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Nachpressung des Klassikers von 1996! Doppel-LP auf schwarzem 180g Vinyl.

Legendäres Album aus dem Jahre 1981 von Black Uhuru in der Besetzung Michael Rose, Derek "Duckie" Simpson und Errol Nelson. Die Musik wurde im Harry J Studio von Sylvan Morris, die Gesangsspuren in King Tubbys Studio von Prince Jammy aufgenommen. "Black Sounds Of Freedom" basiert auf den Masterbändern des Black Uhuru Debütalbum von 1977 (Originaltitel "Love Crisis") die 1981 von Prince Jammy neu abgemischt wurden und von Greensleeves im Zuge des weltweiten Erfolgs der Gruppe (u.a. Toursupport für die Rolling Stones) veröffentlicht wurden.

Musiker - Bass: Robbie Shakespeare, Michael "Jah Mikey" Hibbert, Drums: Sly Dunbar, Carlton "Santa" Davis, Syndrums: Style Scott, Guitar: Bingy Bunny, Bo Pee Bowen, Chinna Smith, Harmonica: Johnny Osbourne, Horns: Deadley Headly, Bobby Ellis, Cedric "Im" Brooks, Organ, Piano, Clavinet: Winston Wright, Gladstone Anderson, Keith Sterling. Percussion: Noel "Scully" Simms, Strings: Earl "Wire" Lindo.

Kuratiert von Robert Wyatt, Domino Record Company und Marcus O'Dair, dem Autoren der bald erscheinenden Wyatt Biografie "Different Every Time", erscheint begleitend zu dessen werkumspannenden Buch ein gleichnamiges Doppel-Compilation-Album auf Domino. Die Veröffentlichung besteht aus Disc 1 "Ex Machina", einer chronologischen Werk-Einführung für Wyatt Novizen, sowie aus Disc 2 "Benign Dictatorships", einer Sammlung von seltenen bis niemals zuvor veröffentlichten Songs aus den Wyatt Archiven. Robert Wyatts musikalische Karriere begann in den 60ern als Schlagzeuger der legendären Psychedelic Rock- und Jazz Fusion-Band Soft Machine. Mit Beginn der 70er Jahre widmete sich Wyatt der Arbeit als Solo-Singer/Songwriter. Durch inzwischen über 15 Studio-Veröffentlichungen schaffte er sich besonders in Europa eine bis heute treue Fangemeinde. Bisherige Kollaborationen mit Künstlern wie Brian Eno, John Cage, Scritti Politti, David Gilmour, Björk oder Hot Chip sind dabei Zeugen von Wyatts anhaltender musikalischer Entfaltung.

2001 gründete David Eugene Edwards während einer Auszeit seiner Band 16 Horsepower die Gruppe Wovenhand. Längst sind Wovenhand aus dem Schatten der einstigen Hauptband getreten, sieben Alben machten alte 16-Horsepower-Fans glücklich, überzeugten neue und ließen die Band einen eigenen Weg zwischen Neo Folk, Post Rock, Punk, Alternative Country und anderen Sounds finden. "Refractory Obdurate" entstand zusammen mit dem langjährigen Perkussionisten Ordy Garrison sowie mit Chuck French und Neil Keener (Planes Mistaken For Stars, Git Some). Der Sound ist in sich rauer, auf Songs wie "Good Shepherd", "Field Of Hedon" und "Hiss" schlägt trotz aller melodischen Verpflichtung ein ungestümes Punkrock-Herz, während Stücke wie "The Refractory", "Salome" und "Obdurate Obscura" sich episch zu vielschichtigen Nebelschleiern erheben - eine wunderbares Patchwork, das weit über Genres und Erwartungen hinausgeht.

