Suche "hip hop" 199 Artikel

Double Negative ist in der treu trotzigen Art und Weise in der
25-jährigen Karriere von Low ihr unverfrorenstes, abrasivstes
(und paradoxerweise stärkstes) Album. Um Double Negative
aufzunehmen, verpflichteten Low erneut B.J. Burton, den
experimentierfreudigen Produzenten, der in den letzten Jahren
Platten mit Bon Iver, Lizzo und Francis and the Lights gemacht
hat. Alan Sparhawk, Mimi Parker und Bassist Steve Garrington
wussten, dass sie mit Burton und seiner Klangpalette noch weiter
gehen wollten: Sie wollten sehen, was jemand, der, wie Sparhawk
sagt, "ein Hip-Hop-Typ" ist, mit ihrer Musik anfangen kann.
Anstatt zu Hause in Duluth, Minnesota, zu schreiben und zu
proben, fuhren sie oft nach Eau Claire im Südosten und kamen
mit Skizzen und Ideen, an denen sie tagelang mit Burton
arbeiteten. Band und Produzent wurden kollaborative CoAutoren,
die die Stücke aufbauten und zerlegten, bis ihr Zweck
und ihre Kraft klar waren. Das Albumcover für Double Negative
wurde von dem langjährigen Kollaborateur, dem englischen
Künstler Peter Liversidge, entworfen.

The Epitaph debut from pop punk upstarts, MAGNOLIA PARK. Contrary to what some may say, pop punk is alive and well in 2021, and groups like MAGNOLIA PARK are making sure it stays that way. Hailing from Orlando, Florida, MAGNOLIA PARK is a five-piece consisting of lead vocalist Joshua Roberts, guitarists Tristan Torres and Freddie Criales, bassist Jared Kay, and drummer Joe Horsham. In recent years, experimental sounds and more personal lyrics have dominated the pop punk scene. While staying true to the genre's roots, the members of MAGNOLIA PARK bring their own twist to the table with louder, angrier vocals and a fusion of genres ranging from hip-hop and emo to hardcore and alt rock.

"Konfetti", das erste Soloalbum des Kettcar-Sängers Marcus Wiebusch, ist ein Zeitdokument über die mutige
Selbstbehauptung eines Künstlers. Eines Künstlers, der Grenzen sprengt und kraftvoll seiner originären
Inspiration folgt. Nach zehn Jahren, neun Festivalsommern, vier Alben, einem Livealbum und unzähligen
Tourneen sah Wiebusch den Moment gekommen, der Band eine kreative Pause zu gönnen. Und es ganz
allein zu probieren. Aber was heißt allein? Es entstanden elf Songs mit sieben verschiedenen Produzenten,
unzähligen Mischern und einer Armee von Musikern. Denn mit "Konfetti" probiert sich Wiebusch aus - und
zwar in jede Richtung. Es ist ein offenes, breites und vielseitiges Album, eins, das Kettcar-Hörer überraschen
wird. Etwa das Orchestrale, Große, Raumgreifende der Songs, die Breite im Arrangement, die sich von der
klassischen Klavierballade über Hip-Hop-Einflüsse bis zum tief pumpenden Electro-Track dehnt. Textlich geht
es u. a. um Coming-outs, die Zuckerbergs dieser Welt und gegen Hipster. Die LP erscheint mit
Downloadcode.

Neva Dinova, Indieband aus Ohama, veröffentlichte in den 2000ern drei Alben und eine Split-EP mit Bright Eyes. Nun beginnt mit dem neuen Album "Canary" ein neues Kapitel in neuer Besetzung mit frischer Perspektive. Von verzerrter Erhabenheit bis zu Akzenten von Electronica & Hip-Hop tritt die Band klanglich aus ihrem Schatten heraus, während sich die Songs in kraftvollen Explosionen konzentrierter Energie verdichten, eindringlicher als je zuvor. Das verbindende Element bleibt die unverwechselbare Baritonstimme von Frontmann Jake Bellow, mit der er von Existenzangst, Entfremdung und Heuchelei singt. Neva Dinova gelingt mit dem Comebackalbum "Canary" eine Schönheit in Unvollkommenheit.

Oliver Tree's mit Riaa Gold ausgezeichnetes Debütalbum Ugly is Beautiful ist jetzt als Teil der Atlantic 75 Jubiläums-Kampagne auf exklusivem, crystal clear Vinyl erhältlich. Bei seiner Veröffentlichung im Juli 2020 schoss das Album sofort auf Platz 1 der Billboard "Top Rock Albums" und "Top Alternative Albums" Charts, während es auch unter den Top 15 der SoundScan/Billboard 200 debütierte. Auf "Ugly is Beautiful" nahm Oliver Tree seine Millionen von Anhängern mit auf eine unvorhersehbare Achterbahnfahrt durch eine zerrissene Welt voller komischer Katastrophen, die er in vierzehn außergewöhnlichen, absolut originellen Songs zusammenfasste. Das Album enthält eine Reihe von ikonoklastischen Hitsingles, darunter die mit Riaa-Platin ausgezeichneten "Alien Boy" und "Hurt". Neben seinem weltumspannenden Erfolg wurde das Album von der Kritik wie dem NME mit überwältigendem Beifall bedacht, der Oliver dafür lobte, dass er "in alles, was er tut, Humor einfließen lässt und gleichzeitig eine surrealistische Flucht aus dem alltäglichen Leben bietet". "Eine entrückte Vision, die nur ihm gehört", erklärte Ones To Watch. "Tree bahnt sich seinen Weg durch eine Reihe von Genres, von Alternative, Hip-Hop, Pop-Punk bis hin zu Elektronik, mit einem Sinn für rücksichtslose Hingabe, der nichts anderes als ansteckend ist... ein Hauch von Luft in einer Musikindustrie, die echtes Talent gegen neuartige, vermarktbare Risiken einzutauschen scheint oder umgekehrt."

