Suche "impetus heisse luft" 124 Artikel

Limitierte Auflage von 500 Stück auf dreifachem Vinyl mit allen Instrumentals.

"Odyssey Disco" heisst das neue Projekt von Awon & High John. Awon reimt sich gewohnt gekonnt über die Sample-lastigen Beats von High John, inspiriert von Jazz, Soul und Funk. Mit dabei sind Retrogott, Tiff the Gift und AfroDev.

Cee Cee & Wall Ra rollen durch mit "B-Funk" , ein explosives Debüt, das den Spirit der Bay Area in Berlins dunkle Gassen katapultiert. Deck 2 Deck baddest Duo packt den West Coast Vibe, zündet ihn mit Berliner Street Cred und serviert ein Tape, das die Boxen sprengt und die Heads nickend zurücklässt. Erwartet knallharte Beats, die mit dem realen Sound von Kaliforniens legendärer Ära verschmelzen - Wall Ra & Cee Cee spitten ihre messerscharfen Rhymes mit einer Authentizität, die nur die echten Diceroller kennen. Mit B-Funk liefern Wall Ra & Cee Cee 6 Tracks und bringen wahre Anthems für die Nacht, für das Leben, für die Unbeugsamen. Dieses Album ist der Soundtrack für alle, die wissen, was es heißt, die Straße nicht nur zu bewohnen, sondern sie zu leben.

„Das Gegenteil von Anarchie ist Verwaltung.

Das Gegenteil von Origami freie Entfaltung.

…

aber was ist das Gegenteil von Heilbronn?“



…diese Antwort bleibt uns der Track „So muss es sein“ für den Moment schuldig. Ansonsten lässt Textor aber keine Fragen offen und nichts zu wünschen übrig, auf einem phänomenalen, neuen Album, das in diesen Tagen bei Grönland Records erscheint. Es bzw. er „beschäftigt sich mit verschiedenen Dingen“ (Zitat aus dem Track „Bibimbap“). Dieser hochwillkommene Beitrag zum Stand der Dinge im deutschsprachigen Rap ist unschätzbar, sein Status inzwischen unangreifbar, seine Skills sowieso legendär.



So feingliedrig und schlank der Meister, so heavy das Werk. „So tun als ob“ ist, für manche vielleicht überraschend, ein reines Rap-Album geworden. Gut so! Keine ausgedehnten Exkursionen im Segment des gesungenen Lieds und des Orchestralen mehr, nur wenige Verweise auf Jazz oder Folk, ganz anders als etwa auf dem letzten Textor-Soloalbum, „Schwarz, Gold, Blau“ von 2012. Höchstens ein paar Spuren der dichten, eklektischen Sampling-Strukturen, die das Schaffen seines Duos Kinderzimmer Productions seit Mitte der 90er Jahre prägte. „So tun als ob“ ist gleichzeitig knochentrocken und voll im Saft, abgespeckt und fett, taufrisch und gut abgehangen. Diese Gegensätze vereinen zu können ist Ausweis seiner Meisterschaft – im Texte bauen, im Tracks bauen, nicht zuletzt im Abliefern.



In seinem Kreuzberger Studio hat Textor mit viel Muße – je nach Sichtweise hat er zehn oder auch nur ein Jahr dafür gebraucht – eine Kollektion minimalistischer Beats für maximalen Impact gebaut, mit nur wenigen, wohldosierten Ornamenten. Das Gros im Alleingang, bei drei Tracks kam Support von Quendolin Fender. Die Beats bilden untenherum ein stabiles Fundament, lassen obenherum aber viel Platz und Luft für elf brandneue, mal verwinkelte, mal straighte, mal rasante, mal kunstvoll verschleppte Gedankengänge, wie sie in der zuletzt eher öden, deutschen Raplandschaft ihresgleichen suchen. Die Skills eines alten Hasen treffen auf das Herz eines jungen Hüpfers, das immer noch unverdrossen in ihm schlägt.



Die wenigen Gäste auf diesem Album bringen keine zusätzlichen Rap-Strophen, sondern setzen gesangliche Glanzlichter: Steffi Frech auf „Kein Gefühl“, Fama M’Boup auf „Es dreht sich“ und Kenchi & The Sun auf „Klickediklick“. Den Rest stemmt Textor mühelos im Alleingang, seine Versatilität in Tempo und Duktus geben das problemlos her. Das satte Mastering von Rashad Becker von Dubplates und Mastering verleiht dem Werk nicht nur den letzten Schliff, sondern auch eine Autorität, die „So tun als ob“ zu DEM Rap-Album des Jahres machen – etwas für HipHop-Kids aller Altersklassen und jeglicher Couleur.



