei WIDOWSPEAK gesellt sich ein trockener Minimalismus und eine an die Atmosphäre von David Lynch Filmen erinnernde Düsternis, die aus der Kleinstadt der Bandmitglieder stammt. Während der Grunge Seattle berühmt machte und die Riot Grrl und die DIY Einstellungen synonym mit Olympia sind, steht Tacoma für etwas Raueres und Düsteres. Berühmt-berüchtigt für den beißenden Gestank der Papiermühlen hat die Stadt es dennoch geschafft, eine fruchtbare Musikszene ihr Eigen zu nennen - nur wenige Außenstehende wissen das. Drei Jahre, nachdem sie schon bei einem kurzlebigen Sampler Label Projekt aufeinander getroffen waren, fragte Michael Molly, ob es nicht Zeit wäre, eine neue Band zu gründen. Molly fing trotz Bühnenangst an, zu schreiben und kurz darauf lud Michael den Gitarristen Robert Earl Thomas zu einer ersten Probe ein. Obwohl Robert seine Gitarre über die Musikanlage spielen musste und Michael auf nur zwei Trommeln spielte, zeigte die erste Stunde, dass alles passte. Sie suchten einen Namen aus, den Molly sich schon Monate vorher ausgedacht hatte und der Sound von WIDOWSPEAK begann, Form anzunehmen. Im Herbst hatte das Trio sechs Songs für eine Kassette names ,October Tape" zusammen, die sie nur mit einem Laptop Mikrophon und Garageband aufgenommen hatten. Das Tape fiel in die Hände von Captured Tracks und hier ist das selbstbetitelte Debüt. Aufgenommen mit Jarvis Taveniere von WOODS bekamen die noch zittrigen Probetracks im Studio Luft zum Atmen. ,Widowspeak" erschafft eine unheimliche Atmosphäre, die sich manchmal auf den Jukebox Pop der Fünfziger oder auf die Psychedelia der Sechziger gründet. Während WIDOWSPEAK mit ruhigeren Acts wie MAZZY STAR oder CAT POWER verglichen wurden, haben sie einen Sound definiert, der ernsthaft nostalgisch und zunehmend selbstbewusst ist.

Wet Leg sind mit den schnodderigen Vocals und ohrwurmverdächtigen Lyrics ihrer ersten Single „Chaise Longue“ über Nacht zu einer Indie-Sensation geworden. Am 08.04.2022 erscheint endlich ihr Debütalbum.

Nachdem sie zwei der besten Singles des Jahres 2020 veröffentlicht hatten, wurden Rhian Teasdale und Hester Chambers von Wet Leg von ihrer Heimatinsel Isle of Wight in ausverkaufte Hallen und Festivalzelte in ganz Großbritannien katapultiert und sorgten überall für Begeisterung. Jetzt freut sich das Duo, neben der Ankündigung ihres Debütalbums „Wet Leg“ das am 8. April auf Domino erscheint, auch zwei neue Songs vorstellen zu können. Die neuen Tracks heißen "Too Late Now" und "Oh No". "Too Late Now" zeigt eine eher introspektive Seite des Duos, wenn Teasdale gegen Dating-Apps und Fernsehen in einer chaotischen, trostlosen Welt wettert, bevor sie sich ironisierend darüber erhebt und sich für ein Schaumbad entschließt. Auf "Oh No" erkunden Wet Leg die deprimierenden Momente zwischenmenschlicher Kommunikation im digitalen Zeitalter. Das Album Wet Leg wurde von Dan Carey von Speedy Wunderground in London aufgenommen und produziert ("Chaise Longue" und "Angelica" wurden von Jon McMullen bzw. Josh Mobaraki produziert). Von Anfang an stand für Teasdale und Chambers bei Wet Leg der Spaß im Vordergrund, und ein trockener Sinn für Humor zieht sich durch das Album. "Ich wollte lustige Songs schreiben, ich wollte nicht zu sehr in traurigen Gefühlen schwelgen, ich wollte Sachen schreiben, die Spaß machen, zu hören und zu spielen", verrät Rhian. "Aber dann sickerte auch das Traurige durch." Wet Leg ist traurige Musik für Partygänger und Partymusik für traurige Menschen. Es ist kathartisch und fröhlich und punkig und schäbig und vor allem macht es Spaß. "Wet Leg sollte ursprünglich einfach nur lustig sein", sagt Rhian. "Als Frau wird so viel von dir verlangt, aber dein einziger Wert besteht darin, wie hübsch oder cool du aussiehst. Aber wir wollen albern und ein bisschen unhöflich sein. Wir wollen Songs schreiben, zu denen die Leute tanzen können. Und wir wollen, dass die Leute eine gute Zeit haben, auch wenn das vielleicht nicht immer möglich ist." Die bisherigen Singles "Chaise Longue" und "Wet Dream" haben zusammen über 8,5 Millionen Streams und mehr als 3 Millionen Views auf YouTube, 2 BBC 6 Music A-Lists, Auftritte bei Later... with Jools Holland und die Auszeichnung als einer der Vevo Dscvr Artists To Watch 2022 und Amazon Artists To Watch 2022 sowie "Too Late Now" als BBC Radio 1's Hottest Record erreicht.