Nach über einem Jahrzehnt ist das erste und einzige PEEPING TOM-Album - eines der gefragtesten Alben von Mike Patton (Faith No More, Mr. Bungle) überhaupt - nun endlich wieder erhältlich. Unter den mitwirkenden Gästen so namhafte Musiker wie u.a. Norah Jones, Massive Attack, Kool Keith und viele mehr.

In Anlehnung an den psychologischen Horrorfilm aus dem Jahr 1960, der Patton zu dem Namen inspirierte, entstand PEEPING TOM in einem Modus Operandi ohne physische Nähe. Patton schrieb Songs mit einer Wunschliste von theoretischen Kollaborateuren im Kopf und hoffte dann auf eine Antwort in Form eines fertigen Tracks.

Das Album enthält auch Beiträge von Amon Tobin, Bebel Gilberto, DubTrio, Kid Koala, Dale Crover, Rahzel und einigen von Pattons Freunden aus der Bay Area, wie Dan 'the Automator' Nakamura und Jel, Odd Nosdam und Dose One vom Hip-Hop-Kollektiv anticon. Das Endergebnis ist ganz und gar einzigartig und weicht doch deutlich von Pattons jüngstem lauten Output ab. Eine Pop-Platte vielleicht. Jedoch eine die aus Mike Pattons Feder stammt.

Nach über einem Jahrzehnt ist das erste und einzige PEEPING TOM-Album - eines der gefragtesten Alben von Mike Patton (Faith No More, Mr. Bungle) überhaupt - nun endlich wieder erhältlich. Unter den mitwirkenden Gästen so namhafte Musiker wie u.a. Norah Jones, Massive Attack, Kool Keith und viele mehr.

In Anlehnung an den psychologischen Horrorfilm aus dem Jahr 1960, der Patton zu dem Namen inspirierte, entstand PEEPING TOM in einem Modus Operandi ohne physische Nähe. Patton schrieb Songs mit einer Wunschliste von theoretischen Kollaborateuren im Kopf und hoffte dann auf eine Antwort in Form eines fertigen Tracks.

Das Album enthält auch Beiträge von Amon Tobin, Bebel Gilberto, DubTrio, Kid Koala, Dale Crover, Rahzel und einigen von Pattons Freunden aus der Bay Area, wie Dan 'the Automator' Nakamura und Jel, Odd Nosdam und Dose One vom Hip-Hop-Kollektiv anticon. Das Endergebnis ist ganz und gar einzigartig und weicht doch deutlich von Pattons jüngstem lauten Output ab. Eine Pop-Platte vielleicht. Jedoch eine die aus Mike Pattons Feder stammt.

Nachdem er Mick Jones und Joe Idles als Support bei der Debüt-LP "Sikh Punk" (2020) holte, übernimmt Symren Gharial AKA Primitive Ignorant (ex-Bassist bei Piano Wire und Eighties Matchbox) beim "Psychic Cinema" den Grossteil der Vocals selbst. Auch verzichtet er auf Gitarren und gibt mit dem Bass das Tempo vor, untermalt von schmutzigen Samples und sparsamer Futurepop-Produktion, während der Sound um Ambient-, Hip-Hop- und kolossale Rockelemente angereichert wird. Zu den Einflüssen zählen Young Fathers, Yves Tumor, Nadine Shah, Ghostpoet, Ghost Town, Weatherall, Ashnikko, Warmduscher und Viagra Boys, und wie immer "Sandinista" und Iggy Pop (der als Inspiration für das Cover-Snap diente). Linker, basszentrierter Alt-Pop.

Nach mehr als fünf Jahren sind Purity Ring zurückgekehrt, um ihr drittes Album anzukündigen. WOMB wurde vollständig vom Duo Megan James und Corin Roddick produziert und aufgenommen und wird am 3. April über 4AD veröffentlicht. Das neue Purity Ring-Album ist dabei eine Chronik der Suche nach Trost, der Suche nach einem Ruheplatz in einer Welt, in der so vieles außerhalb unserer Kontrolle liegt. Die auffallende Verletzlichkeit des Openers "rubyinsides" zeichnet einen Weg auf, der sowohl sehr persönlich als auch tief mit den uns nahestehenden Menschen verbunden ist - unseren Verwandten, ob sie nun von Natur aus oder aus dem Umfeld kommen. Während sich der Boden unter ihren Füßen verschiebt, helfen sich die Figuren auf dem Album gegenseitig, dem Tod, der Verzweiflung und anderen Veränderungen mit Widerstandskraft und Anmut zu begegnen. Die Suche gipfelt in "stardew", einer glitzernden, transzendenten Einladung, "einfach da zu sein, wo du bist" - die Art von kraftvollem Frieden zu erleben, die nur durch ein wirkliches Heimkommen gefunden werden kann. WOMB folgt auf das international gefeierte und höchst einflussreiche Debüt von Purity Ring im Jahr 2012 und Another Eternity im Jahr 2015. Damals lobte die New York Times die Songs als "nur wenige Schritte von den Radiohits von Sängerinnen wie Ariana Grande und Ellie Goulding entfernt", während Rolling Stone sie als "glänzenden Synthie-Pop plus kavernösem Hip-Hop" bezeichnete, und der New Yorker lobte das Duo für "kreativen ElektroPop, der ebenso warm und menschlich wie kalt und fremd ist, eine berauschende Kombination, die sich kühn futuristisch anfühlt".

