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Kings Of Leon kehren nach dreijähriger Albumpause zurück.

WALLS (ausgeschrieben We Are Like Love Songs) und ist eine Rückbesinnung auf die musikalischen Wurzeln des Quartetts. In den vergangenen Tagen streuten die Vier über ihre sozialen Netzwerke immer wieder kryptische Clips und Teaser, die einen kleinen Vorgeschmack auf die vielleicht persönlichste Platte ihrer Karriere darstellen. „… the walls come down“, heißt es immer wieder, und das wird sich auch lyrisch auf dem siebten Album der Brüder, Nathan, Jared sowie deren Cousin Matthew Followill zeigen.

21 Songs + digitaler Download + digitales Bonuspaket (Demos, Rough Mixe, Outtakes, Live Recordings, Lagerfeuermusik) mit 30 Stücken

Ein Meilenstein deutscher Pop Geschichte und die wohl zugänglichste Mutter Platte, aber was heißt das schon? Totaler Bruch mit jedweder Erwartungserfüllung und dann doch wieder Bestärkung, dass Mutter Deutschlands wichtigste und härteste Band ist. Auch wenn das hier auf eine völlig andere Art hart ist als alles andere. Wiederauflage des 1994 erschienenen Albums.

Impetus verbindet als Vinyl-Ausgabe die 3-Track Single 'Passive Restraints' mit den Songs 'Pile Driver' und 'Impetus'. Als 25th Anniversary erscheint diese 12" auf weissem Vinyl und auf 300 Einheiten limitiert.

ELEKTROHASCH präsentiert die dritte Nachpressung des 2005er-Albums der Stoner- und Psychedelic Rock Band COLOUR HAZE auf Vinyl. Die fünf Tracks (einer davon mit über 22 Minuten Spielzeit!) bieten unkonventionelle Songstrukturen mit langen Instrumental-Parts, fließenden, melodisch und rhythmisch einfallsreichen Basslinien, abwechslungsreichen und komplizierten Drum-Arbeiten und langen, fließenden Gitarrenlinien. COLOUR HAZE wurden im August 1994 in München gegründet - ein erstes Album wurde bereits im Sommer 1995 veröffentlicht, welches von der Kritik hoch gelobt wurde und der Band einige bundesweite Auftritte bescherte.

Das von Kritikern hochgelobte zweite Album von Beach House aus dem Jahr 2007 ist jetzt endlich wieder auf Vinyl erhältlich.

Wenn sich eine heiße ungezogene Lady namens Claudia Hek an den Drums auslässt, von einem äußerst haarigen Sänger im ZZ TOP Style (Michiel Hoving) an der Doppelneckgitarre begleitet wird und das down-and-dirty-Duo dann noch unter dem Namen SIXTYNINERS firmiert, dann bleibt schon fast nichts mehr zu sagen, außer dass ,Highway, 40 Miles, Long Road" nicht in den Weiten der amerikanischen Prärie, sondern in den Weiten des niederländischen Flachlandes aufgenommen wurde. Die flachländische Abstammung hält die SIXTYNINERS aber nicht davon ab, so zu klingen, als wäre NEIL YOUNG in einer Bar auf ZZ TOP getroffen, um im Anschluss mit ZEKE zu jammen. Blues-beinflusster Punkrock verwandelt die grünen Wiesen der Niederlande zumindest vor dem inneren Auge in staubige, amerikanische Prärie. This is the real deal!