Wavves sind zurück mit einem neuen Album. ,You're Welcome" heißt
es und erscheint über das bandeigene Ghost Ramp Label. Aufgrund von
Streitigkeiten, die um die VÖ ihres letzten Albums V herum eskalierten,
das öffentlich angespannte Verhältnis zu ihrem alten Label Warner Bros
Records, entschied sich die Band dazu - und das ganz folgerichtig - mit
You're Welcome zu ihren DIY Wurzeln zurückzukehren und das Album
selbst herauszubringen. Das Wort "brat" verfolgt Nathan Williams nun
schon seit fast einem Jahrzehnt, doch im Alter von 30 Jahren, mit einem
ausgewachsenem Business auf seinem Konto und dem andauernden
Erfolg seiner Band Wavves, hat sich sein rebellischer Charakterzug
nicht nur als zielstrebig, nein geradezu inspirierend erwiesen. ,You're
Welcome" ist der Soundtrack zu dieser neuen Freiheit. Es ist Williams'
augenzwinkernde Wiedergeburt als ein selbst veröffentlichter, selbst
verwirklichter und selbst promotender Punk Kingpin, und obwohl er
seinen unzensierten Worten auch immer Taten folgen lässt, kommt er
nicht nur ohne einen Kratzer davon, sondern geht sogar als Sieger
hervor. Williams fand sich in Produzent Dennis Herring's Studio in
Downtown LA ein - Herring nach King of the Beach von 2010 nun schon
zum zweiten Mal als Produzent tätig für die Band - und arbeitete zum
ersten Mal seit den frühen Alben wieder zu normalen Bürozeiten, dabei
fast komplett allein. ,You're Welcome" besteht aus Williams' schrulligen,
Sample geführten Geistesblitzen. Er kam mit 40 Stücken an, nun
reduziert auf 12 fettfreie, nun ja, Punk Bomben. Als ein Sample Nerd
befasste sich Williams eingehend mit seiner Obsession für 1950's DooWop
und - überraschenderweise - internationalem Folk, darunter auch
kambodschanischer Pop und '70's Psychedelia aus Südamerika. Im
Ergebnis ist You're Welcome eines der wohl vielgestaltigsten und
vertracktesten Wavves Alben bisher. "Come To The Valley" versetzt
einen unmittelbar in eine Phil Spector meets Beach Boys '60s High
School Tanzstimmung, wohingegen das Titelstück "You're Welcome" sich
Sound Effekte zu Nutze macht, die ihren Ursprung in Bizarro World
haben könnten. Wen kümmert da noch Kambodscha.