Glich das Debütalbum "Glowing Mouth" noch einem Essay über menschliche Schwächen - komponiert unter Vicodin-Einfluss in einem Krankenhausbett (Sänger Kyle Willson war zuvor schwer gestürzt) -, feiert "Violent Light" das Leben. Die Inspirationen dazu sind weitläufiger Natur: Das zweite Werk der Brooklyner Band Milagres ist vielleicht das einzige Album, das Einflüsse von David Bowie ("Heroes"-Ära) mit denen des Rap-Hooligans Waka Flocka Flame verbindet. Überhaupt klingt die ganze Platte wie ein Trip in ein anderes Universum, voll mit schrägen Analog-Synthesizer-Klängen, manipulierten Samples, verstimmten, aber schlagkräftigen Gitarren und mächtigen Bass-Orchestrierungen. Der Weg zum internationalen Ruhm sollte damit frei werden. Willson, der in seinem Tagjob als Kellner in einem Sterne-Restaurant mal David Bowie und Laurie Anderson an einem Tisch bewirtete, darf also hoffen, die Herrschaften bald vielleicht in einem anderen Kontext zu Gesicht zu bekommen. Das Vinyl erscheint mit Downloadcode.

Goodbye Ziggy

Mick Rocks legendäre Fotos von David Bowies Aufstieg zum Glam-Hero

1972 veröffentlichte David Bowie das geniale Konzeptalbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars und präsentierte sich einer konsternierten Welt als androgyne, wimperngetuschte Kunstfigur in Glitzerklamotten, die die Grenzen zwischen männlich und weiblich, hetero und schwul, Fakten und Fiktion einriss, bis nur noch ein funkelndes Spektakel fantastischer Selbstinszenierung blieb. Album und Bühnenspektakel machten den stillen Londoner zu einem der größten Stars der Welt.

Begleitet wurde er auf diesem Glam-Trip in die Stratosphäre des Pophimmels von seinem Landsmann, dem Londoner Fotografen Mick Rock. Rock lag künstlerisch und persönlich auf einer Wellenlänge mit Bowie, wurde Teil seiner Entourage und arbeitete in den Jahren 1972/73 als Leibfotograf des Sängers.

Diese einzigartige, 2015 noch unter Bowies Mitwirkung entstandene Sammlung zeigt das Beste aus Mick Rocks Bowie-Portfolio, von spektakulären Liveshows, legendären Studio-Porträts, Coverfotos bis hin zu Bildern aus Promofilmen, aus dem Backstage-Bereich und vom Tour-Alltag; sie zeigen Bowie, die Kunstfigur, aber auch den nicht minder facettenreichen Menschen jenseits cooler Rock-Posen – eine leidenschaftliche Hommage an einen brillanten und inspirierenden Künstler, dessen kreative Vision bis heute fortlebt. Auch das Cover ist ein Tribut an Bowies Persönlichkeit: es schillert in allen Facetten und zeigt je nach Blickwinkel einen anderen Bowie.

Eine wunderbare Hommage an den David Bowie der frühen Siebziger, der sich als androgyne Kunstfigur Ziggy Stardust neu erschuf, die Welt in einen Taumel polyamouröser Begeisterung riss und zum umjubelten Kultstar aufstieg. Der Band wurde 2015 noch unter Bowies Mitwirkung von Mick Rock, seinem Hausfotografen der Ziggy-Jahre, zusammengestellt.

Der Fotograf Mick Rock (1948–2021), geboren in London, wurde als „der Mann, der die 70er ablichtete“ bekannt. Außer David Bowie hat er auch Lou Reed, Queen, Iggy Pop, Roxy Music und Blondie porträtiert. Er produzierte zudem die Videos für Bowies Songs “John, I’m Only Dancing”, “The Jean Genie”, “Space Oddity” und “Life on Mars?”. Wichtige Ausstellungen seiner Werke fanden in London, New York, Los Angeles, Tokyo, San Francisco und Las Vegas statt.

Die Autoren Barney Hoskyns kam 1959 in London zur Welt. Er ist der leitende Redakteur von Mick Rocks "Backpages", der einzigen Bibliothek der Popliteratur und des Popjournalismus. Er ist außerdem ehemaliger Redakteur des New Musical Express, hat für die Vogue geschrieben und für Mojo als U.S.-Korrespondent gearbeitet. Seine Biografie über Tom Waits, Lowside of the Road, ist 2009 erschienen, sein Buch über Led Zeppelin, Trampled Under Foot, im Jahr 2012.