Nach mehr als fünf Jahren sind Purity Ring zurückgekehrt, um ihr drittes Album anzukündigen. WOMB wurde vollständig vom Duo Megan James und Corin Roddick produziert und aufgenommen und wird am 3. April über 4AD veröffentlicht. Das neue Purity Ring-Album ist dabei eine Chronik der Suche nach Trost, der Suche nach einem Ruheplatz in einer Welt, in der so vieles außerhalb unserer Kontrolle liegt. Die auffallende Verletzlichkeit des Openers "rubyinsides" zeichnet einen Weg auf, der sowohl sehr persönlich als auch tief mit den uns nahestehenden Menschen verbunden ist - unseren Verwandten, ob sie nun von Natur aus oder aus dem Umfeld kommen. Während sich der Boden unter ihren Füßen verschiebt, helfen sich die Figuren auf dem Album gegenseitig, dem Tod, der Verzweiflung und anderen Veränderungen mit Widerstandskraft und Anmut zu begegnen. Die Suche gipfelt in "stardew", einer glitzernden, transzendenten Einladung, "einfach da zu sein, wo du bist" - die Art von kraftvollem Frieden zu erleben, die nur durch ein wirkliches Heimkommen gefunden werden kann. WOMB folgt auf das international gefeierte und höchst einflussreiche Debüt von Purity Ring im Jahr 2012 und Another Eternity im Jahr 2015. Damals lobte die New York Times die Songs als "nur wenige Schritte von den Radiohits von Sängerinnen wie Ariana Grande und Ellie Goulding entfernt", während Rolling Stone sie als "glänzenden Synthie-Pop plus kavernösem Hip-Hop" bezeichnete, und der New Yorker lobte das Duo für "kreativen ElektroPop, der ebenso warm und menschlich wie kalt und fremd ist, eine berauschende Kombination, die sich kühn futuristisch anfühlt".

Der Südlondoner Produzent und Jude Woodhead aka Saint Jude überwindet auf seinem ersten, selbstproduzierten Album 'Signal' sämtliche Genres, zwischen denen er früher jonglierte (Indie, Ambient-Pop, Hip-Hop, UK-Garage, Noise), um sich dem Sound Südlondons zu widmen und mit Hilfe früherer Kollaborateure und Freunde (Aga Ujma, Low Loudly (aka Sarah von Drug Store Romeos), Louis Culture, Trim, Halina, Zeke Ultra) eine breite Palette von Stimmen zu nutzen, um verschiedene Perspektiven seines Themas zu vermitteln, dem Erwachsenwerden in einer Zeit der politischen Krise und des sozialen Wandels.

Curse. Matrix Metals. Flashback Repository. Explorers. Test Icicles. Melt. The Sweethearts. Yoga. Blues Runner. Intense Dudes. Outer Limits Recordings. Sam E. Dangerr. Sam E. Slaughter. Sam Meringue. 2 X Love. Green Crack. Wingdings.

In seiner 15-jährigen Karriere hat Sam Mehran viele Projekte gestartet und in vielen Bands gespielt. Er veröffentlichte alles von kämpferischem Dance-Punk bis hin zu hypnotischen Disco-Loops; ungelenke Hip-Hop-Beats bis hin zu perfekt ausbalancierten Popsongs. Nachdem er im Juli 2018 verstorben ist, hinterlässt er ein Werk, das vielfältig, aber nie unkonzentriert ist. Als Songwriter, Gitarrist, Produzent und Multi-Instrumentalist besaß Sam ein instinktives Verständnis für populäre Musik, das in der Lage war, die formalen Nuancen und stilistischen Feinheiten eines Genres aufzuschlüsseln und sie nach seinem eigenen Bild neu zu gestalten.

Cold Brew, das zum dritten Jahrestag von Sams Tod am 28. Juli über Weird World erscheint, ist eine posthume Sammlung von instrumentaler Rockmusik, die Sam zwischen April und Mai 2018 in Los Angeles aufgenommen hat. Zusammengestellt unter der Leitung von Sams Vater, Abbas Mehran, und kuratiert von Sams Freunden Nicholas Weiss und Katie Wagner, ist es das erste Mal, dass Sams Solomusik unter seinem eigenen Namen veröffentlicht wird.

Fünf Jahre haben die vier Linzer Musiker von Schmack an ihrem zweiten Studioalbum 'In Love' gefeilt. Unterstützt werden sie darauf von einer Reihe hochkarätiger Gastvokalist*innen. Denn 'In Love' mit seiner eklektischen Mischung aus unkonventionellem Jazz, vibrierendem Hip-Hop und eingängigen Popmelodien ist eine Ode an die musikalische Unberechenbarkeit. Koob aus Belarus/Berlin, Fritz Fisherman aus Nürnberg und Mile (Sharktank), Tape Moon, Günther Paulitsch (Good Wilson) und Romc aus Wien jeweils mit auf eine Reise in komplett unterschiedliche Ecken des Schmack-Universums.

Stell dir vor die Beatles haben mit Kanye West eine Punkband gegründet.' - immer ein bisschen off, immer ein klein wenig Schalk im Nacken, immer eklatante Hit- und Ohrwurmgefahr: Gerade ein Jahr alt, haben Sharktank mit ihrem Crossover aus HipHop, Indie und Pop eine Nische besetzt, an deren Existenz im Jahr 2021 die wenigsten überhaupt gedacht hätten. Und doch funktioniert das prächtig: Die Debütsingle 'Washed Up' eroberte die internationalen Radiowellen im Sturm und wurde seither knapp 1 Million Mal gestreamed; die Band jüngst für einen Amadeus Austrian Music Award nominiert. 'Get It Done' ist ein erfrischend bunter Farbklecks mitten hinein in die bis zur Fadesse perfekten Pop-Blase und bewahrt auch bei dunklen Themen Originalität und spielerische Freude. Produziert von Marco Kleebauer (Bilderbuch, Oehl, Leyya), der auch eines der drei Bandmitglieder ist.

Drei Mixe von "Comrade" auf der A-Seite, 4 andere Tracks auf der Flipside - dies ist der Beginn der aufstrebenden North-Western Trip/Hip Hop Bewegung, serviert von K Records.Unterstützt durch die smooth_n-sharp-skills von Produzent DJ Sayeed (von Black Anger, und auch schon auf DNSS_s Boot Party),plaziert Comrade den Nordwesten der USA endgültig auf der Landkarte des Underground-Hiphop, gesprochene MC-rhymes stellen das Vehikel für wütende socio-politische Lyric, Beats und Instrumentals. Der zur Zeit progressivste Underground-Rap kommt aus dem isolierten Nordwesten!