Vor einem halben Jahrzehnt eroberte Balthazar-Kopf Maarten Devoldere mit dem triumphalen Doppelschlag aus 'We Fucked a Flame into Being' (2016) und 'Warhaus' (2017) unsere musikalischen Herzen im Sturm. Die Songs des brandneuen Albums 'Ha Ha Heartbreak' sprudelten in nur drei Wochen in der schwülen Luft Palermos aus ihm heraus. Alles was Devoldere dafür brauchte, war die Einsamkeit eines Hotelzimmers, eine Gitarre, ein Mikrofon und ein Herz, das kürzlich in tausend Stücke zerbrochen wurde. Für den schwer erträglichen Kummer war Sizilien eine Fluchtmöglichkeit. Aber wer versucht, dem Leben davonzulaufen, läuft schnell in sich selbst hinein. So demontiert Maarten Devoldere in 10 Stücken dramatisch seine eigene Pose, entblößt lyrisch seine dunkelsten Gedanken.Der Sound hingegen bleibt wunderbar leicht. Er swingt und leuchtet mit verlockenden Streichern, sinnlichen Backing Vocals, Bläsern, verspielten Pianoparts und allem, was sonst noch dabei behilflich ist, die Sache aufzuheitern. So ist 'Ha Ha Heartbreak' sowohl eine bewegende emotionale Erkundung eines Künstlers als auch ein Album von allergrößtem musikalischem Reichtum.

Weil er sich nicht zwischen Musik und Bildender Kunst entscheiden konnte, bringt er eben beides zusammen.
Für sein viertes Album "Opal" bedeutet das: Vinyl Williams setzt die Erkundung psychedelischer, zwischen
Traum und Realität angesiedelter Popwelten auf harmonische Weise fort - wem dabei keine Bilder von über
den Regenbogen tanzenden Einhörnern vor dem inneren Auge entstehen, ist auch nicht zu helfen. Nüchtern,
versteht sich. Hinter Vinyl Williams verbirgt sich der in Los Angeles tätige Experimentalmusikkünstler Lionel
Williams. Dessen Großvater ist der bekannte Soundtrack-Komponist John Williams. Seit 2010 ist er unter
dem Alias Vinyl Williams musikalisch aktiv. 2012 brachte er sein Debüt "No Pain In Pop" heraus, 2015 folgte
"Into", im Jahr darauf kam "Brunei" heraus. Musik ist für Williams "a chance to transmute qualitative opposites
into the center, to dissolve all illusions of duality". Heißt: Basierend auf der Ansicht, dass Chaos und
Unordnung nicht real sind, soll "Opal" dabei helfen, einen neuen Bewusstseinszustand zu erreichen.
Menschen, die gerne Musik von Toro Y Moi, Todd Rundgren, Morgan Delt, Mild High Club oder den Triptides
hören, kennen diesen bereits.

Seine Aufrichtigkeit und Geradlinigkeit sind legendär - vielen gilt Tom Liwa als bester deutschsprachiger Singer/Songwriter. Nach "Ich liebe Menschen wie ihr", dem 2012 veröffentlichten Quasi-Comeback-Album der Flowerpornoes, und "Umsonst & Draußen" von 2015, Liwas erstem Album für Grand Hotel van Cleef, ist viel passiert. Zunächst spielte der Duisburger Songpoet, der jetzt in der Nähe von Soest auf dem Land wohnt, jede Menge Konzerte. Viele davon privat, sowohl mit den Flowerpornoes als auch solo. Zudem schrieb er ein - noch nicht veröffentlichtes - Buch, hatte seine erste Ausstellung mit Zeichnungen und wurde noch einmal Vater. Weiterhin nahm er mit seinem Jugendfreund Mike Krollmann unter dem Namen Sundown ein wunderschönes, zart psychedelisches Album in englischer Sprache auf. Und schließlich arbeitete er an "Ganz normalen Songs". Das heißt einer weiteren ausdrucksstarken Liedersammlung, die mit sensiblen akustischen Gitarrenklängen und brillanten Texten das gesamte Spektrum zwischen Melancholie und Zynismus ausleuchtet. Das warmherzige Album wurde von Tobias Levin (Tocotronic, Ja Panik) gemischt und
gemastert. "Noch nie hat Musik von mir so fantastisch geklungen", bedankte sich Liwa bei Levin. "Noch nie wurde eins meiner Alben mit soviel Liebe zum Detail fertiggestellt."