Michael Bracewell ist ein britischer Schriftsteller und Kulturhistoriker. Er schreibt über moderne und zeitgenössische Kunst, seine jüngsten Veröffentlichungen sind Richard Hamilton: Modern Moral Matters (Serpentine Gallery, London, 2010), Bridget Riley Paintings and Related Work (National Gallery, London, 2010), Damien Hirst: Beauiful Inside My Head (Sotheby's London, 2008) und The Postcard Art of Gilbert and George 1979 - 2010 (Prestel, 2011)

Nachdem die Dawes zuletzt als Backingband von Conor Oberst fungierten, können wir uns jetzt auf neues Material aus eigener Feder freuen.Der vierte Longplayer "All Your Favorite Band" der Kalifornier auf dem bandeigenen Label HUB Records, wurde von David Rawlings (Dave Rawlings Machine, Gillian Welch, Robyn Hitchcock, Old Crow Medicine Show, Willie Watson) produziert und in den Woodland Sound Studios in Nashville, TN aufgenommen.Das Zusammenspiel und musikalische Verständnis der Band, bestehend aus Taylor Goldsmith (lead vocals, guitar), Griffin Goldsmith (drums, background vocals), Wylie Gelber (bass) und Tay Strathairn (keyboards, background vocals) sucht auch dieses Mal seinesgleichen, zusätzliche musikalische Unterstützung gab es von Gillian Welch und The McCrary Sisters, sowie von David Rawlings (guitar/vocals), Richard Bennett (acoustic guitar) und Paul Franklin (pedal steel).

Der legendäre Singer/Songwriter Graham Nash feiert mit seinem neuen Album “This Path Tonight” ein glänzendes Comeback. Das Album erscheint auf seinem eigenen Label Blue Castle Records, das er zusammen mit David Crosby betreibt.

“This Path Tonight” ist sein erstes Album mit 10 eigenen Songs nach 14 Jahren und wurde von Shane Fontayne produziert. Es wird erhältlich sein als CD, Limited Edition CD+DVD (mit einen 1 ½ stündigen Konzertmitschnitt aus dem Jahr 2014) und LP. Der Titelsong “This Path Tonight” ist gleichzeitig die erste Single-Auskopplung des Albums. Der Song als auch das gesamte Album zeigen Graham Nash als Songschreiber im Wandel, der seine beeindruckende Karriere über fünf Dekaden mit The Hollies, CSN und CSNY reflektiert.

“What a pleasure it was recording this album,” says Graham Nash. “Shane and I had written 20 songs in a month and recorded them in eight days. The music has a different feel to my earlier albums although I hear echoes of each one. This journey of mine was one of self-discovery, of intense creation, of absolute passion.”

Zusammen mit Shane Fontayne, als Gitarrist kommt Graham Nash nach einer ausgiebigen US-Tour auch im Mai/Juni zu Konzerten nach Europa und wird das neue Songmaterial und viele seiner Klassiker wie Our House, Teach Your Children, Marrakesh Express, Just a Song Before I Go oder Wasted on The Way auch in Europa präsentieren.

“When you strip a song down to its very essence, you either have a song worth singing… or you don’t,” says Nash. “Playing music with Shane Fontayne is and always will be very satisfying. He has an innate sense of ‘performance’ and of arrangement. He never loses sight of the fact that the song must ‘come alive’, must have a reason for being sung in the first place. We want to look in the eyes of our audience, we want to know that we are connecting on a very real level. What a pleasure this tour will be for me.”

Graham Nash wurde zweifach in die Rock and Roll Hall of Fame (als Mitglied von CSN und der Hollies) und die Songwriter Hall of Fame eingeführt, gewann einen Grammy Award, ist New York Times - Bestseller-Autor, sowie Officer of the Order of the British Empire (O.B.E.) und ein renommierter Fotograf.

