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Limitiert auf 1000 Stück! Mit dabei: Remixe von so anerkannten Künstlern wie ELUVIUM, DNTEL, MICE PARADE, HER SPACE HOLIDAY, MANUAL und vielen mehr! Für Fans von BJÖRK, SIGUR ROS, MUM und THE POSTAL SERVICE! Dicht auf dem Fuße des zweiten Albums "Verdugo Hills" von CAROLINE, der japanischen Electro-Pop Sängerin und ehemaligen MICE PARADE Mitstreiterin, folgten viele ihrer Zeitgenossen dem Aufruf, Remixe und Neuinterpretationen von jedem Song auf dem Album abzuliefern. Es ist wohl kaum eine Überraschung, dass die Resultate erfolgreicher und weniger abgehoben als die meisten Remixalben sind - was sicherlich auf das Genie der verschiedenen aktiven Remixer, aber auch auf die luftig-leichten, engelsgleichen Gesänge von CAROLINE zurückzuführen ist, die selbst die schärfsten Soundmanipulationen ohne einen Kratzer überstehen. Neben CAROLINEs Bandkollegen von MICE PARADE, machen sich auch ELUVIUM, MANUAL, DNTEL, DEAD WAITER, LUMIA, HER SPACE HOLIDAY, Rory Vallis, Dan Lippel und JNH ans Remixgeschäft. Zusätzich kommt das Album mit einem Downloadcode, mit dem sich ein weiterer Remix von Doug Sharin von MICE PARADE/CODEINE/JUNE OF 44 herunterladen lässt.

Big Crown Records ist stolz darauf, die erste 7" von Derya Yidirim & Grup Simsek auf dem Label zu präsentieren. Sie kamen im Juni 2024 nach New York, um ihr neues Album im The Diamond Mine Studio in Queens aufzunehmen, wobei Leon Michels die Produktion übernahm. Dies sind die ersten beiden Stücke aus diesen Sessions und sie sind sehr aufschlussreich für das, was auf dem neuen Album zu hören sein wird. "Cool Hand" ist ein wunderschönes Nebeneinander von Intensität und Unbeschwertheit mit Texten, die die Tiefen der unerwiderten Liebe erforschen, während die Musik erhebend und hell ist. Deryas leidenschaftlicher Gesang und ihr eigenwilliges Saz-Spiel reiten auf dem ansteckenden Groove der Band, während sie Bilder von rosa Bergen und ungeblühten gelben Tulpen heraufbeschwört. Die Botschaft ist poetisch und kompliziert, indem sie immer wieder erklärt "Ich liebe dich, ich bin verrückt nach dir", aber letztendlich ein Gefühl des Friedens findet, indem sie ein gebrochenes Herz akzeptiert.Die B-Seite ,Yakamoz" ist ein zutiefst bewegender Song, der die tiefen Gefühle einfängt, die mit Vertreibung und Verlust verbunden sind. Der Text erzählt die Geschichte von jemandem, der seine Heimat, den Ort seiner Wurzeln, notgedrungen verlassen musste und nicht weiß, ob er jemals zurückkehren wird. Der gleichmäßige Groove der Band und der gequälte Gesang zeichnen ein lebendiges Bild der Verwüstung, die die Protagonistin erlebt, die schließlich erkennt, dass ihre Wurzeln in ihr selbst liegen und jeder Ort, an den sie geht, ihr Zuhause ist.