Future Ruins, das Debütalbum von TOM And His Computer, das in zweijähriger Arbeit entstand und von Trentemøller co-gemischt und co-produziert wurde, wird am 16. Oktober auf Trentemøllers In My Room Label veröffentlicht.

Als Veteran der Kopenhagener Musikszene veröffentlicht Thomas Bertelsen seit fünf Jahren Musik unter dem Namen TOM And His Computer, wobei er die neuesten Technologien mit den alten verschmilzt, während er frische Klänge aus Geräten herauspresst, die nicht nur veraltet sind, sondern manchmal auch kaum noch funktionieren. "Ich schalte zwischen der digitalen und der analogen Welt hin und her. Ich benutze sowohl alte Gitarrenpedale als auch die neueste Software. Es geht aber nie um das Equipment, sondern vielmehr darum, diesen einen speziellen Klang zu finden, der eine Idee für einen ganzen Track auslösen kann. Future Ruins wurde von Trentemøller koproduziert und gemischt. Während frühere Songs die Hörer an die äußeren Grenzen dessen geführt haben, was man als "elektronische Musik" bezeichnen kann, einschließlich Ausflügen zu Dark Wave, Dream Pop, Krautrock und modernem Psych Rock, präsentiert Future Ruins diese Einflüsse auf eine neue Art und Weise und stellt für TOM einen großen Sprung nach vorn dar. Das Ergebnis ist eine genrelose Sammlung von Songs, die TOMs Besessenheit zeigt, Klänge der Vergangenheit in die Gegenwart und Zukunft zu treiben, indem er Lärm und Nervosität mit seinem "Engagement für frische Ideen mit einem klaren Sinn für Melodien" kombiniert (Clash Magazine). "Mein Geschmack ist eklektisch und ich flirte gerne mit vielen verschiedenen Subgenres", sagt TOM. "Das Ziel war es, verschiedene Stile zu kombinieren und gleichzeitig zu versuchen, einen gemeinsamen Nenner zu finden".

Die limitierte Box kommt mit: Deluxe CD inkl. 15 Tracks, 2LP inkl. 12 Tracks (Pink, separates Cover, 180g, Gatefold), 7" mit 3 Bonustracks, Unisex Shirt Größe L, 5 Aufkleber und Poster!

Tocotronic, eine der erfolgreichsten und prägendsten deutschsprachigen Rockbands der letzten Jahrzehnte ist zurück mit ihrem 13. Werk. Nie wieder Krieg ist entwaffnend persönlich und wohl eines der schönsten Alben ihrer Karriere. Passend zur Zeit wollte die Band Lieder über allgemeine Verwundbarkeit, seelische Zerrissenheit und existenzielles Ausgeliefertsein schreiben, über Einsamkeit und Angst, aber auch über Träume und Liebe. Songs wie Jugend ohne Gott gegen Faschismus, Nie wieder Krieg oder Komm mit in meine freie Welt sind mehr als eine Rückbesinnung auf Tocotronics Leidenschaft zum Sloganeering. Hinter den prägnanten Titeln verbergen sich Texte, die versuchen, flüchtige Stimmungen der Gegenwart auszuloten und diese in Lyrics and Music gegen die Vereinzelung zu bannen, wie es in Hoffnung heißt. Ausgangspunkte waren keine Theoreme, sondern ihr eigenes Erleben und ihre eigenen Beobachtungen und die dadurch aufgeworfen Fragen und Zweifel. „Nie Wieder Krieg“ ist ein großes Album, das uns Kraft und Trost leiht, ohne die Widrigkeiten jener Gegenwart kleinzureden, in der wir diese Kraft und diesen Trost brauchen. In ihrer neuesten und schönsten und reifsten Inkarnation sind Tocotronic so romantisch und realistisch wie noch nie in ihrer langen Schaffensgeschichte.