Nach eigenen Angaben verbrachten Gitarrist Mike Sullivan und Drummer Daniel Turncrantz eine gewisse Zeit in amerikanischen Nationalparks und fuhren durch Berglandschaften, als sie "Station" aufnahmen. Ihr Album klingt auch entsprechend episch, monumental und besitzt eine unglaubliche Tiefe. Sullivan und Turncrantz bekamen prominente Unterstützung vom These Arms ARE Snakes/botch Bassisten Brian Cook, während sich Morgan Henderson von den Blood Brothers (R.I.P.) auf "Xavii" dem Kontrabass annimmt. Aufgenommen in Seattle von Mastermind Matt Bayles (isis, Mastodon, Minus THE Bear), verpasste er der Band diesen intensiven und beeindruckenden Klang und achtete gleichzeitig darauf, dass "Station" den Namen Album auch wirklich verdiente: ein kohärentes Werk, vom ersten Lied Campaign bis zum letzten Lied mit Double Bass Xavii. Insgesamt sechs Stücke befinden sich auf "Station" und es ist ohne Untertreibung instrumentaler Postrock at its best! Ein echtes Kunstwerk. Gegründet 2004 haben Russian Circles von Anfang an mit Versatzstücken des Metal, Elementen des Minimal Jazz und kryptischen Riffs, die so klangen, als sei ein Komet in einer Großstadt eingeschlagen, verwirrt, polarisiert und unendlich verzückt. Ihre Musik verwebt einen Teppich aus intensivsten cinematischen Eindrücken, der einem auf der einen Seite mit seiner Härte den Boden unter den Füßen wegzieht, es auf der anderen Seite aber auch versteht, den Aufprall zu bremsen und für Kopfkino ohne Gleichen sorgt. "Enter", ihr Debüt von 2006, bescherte Russian Circles Shows mit Größen wie Tool, Dalek, Daughters und Pelican. Russian Circles setzen mit "Station" genau dort an, wo sie mit "Enter" aufhörten, erschließen sich aber gleichzeitig einen neuen Weg in die musikalische Tundra, um Kopf und Körper mitzuziehen und nicht nur dem Jahre 2008, sondern der ganzen Musikgeschichte ihren Stempel aufzudrücken.

Bilden Sie einen Satz mit den Wörtern: Grammy, Neuseeland, EP und Fernsehserie. Wie wäre es damit: Wenn man aus Neuseeland kommt, eine eigene Fernsehserie hat und FLIGHT OF THE CONCHORDS heißt, dann kann es durchaus passieren, dass eine EP namens "The Distant Future" einen Grammy gewinnt. Passt. Und entspricht sogar den Tatsachen. Denn bei der diesjährigen GRAMMY Verleihung wurden FLIGHT OF THE CONCHORDS in der Kategorie ,Best Comedy Album" zum Sieger gekürt. Und das, obwohl die Combo zu diesem Zeitpunkt nur eine 6-Track EP am Start hatte. Klar, dass ein kompletter Longplayer da nicht lange auf sich warten lassen durfte. Und so ist es auch beileibe kein Zufall, dass das ,echte" Debüt der Band nun auf den Namen ,Flight Of The Conchords" hört, der wiederum ganz und gar absichtlich der gleiche Name ist, den die eigene Fernsehserie der Band auf dem Sender HBO trägt. Aufgenommen zwischen Los Angeles, New York und dem neuseeländischen Wellington wertet das Album die Lieder aus der Serie mit der Produktion von Mickey Petralia (BECK, LADYTRON) auf, wodurch sie endlich zu echten eigenständigen Songs werden. Der Release des Albums entspringt dem Herzenswunsch all derer, die seit Jahren versucht haben, die Tonspuren aus dem Fernsehen in echte Musik umzuwandeln, indem sie ein Mikro vor die Lautsprecher des Fernsehers hielten und dabei ihre Umgebung zum totalen Schweigen zwangen. Man ahnt, was zumeist dabei heraus gekommen sein muss. Nun, dieser Müll kann endlich von sämtlichen Festplatten dieser Welt verschwinden, denn jetzt kommen die wahren Songs. Die Arrangements sind reicher geworden, bleiben dabei aber immer noch nahe genug am Original, um seliges Lächeln zu fördern. Die akustischen Gitarren von Bret McKenzie und Jemaine Clement fungieren als Anführer, die den anderen Instrumenten und der Produktion den Weg weisen.

Die vier Songs auf der "Blood Bank" EP bewegen sich weiter auf dem Pfad, den sich BON IVER schon mitdem Debüt von 2008 "For Emma, Forever Ago"ausgebaut hat. Während die ursprüngliche Identität nochimmer dieselbe ist, ist BON IVER nicht mehr nur ein spontaner Kreativausbruch von Justin Vernon. BON IVERist jetzt eine Idee, ein Ort und ein Gefühl, das mittlerweile ebenso international wie zeitlos ist. Vom Titelsongauf der Suche nach Wärme im Winter bis zu der Ehrung der ewigen Sommerliebe in "Babys" präsentiert"Blood Bank" Harmonien, die für jede Jahreszeit passend sind. "For Emma, Forever Ago" widmete sich ganzder Kälte; "Blood Bank"jedoch besingt die innere Wärme, die einen durch die Kälte begleitet. Man fühlt, wiesich die Luft bewegt. Wie ein Feuer, das man seit Stunden versucht, anzufachen; das schließlich brennt unddann so heiß ist, dass das Gesicht brennt, der Rücken aber noch immer friert. BON IVER versammelt mehrals nur das, was in dem vielbesungenen Blockhaus in Wisconsin zur Hand war: Klavier, Slide Gitarre undVocoder. Oder wie es im A Capella R&B Stück "The Woods"heißt: "I'm building a still to slow down the time".Das ist so poetisch wie nötig und doch weitreichend und persönlich. Die vier Songs erforschen die ernsterenund leichteren Momente der Jahreszeiten und was sie bedeuten und schaffen so einen tiefgreifenden Einblickin die natürliche Energie und das raffinierte Handwerk, die die Musik von Justin Vernon ausmachen.