Dieser Dokumentarfilm ist das perfekte Gegenmittel zu dem sexy
aufgebauschten Rock’n’Roll Gähnen, hinter dem sich die meisten Bands
verstecken. Wir sind, tatsächlich, ein Bunch Of Kunst.“ – Jason Williamson
Wegen ihrer rotziger Wutausbrüche über das modern England wurden
Sleaford Mods aus Nottingham bereits von Iggy Pop als “die größte
Rock’n’Roll Band der Welt” bezeichnet - der Guardian sprach vom
“Soundtrack zum Post-Brexit-Großbritannien”.
Die preisgekrönte Dokumentation „Bunch Of Kunst“ zeigt die zweijährige
Reise aus Sherwood Richtung Charts und erzählt die Geschichte von drei
Kerlen, die mit brutal ehrlichen Texten und ihrem D.I.Y.-Ethos das
Musikbusiness auf links drehen. Jason Williamson, ein ehemaliger Arbeiter
auf einer Hühnerfarm und Vater von zwei Kindern, sein Bandkollege, der
Beatmacher Andrew Fearn und ihr Manager Steve Underwood, Besitzer
eines Avant-Garde Labels, das er aus seinem Schlafzimmer heraus führt,
und ehemaliger Busfahrer, sind das Phänomen Sleaford Mods.
Die auf der CD präsentierten Aufnahmen stammen aus dem SO36 in
Berlin vom 19.06.2017 und zeigen den kompletten ungekürzten Auftritt,
der ursprünglich als editierte Version als LP auf Harbinger Sound erschien.

Krieg, steigende Energiekosten, Inflation. Eine politische Klasse und ein gespaltenes Land. Das Unbehagen nach dem Brexit, Akte nationaler Selbstbeschädigung und verhängnisvolle Realitätsfluchten. Verzweiflung, Wut und Entfremdung. War es jemals schlimmer da draußen? Willkommen bei "UK Grim". Das zwölfte Album der Sleaford Mods baut auf den einzigartigen, aufrührerischen Stärken früherer Alben auf und verfeinert sie gleichzeitig auf eine neue Weise. Es handelt sich um nichts Geringeres als eine Band und eine Stimme ihrer Generation, so wie es The Jam, The Clash oder Public Enemy zuvor waren. Begonnen haben die Arbeiten zum neuen Album in den Lockdowns von 2021. Schließlich setzte man die Arbeit im JT Soars fort, dem Arbeitsraum und der Kreativzelle der Band, und vollendet "UK Grim" dann im Heimstudio des musikalischen Kopfes Andrew Fearn. Das Album präsentiert die Band in ihrer makellosesten Wut, gepaart mit wilder Poesie. Nach "Spare Ribs" von 2021 (ihrem dritten UK-Top-Ten-Album seit 2019 und ihrem bisher erfolgreichsten) ist es, wie alle ihre Platten, eine Diagnose der Krankheiten der Gesellschaft. Obwohl "UK Grim" größtenteils vor den Turbulenzen des Jahres 2022 entstanden ist, nimmt es die Erschütterungen einer Gesellschaft, die den Verstand verliert, auf unheimliche Weise vorweg, erzählt von einem Mann, der entschlossen ist, sich mit Heucheleien auseinanderzusetzen, insbesondere mit seinen eigenen. Die 14 Tracks klingen nach knarzigem Punk, widerspenstiger Elektronik und Elementen von Hip-Hop. Sie beschreiben die Realität in zu brutaler Unverblümtheit, um nur einfache Protestsongs zu sein. Sie sind zu Vinyl gewordene Wut, aufgekocht von den Großmeistern des pointierten Zorns - den Sleaford Mods! Wie bei den "Spare Ribs" Kollaborationen mit Billy Nomates und Amy Taylor helfen auch bei "UK Grim" Freunde aus: Florence Shaw von Dry Cleaning ist auf dem schaurigen "Force 10 From Navarone" zu Gast. Williamson ist ein Fan der Band und sagt: "Sie erinnert mich wirklich an die frühen Sachen, die ich gemacht habe, einfach die Art und Weise, wie sie ein einziges Wort benutzt, um eine ganze Geschichte zu erzählen." Perry Farrell von Jane"s Addiction rappt auf dem bizarren "So Trendy", einem Song, von dem Williamson sagt, er sei "sehr vorsichtig... ein wirklich seltsamer Track". Seit ihrem Durchbruch-Album "Divide and Exit" von 2014 hatten die Sleaford Mods immer mehr Gelegenheit zum offenen Austausch, sowohl im In- als auch im Ausland. Sie sind eine unermüdlich arbeitende Band, die mit ihren minimalistischen Liveshows unter anderem 2021 in der 10.000 Zuschauer fassenden Nottingham Motorpoint Arena auftrat. Zu den weiteren Meilensteinen ihres Erfolgs gehören Auftritte im US-Late-Night-TV, Headliner-Auftritte auf Festivals und Chart-Platzierungen in ganz Europa mit "Spare Ribs". Ein großer Bewunderer ist Iggy Pop, der der Band mit einer persönlichen Version des Drogenrausch-Grand-Guignols "Chop Chop Chop" Tribut gezollt hat.