THIRD EAR BAND stammen aus Canterbury und begannen als psychedelische Band namens THE GIANT SUN TROLLEY, die in Südlondoner Clubs lange und improvisierte Sets spielte. Nach einem Auftritt wurde der Band fast die gesamte Ausrüstung gestohlen. So wurden sie aus purem Zufall und offensichtlicher Notwendigkeit eine Akustikband und nahmen den Namen THIRD EAR BAND an.Von 1969 bis 1972 veröffentlichte die Band drei Alben auf dem progressivem Harvest-Label, "Music From Macbeth" (1972) war davon das bekannteste und kommerziell erfolgreichste.Am 24. April 1970 traten die Third Ear Band beim 2. Essener Pop & Blues Festival. Aus welchen Gründen auch immer tauchten sie aber weder auf dem offiziellen Plakat zur Veranstaltung noch in den Programmheften zum Festival auf. Das Billing des Tages war mit Acts wie The Flock, Ekseption, Rhinocerous, The Groundhogs, It"s A Beautiful Day und den noch unbekannten Black Sabbath, die gerade ihr erstes Album veröffentlicht hatten, prall gefüllt.Das Essener Konzert in der Quartettbesetzung mit Sweeney am Schlagzeug, Minns an der Oboe, Coff an der Violine und Smith am Cello fand nur wenige Wochen vor der Veröffentlichung des zweiten Albums statt, das die Fans als "Elements" kennen, obwohl es schlicht "Third Ear Band" heißt und im Juni 1970 erschien. Von den vier Elementen spielte die Band an dem Abend "Earth" und "Water", aber in einer kürzeren Fassung im Vergleich zu den Albumversionen.Erst vor kurzem sind die professionellen Tonaufnahmen vom Festivalauftritt der Third Ear Band wieder aufgetaucht und jetzt restauriert, klanglich aufgearbeitet und gemastert worden.[ENG]THIRD EAR BAND hail from Canterbury and started out as a psychedelic band called THE GIANT SUN TROLLEY, playing long, impromptu sets in South London clubs. After one gig, almost all of the band"s equipment was stolen. So, by sheer coincidence and obvious necessity, they became an acoustic band and adopted the name THIRD EAR BAND.From 1969 to 1972, the band released three albums on...

Bruce Springsteens Heartland ist New Jersey. Das von Conor Oberst Nebraska. Und Thees Uhlmanns Herzland heißt Niedersachsen. Und wie seine beiden Kollegen ist auch der Tomte-Sänger gefangen zwischen Liebe und Hass für die Provinz. So etwa im Song "Lat. 53.7 Lon 9.11667", der gleichzeitig Lob- und Abgesang auf seine Heimat ist. Uhlmann legt auf seinem ersten Soloalbum mehr Wert aufs Storytelling und nimmt einen mit auf eine Reise von Paris im Herbst bis nach Rom in Trümmern, von Günter Grass zu Jay-Z. In Uhlmanns Herzland ist Platz für nackte Priester und aufgemotzte Autos. Der Rock ist weniger indie, gibt sich stattdessen breiter und opulenter. Es muss nicht immer die Gitarre sein, die den Weg vorgibt. Warum nicht mal ein Klavier? Oder ein Beat? Ein Bass, ein paar Bläser? Oder alles zusammen? Insgesamt mehr US- als Brit-Rock, mehr Tamtam als Tomte. Uhlmann und Produzent Tobias Kuhn schöpfen aus dem Vollen und klopfen an den Wall Of Sound, bis es staubt, kracht und wackelt.