Das vierte Album der kanadischen Band um Sänger, Gitarrist und Songwriter IAN MCINTOSH erscheint als CD und LP (bedruckte Innenhülle / Downloadcode) auf GUNNER. Schon mit den Vorgängern 'Everything Is Hunted' (2013) und 'The Forgotten And The Brave' (2014) sowie zahlreichen immer besser besuchten Europashows hat sich das Quintett aus Edmonton bereits eine gute Basis aufgebaut. Die Band spielte auf dem Rolling Stone Weekender, beim Schweizer Obenuse Fest oder in Hamburg auf dem Reeperbahn Festival, wurde vom WDR (Rockpalast) aufgenommen und erntete sehr gute Reviews. Nachdem interne Unstimmigkeiten zu einer fast vollständigen Umbesetzung führten, dauerte es diesmal etwas länger, bis wieder das Studio geentert wurde, dafür wurden Teile von 'The Great Divide' diesmal beim Grammy-Gewinner DAVID ODLUM im französischen BLACKBOX STUDIO aufgenommen. Herausgekommen sind acht Songs, die OWLS BY NATURE stärker am vorwärtsstürmenden Rock n Roll-Spirit zeigen als zuvor - allerdings durchgehend vom hochmelodischen Songwriting und der Wahnsinnsstimme von Mastermind IAN MCINTOSH geprägt. Nach wie vor hört man reichlich Einflüsse aus Folk und Country heraus, das Album ist nur stärker von einem bestimmten Aufbruchsgeist geprägt. Aber wie immer mit Hitrefrain-Garantie! LP mit bedrucktem 4c-Inlay und Downloadcode (Erstpressung: Clear Red Vinyl). Im Frühjahr 2017 wird die Band erneut auf Europatournee erwartet!

Der Nino aus Wien nähert sich seinem 30. Geburtstag. Auch (aber nicht nur) deswegen ist "Wach" das erste Nino Album, das zum überwiegenden Teil tagsüber geschrieben worden ist, im 2., 10. und 22. Wiener Gemeindebezirk sowie am Gardasee. Mit Hand, auf Papier, auch das ist neu.
Aufgenommen wurde Wach mit Wanda-Produzent Paul Gallister im 2. Wiener Gemeindebezirk, ganz old school auf Band, wie in den 60ern. Extra eine Sitar gekauft, wie in den 60ern. Das Artwork stammt wie bei der Adria-EP wieder von Natalie Ofenböck. "Adria" war dem Meer gewidmet, "Wach" ist es dem See.
Die Nino Band auf Wach besteht aus: Prince PauT de Monaco, Raphael Sas, David Wukitsevits, Ernst Molden, Paul Gallister, Lukas Lauermann und Lukas Turnovsky.

2008 erschien Der Nino aus Wiens damals noch akustisches Singer-Songwriter-Debüt-Werk "The Ocelot Show" zu einer Zeit als es wirklich nichts gab, das man damit vergleichen konnte. Österreich war zuvor jahrelanges Sperrgebiet für intelligenten Pop (elektronische Musik ausgenommen) gewesen. Danach ging es Schlag auf Schlag: eine Band formierte sich hinter Nino, die bereits 2009 mit dem Hit "Du Oasch" und dem dazugehörenden Album "Down in Albern" in die erste Liga der österreichischen Indie-Welt aufsteigen sollte. Das 2011 folgende Album "Schwunder" war dann auch nicht zufällig sein erstes Album welches es in die österreichischen Verkaufscharts schaffen sollte. Jedes danach sollte es "Schwunder" gleichtun. 2015 entstand "Unser Österreich", eine Kollaboration mit Ernst Molden, die von null auf Platz drei einsteigen sollte. Am Ende desselben Jahres folgte seine Werkschau "Immer noch besser als Spinat" und 2016 seine erste EP mit "Adria". Im gleichen Jahr hat er schlussendlich, nach etlichen Anläufen, auch seinen Amadeus Award bekommen und gemeinsam mit Natalie Ofenböck "Das grüne Album" veröffentlicht, das der Steiermark gewidmet ist. Im April 2017 erscheint das neue Album "Wach".

Wieder lieferbar ist ein Klassiker des Dub-Reggae, von Kevin Metcalfe re-mastered und auf dem VP Records Sublabel 17 North Parade wiederveröffentlicht. Im Original erschien der Longplayer erstmalig 1977 auf Joe Gibbs' Record Globe Label und wurde mit seiner Studioband The Professionals eingespielt. Laut Originalcover waren das George "Fully" Fulwood, Carlton "Santa" Davis, Tony Chin, Richard "Dirty Harry" Hall, Tommy McCook, Bobby Ellis und Leroy "Horsemouth" Wallace. Am Mischpult saß Errol Thompson. Hier finden sich 12 exzellente Dubversionen von Riddims aus der Treasure Isle und Studio One Rocksteady-Ära, und zu "Hypocrites" von Bob Marley & The Wailers sowie zu"Uptown Top Ranking" von Althea & Donna!