In der Tat: „So muss es sein.“



Hans Nieswandt

Nächstes Jahr feiern Ipecac ihr 25-jähriges Bestehen. Um die Feierlichkeiten einzuläuten, veröffentlicht das Künstlerfreundliche Label das 2005er Album General Patton vs. The X-Ecutioners zum ersten Mal auf Vinyl..., in einer limitierten Silver Streak-Ausgabe.

Die Veröffentlichung bringt Mike Patton, den legendären Frontmann von Faith No More, Mr. Bungle, Tomahawk und vielen anderen, mit einer der angesehensten DJ-Crews des Hip-Hop, The X-Ecutioners, zusammen. Die Zusammenarbeit kam zustande, nachdem die beiden Gruppen einige improvisierte Live-Shows zusammen gespielt hatten. Der süße Duft der Chemie wehte schon bald durch die Luft, und so beschloss man, einen Schritt weiter zu gehen und gemeinsam an einem kompletten Album zu arbeiten. Das Ergebnis sind 23 Tracks, die einen direkten Zusammenprall zwischen Hip-Hop und der wilden und verrückten Welt von Ipecac darstellen.

Limitierte Auflage von 300 Exemplaren auf CD im Jewel Case.

Supernaturals Debütalbum "Natural Disasters" sollte 1995 erscheinen, wurde aber auf Eis gelegt und nie offiziell veröffentlicht - bis jetzt. 21 Tracks purer Golden Era Heat von einem der angesehensten Freestyle MCs im Hip Hop, komplett produziert von Djinji Brown.

"Dieses Album entstand zwischen Januar und April 1995 in Brooklyn, NYC. Es war ein besonderer Moment in der Zeit, der musikalisch von zwei Freunden festgehalten wurde, die eine Vision hatten. Eine Vision, die sich nicht in Worte fassen, sondern nur in Töne fassen ließ. Meiner Meinung nach konnte dieses Album nur in Brooklyn zu genau diesem Zeitpunkt entstehen. Generell stand NYC künstlerisch in Flammen. Es lag so viel Kreativität in der Luft, auf dem Boden, überall, die Straßen sprachen tatsächlich. Man brauchte nur zuzuhören und die Botschaft war klar: "Create from Creativity"! Jeder hatte etwas zu sagen, und Supernatural hatte eine einzigartige Art, dies zu tun. Die Kräfte der Natur wirken auf geheimnisvolle Weise und wenn bestimmte Elemente zusammenkommen, ist das Ergebnis etwas ganz Besonderes. Wir hoffen sehr, dass dir "Natural Disasters" gefällt. Es ist eher eine Reise in die Gedanken und Vorstellungen zweier kreativer Geister als ein Rap-Album. Aber im gleichen Atemzug hätte es nicht entstehen können, wenn Hip Hop nicht gewesen wäre." - Djinji Brown

Erhältlich in einer limitierten Auflage auf 2LP+7", CD im Jewel Case, Kassette und digital auf allen wichtigen Plattformen.

Limitierte Auflage von 100 Exemplaren auf Kassette.

Supernaturals Debütalbum "Natural Disasters" sollte 1995 erscheinen, wurde aber auf Eis gelegt und nie offiziell veröffentlicht - bis jetzt. 21 Tracks purer Golden Era Heat von einem der angesehensten Freestyle-MCs im Hip Hop, komplett produziert von Djinji Brown.

"Dieses Album entstand zwischen Januar und April 1995 in Brooklyn, NYC. Es war ein besonderer Moment in der Zeit, der musikalisch von zwei Freunden festgehalten wurde, die eine Vision hatten. Eine Vision, die sich nicht in Worte fassen, sondern nur in Töne fassen ließ. Meiner Meinung nach konnte dieses Album nur in Brooklyn zu genau diesem Zeitpunkt entstehen. Generell stand NYC künstlerisch in Flammen. Es lag so viel Kreativität in der Luft, auf dem Boden, überall, die Straßen sprachen tatsächlich. Man brauchte nur zuzuhören und die Botschaft war klar: "Create from Creativity"! Jeder hatte etwas zu sagen, und Supernatural hatte eine einzigartige Art, dies zu tun. Die Kräfte der Natur wirken auf geheimnisvolle Weise und wenn bestimmte Elemente zusammenkommen, ist das Ergebnis etwas ganz Besonderes. Wir hoffen sehr, dass dir "Natural Disasters" gefällt. Es ist eher eine Reise in die Gedanken und Vorstellungen zweier kreativer Geister als ein Rap-Album. Aber im gleichen Atemzug hätte es nicht entstehen können, wenn Hip Hop nicht gewesen wäre." - Djinji Brown

Erhältlich in einer limitierten Auflage auf 2LP+7", CD im Jewel Case, Kassette und digital auf allen wichtigen Plattformen.