Acht Stücke, acht außergewöhnliche deutschsprachige Coverversionen. Uhlmann und seine neu formierte Band interpretieren Lieblingsmusik - oder wie es beim Künstler selbst heißt: "Einen guten Song kriegt man nicht kaputt, nicht mal wir." Doch bei aller Koketterie, es wird bei diesem Projekt wahnsinnig schnell deutlich, hier ist kein Abrissunternehmen am Werk - im Gegenteil. Es geht vielmehr darum, Stücken, die einem wirklich etwas bedeuten, mit einer eigenen musikalischen Interpretation die Ehre zu erweisen. Am Anfang dieser Idee stand ein Track der Hamburger Trap- Rapperin Haiyti: "Gold", das auch titelgebend fürs Album wurde. So überführt Thees Uhlmann auf dieser Platte die unterschiedlichsten Stile in einen höchst variablen Band- Sound. Dabei stutzt man garantiert mehr als einmal: Ach, und das ist jetzt wirklich nicht von ihm selbst? Nein, alles Coverversion, wir schwören. Die Stücke, die dabei so gut ins Uhlmannversum passen, stammen von 2raumwohnung, Östro 430, Sophie Hunger, Klotz + Dabeler, Nena, die Braut haut ins Auge, Judith Holofernes. Die LP war Beilage der „Junkies & Scientologen“ Deluxe Box, jetzt wird sie auch separat veröffentlicht.

Eco Vinyl heißt, dass jede Platte anders aussieht.

The Wombats läuten mit ihrem fünften Studioalbum, welches via Awal erscheint, die aufregendste Phase ihrer bemerkenswerten Erfolgsgeschichte ein. Während des letzten Jahres hat die Band getrennt zusammengearbeitet, quasi vom Homeoffice aus, und dabei einige der packendsten, originellsten und innovativsten Songs ihrer bisherigen Laufbahn geschaffen. Frontmann Matthew "Murph" Murphy saß in Los Angeles, Bassist Tord Øverland Knudsen in Oslo und Drummer Dan Haggis in London. Den Tagesplan besprachen sie jeweils auf Zoom , nahmen getrennt auf und schickten die einzelnen Dateien an die Produzenten Jacknife Lee (U2, The Killers), Gabe Simon (Dua Lipa, Lana Del Rey), Paul Meaney (Twenty One Pilots, Nothing But Thieves), Mark Crew (Bastille, Rag'n'Bone Man) und Mike Crossey (The 1975, The War on Drugs, Yungblud), damit diese die finalen Tracks zusammenbauen konnten.

Mittlerweile können The Wombats auf eine 15-jährige Karriere mit drei UK-Top5-Alben zurückblicken und zu ihren Konzerten kommen so viele Menschen wie nie zuvor. Der virale Erfolg von Oliver Nelsons Remix des 2015 erschienenen Hits 'Greek Tragedy' auf TikTok hat eine ganz neue Generation von Fans begeistert - eine Leistung, die die Band eigentlich seit Erscheinen ihres Debüts A Guide To Love, Loss & Desperation im Jahr 2007 ständig wiederholt. Der Remix wurde in mehr als 600.000 Videos genutzt, einige davon mit über 100 Millionen Klicks, und wurde mehr als 30 Millionen mal gestreamt, was dem Original zu mittlerweile 120 Millionen Streams und einer Goldauszeichnung in den USA verholfen hat. Er hat bestimmt auch dazu beigetragen, dass The Wombats seit Januar auf Spotify 2,4 Millionen zusätzliche, monatliche Hörer einzusammeln konnte - ein weiterer Beweis dafür, dass die Band allein mit der zeitlosen Kraft ihres Songwritings und ihrer Texte neue Generationen von Fans erreichen kann.