Esfand ist der letzte Monat des persischen Kalenders, der mit dem Nouruz-Frühlingsfest endet.Seit 2020 ist ESFAND auch eine Band - bestehend aus dem Iraner Rouzbeh Esfand und dem Neuseeländer Patrick Stewart. Ein Duo, das traditionelle iranische Folk-Elemente mit westlichen Beats und Vocal-Features bekannter exil-iranischer Künstler*innen zu etwas völlig Neuem verschmilzt.Ihr Debütalbum "Piltan" ist ein fulminant tanzbares Statement ohne Anflüge von Ethno-Kitsch. Pure Instinktmusik."Wir haben die Samples ausschließlich aus musikalischen Gesichtspunkten ausgewählt. Das Folk-Element in unserer Musik ist groß, aber es ist nicht unsere Aufgabe, die Reinheit dieser Kultur zu wahren. Wir werfen iranische Traditionen nicht weg, wir behalten einfach die, die am besten passen. Am Ende des Tages sind alles nur Sounds.""Piltan" ist eine akustische Reise quer durch ein riesiges Land voller kultureller Eigenheiten: von den Zar-Ritualen aus dem Persischen Golf im Süden zum Reiter-Volk der Bachtiaren im Südwesten, bis hin zu den Qaschqai im Westen und zu den Kurden im nordwestlichen Iran mit ihren Derwisch-Ritualen.Die ersten beiden Songs haben ihren Ursprung in den repetitiven Rhythmen der Zar-Rituale, bei denen der Dämon Zar Personen in Form eines Windes befällt. Der Begleiter der zu behandelnden Person wiederholt bestimmte Phrasen immer wieder, um den Patienten in Ekstase zu versetzen.Auf die von Handtrommeln befeuerten Techno-Beats in "Bibi Saghi" folgen die düster-hektischen Synthie-Grooves von "O"seda". Ob der dunkle Dub von "Shawl" oder die maschinell stampfenden "Zar Bits" und "Without Foot, Without Head" - alle acht Songs sind raffinierte Produktionen auf höchstem technischem Niveau.Auf zwei Songs ist der Sänger und Perkussionist Habib Meftah vertreten (Rouzbeh: "Ich liebe seinen Instinkt für Songs!"). Auf "Shawl" gastiert Mohsen Namjoo, der sich ähnlich viel mit Folklore befasst hat und hier Texte der bekannten iranischen Dichter Daqiqi und Farrukhi Sistani singt. Aus einer jüng...

Esfand ist der letzte Monat des persischen Kalenders, der mit dem Nouruz-Frühlingsfest endet. Seit 2020 ist ESFAND auch eine Band - bestehend aus dem Iraner Rouzbeh Esfand und dem Neuseeländer Patrick Stewart. Ein Duo, das traditionelle iranische Folk-Elemente mit westlichen Beats und Vocal-Features bekannter exil-iranischer Künstler*innen zu etwas völlig Neuem verschmilzt.Ihr Debütalbum "Piltan" ist ein fulminant tanzbares Statement ohne Anflüge von Ethno-Kitsch. Pure Instinktmusik."Wir haben die Samples ausschließlich aus musikalischen Gesichtspunkten ausgewählt. Das Folk-Element in unserer Musik ist groß, aber es ist nicht unsere Aufgabe, die Reinheit dieser Kultur zu wahren. Wir werfen iranische Traditionen nicht weg, wir behalten einfach die, die am besten passen. Am Ende des Tages sind alles nur Sounds.""Piltan" ist eine akustische Reise quer durch ein riesiges Land voller kultureller Eigenheiten: von den Zar-Ritualen aus dem Persischen Golf im Süden zum Reiter-Volk der Bachtiaren im Südwesten, bis hin zu den Qaschqai im Westen und zu den Kurden im nordwestlichen Iran mit ihren Derwisch-Ritualen.Die ersten beiden Songs haben ihren Ursprung in den repetitiven Rhythmen der Zar-Rituale, bei denen der Dämon Zar Personen in Form eines Windes befällt. Der Begleiter der zu behandelnden Person wiederholt bestimmte Phrasen immer wieder, um den Patienten in Ekstase zu versetzen.Auf die von Handtrommeln befeuerten Techno-Beats in "Bibi Saghi" folgen die düster-hektischen Synthie-Grooves von "O"seda". Ob der dunkle Dub von "Shawl" oder die maschinell stampfenden "Zar Bits" und "Without Foot, Without Head" - alle acht Songs sind raffinierte Produktionen auf höchstem technischem Niveau.Auf zwei Songs ist der Sänger und Perkussionist Habib Meftah vertreten (Rouzbeh: "Ich liebe seinen Instinkt für Songs!"). Auf "Shawl" gastiert Mohsen Namjoo, der sich ähnlich viel mit Folklore befasst hat und hier Texte der bekannten iranischen Dichter Daqiqi und Farrukhi Sistani singt. Aus einer jünge...