Limitierte Auflage von 500 Exemplaren auf 2LP inkl. Bonus 7" ("Buddah Blessed It" b/w "Instrumental").

Supernaturals Debütalbum "Natural Disasters" sollte 1995 erscheinen, wurde dann aber auf Eis gelegt und bis heute nicht offiziell veröffentlicht. 21 Tracks purer Golden Era Heat von einem der angesehensten Freestyle-MCs im Hip Hop, komplett produziert von Djinji Brown.

"Dieses Album entstand zwischen Januar und April 1995 in Brooklyn, NYC. Es war ein besonderer Moment in der Zeit, der musikalisch von zwei Freunden festgehalten wurde, die eine Vision hatten. Eine Vision, die sich nicht in Worte fassen, sondern nur in Töne fassen ließ. Meiner Meinung nach konnte dieses Album nur in Brooklyn zu genau diesem Zeitpunkt entstehen. Generell stand NYC künstlerisch in Flammen. Es lag so viel Kreativität in der Luft, auf dem Boden, überall, die Straßen sprachen tatsächlich. Man brauchte nur zuzuhören und die Botschaft war klar: "Create from Creativity"! Jeder hatte etwas zu sagen, und Supernatural hatte eine einzigartige Art, dies zu tun. Die Kräfte der Natur wirken auf geheimnisvolle Weise und wenn bestimmte Elemente zusammenkommen, ist das Ergebnis etwas ganz Besonderes. Wir hoffen sehr, dass dir "Natural Disasters" gefällt. Es ist eher eine Reise in die Gedanken und Vorstellungen zweier kreativer Geister als ein Rap-Album. Aber im gleichen Atemzug hätte es nicht entstehen können, wenn Hip Hop nicht gewesen wäre." - Djinji Brown

Erhältlich in einer limitierten Auflage auf 2LP+7", CD im Jewel Case, Kassette und digital auf allen wichtigen Plattformen.

OG Keemo und Funkvater Frank machen ein Mixtape. Kopf aus, Mic an. Dazu die besten Gäste, die man sich vorstellen kann. Kein Konzeptalbum, einfach rappen und killen. Geschrieben und aufgenommen wie im Fieber. Und so heißt das Tape auch. “Fieber“ erscheint am 15.09. und kann ab jetzt auf Vinyl vorbestellt werden. Wenn die Temperatur höher als 38 Grad Celsius liegt, spricht man von Fieber. Steigt sie auf 39 bis 41 Grad Celsius, haben die Betroffenen hohes Fieber. Extrem hohes Fieber liegt dann vor, wenn eine Körpertemperatur von über 41 Grad Celsius gemessen wird und ein Mixtape erscheint.

Keemo Sabe. Funkvater. Rap ihm seine Väter sind back. Es ist dieses andere Fieber jetzt.

Auf 2000 Stück limitierte Version in blauem Cover mit schwarzer Platte.

OG Keemo und Funkvater Frank machen ein Mixtape. Kopf aus, Mic an. Dazu die besten Gäste, die man sich vorstellen kann. Kein Konzeptalbum, einfach rappen und killen. Geschrieben und aufgenommen wie im Fieber. Und so heißt das Tape auch. “Fieber“ erscheint am 15.09. und kann ab jetzt auf Vinyl vorbestellt werden. Wenn die Temperatur höher als 38 Grad Celsius liegt, spricht man von Fieber. Steigt sie auf 39 bis 41 Grad Celsius, haben die Betroffenen hohes Fieber. Extrem hohes Fieber liegt dann vor, wenn eine Körpertemperatur von über 41 Grad Celsius gemessen wird und ein Mixtape erscheint.

Auf 2000 Stück limitierte Version in rotem Cover mit schwarzer Platte.

OG Keemo und Funkvater Frank machen ein Mixtape. Kopf aus, Mic an. Dazu die besten Gäste, die man sich vorstellen kann. Kein Konzeptalbum, einfach rappen und killen. Geschrieben und aufgenommen wie im Fieber. Und so heißt das Tape auch. “Fieber“ erscheint am 15.09. und kann ab jetzt auf Vinyl vorbestellt werden. Wenn die Temperatur höher als 38 Grad Celsius liegt, spricht man von Fieber. Steigt sie auf 39 bis 41 Grad Celsius, haben die Betroffenen hohes Fieber. Extrem hohes Fieber liegt dann vor, wenn eine Körpertemperatur von über 41 Grad Celsius gemessen wird und ein Mixtape erscheint.