The Wombats freuen sich auf einen Sommer, in dem sie beim Line-up des Reading & Leeds Festivals und beim Neighbourhood Weekender an zweiter Stelle auf der Hauptbühne stehen werden. Außerdem wurde gerade ihre bisher größte UK-Headlinetour für 2022 bestätigt. Und das ist erst der Anfang, denn neue und alte Fans schlagen gemeinsam mit einer der beliebtesten Bands Großbritanniens ein neues Kapitel auf.

The Wombats läuten mit ihrem fünften Studioalbum, welches via Awal erscheint, die aufregendste Phase ihrer bemerkenswerten Erfolgsgeschichte ein. Während des letzten Jahres hat die Band getrennt zusammengearbeitet, quasi vom Homeoffice aus, und dabei einige der packendsten, originellsten und innovativsten Songs ihrer bisherigen Laufbahn geschaffen. Frontmann Matthew "Murph" Murphy saß in Los Angeles, Bassist Tord Øverland Knudsen in Oslo und Drummer Dan Haggis in London. Den Tagesplan besprachen sie jeweils auf Zoom , nahmen getrennt auf und schickten die einzelnen Dateien an die Produzenten Jacknife Lee (U2, The Killers), Gabe Simon (Dua Lipa, Lana Del Rey), Paul Meaney (Twenty One Pilots, Nothing But Thieves), Mark Crew (Bastille, Rag'n'Bone Man) und Mike Crossey (The 1975, The War on Drugs, Yungblud), damit diese die finalen Tracks zusammenbauen konnten.

Mittlerweile können The Wombats auf eine 15-jährige Karriere mit drei UK-Top5-Alben zurückblicken und zu ihren Konzerten kommen so viele Menschen wie nie zuvor. Der virale Erfolg von Oliver Nelsons Remix des 2015 erschienenen Hits 'Greek Tragedy' auf TikTok hat eine ganz neue Generation von Fans begeistert - eine Leistung, die die Band eigentlich seit Erscheinen ihres Debüts A Guide To Love, Loss & Desperation im Jahr 2007 ständig wiederholt. Der Remix wurde in mehr als 600.000 Videos genutzt, einige davon mit über 100 Millionen Klicks, und wurde mehr als 30 Millionen mal gestreamt, was dem Original zu mittlerweile 120 Millionen Streams und einer Goldauszeichnung in den USA verholfen hat. Er hat bestimmt auch dazu beigetragen, dass The Wombats seit Januar auf Spotify 2,4 Millionen zusätzliche, monatliche Hörer einzusammeln konnte - ein weiterer Beweis dafür, dass die Band allein mit der zeitlosen Kraft ihres Songwritings und ihrer Texte neue Generationen von Fans erreichen kann.

The Wombats freuen sich auf einen Sommer, in dem sie beim Line-up des Reading & Leeds Festivals und beim Neighbourhood Weekender an zweiter Stelle auf der Hauptbühne stehen werden. Außerdem wurde gerade ihre bisher größte UK-Headlinetour für 2022 bestätigt. Und das ist erst der Anfang, denn neue und alte Fans schlagen gemeinsam mit einer der beliebtesten Bands Großbritanniens ein neues Kapitel auf.