Kritiker nannten Gil Scott-Heron zu Beginn der 1970-erJahre die wichtigste schwarze Stimme seit Martin Luther King Jr. und bezeichneten ihn als schwarzen Bob Dylan. "His poetry is with much muscle, with stiletto humor, with street talk, much of it justifiably angry and accurate", schrieb die "New York Times" 1975 staunend über den wütenden Mann aus der Bronx. Kein Wunder, dass Jahrzehnte später Scott-Heron als der "Godfather of Rap", der Pate des HipHop, gefeiert wurde. Geboren in Chicago lebte der Musiker, Dichter und streitbare Aktivist für Menschenrechte selbst jahrelang in der Bronx. Zurückgekehrt zu seinen schwarzen Wurzeln verstarb er am 27. Mai 2011 im New Yorker Stadtteil Harlem. Zu seiner Hinterlassenschaft gehört ein großartiges Konzert, das Gil Scott-Heron mit seiner Band am 18. April 1981 in der Bremer Schauburg gab. Die Techniker von Radio Bremen waren vor Ort und zeichneten diese ekstatische Show auf, die Ende Juli 2023 weltweit als DoCD und natürlich als Download erscheinen wird. Gils Sohn Rumal Rackley zur Veröffentlichung dieses Konzertes: "This album from a 1983 concert captures the spirit that permeated every performance throughout Gil Scott-Heron"s travels in the US and abroad. From Europe to Asia to Australia to Africa, his work resonates at the heart and soul level. (Dieses Album von einem Konzert aus dem Jahr 1983 fängt den Geist ein, der jeden Auftritt von Gil Scott-Heron auf seinen Reisen in den USA und im Ausland durchdrungen hat. Von Europa bis Asien, von Australien bis Afrika - sein Werk geht direkt ins Herz und in die Seele.)"

Kritiker nannten Gil Scott-Heron zu Beginn der 1970-erJahre die wichtigste schwarze Stimme seit Martin Luther King Jr. und bezeichneten ihn als schwarzen Bob Dylan. "His poetry is with much muscle, with stiletto humor, with street talk, much of it justifiably angry and accurate", schrieb die "New York Times" 1975 staunend über den wütenden Mann aus der Bronx. Kein Wunder, dass Jahrzehnte später Scott-Heron als der "Godfather of Rap", der Pate des HipHop, gefeiert wurde. Geboren in Chicago lebte der Musiker, Dichter und streitbare Aktivist für Menschenrechte selbst jahrelang in der Bronx. Zurückgekehrt zu seinen schwarzen Wurzeln verstarb er am 27. Mai 2011 im New Yorker Stadtteil Harlem. Zu seiner Hinterlassenschaft gehört ein großartiges Konzert, das Gil Scott-Heron mit seiner Band am 18. April 1981 in der Bremer Schauburg gab. Die Techniker von Radio Bremen waren vor Ort und zeichneten diese ekstatische Show auf, die Ende Juli 2023 weltweit als DoCD und natürlich als Download erscheinen wird. Gils Sohn Rumal Rackley zur Veröffentlichung dieses Konzertes: "This album from a 1983 concert captures the spirit that permeated every performance throughout Gil Scott-Heron"s travels in the US and abroad. From Europe to Asia to Australia to Africa, his work resonates at the heart and soul level. (Dieses Album von einem Konzert aus dem Jahr 1983 fängt den Geist ein, der jeden Auftritt von Gil Scott-Heron auf seinen Reisen in den USA und im Ausland durchdrungen hat. Von Europa bis Asien, von Australien bis Afrika - sein Werk geht direkt ins Herz und in die Seele.)"

Ein Klassiker feiert Geburtstag.
Im Februar 2010 veröffentlichte der legendäre und mittlerweile verstorbene Musiker, Dichter und Autor Gil Scott-Heron sein dreizehntes und letztes Studioalbum. "I'm New Here" war Scott-Herons erstes Album seit dreizehn Jahren. Es war und ist ein Album, das auf Schritt und Tritt etwas Unerwartetes offenbart; ein Album, das Scott Heron dazu brachte, die Grenzen zu verschieben, zu erforschen und zu testen, wie er es immer getan hatte; immer nach vorne schauend, immer noch Konventionen und Erwartungen herausfordernd.à
Anlässlich des zehnjährigen Jubiläums der Veröffentlichung von "I'm New Here" veröffentlicht XL Recordings jetzt eine mit zusätzlichen Songs und Versions gespicktes Album.