Es ist einige Zeit her, dass Pianist Eric Morrison, Gitarrist Andrew Deutsch, Bassist Brad Truax und Drummer Sean Martin sich offiziell nach der Band in einer Seifenoper HOME tauften, ein Label/Kollektiv namens Screw Music Forever gründeten und ihre Kassetten für einen Dollar in den Plattenläden der Nachbarschaft anboten, schließlich bei Relativity Records landeten und einen Batzen Alben aufnahmen, bevor Sean nach "IX" für zehn Jahre verschwand. Als Brah Records Interesse daran zeigte, ein musikalisches Tribut ans Vögeln zu liefern, ließen HOME prompt "Sexteen" vom Stapel. In der nächsten Instanz nahmen HOME die Grundlagen zu "XVII" auf, verbrachten daraufhin einen ruhigen Sommer und kamen beim Digitalisieren ihrer ersten acht Alben, die in einer Kiste schon Rost ansetzten, darauf, wie spannend Songs sind, bevor sie richtig entwickelt werden. Als HOME wieder zusammenkamen, arbeiteten sie sich durch 60 Songs und erschufen das, was heute "XVII" heißt.

Bruce Springsteens Heartland ist New Jersey. Das von Conor Oberst Nebraska. Und Thees Uhlmanns Herzland heißt Niedersachsen. Und wie seine beiden Kollegen ist auch der Tomte-Sänger gefangen zwischen Liebe und Hass für die Provinz. So etwa im Song "Lat. 53.7 Lon 9.11667", der gleichzeitig Lob- und Abgesang auf seine Heimat ist. Uhlmann legt auf seinem ersten Soloalbum mehr Wert aufs Storytelling und nimmt einen mit auf eine Reise von Paris im Herbst bis nach Rom in Trümmern, von Günter Grass zu Jay-Z. In Uhlmanns Herzland ist Platz für nackte Priester und aufgemotzte Autos. Der Rock ist weniger indie, gibt sich stattdessen breiter und opulenter. Es muss nicht immer die Gitarre sein, die den Weg vorgibt. Warum nicht mal ein Klavier? Oder ein Beat? Ein Bass, ein paar Bläser? Oder alles zusammen? Insgesamt mehr US- als Brit-Rock, mehr Tamtam als Tomte. Uhlmann und Produzent Tobias Kuhn schöpfen aus dem Vollen und klopfen an den Wall Of Sound, bis es staubt, kracht und wackelt.

Die kratzigen Gitarrenhooks, das eingängige Schlagzeugspiel und die ausgedehnten Codas klingen eindeutig nach Großstadt, doch bei WIDOWSPEAK gesellt sich ein trockener Minimalismus und eine an die Atmosphäre von David Lynch Filmen erinnernde Düsternis, die aus der Kleinstadt der Bandmitglieder stammt. Während der Grunge Seattle berühmt machte und die Riot Grrl und die DIY Einstellungen synonym mit Olympia sind, steht Tacoma für etwas Raueres und Düsteres. Berühmt-berüchtigt für den beißenden Gestank der Papiermühlen hat die Stadt es dennoch geschafft, eine fruchtbare Musikszene ihr Eigen zu nennen - nur wenige Außenstehende wissen das. Drei Jahre, nachdem sie schon bei einem kurzlebigen Sampler Label Projekt aufeinander getroffen waren, fragte Michael Molly, ob es nicht Zeit wäre, eine neue Band zu gründen. Molly fing trotz Bühnenangst an, zu schreiben und kurz darauf lud Michael den Gitarristen Robert Earl Thomas zu einer ersten Probe ein. Obwohl Robert seine Gitarre über die Musikanlage spielen musste und Michael auf nur zwei Trommeln spielte, zeigte die erste Stunde, dass alles passte. Sie suchten einen Namen aus, den Molly sich schon Monate vorher ausgedacht hatte und der Sound von WIDOWSPEAK begann, Form anzunehmen. Im Herbst hatte das Trio sechs Songs für eine Kassette names ,October Tape" zusammen, die sie nur mit einem Laptop Mikrophon und Garageband aufgenommen hatten. Das Tape fiel in die Hände von Captured Tracks und hier ist das selbstbetitelte Debüt. Aufgenommen mit Jarvis Taveniere von WOODS bekamen die noch zittrigen Probetracks im Studio Luft zum Atmen. ,Widowspeak" erschafft eine unheimliche Atmosphäre, die sich manchmal auf den Jukebox Pop der Fünfziger oder auf die Psychedelia der Sechziger gründet. Während WIDOWSPEAK mit ruhigeren Acts wie MAZZY STAR oder CAT POWER verglichen wurden, haben sie einen Sound definiert, der ernsthaft nostalgisch und zunehmend selbstbewusst ist.