Krieg, steigende Energiekosten, Inflation. Eine politische Klasse und ein gespaltenes Land. Das Unbehagen nach dem Brexit, Akte nationaler Selbstbeschädigung und verhängnisvolle Realitätsfluchten. Verzweiflung, Wut und Entfremdung. War es jemals schlimmer da draußen? Willkommen bei "UK Grim". Das zwölfte Album der Sleaford Mods baut auf den einzigartigen, aufrührerischen Stärken früherer Alben auf und verfeinert sie gleichzeitig auf eine neue Weise. Es handelt sich um nichts Geringeres als eine Band und eine Stimme ihrer Generation, so wie es The Jam, The Clash oder Public Enemy zuvor waren. Begonnen haben die Arbeiten zum neuen Album in den Lockdowns von 2021. Schließlich setzte man die Arbeit im JT Soars fort, dem Arbeitsraum und der Kreativzelle der Band, und vollendet "UK Grim" dann im Heimstudio des musikalischen Kopfes Andrew Fearn. Das Album präsentiert die Band in ihrer makellosesten Wut, gepaart mit wilder Poesie. Nach "Spare Ribs" von 2021 (ihrem dritten UK-Top-Ten-Album seit 2019 und ihrem bisher erfolgreichsten) ist es, wie alle ihre Platten, eine Diagnose der Krankheiten der Gesellschaft. Obwohl "UK Grim" größtenteils vor den Turbulenzen des Jahres 2022 entstanden ist, nimmt es die Erschütterungen einer Gesellschaft, die den Verstand verliert, auf unheimliche Weise vorweg, erzählt von einem Mann, der entschlossen ist, sich mit Heucheleien auseinanderzusetzen, insbesondere mit seinen eigenen. Die 14 Tracks klingen nach knarzigem Punk, widerspenstiger Elektronik und Elementen von Hip-Hop. Sie beschreiben die Realität in zu brutaler Unverblümtheit, um nur einfache Protestsongs zu sein. Sie sind zu Vinyl gewordene Wut, aufgekocht von den Großmeistern des pointierten Zorns - den Sleaford Mods! Wie bei den "Spare Ribs" Kollaborationen mit Billy Nomates und Amy Taylor helfen auch bei "UK Grim" Freunde aus: Florence Shaw von Dry Cleaning ist auf dem schaurigen "Force 10 From Navarone" zu Gast. Williamson ist ein Fan der Band und sagt: "Sie erinnert mich wirklich an die frühen Sachen, die ich gemacht habe, einfach die Art und Weise, wie sie ein einziges Wort benutzt, um eine ganze Geschichte zu erzählen." Perry Farrell von Jane"s Addiction rappt auf dem bizarren "So Trendy", einem Song, von dem Williamson sagt, er sei "sehr vorsichtig... ein wirklich seltsamer Track". Seit ihrem Durchbruch-Album "Divide and Exit" von 2014 hatten die Sleaford Mods immer mehr Gelegenheit zum offenen Austausch, sowohl im In- als auch im Ausland. Sie sind eine unermüdlich arbeitende Band, die mit ihren minimalistischen Liveshows unter anderem 2021 in der 10.000 Zuschauer fassenden Nottingham Motorpoint Arena auftrat. Zu den weiteren Meilensteinen ihres Erfolgs gehören Auftritte im US-Late-Night-TV, Headliner-Auftritte auf Festivals und Chart-Platzierungen in ganz Europa mit "Spare Ribs". Ein großer Bewunderer ist Iggy Pop, der der Band mit einer persönlichen Version des Drogenrausch-Grand-Guignols "Chop Chop Chop" Tribut gezollt hat.

Auf ihrem dreiteiligen Werk "Tomorrows" schärfen Ryan Lott, Rafiq Bhatia und Ian Chang ihren Blick auf folgende flüchtige Elemente: Ungleichgewicht, Unterbrechung, Kollision und Neudefinition. Die Erforschung von Bruchstellen und anhaltenden Reibungspunkten dient auf "Tomorrows" letztlich etwas Lohnenswertem und Notwendigem: dem Akt des Infragestellens, Zweifelns, Herausforderns, Zerreißens und aktiven Wiederaufbaus der eigenen Identität. In einer Zeit erheblicher Unsicherheiten ist "Tomorrows" ehrgeizig. Die Musik, die aus einer aktiven, bewussten Herangehensweise an die Klanggestaltung entstanden ist, erinnert uns an die Notwendigkeit, Annahmen in Frage zu stellen und die Spannung auszuhalten. Was als Soloprojekt des Gründers Ryan Lott begann, erweiterte sich 2014 mit Ian Chang und Rafiq Bhatia zur Band. Es erschienen fünf Son Lux Alben, darunter „Bones“ (2015) und „Brighter Wounds“ (2018), worauf sie eine sorgfältig kultivierte musikalische Sprache etablierten. Sie entziehen sich dabei weitgehend Genre- und Strukturkonventionen. Und doch bleibt die Band hörbar ikonoklastischen Künstlern in Soul, Hip-Hop und experimenteller Improvisation verpflichtet, die selbst neue Wege nach vorne beschritten. Indem sie diese vielfältigen Einflüsse destillieren, suchen Son Lux nach einem Gleichgewicht zwischen roher emotionaler Intimität und akribischen elektronischen Konstruktionen.

Die angesagte Combo Sorry aus Süd-London veröffentlicht auf Domino ihr bereits mit Spannung erwartetes Debütalbum!

Nach einer ganzen Armada von Singles, Stand-Alone-Tracks und Mixtapes veröffentlichen Asha Lorenz und Louis O’Bryen das Debütalbum ihrer Band Sorry das sie zusammen mit dem Koproduzenten James Dring (Gorillaz, Jamie T, Nilüfer Yanya) produzierte haben. „925“ erscheint am 27. März 2020. Die Größen der 90er Post Punk Ära sind ganz sicher die einflußreichsten Vorbilder der Band, es würde aber doch zu kurz greifen, sie als weitere Epigonen von Sonic Youth in eine Schublade zu stecken und zuzumachen. Sorry sind Kinder ihrer Zeit, geboren in den späten 90ern, aufgewachsen als Omnivore der Youtube-Ära, in der Hip Hop, Rock, Noise, Avantgarde, Folk und Elektronik ganz selbstverständlich nebeneinander stehen und sich auch an den Händen fassen.

Reissue des 2008er Album "Peaceblaster" der US-Livetronica-Band Sound Tribe Sector 9, bekannt für ihre spektakuläre Livefusion aus Rock und Electronica, Drum & Bass, Funk, Hip-Hop, Jazz und Psychedelia.

Die amerikanische Band St. Paul & The Broken Bones kündigt mit 'The Alien Coast' ihr neues Album an. Die beiden ersten Einblicke '3000 AD Mass' und 'The Last Dance' wurden, wie das komplette Album, in der Heimatstadt Birmingham, Atlanta aufgenommen und von Matt Ross-Spang produziert. Entstanden ist ein ausdrucksstarkes und von der ersten Sekunde überwältigend energetisches Album zwischen wuchtigem Rock, mitreißendem Soul und einer Fülle an weiteren, kleinteiligen Einflüssen. Unter anderem arbeitete die achtköpfige Band dabei mit Randall Turner zusammen, einem Produzenten, Beatmaker und Hip-Hop Artist aus Birmingham.