Nach seinem bahnbrechenden Buch »Retromania« legt der wohl bedeutendste Poptheoretiker der Gegenwart mit »Glam« nun das Standardwerk zu diesem faszinierenden Musikstil vor. Eine Kulturgeschichte der eigenwilligen Mode und schrägen Stars, die bis heute maßgeblichen Einfluss auf die Popkultur haben. David Bowie, T. Rex, Alice Cooper und Roxy Music feierten mit Glam das Künstliche und das Spektakel und grenzten sich so von den immer gleichen Rockbands ihrer Zeit ab. Glam war also mehr als nur ein buntes Spiel, er war das erste kulturelle Auflehnen gegen die in Langeweile erstarrte Rockmusik Jahre vor Punk. Simon Reynolds lädt die Leser zu einer Bildungsreise durch die frühen Siebziger ein, in die Zeit der Glitzerkostüme, des Make-ups und der aufregenden Musik. Dabei bettet das Buch Glam in den größeren kulturellen und politischen Kontext ein, in eine Zeit des sozialen Umbruchs und der politischen Desillusionierung. Und es erzählt die Geschichte eines Bruches, den Künstler wie Lou Reed, die New York Dolls, Queen oder die Sparks mit der Hippie-Generation vollzogen haben, indem sie das Künstliche über das Authentische und das Wahre stellten. Abschließend verfolgt Reynolds die Spuren von Glam bis in die Gegenwart und findet bei Künstlerinnen wie Lady Gaga ähnliche Strategien, etwa der Androgynität oder Dekadenz. Glam zeigt, dass der Art Pop der Siebziger auch heute noch die Popkultur prägt.

Was auf „Oracle“ ungeschliffen passiert, ist der erste Output einer deutschen Jazz Supergroup. Zunächst wollte man ein unperfektes Spiritual Jazz Album aufnehmen, das Vorbildern aus den Siebzigern fröhnt (Strata East, Black Jazz et cetera), einfach mal der Leidenschaft nachgehen. Und man wollte eine fiktive Band erfinden, die es nicht gab, und rausposaunen, es handelt sich um ein unveröffentlichtes Album von namhaften und beseelten Typen aus den 70ern. Nun ja: dann hätte man nie Live Konzerte geben können, von Interviews ganz zu schweigen. Kurzum, es wäre schwierig gewesen, das geheim zu halten, also hat man sich entschlossen, die Identitäten preiszugeben:

Web Web sind: Roberto Di Gioia (Piano, Synth, Percussion), Tony Lakatos (Tenor- und Sopranosaxophone), Christian von Kaphengst (Upright Bass) und Peter Gall (Drums).

„Wir haben uns sehr eng in einem Raum aufgestellt, um uns bestmöglich ohne Kopfhörer zu hören, wie bei einem Live-Konzert. Das verstärkt natürlich die Spielfreude, und die Musik atmet dadurch intensiver, sie wird dynamischer und vor allem impulsiver“, sagt Roberto Di Gioia, Mastermind von Web Web.

Das Treffen, der Vibe, das Tuning, die Aufnahmen – an einem Wochenende live in München eingespielt – führten dazu, daß man unbedingt so roh, ungeschliffen, freigeistig weiter machen will. Erste Live Konzerte sind gebucht, weitere in Planung, und auch das zweite Album von Web Web ist bereits im Juni 2017 in München aufgenommen......u.a. mit super Gästen wie dem Multiinstrumentalisten, Sänger und Gembri Superstar Majid Bekkas aus Marokko.
Toningenieur ist übrigens Jan Krause (Beanfield, Poets Of Rhythm u.v.m.)