Russian Circles kehrt mit einer Wiederveröffentlichung ihres legendären Albums Empros zurück, komplett mit einem neu gestalteten, geprägten Klappcover, erhältlich auf klassisch schwarzem Vinyl. Empros machte da weiter, wo die hymnischen Riffs und Melodien des 2009er Albums Geneva aufgehört haben, und injiziert noch mehr schleppende Rhythmen inmitten von Schädel-zerschmetternder Wucht mit der ganzen viszeralen Intensität von Godflesh, Swans und Neurosis. Einfach ausgedrückt: Empros ist Russian Circles' Master of Reality: eine radikale Überarbeitung von sowohl Heavy als auch Melodie, die in ihrer Klarheit und Perfektion monolithisch ist. Oder, wie ein einzelnes überlebendes Wolltier, das aus dem brutalen Frost des Winters auftaucht, ist Empros der Sound einer Band, die das Alter von ihren Schultern schüttelt, mit all der brutalen Kraft eines erwachten Ungetüms. Seit jeher arbeiten Mike, Dave und Brian an derselben Statue. Sie meißeln, sie schlagen, sie hämmern auf sie ein. Manchmal mit voller Wucht, manchmal sehr filigran. Die Meister monolithischer Melodien und monumentaler Rhythmen in absoluter Klarheit dargelegt, sind wieder am Werk. Mit "Empros" legen sie wieder ein Stück dieser gewaltigen Statue frei. Und vielleicht gibt es sogar ein paar Überraschungen in den sechs Tracks des Albums. Es gibt Riffs, ja - viele davon. Aber bei Empros scheint die gesamte Band die Verkörperung des Riffs selbst zu sein. "The six-song album intricately blends fat, grisly, discordant riffage with melodic, atmospheric, proggy sprinklings to create a sonically elaborate and raw package." - Premier GuitarNur wenige, streng limitierte Magenta-Black 2024-Vinylauflage!

Als Jerry Fuchs 2004 zu Maserati stieß, verordnete er radikale Veränderungen: alte Songs wurde aussortiert, einiges wurde deutlich schneller gespielt und den neuen Psych-Rock Affinitäten der Gitarristen Coley Dennis und Matt Cherry wurde Luft zum Atmen gegeben. Vom ersten Song "Inventions For The New Season" an lagen MASERATI plötzlich besser, schneller und stärker auf der Straße. Genau das zeigt sich auf "Maserati VII", ihrem ersten Album seit dem Tod von Fuchs. MASERATI haben das unheimliche Talent, die Zeit zwischen der Vergangenheit, der Gegenwart und der Zukunft hin- und herspringen zu lassen; oft sogar in ein und demselben Song. Auf "Maserati VII" präsentiert sich die Band bodenständig und wird angetrieben vom neuen Schlagzeuger Mike Albanese (CINEMECHANICA), dessen Tightness und Ausdauer perfekt zu den treibenden Rhythmen, epischen Songs und dem Bassgewitter von Chris "Coach" McNeal von MASERATI passen. "Maserati VII" ist Ausdruck der Essenz und der Entwicklung MASERATI als einer Band, die Metal spielt, der das Gesicht abätzt, die Knochen durchschüttelt und den Hintern zum Schwingen bringt.