Pressetext von Jan Müller:

„Es ist diese bittersüße Lebenslust / Diese bittersüße Lebenslust / in mir“ (Swutscher, Im Suhlenkamp)

Sascha Utech, Velvet Bein, Mike Krumhorn, Sebastian Genzink und Martin Herberg: Das sind Swutscher. Auf dem Cover ihres Debüt-Albums „Wilde deutsche Prärie“ aus dem Jahr 2018 sahen wir ein brennendes Haus, welches von offenbar irrsinnigen Gestalten umlagert war. Knappe vier Jahre später, auf dem Cover ihres zweiten Albums, steht die Band in Husum am Deich. Im Hintergrund sehen wir das im Erscheinungsjahr des Debüts ausgebrannte Nordsee-Hotel. Die Blicke der Bandmitglieder lassen freundliche Entschlossenheit erkennen, die in ihrer Lässigkeit sehr norddeutsch ist. Trotzdem zweifle ich keinen Augenblick daran, dass Swutscher es noch immer verstehen, ihre Umgebung in Flammen zu versetzen, ja eine Spur der Zerstörung zu hinterlassen. Ihr Ruf ist legendär. Jeder Mensch, der Swutscher schon einmal Live erleben durfte, weiß, dass es sich hierbei nicht nur um ein geistiges, sondern auch um ein körperliches Erlebnis handelt. Mit einer unbeschreiblichen Wucht und Energie walzen sie jegliche, dem Publikum innewohnende Vernunft nieder und führen es so in eine wundervolle Entgrenzung.

Glücklicherweise erschöpft sich der Charakter von Swutscher jedoch nicht in derartigen Spektakeln. Swutscher nehmen das Musizieren ernst. Sie gemahnen an eine Zeit, in der Musik noch in vielerlei Hinsicht gefährlich sein konnte. Sound, Lautstärke und Inhalte in den Texten waren in der Lage, die Gewissheiten, die sich bis dahin im Leben eines jungen Menschen aufgebaut hatten, zu erschüttern. Davon ist heute leider oftmals nicht viel mehr übrig geblieben, als ein moralinsaurer Feelgood-Soundtrack (Rock/Pop) oder aber ein prahlerische Nabelschau (Hip Hop). Vermutlich klingen Swutscher auch deshalb einerseits mit ihrem Rock’n’Roll & Pub-Rock so wunderbar aus der Zeit gefallen und andererseits so avantgardistisch. Saschas Stimme, die so schön rau und in jedem Augenblick dringlich ist, zieht uns in den Bann. Und es ist gut, dass die Band gegen allzu leichte Verständlichkeit anspielt. Textlich geht es bei Swutscher um's Ganze. Um die Schönheit des Lebens und um das Risiko des Falls, wenn man ebendiese Schönheit im Exzess zu sehr auskostet.

Swutscher haben das Album selbst produziert. Glücklicherweise. Kompromisse wurden nicht gemacht. Die Leitlinie war: Lampen an! Nichts hätte dem Material besser tun können. Neu ist, der nun manchmal psychedelisch-geheimnisvolle Charakter mancher Song z.B in Tabak, in Im Suhlenkamp oder in Mystische Nächte, dessen Text durch wundervollen Twist überrascht. Unbedingt empfehlen möchte ich auch die High-Energy-Rock-Songs des Albums Zum einen Ü-30: „Hast du etwas Zeit für mich / dann singe ich kein Lied für dich/ denn ich bin viel zu beschäftigt / mit dem Laub und dem Estrich“ Zum anderen Rocker. Dessen Text gehört zum prägnantesten seit Highway to Hell von A c/dc: "Die Birne rot / Schnauze locker /Ich bin ein / wa wa wa wa wa wa / waschechter Rocker." Die Musik tut ihr Übriges. Der Song ist ein brandneuer Klassiker.

Es ist eine große Lust, Swutscher beim Musizieren zuzuhören. Allerorten gibt es tolle Arrangements. Zunächst einmal grooven Swutscher in jedem Moment . Darüber hinaus ist ihn ein sehr vielfältiges Album gelungen.

Es gibt mitreißende Orgelgewitter und treibende Conga-Parts (Tabak) eine verträumte Drumbox, die sich von einem wunderschönen Saxophon und ebensolchen Basslinien umgarnen lässt (Im Suhlenkamp), plötzlich eingeschobene große Pop-Momente (Als ich Dich das erste mal vergaß), einen aus dem Ärmel geschüttelten Country-Hit (Palm Royal), Honky Tonk gepaart mit einem supergroßartigen Gitarrensolo (ü30) und so vieles mehr. Zum Schluß überraschen uns Swutscher dann noch mit einer opulenten Neueinspielung von Bodo, einem ihrer schönsten Song. Ein großes Finale für ein große Album!

Es bleibt zu hoffen, dass sich die Prophezeiung, die Swutscher im Song Tohuwabohu anstellen, erfüllen wird: "Wir werden gewinnen / Irgendwann,irgendwann!"