Roberto Di Gioia: „Wir nahmen uns der Vorbilder an, die auch sehr oft unperfekt im Stimmen ihrer Instrumente waren: irgendwo dazwischen....das Saxofon zu hoch, die Flöten zu tief. Was Sun Ra zu seinem Markenzeichen und zu einem signifikanten Sound machte, wollten wir eben auch nachempfinden, indem wir mit unterschiedlichen Tunings arbeiteten: Tony Lakatos Tenorsaxofon zu tief, sein overgedubbtes Sopransaxofon zu hoch, und der Vintage-Synthi irgendwo dazwischen.
Das Schöne war: es entstand ein eigenartiger Klang, der viel reicher war, und nicht immer zuortbar. Tonys Sopran als Beispiel klingt manchmal wie eine Trompete, weil im Zusammenspiel der Freuquenzen andersartige Höreindrücke entstehen. Das Experiment ist sozusagen Konzept.“

Es gibt nur den einen, ersten Moment, der die wahre Geschichte erzählt, deshalb sind alle Stücke „first takes“, das heißt, jedes Stück wurde tatsächlich nur einmal aufgenommen.

„Oracle“ ist das erste Live Jazz Album auf Compost.

Roberto Di Gioia arbeitete mit zahlreichen Jazz-Legenden zusammen, wie z.B. mit Woody Shaw, Art Farmer, James Moody, Johnny Griffin, Charlie Rouse, Clifford Jordan, Clark Terry, Roy Ayers, Gregory Porter u.v.m.
Anfang 1990 wurde er Mitglied in Klaus Doldingers Passport.
Als Pianist machte er u.a. Aufnahmen mit Udo Lindenberg (MTV-Unplugged,2011), Charlie Watts („Music Of The Rolling Stones“, 2005), Console („Reset The Preset“, 2003), The Notwist („Shrink“ 1998, „Neon Golden“, 2002).
Seit 2007 arbeitet er zusammen mit Samon Kawamura und Max Herre als KAHEDI: Max Herre („Hallo Welt“, 2012), Joy Denalane („Gleisdreieck“, 2017), u.v.m.
Seine eigene Band MARSMOBIL (produziert von Peter Kruder) wird im Herbst ihr 4.Studioalbum veröffentlichen.

Tony Lakatos stammt aus der berühmten Lakatos-Familie aus Budapest, Ungarn. Sein Vater war ein berühmter Geiger, ebenso sein jüngerer Bruder Roby. Er begann mit dem Saxofon-Spiel als er 15 Jahre alt war.
Tony studierte auf dem Bela-Bartok-Konservatorium in Budapest, machte seinen Abschluß 1979 und spielte seither auf über 350 Jazzproduktionen weltweit mit, u.a. mit Al Foster, Kirk Lightsey, Randy Brecker, George Mraz, David Witham, Terri Lyne Carrington, Anthony Jackson. Tony war Mitglied der Band PILI PILI von Jasper Van´t Hof. Seit 1993 ist er Solist in der HR Radio-Bigband.

Christian von Kaphengst bekam mit 6 Jahren klassischen Klavierunterricht im Peter-Cornelius-Konservatorium in Mainz.
Von 1988 bis 1995 studierte er Jazz-Kontrabass sowie Instrumentalpädagogik an der Musikhochschule in Köln.
Sein Jazzquartett „Cafe du Sport“ absolvierte im Auftrag des Goethe-Instituts Tourneen nach Pakistan, Indien, Türkei und Westafrika. Seit 1999 ist er regelmäßig Bassist von Patti Austin sowie der New York Voices für europäische Konzerte.
Von Kaphengst spielte u.a. mit Randy Brecker, Nat Adderley, Roy Hargrove, Joe Sample, Charlie Mariano, Katja Ebstein,
Xavier Naidoo, Roachford, Yvonne Catterfeld.

Peter Gall gewann bereits in jungen Jahren erste Preise bei JugendJazzt und tourte mit dem Bundesjazzorchester unter Leitung von Peter Herbholzheimer. Er studierte an der Berliner Universität der Künste und am Jazz Institut Berlin bei John Hollenbeck. Gall absolvierte sein Masterstudium an der Manhattan School Of Music bei John Riley.
Er arbeitete u.a. mit Seamus Blake, Ben Street, Gabriel Rios, Jasmin Tabatabai, Thomas Quasthoff, Peter Fessler.