Es ist das Jahr 2012. No Future war gestern, Phon heißt jetzt dB und sogar das Internet hat sich halbwegs durchgesetzt. Nun auch noch „auch“. Hast du nichts Besseres zu tun als die die ärzte zu hör’n?

Das Ende ist noch nicht vorbei. Die Beste Band der Welt ist jetzt eine Demokratie, ein Triumvirat des guten Willens, eine GbR der Gerechtigkeit und sie haben viel zu viel Zeit, um sich nicht um den Rock zu kümmern. Und natürlich um alle Phasen der engeren Beziehung zwischen Männern & Frauen & allen anderen. Vom mehr oder weniger schüchternen Balzverhalten beim mehr oder weniger hoffnungsbeladenen ersten Fernblickkontakt bis zum passiv-aggressiven Psychoterror der Post-Partnerschaft. Philosophisch wird’s obendrein.

„zeiDverschwÄndung“ fragt nach dem Sinn unseres Daseins und ob wir nicht einfach mal irgendwas anderes machen sollten, als Fan von BelaFarinRod zu sein. „Tamagotchi“ stellt den schwierigen ethischen Problemen im beginnenden Zeitalter der Künstlichen Intelligenz eine wahre Hymne an Emotion entgegen. „Waldspaziergang mit Folgen“ liefert einen ganz neuen Denkansatz der Theosophie. „M&F“ hingegen wollen in aller Regel einfach nur in allen Konstellationen poppen.

die ärzte: Jetzt mit der absoluten Leere, ordentlich HeyHey!, einem Gott im Regal und der entscheidenden Frage: Ist das noch Punkrock?

180 Gramm Vinyl LP inklusive Kunstdruck und Downloadcode!Eric Chenaux ist wohl eine der schillerndsten Figuren des Toronto-Undergrounds. In den frühen Neunzigern war er u.a. Mitglied von PHLEGM CAMP und LIFE LIKE WEEDS, die heute noch jedem Kanada-Kid die Tränen in die Augen treiben. ,Guitar & Voice" ist das vierte Solo-Album von ihm, das weltweit erhältlich ist. Genau gesagt ist es sogar sein erstes, weil auf diesem Werk ausschließlich sein Spiel und Gesang zu hören ist - keine Gastmusiker, minimale Overdubs und rigorose Strukturen, die zwischen langen, gesanagsbasierten Tracks und kürzeren, kakophonischen Gitarreninstrumentals hin-und herschweben. Dabei kratzt er an so vielen Genres, dass einem die Luft ausgeht: Jazz, Improvisationen, schottischer Folk, Psych/Noise, Mittelalter, Barock und Pop fließen in seine Kompositionen ein - und das in prachtvoller Synthese. Seine Gitarrenarbeit ist nicht von dieser Welt und abgesehen von einem fuzz-durchtränkten Track ,Sliabh Aughty", der klingt, als würde Hendrix einen irischen Dudelsack-Song zermalmen statt die amerikanische Nationalhymne, sitzen die Akkorde fein ziseliert und herzerweichend schön im Arrangement.

re-releaseDie Höchste Eisenbahn sind Francesco Wilking (Tele), Moritz Krämer, Felix Weigt (u. a. Kid Kopphausen) und Max Schröder (u. a. Der Hund Marie, Tomte). Die neue Platte der vier Übermusiker heißt "Schau In Den Lauf Hase" und hat ganz offensichtlich einen an der Waffel. Hier feiern sich Saxofon und DX7-Keyboard, dazwischen massenhaft klingelnde Gitarren, Discobeats und Casio-Flöten. Die epischen Geschichten, die die Singer/Songwriter Krämer und Wilking auf dem Debütalbum der Höchsten Eisenbahn erzählen, handeln von wahrhaften Dingen, machen Mut und warm ums Herz.