"Mr. Dosik sings with a gentle nudge, and has found the style to match_" _ The New York TimesLos Angeles` neuer Soul-Pionier Joey Dosik verfeinerte sein Handwerk als Teil einer aufkeimenden Los Angeles-Szene, die die klassische Popmusik neu erfindet, um in der Gegenwart zu gedeihen. Mit ,Inside Voice", das eine Reihe von Dosiks engsten Kollaborateuren aufweist - darunter Moses Sumney, Miguel Atwood-Ferguson, Mocky, Coco O, Theo Katzman und andere - liefert Joey Dosik eine Tiefe, die in einem Debüt selten erreicht wird. Das Ergebnis ist jetzt schon ein Klassiker. Ein Album voller Emotionen, die verweilen und summen. Es ist unfassbar eingängig und begleitet dich tagelang. Man kann ,Inside Voice" entweder gelegentlich anhören oder stundenlang auf repeat laufen lassen. So oder so begeistert das Album - Joey Dosik schreibt Musik für Menschen und das grandios gut! Auf Albumlänge beweist er bemerkenswertes Talent, der klassische Soulsound wird weiterentwickelt und Dosiks unheimliches Talent für Songwriting und sein bemerkenswerter Stimmumfang weisen den Weg.,Inside Voice" folgt Dosiks gefeierter Debüt-EP Game Winner, die Anfang des Jahres von Secretly Canadian wiederveröffentlicht wurde.

Die aus Brooklyn stammende Künstlerin Kendra Morris meldet sich mit ihrer fünften LP "I Am What I'm Waiting For" auf dem Colemine-Imprint Karma Chief Records zurück. Mitgeschrieben und produziert von Torbitt Schwartz (Run The Jewels, Killer Mike, Rubble Kings, Chin Chin), ist diese Sammlung Kendras bisher persönlichstes Album. Es war im Frühjahr 2022 und Kendra hatte gerade "Nine Lives" veröffentlicht, ihr erstes neues Album seit fast einem Jahrzehnt. Sie hatte das Bedürfnis, wieder ins Studio zu gehen, aber irgendetwas fühlte sich diesmal anders an. Die Rückkehr zu den gewohnten Wegen, Orten und Menschen, mit denen sie gearbeitet hatte, fühlte sich an, als würde sie sich an einen vertrauten und bequemen Ort zurückziehen - aber das war nicht das, wonach sie suchte. "Ich musste mich auf einen neuen, unbekannten Prozess einlassen, weil ich wusste, dass ich nur so weiter wachsen konnte", erklärte sie. Sie nahm einen kleinen Stapel Songs mit in Torbitts Studio und die beiden begannen zu schreiben. "Er forderte mich heraus, die beste Version jedes Textes zu finden", erzählte sie. "Wenn ich mir die Songs anhöre, bin ich so stolz auf die Zeit, die wir damit verbracht haben, denn jede einzelne Zeile ist durchdacht. Ich habe mich selbst herausgefordert, nur zu schreiben, um zu schreiben. Dieses Mal gibt es keine Liebeslieder. Torbitt und ich wollten eine Platte machen, die sich anfühlt, als hätte man den Schlamm in meinem Kopf aufgesprengt. Ich bin sehr vielschichtig, aber erst in letzter Zeit habe ich durch das Alter und die Erfahrung die seltsamen kleinen Nuancen, aus denen ich bestehe, voll akzeptiert. Ich bin ein chaotischer Introvertierter, der vorgibt, ein Extrovertierter zu sein, damit ich das Gefühl habe, dazuzugehören." I Am What I'm Waiting For" ist von vorne bis hinten aufrichtig. Es ist eine neue Interpretation eines zeitlosen Sounds, und Kendra strahlt Kraft aus. "Mein Herz war schon immer in der Soulmusik", sagt sie. "Auf dieser Platte hört man meine Einflüsse und noch einige mehr. Du wirst alle Teile von mir hören... die verletzlichen Teile, die albernen Teile, alles davon. Diese Platte ist mein Schmelztiegel." Egal, ob du ein langjähriger Hörer bist oder gerade erst anfängst, die skurrile Welt von Kendra Morris zu erkunden, die glaubwürdigen Texte und modernen Soul-Sounds auf "I Am What I'm Waiting For" werden dich sicher zu einem Fan machen.