Nach dem ausgiebig gefeierten Meisterwerk ,Slave Ambient" (2011) erscheint nun zwei Jahre später - im März 2014 - das dritte Album der aus Philadelphia stammenden Band THE WAR ON DRUGS. "Lost in the Dreams" heißt das neue Glanzstück der Band um Adam Granduciel, deren Gründungsmitglied Kurt Vile mittlerweile solo unterwegs ist. Mit der Veröffentlichung des letzten Albums ,Slave Ambient" gelang der Band der langersehnte und verdiente Durchbruch. Daraufhin tourte die Band zwei Jahre lang von North Carolina bis New York City durch alle Rockclubs, spielte auf unzähligen Festivals und in Late Night-TV-Shows, die Amerika so zu bieten hat. Mit dieser Erfahrung im Gepäck tüftelte Granduciel gemeinsam mit dem Produzenten Jeff Zeigler (Lymbyc Systym, Kurt Vile u.a.) am neuen, dritten Album. Die Band komplett machen außerdem Dave Hartley (Bass) und Robbie Bennet (Piano u.a.), die auch im privatem Leben zu Granduciels engstem Umfeld gehören.Er sagt selbst zu seinem neuen Werk: ,Ich wollte, dass es ein Projekt unter Freunden wird. Jeder einzelne in der Band nimmt unser Projekt ernst. Davon handelt auch unser Album - Freundschaft, Erwachsen werden, das Leben leben und einander zu helfen."Diese persönliche und berufliche Weiterentwicklung ist auch im Sound der Band zu hören. Nicht zuletzt ist Granduciel nicht nur Kopf einer Indie-Rockband, sondern hat auch eine unverkennbare Stimme, um sich der Welt mitzuteilen.

Das Glasgower Indie-Jangle-Pop-Quartett The Plastic Youth verbindet psychedelische Untertöne mit zuckersüßen Melodien, um etwas Nostalgisches und doch Frisches zu schaffen. Produziert von Gerry Love (Teenage Fanclub) und Ross Cameron (Riverside Studio), ist ihr Debütalbum eine jugendliche Interpretation von Melodie und Harmonie der 60er Jahre, ein Hauch glückseliger Luft, eine neue Perspektive. Und als Bestandteil der schottischen Kultur ein Angebot von unverwechselbarem Indie-Charme über die Glasgower Musikszene hinaus.

Doppel-Vinyl im Klappcover! Nachdem er als Toningenieur für "In League With Dragons" 2019 gearbeitet hatte, schlug Matt Ross-Spang TMG Mastermind John Darnielle vor, für das nächste Album die komplette Mountain Goats-Band zu Sam Phillips Recording in Memphis, Tennessee zu schicken. Das wiederum führte zu der Entscheidung, Matt Ross-Spang für den Nachfolger zum Produzenten zu befördern. Aufgenommen in einer einzigen Woche mit "magischen" Mikrofonen, die vom Nashville Network geborgen wurden, und im selben Raum, in dem die Cramps ihr Debüt-Album 1980 aufnahmen, brennt die Unmittelbarkeit von "Getting Into Knives" hell in verzweifeltem Widerspruch. Auf "The Last Place I Saw You Alive" beschreibt Darnielle die Dunkelheit des Wissens, dass man einen geliebten Menschen nie wieder sehen wird, und sogar das Potenzial der Hoffnung wird untergraben. "Us worms turn into butterflies, I guess," singt er über die herzzerreißende Aufrichtigkeit, die eine halbe Sekunde nach der Erkenntnis, dass Würmer keine Raupen sind, über einem klingenden Klavier erklingt. An anderer Stelle erweckt "Wolf Count" Sympathie für einen gejagten Wolf, trotz der Träume des Wolfes von einem guten alten Blutbad. "Everything becomes a blur from six feet away," singt Darnielle in "Tidal Wave". Jahre bevor die Sorge um "social distancing" zu einem ständigen Gesprächsthema wurde, besteht das Lied stattdessen darauf, dass nicht jede Welle eine Flutwelle ist. "Some waves are slow things that cover you without you having noticed," erklärt Darnielle. Aber selbst diese etwas düstere Perspektive hat ihren Trost. "With the album, you either slam the door shut or you open on to the next path", erklärt Darnielle. "The trick is to sew up an ending, but at the same time open the doors to the theater and let the sunlight in."Alben wie "Getting Into Knives" fegt jeden aus dieser Tür hinaus und mitten hinein in ein riesiges Meer. Mit Liedern wie diesen taucht man vielleicht in tintengleiche Tiefen ein oder erreicht einen reinigenden Hauch von Luft. Lieder...