LP mit Downloadcode. Nicht einmal Alter und insgesamt vier Alben konnten PISSED JEANS bislang zähmen: noch immer können sie einen Sturm lostreten, der einem das Innenohr auf links bügelt. 2005 in Pennsylvania gegründet, veröffentlichten PISSED JEANS ihr Debüt ,Shallow"" auf Parts Unknown, bevor ,Hope For Men" 2007 und ,King Of Jeans" 2009 dann auf Sub Pop erschienen. Letzteres wurde mit dem für den Grammy nominierten Alex Newport aufgenommen, der sich auch der Produktion des neuesten Scheibe ,Honeys" annahm. Vier Alben haben zur absoluten Fokussierung von PISSED JEANS geführt. Die Band lässt sich weder dazu verführen, ihre alten Alben wieder aufzukochen noch in eine komplett andere Richtung abzubiegen. Die Songs auf ,Honeys" sind direkt, aber ohne Stumpfsinn; bewegend, ohne ins Schwammige abzudriften; und persönlich, ohne nachgiebig zu sein. Abgesehen davon rocken sie, als gäbe es kein Morgen. Manchmal klingt das genauso, wie es sich anfühlen muß, wenn man seinen kompletten Unterarm in heißes Fett stecken würde. In anderen Momenten nehmen sie dermaßen das Tempo raus, daß es klingt, als würde man gerade aus einem Alptraum aufschrecken, an den man sich aber gar nicht mehr richtig erinnern kann. Dies alles meistert die Band unglaublich eingängig, zwar nicht auf die Art und Weise, wie es deiner Großmutter gefallen würde, dafür eingängig, wie es Psycho-Patienten meinen, die nur Farben verstehen. Die Musik klingt wie der Loop des Sounds, der entsteht, wenn man eine komplette Marschkapelle eine Wasserrutsche runterschieben würde. Und zwar mit Extra-Verzerrung! PISSED JEANS hauen einem bedrohliche Songs über Unsicherheiten nur so um die Ohren, und das hat niemand jemals besser gemacht.

Wir haben viel über Rockmusik nachgedacht. Man wählt seine Einflüsse aus und bewegt sich von da aus weiter, was im Zeitalter des Networkens noch einfacher geworden ist. Das Ergebnis ist oft eine Collage, die von den ästhetischen Vorlieben ihres Schöpfers zusammengeführt wird. Musikschreiber und Kollegen entwerfen im Gespräch ein Netzwerk aus Referenzen über neue Bands - ,wie früher SST-Punk" oder ,klingt ein wenig wie Cold Wave". Als Musiker im Jahr 2013 wollten wir eine Platte voller Gedanken und Gefühle machen, ohne das altgediente Format der Rockmusik zurückzulassen. Wir wollten ein stichhaltiges, emotionales Ganzes produzieren, das über eine bloße Aneinanderreihung von Referenzpunkten hinausgeht. Unsere Band wurde zwischen März 1991 und Juli 1992 geboren und 2010 gegründet, als wir uns in Portland im College trafen. Wir fingen an wie so viele andere Bands auch, mit dem Verlangen, Songs für Freunde zu schreiben und zu spielen und entwickelten uns anhand unserer akademischen Stundenpläne graduell weiter. Was Hardly Art in diesem Sommer veröffentlicht, ist eine Sammlung von Songs, die Schritt für Schritt zwischen März 2011 und Sommer 2013 und Portland, Seattle und Los Angeles geschrieben wurden. Aufgenommen wurden sie mit Dylan Wall im YU Contemporary in Portland. ,Total" ist also das Dokument der Entwicklung unseres Erfahrungshorizontes, während und trotz unserer Studienzeit. Unsere Geschmäcker haben sich verändert und die Emotionen früherer Songs sind zu Erinnerungen verblasst. Als Resultat ist unsere Platte eine Ansammlung von Beobachtungen vier verschiedener Menschen, die an einem Ort zusammen kommen.

"Konfetti", das erste Soloalbum des Kettcar-Sängers Marcus Wiebusch, ist ein Zeitdokument über die mutige
Selbstbehauptung eines Künstlers. Eines Künstlers, der Grenzen sprengt und kraftvoll seiner originären
Inspiration folgt. Nach zehn Jahren, neun Festivalsommern, vier Alben, einem Livealbum und unzähligen
Tourneen sah Wiebusch den Moment gekommen, der Band eine kreative Pause zu gönnen. Und es ganz
allein zu probieren. Aber was heißt allein? Es entstanden elf Songs mit sieben verschiedenen Produzenten,
unzähligen Mischern und einer Armee von Musikern. Denn mit "Konfetti" probiert sich Wiebusch aus - und
zwar in jede Richtung. Es ist ein offenes, breites und vielseitiges Album, eins, das Kettcar-Hörer überraschen
wird. Etwa das Orchestrale, Große, Raumgreifende der Songs, die Breite im Arrangement, die sich von der
klassischen Klavierballade über Hip-Hop-Einflüsse bis zum tief pumpenden Electro-Track dehnt. Textlich geht
es u. a. um Coming-outs, die Zuckerbergs dieser Welt und gegen Hipster. Die LP erscheint mit
Downloadcode.