Während die Sonne über einem malerischen Haus in East Nashville untergeht, entblößt ein junger Mann ein Stück seiner Seele. Mit dem Gesicht zur Kamera und einem seidigen Ensemble aus Anzugjacke, Hemd, Hosen und fingerlosen Handschuhen, das "Sänger" ankündigt, bevor er überhaupt den Mund geöffnet hat, lässt sich Lee Tracy Johnson auf seiner Bühne im Vorgarten nieder. Er wiegt sich zum düsteren Drum-Machine-Puls eines Synthesizer-getränkten Slow-Jams, streckt die Arme aus, als wolle er sein Gleichgewicht finden, und singt in rührendem, zerbrechlichem Ernst: "I need your love... oh baby..."

Die Hunde im Hof nebenan beginnen zu bellen. Eine mysteriöse Roboterfigur aus Pappe, die aus unbekannten Galaxien hergebeamt wurde und an einem Baum befestigt ist, ist weniger lautstark. Lee nimmt die Anwesenheit der beiden nicht zur Kenntnis. Er ist damit beschäftigt, es zu spüren, Arme und Hände gestikulieren. Seine Stimme erhebt sich im Falsett über die nun ruhigen Hunde, über die Umgebungsgeräusche der Straße, die in das Mikrofon der Handkamera sickern, über die Aufnahme seiner eigenen Stimme, die von einer Boombox aus dem Off abgespielt wird. Nach sechs Minuten endet die einzelne, kontinuierliche Aufnahme. In diesem intimen kreativen Universum gibt es keine Wiederholungen. Es gibt noch viele weitere Musikvideos zu drehen, und wie Lee später sagt: "Das erste Mal ist eigentlich das Beste. Denn das kann man nie wieder erreichen. Du drückst dich von innen heraus aus."

Die Hammond-Orgel ist der Leadsänger auf dieser gefühlvollen und orchestralen Reise über den industriellen Verfall und den Tod der Stahlstadt. Tief aus den verrosteten Stahlwerken von Youngstown, Ohio, bringen wir dir die lang erwartete Wiederveröffentlichung des schmelzenden Debüts der Scone Cash Players. Es ist derselbe Organist, der dir die schreiende Orgel auf all den Daptone-Favoriten von The Sugarman Three beschert hat. Scone saß bei den folgenden modernen Klassikern hinter der Orgelbank. "Sugar's Boogaloo", "Soul Donkey", "Pure Cane Sugar" und "What the World Needs Now". Adam Scone betrat das Studio in der Dunham Street in Brooklyn. Er trug einen blauen Adidas-Jumpsuit. Das Studio hatte gerade erst eröffnet. Am Steuer saßen seine alten Weggefährten von The Dap-Kings. Nämlich Thomas Brenneck, Eric Kalb, Homer Steinweiss und Ian Hendrickson-Smith. Sie bilden die "Bliss Machine" hinter Scones' Groove. Es war ein wirklich seltener Moment, diese Meister der Musik und des Geschmacks zwischen den Touren von Sharon Jones und Charles Bradley zu erleben. Tommy stellte die Mikrofone auf. Scone schaltete die Orgel ein. Die analoge Bandmaschine drehte und drehte, bis sie sich nicht mehr drehen konnte. Die Songs wurden aufgenommen. Wir arbeiteten den ganzen Tag und die ganze Nacht. Tränen wurden vergossen. Espresso wurde gekocht. Es gab Bier vom Fass. 3 Tage unseres Lebens haben wir für dieses Album gebraucht. Wir werden sie nie wieder zurückbekommen. Sie wurden zu 40 Minuten purer Emotionen destilliert. Es ist eine Geschichte des Kummers. Es ist eine Geschichte über den Abschied von der Kunst zugunsten von Verantwortung. Es ist der Abschied von einer Ära. Es ist eine Reise, an die die Hammond B3 Orgel nicht gewöhnt war. Du kannst dieses Album mit keiner anderen Orgelplatte vergleichen. Erwarte nicht, dass du hörst, was du willst. Mach deinen Kopf frei. Sei offen. Deine Welt wird die Hitze des BLAST FURNACE spüren! Sie fühlt sich nie ganz so an, wie du es willst. Lass dich nicht verbrennen...FÜR FANS VON: Delvon Lamarr Organ Trio, The Sure Fire Soul Ensemble, New Mastersounds, Soulive, Jimmy Smith, Khruangbin