Jan Müller (Tocotronic, Reflektor)

Pressetext von Jan Müller:

„Es ist diese bittersüße Lebenslust / Diese bittersüße Lebenslust / in mir“ (Swutscher, Im Suhlenkamp)

Sascha Utech, Velvet Bein, Mike Krumhorn, Sebastian Genzink und Martin Herberg: Das sind Swutscher. Auf dem Cover ihres Debüt-Albums „Wilde deutsche Prärie“ aus dem Jahr 2018 sahen wir ein brennendes Haus, welches von offenbar irrsinnigen Gestalten umlagert war. Knappe vier Jahre später, auf dem Cover ihres zweiten Albums, steht die Band in Husum am Deich. Im Hintergrund sehen wir das im Erscheinungsjahr des Debüts ausgebrannte Nordsee-Hotel. Die Blicke der Bandmitglieder lassen freundliche Entschlossenheit erkennen, die in ihrer Lässigkeit sehr norddeutsch ist. Trotzdem zweifle ich keinen Augenblick daran, dass Swutscher es noch immer verstehen, ihre Umgebung in Flammen zu versetzen, ja eine Spur der Zerstörung zu hinterlassen. Ihr Ruf ist legendär. Jeder Mensch, der Swutscher schon einmal Live erleben durfte, weiß, dass es sich hierbei nicht nur um ein geistiges, sondern auch um ein körperliches Erlebnis handelt. Mit einer unbeschreiblichen Wucht und Energie walzen sie jegliche, dem Publikum innewohnende Vernunft nieder und führen es so in eine wundervolle Entgrenzung.

Glücklicherweise erschöpft sich der Charakter von Swutscher jedoch nicht in derartigen Spektakeln. Swutscher nehmen das Musizieren ernst. Sie gemahnen an eine Zeit, in der Musik noch in vielerlei Hinsicht gefährlich sein konnte. Sound, Lautstärke und Inhalte in den Texten waren in der Lage, die Gewissheiten, die sich bis dahin im Leben eines jungen Menschen aufgebaut hatten, zu erschüttern. Davon ist heute leider oftmals nicht viel mehr übrig geblieben, als ein moralinsaurer Feelgood-Soundtrack (Rock/Pop) oder aber ein prahlerische Nabelschau (Hip Hop). Vermutlich klingen Swutscher auch deshalb einerseits mit ihrem Rock’n’Roll & Pub-Rock so wunderbar aus der Zeit gefallen und andererseits so avantgardistisch. Saschas Stimme, die so schön rau und in jedem Augenblick dringlich ist, zieht uns in den Bann. Und es ist gut, dass die Band gegen allzu leichte Verständlichkeit anspielt. Textlich geht es bei Swutscher um's Ganze. Um die Schönheit des Lebens und um das Risiko des Falls, wenn man ebendiese Schönheit im Exzess zu sehr auskostet.

Swutscher haben das Album selbst produziert. Glücklicherweise. Kompromisse wurden nicht gemacht. Die Leitlinie war: Lampen an! Nichts hätte dem Material besser tun können. Neu ist, der nun manchmal psychedelisch-geheimnisvolle Charakter mancher Song z.B in Tabak, in Im Suhlenkamp oder in Mystische Nächte, dessen Text durch wundervollen Twist überrascht. Unbedingt empfehlen möchte ich auch die High-Energy-Rock-Songs des Albums Zum einen Ü-30: „Hast du etwas Zeit für mich / dann singe ich kein Lied für dich/ denn ich bin viel zu beschäftigt / mit dem Laub und dem Estrich“ Zum anderen Rocker. Dessen Text gehört zum prägnantesten seit Highway to Hell von Ac /dc: "Die Birne rot / Schnauze locker /Ich bin ein / wa wa wa wa wa wa / waschechter Rocker." Die Musik tut ihr Übriges. Der Song ist ein brandneuer Klassiker.

Es ist eine große Lust, Swutscher beim Musizieren zuzuhören. Allerorten gibt es tolle Arrangements. Zunächst einmal grooven Swutscher in jedem Moment . Darüber hinaus ist ihn ein sehr vielfältiges Album gelungen.

Es gibt mitreißende Orgelgewitter und treibende Conga-Parts (Tabak) eine verträumte Drumbox, die sich von einem wunderschönen Saxophon und ebensolchen Basslinien umgarnen lässt (Im Suhlenkamp), plötzlich eingeschobene große Pop-Momente (Als ich Dich das erste mal vergaß), einen aus dem Ärmel geschüttelten Country-Hit (Palm Royal), Honky Tonk gepaart mit einem supergroßartigen Gitarrensolo (ü30) und so vieles mehr. Zum Schluß überraschen uns Swutscher dann noch mit einer opulenten Neueinspielung von Bodo, einem ihrer schönsten Song. Ein großes Finale für ein große Album!

Es bleibt zu hoffen, dass sich die Prophezeiung, die Swutscher im Song Tohuwabohu anstellen, erfüllen wird: "Wir werden gewinnen / Irgendwann,irgendwann!"

Jan Müller (Tocotronic, Reflektor)

Limitiert auf 200 von der Band signierte Exemplare mit creme-weißer Platte. Pressetext von Jan Müller: „Es ist diese bittersüße Lebenslust / Diese bittersüße Lebenslust / in mir“ (Swutscher, Im Suhlenkamp)

Sascha Utech, Velvet Bein, Mike Krumhorn, Sebastian Genzink und Martin Herberg: Das sind Swutscher. Auf dem Cover ihres Debüt-Albums „Wilde deutsche Prärie“ aus dem Jahr 2018 sahen wir ein brennendes Haus, welches von offenbar irrsinnigen Gestalten umlagert war. Knappe vier Jahre später, auf dem Cover ihres zweiten Albums, steht die Band in Husum am Deich. Im Hintergrund sehen wir das im Erscheinungsjahr des Debüts ausgebrannte Nordsee-Hotel. Die Blicke der Bandmitglieder lassen freundliche Entschlossenheit erkennen, die in ihrer Lässigkeit sehr norddeutsch ist. Trotzdem zweifle ich keinen Augenblick daran, dass Swutscher es noch immer verstehen, ihre Umgebung in Flammen zu versetzen, ja eine Spur der Zerstörung zu hinterlassen. Ihr Ruf ist legendär. Jeder Mensch, der Swutscher schon einmal Live erleben durfte, weiß, dass es sich hierbei nicht nur um ein geistiges, sondern auch um ein körperliches Erlebnis handelt. Mit einer unbeschreiblichen Wucht und Energie walzen sie jegliche, dem Publikum innewohnende Vernunft nieder und führen es so in eine wundervolle Entgrenzung.