Das Vinyl erscheint als Doppel-LP im Gatefold Sleeve mit Downloadcode. BORIS haben schon immer mit den Erwartungen daran gespielt, was eine Band musikalisch und ästhetisch leisten kann. Wieder einmal wird diese Tradition hier untermauert und BORIS veröffentlichen mit "Noise" nach drei Jahren ein Album, das das allumfassendste ihrer Karriere ist. ,Noise" ist der verstärkte Ausdruck von BORIS endloser Mission, musikalische Extreme zu finden und aggressiven, intensiven Rock auf ein neues Level zu heben. In der Genese des Albums ging es BORIS darum, alles zu komprimieren, was die Band in den letzten Jahren erforscht hat, um etwas Mutiges, Zugängliches und Kraftvolles auf die Welt loslassen zu können. BORIS sehen ,Noise" als ihr definitives Album: ,Wenn wir Neulingen in der Welt von BORIS ein einziges Album vorschlagen sollten, dann wäre es genau dieses Album." Ein mutiges Statement für eine Band, die mehr als 20 Alben veröffentlicht hat. Und trotzdem schafft es die Band über acht Songs und 58 Minuten hinweg, Sludge-Rock, Crust Punk, Shoegaze, Doom, psychedelische Melodien und so gut wie alles, was sie je gemacht haben, auf einen Nenner zu bringen. Während BORIS über die letzten drei Alben daran gearbeitet hatten, ihre musikalische Vision auszuweiten, kehrten sie im Frühjahr 2013 zu ihrem klassischen Line-Up als Trio aus Schlagzeuger/Sänger Atsuo, Gitarrist/Sänger Wata und Bassist/Gitarrist/Sänger Takeshi zurück. Nachdem sie als Quartett neue Wege beschritten hatten, brauchte es die Zeit zweier Shows in Tokyo, sowie Tourneen in Australien und den USA, um der Band zu versichern, dass die Logistik sitzt und die Existenz als Trio nicht auf Kosten der künstlerischen Wachstums der Band geht. Jetzt sind sie härter, lauter, selbstbewusster und prägnanter als jemals zuvor.

Nach dem ausgiebig gefeierten Meisterwerk ,Slave Ambient" (2011) erscheint nun zwei Jahre später - im März 2014 - das dritte Album der aus Philadelphia stammenden Band THE WAR ON DRUGS. "Lost in the Dreams" heißt das neue Glanzstück der Band um Adam Granduciel, deren Gründungsmitglied Kurt Vile mittlerweile solo unterwegs ist. Mit der Veröffentlichung des letzten Albums ,Slave Ambient" gelang der Band der langersehnte und verdiente Durchbruch. Daraufhin tourte die Band zwei Jahre lang von North Carolina bis New York City durch alle Rockclubs, spielte auf unzähligen Festivals und in Late Night-TV-Shows, die Amerika so zu bieten hat. Mit dieser Erfahrung im Gepäck tüftelte Granduciel gemeinsam mit dem Produzenten Jeff Zeigler (Lymbyc Systym, Kurt Vile u.a.) am neuen, dritten Album. Die Band komplett machen außerdem Dave Hartley (Bass) und Robbie Bennet (Piano u.a.), die auch im privatem Leben zu Granduciels engstem Umfeld gehören.Er sagt selbst zu seinem neuen Werk: ,Ich wollte, dass es ein Projekt unter Freunden wird. Jeder einzelne in der Band nimmt unser Projekt ernst. Davon handelt auch unser Album - Freundschaft, Erwachsen werden, das Leben leben und einander zu helfen."Diese persönliche und berufliche Weiterentwicklung ist auch im Sound der Band zu hören. Nicht zuletzt ist Granduciel nicht nur Kopf einer Indie-Rockband, sondern hat auch eine unverkennbare Stimme, um sich der Welt mitzuteilen.