T-Shirt: 100% Baumwolle

Limitiert auf 100 Exemplare

Wildfire war in tropischen Inselkreisen aufgrund ihrer hervorragenden Alben und Auftritte in Trinidad, Tobago, der Karibik, den US Virgin Islands und Französisch-Guadeloupe ein Begriff. 1962 begannen sie als "The Sparks" (eine angesehene Calypso-Gruppe, die eine Reihe erfolgreicher Singles veröffentlichte), aber mit der Veröffentlichung ihrer Hit-Single "Come On Down" von 1975 wurden sie zu Wildfire.

Wildfire hatte eine sehr fruchtbare Karriere und veröffentlichte vier Top-Alben und eine Vielzahl von Singles, bevor sie aufhörten. Unter der Leitung von Bandleader Oliver Chapman (Bassist und Gitarrist, Sänger, Arrangeur, Produzent und Co-Autor der meisten Songs der Band) und mit hochtalentierten Musikern spielten Wildfire in der Nische, die sie sich selbst geschaffen hatten, mit den großen Jungs.

Auf dem Album, das wir dir heute vorstellen (Time Is The Answer aus dem Jahr 1980), findest du die perfekte Mischung aus Funk, Soul und Disco, im Grunde die populären Sounds der Zeit, und alle Titel sind Originale. Das Album ist funkig und die Produktionsqualität kann sich mit jeder ihrer Kollegen und in den USA produzierten/aufgenommenen Platten messen. Die Leistung von Wildfire auf diesem Album ist mehr als hervorragend. Mit dieser Veröffentlichung übernahm die Gruppe zum ersten Mal die Kontrolle über die Produktion und die Veröffentlichung ihres Albums. Ebenfalls enthalten ist die Hit-Single "Say A Little Prayer For The Children", einer dieser Songs, die man nicht mehr aus dem Kopf bekommt.

Neben dem Virtuosen Oliver Chapman: Das Talent, das auf "Time Is The Answer" zu hören ist, ist außergewöhnlich. Anstey Hamilton verfügt über eine reiche, markante Tenorstimme. Arthur Byron, der auch den Gesang auf dem Album übernommen hat, hat einen schönen, rauen Ton, der dich jederzeit umhaut, wenn er loslegt. Fitzroy Isaac an den Keyboards und Donald Leid am Schlagzeug sind dafür verantwortlich, dass der Groove nicht abreißt. Clifford Wilson war wie Oliver von Anfang an in der Band. Er ist ein ruhiger Typ, der Bassgitarre spielt und Backgroundgesang singt. Außerdem hilft er Oliver, wenn sie gemeinsam Songs schreiben. Schließlich haben wir noch Cyllan Charles, der als die Stimme von Wildfire bekannt war. Cyllan übernahm die meisten Leadgesänge, seit er 1972 der Gruppe beigetreten war. Er war das erfahrenste Mitglied der Gruppe und kann einen wirklich in höhere Sphären bringen, wenn er auf der Bühne und auf dem Wachs sein Ding durchzieht.

"Time is the Answer" von Wildfire ist eine seltene und immer begehrtere LP. Voller hitverdächtiger Songs ist es nicht verwunderlich, dass das Album aufgrund seines süchtig machenden und originellen Klangs inzwischen ein begehrtes Objekt geworden ist. Es ist ein Muss für jeden, der etwas auf sich hält!

Tidal Waves Music präsentiert nun stolz die erste Neuauflage dieses fantastischen Island Funk-Soul-Klassikers (ursprünglich 1980 auf Wild Fire Records veröffentlicht) und dies ist auch das erste Mal, dass das Album außerhalb von Trinidad & Tobago veröffentlicht wird. Diese seltene Platte (Originale werden auf dem Sekundärmarkt für hohe Summen gehandelt) ist nun endlich wieder als limitierte 180g Vinyl-Edition erhältlich. Limitiert auf 100 Exemplare 180g Black ICE Color Vinyl Exklusiv für HHV