Glücklicherweise erschöpft sich der Charakter von Swutscher jedoch nicht in derartigen Spektakeln. Swutscher nehmen das Musizieren ernst. Sie gemahnen an eine Zeit, in der Musik noch in vielerlei Hinsicht gefährlich sein konnte. Sound, Lautstärke und Inhalte in den Texten waren in der Lage, die Gewissheiten, die sich bis dahin im Leben eines jungen Menschen aufgebaut hatten, zu erschüttern. Davon ist heute leider oftmals nicht viel mehr übrig geblieben, als ein moralinsaurer Feelgood-Soundtrack (Rock/Pop) oder aber ein prahlerische Nabelschau (Hip Hop). Vermutlich klingen Swutscher auch deshalb einerseits mit ihrem Rock’n’Roll & Pub-Rock so wunderbar aus der Zeit gefallen und andererseits so avantgardistisch. Saschas Stimme, die so schön rau und in jedem Augenblick dringlich ist, zieht uns in den Bann. Und es ist gut, dass die Band gegen allzu leichte Verständlichkeit anspielt. Textlich geht es bei Swutscher um's Ganze. Um die Schönheit des Lebens und um das Risiko des Falls, wenn man ebendiese Schönheit im Exzess zu sehr auskostet.

Swutscher haben das Album selbst produziert. Glücklicherweise. Kompromisse wurden nicht gemacht. Die Leitlinie war: Lampen an! Nichts hätte dem Material besser tun können. Neu ist, der nun manchmal psychedelisch-geheimnisvolle Charakter mancher Song z.B in Tabak, in Im Suhlenkamp oder in Mystische Nächte, dessen Text durch wundervollen Twist überrascht. Unbedingt empfehlen möchte ich auch die High-Energy-Rock-Songs des Albums Zum einen Ü-30: „Hast du etwas Zeit für mich / dann singe ich kein Lied für dich/ denn ich bin viel zu beschäftigt / mit dem Laub und dem Estrich“ Zum anderen Rocker. Dessen Text gehört zum prägnantesten seit Highway to Hell von A c/dc: "Die Birne rot / Schnauze locker /Ich bin ein / wa wa wa wa wa wa / waschechter Rocker." Die Musik tut ihr Übriges. Der Song ist ein brandneuer Klassiker.

Es ist eine große Lust, Swutscher beim Musizieren zuzuhören. Allerorten gibt es tolle Arrangements. Zunächst einmal grooven Swutscher in jedem Moment . Darüber hinaus ist ihn ein sehr vielfältiges Album gelungen.

Es gibt mitreißende Orgelgewitter und treibende Conga-Parts (Tabak) eine verträumte Drumbox, die sich von einem wunderschönen Saxophon und ebensolchen Basslinien umgarnen lässt (Im Suhlenkamp), plötzlich eingeschobene große Pop-Momente (Als ich Dich das erste mal vergaß), einen aus dem Ärmel geschüttelten Country-Hit (Palm Royal), Honky Tonk gepaart mit einem supergroßartigen Gitarrensolo (ü30) und so vieles mehr. Zum Schluß überraschen uns Swutscher dann noch mit einer opulenten Neueinspielung von Bodo, einem ihrer schönsten Song. Ein großes Finale für ein große Album!

Es bleibt zu hoffen, dass sich die Prophezeiung, die Swutscher im Song Tohuwabohu anstellen, erfüllen wird: "Wir werden gewinnen / Irgendwann,irgendwann!"

Jan Müller (Tocotronic, Reflektor)

Der erste Track “Disciples” wurde zuletzt während einer Fan-Q&A-Session mit Kevin Parker bei Reddit ins Netz gestellt. “I'm waiting for someone to ask me if they can hear a new song...!” so Parker - und Minuten später war “Disciples” ganz oben in den hottest topics des World Wide Web.
“Currents” wurde im westaustralischen Fremantle von Kevin Parker geschrieben, aufgenommen, produziert und gemischt. Textlich hat sich Parker in völlig neue Gefilde begeben, die weit weg von dem liegen, wo er sich vor sieben Jahren befand. Beziehungen, Perspektiven und neue Sichtweisen spiegeln sich auf dem Album und zeigen Kevin Parker als veränderte Person.
Musikalisch ist „Currents“ die Arbeit eines Künstlers, der auf der Höhe seines Schaffens ist und dabei noch mal mit einem Extra-Push gesegnet ist. Parker lässt sich führen und leiten von seinen Launen und Schwelgereien und hat keine Angst davor, für eine gute Idee auch weit hinunter in den Kaninchenbau zu steigen. Im Ergebnis steht ein Album, das die Produktionsweise zeitgenössischen Hip Hops genauso im Blick hat wie „Thriller“, schwülen 70s Funk und die anarchische Spielwiese, die Daft Punk auf „Discovery“ auskundschaftet haben. Schwaden von Future Pop und balladeske 80er-Sounds durchziehen die Sounds, während die ganze Szenerie durch den Filter eines psychedelischen Dritten Auges läuft.
Während Parker auf den vorangehenden Alben hinter Schichten aus psychedelischen Fuzz-Sounds und Reverbs vieldeutige Lyrics sang, steht seine Stimme auf „Currents“ im Vordergrund.
Mit „Currents“ hat Parker Genre-sprengende Soundscapes entworfen, gleichermaßen kreiert aus Neugier und Bewusstheit und damit ein wunderbares, neues Territorium für Tame Impala erschlossen.

The Cat Empire veröffentlichen ihr neuntes Studioalbum, gleichzeitig ihre erste Veröffentlichung nach einem großen Personalwechsel in 2022. Das multikulturelle, australische Kollektiv ist für sein stilistisches Amalgam aus diversen Einflüssen von Jazz, Ska und Reggae über Funk, Latin und Hip-Hop bis zu Klezmer und Rock bekannt. 'Where The Angels Fall' wurde in ihrer Heimatstadt Melbourne aufgenommen und ist nach rund 20 Jahren das erste Zusammentreffen mit dem Produzenten Andy Baldwin, der auch für ihr selbstbetiteltes Debüt 2003 verantwortlich war.