Das Vinyl erscheint als Doppel-LP im Gatefold Sleeve mit Downloadcode. BORIS haben schon immer mit den Erwartungen daran gespielt, was eine Band musikalisch und ästhetisch leisten kann. Wieder einmal wird diese Tradition hier untermauert und BORIS veröffentlichen mit "Noise" nach drei Jahren ein Album, das das allumfassendste ihrer Karriere ist. ,Noise" ist der verstärkte Ausdruck von BORIS endloser Mission, musikalische Extreme zu finden und aggressiven, intensiven Rock auf ein neues Level zu heben. In der Genese des Albums ging es BORIS darum, alles zu komprimieren, was die Band in den letzten Jahren erforscht hat, um etwas Mutiges, Zugängliches und Kraftvolles auf die Welt loslassen zu können. BORIS sehen ,Noise" als ihr definitives Album: ,Wenn wir Neulingen in der Welt von BORIS ein einziges Album vorschlagen sollten, dann wäre es genau dieses Album." Ein mutiges Statement für eine Band, die mehr als 20 Alben veröffentlicht hat. Und trotzdem schafft es die Band über acht Songs und 58 Minuten hinweg, Sludge-Rock, Crust Punk, Shoegaze, Doom, psychedelische Melodien und so gut wie alles, was sie je gemacht haben, auf einen Nenner zu bringen. Während BORIS über die letzten drei Alben daran gearbeitet hatten, ihre musikalische Vision auszuweiten, kehrten sie im Frühjahr 2013 zu ihrem klassischen Line-Up als Trio aus Schlagzeuger/Sänger Atsuo, Gitarrist/Sänger Wata und Bassist/Gitarrist/Sänger Takeshi zurück. Nachdem sie als Quartett neue Wege beschritten hatten, brauchte es die Zeit zweier Shows in Tokyo, sowie Tourneen in Australien und den USA, um der Band zu versichern, dass die Logistik sitzt und die Existenz als Trio nicht auf Kosten der künstlerischen Wachstums der Band geht. Jetzt sind sie härter, lauter, selbstbewusster und prägnanter als jemals zuvor.

Auf dem neuen, heiß erwarteten Album von Die Höchste Eisenbahn gibt es immer wieder Stellen, an denen die Musik sich aufschwingt. Die Trampelpfade von dem verlässt, was wir unter "Popmusik" hinzunehmen gelernt haben. Da gibt es immer noch eine schönere Harmonie, noch eine mutigere Wendung: Die Eisenbahn bringt uns hin.
Ernsthaft, gibt es sonst noch irgendwo eine Band wie diese? Wer sonst
verbindet die Pop-Finesse einer Band wie Steely Dan mit Indierock-Lässigkeit
und der Sentimentalität eines betrunkenen Straßenmusikers?
Auf ihrem neuen Album haben sie nur zwei Themen, nämlich was wir so tun
und wie sich das dann anfühlt. Wir stromern mit Francesco, Felix, Max und
Moritz durch die dunklen Großstadtgassen und aus den Fenstern sickern Melodien und Gesprächsfetzen.
Wir kennen das alles, worüber die Jungs singen, aber wir haben es lange nicht mehr so deutlich gefühlt: die erste Liebe, neu entdeckt in "Lisbeth". Die angeheiterte Clique in "Gute Leute", die erwachende Liebe in "Blume".
Die Höchste Eisenbahn steht für eine erwachsene Popmusik, die endlos
verspielt ist. Ihre neue Sammlung von Songs namens "Wer bringt mich jetzt
zu den Anderen" hat keine Füller, keine Ausfälle, keine Vor-Skip-Nummern.
Das Album ist aus einem Guss, man kann sich drauflegen und treiben lassen,
bis der Fluss ins Meer geht. - Bernd Begemann

Die von Tom Dalgety (Killing Joke, Royal Blood) im Londoner Rak Studio aufgenommenen zwölf Songs bilden eine typisch-krude Mischung aus Surrealismus, Psychedelia und Surf-Rock. Zum ersten Mal seit den Anfängen der Pixies verbrachte die Band insgesamt sechs Wochen lang gemeinsam in der Vorproduktion, beim Schreiben, Arrangieren und Proben der neuen Songs. Darüber hinaus heißt die Band die Bassistin Paz Lenchantin offiziell im permanenten Pixies Line-up willkommen. Lenchantin ist seit Januar 2014 als Bassistin der Band mit auf Tour und spielte eine wesentliche Rolle bei den Aufnahmen zu "Head Carrier". Auf "All I Think About Now", einem Song, den sie mit Frank Black geschrieben hat, übernimmt sie mit ihrem kühl-verträumten Sopran den Leadgesang.

"Head Carrier", der Nachfolger von "Indie Cindy" (2014), mit dem Pixies auf Platz 10 der deutschen Albumcharts landeten, wird als CD und LP erhältlich sein.