'November Medicine' ist die Platte, die Nealo aus dem Keller holt. Sein zweites Album, hart erkämpft, in einer schwierigen Zeit seines Lebens aus ihm herausgezerrt, eine Lehrstunde, wie man sich selbst liebt und feiert. Mit einer Stimme, die eine Million Zigaretten geraucht und durch 100 Hardcore-Shows geschrien hat, spricht der Dubliner Rapper über sich selbst, das Ende seiner zehnjährigen Beziehung, seine Depression und seinen Willen zur Heilung. Seine Ehrlichkeit ist heftig, sein Ton ist warm. Zusammenarbeit (mit Morgana, Jehnova, Rebel Phoenix) steht im Mittelpunkt und scheint eine Leitphilosophie für das Nealo-Projekt zu sein. Alles hört sich nach einem Versprechen an: Nealo wird seine November-Medizin weiter nehmen.

Wieviele fühlen sich gelähmt durch gegensätzliche moralische Perspektiven. Der Mittelweg und sein theoretisch einwandfreier Ansatz scheint weit weg in Zeiten des außer Kontrolle geratenen Kapitalismus’. “Hawei 2007” ist die Kurzgeschichte aus der Perspektive eines 17 jährigen Jungen der sich in dieser Welt bewegt. Der Protagonist schaukelt sich selbst von unantastbaren Höhenflügen zu erdrückenden Depressionen, von gesellschaftlichen Hoffnungen und Wünschen zu Abgrenzung, Hass und physischer Gewalt. Es ist Sommer 2007 im Freiburger Stadtteil Haslach/Weingarten - oder wie man hier sagt Hawei. Die K-Swiss sind die neuen, die Homies sind die alten, der Piaggio NRG glänzt und der Kippschalter ist gut versteckt. Die Frage ob Fifa oder PES ist genau so heiß diskutiert wie ob Biggie oder 2pac.

November Medicine' ist die Platte, die Nealo aus dem Keller holt. Sein zweites Album, hart erkämpft, in einer schwierigen Zeit seines Lebens aus ihm herausgezerrt, eine Lehrstunde, wie man sich selbst liebt und feiert. Mit einer Stimme, die eine Million Zigaretten geraucht und durch 100 Hardcore-Shows geschrien hat, spricht der Dubliner Rapper über sich selbst, das Ende seiner zehnjährigen Beziehung, seine Depression und seinen Willen zur Heilung. Seine Ehrlichkeit ist heftig, sein Ton ist warm. Zusammenarbeit (mit Morgana, Jehnova, Rebel Phoenix) steht im Mittelpunkt und scheint eine Leitphilosophie für das Nealo-Projekt zu sein. Alles hört sich nach einem Versprechen an: Nealo wird seine November-Medizin weiter nehmen.

Das Problem ist doch im Endeffekt, dass immer irgendwas passiert… Und deshalb heißt Juse Jus neues Album „Das Problem, dass immer irgendwas passiert.“ Die Frage, ob das noch Rap ist oder schon Pop, braucht man sich bei diesem Album nicht stellen. Es ist schnell, es ist düster, es ist kompromisslos. Juse Ju schmettert der Gegenwart mit all ihren Zwängen, Süchten, Normen und Feindseligkeiten Rap entgegen. Das Album erscheint als LP auf minz-grünem 12-inch Vinyl.

Limitiert auf 300 Kopien, die für Deutschland, Österreich und die Schweiz nur bei HHV erhältlich sind.

Killer Mike, bekannt durch Run The Jewels, veröffentlicht mit Michael sein bisher persönlichstes Soloalbum.

Michael ist für Killer Mike das, was Logan für Wolverine ist. Dieses Album erzählt die Geschichte von Michael Santiago Render, der uns einen sehr persönlichen Einblick in sein Leben gibt, gebrochen durch die schwarze Kultur des Südens. Man spürt die Katharsis eines Sonntagmorgens in der Kirche, in der der junge Mike zum ersten Mal eine B3 Hammond und Gospelsänger live hörte. Sie hören das schnelle Shit-Talking, das an einem heißen Freitagabend bei einem Hinterhof-BBQ in Adamsville stattfindet. Sie spüren das Rattern einer 808, wenn Sie an einem Mittwochnachmittag im Blue Flame einen Teller Zitronenpfeffer-Flügel essen. Wir kennen Killer Mike seit seiner langen Karriere als einen Rapper, der zum Nachdenken anregt, aber auf Michael erzählt er zum ersten Mal seine Geschichte.

Killer Mike, bekannt durch Run The Jewels, veröffentlicht mit Michael sein bisher persönlichstes Solo Album..

Michael ist für Killer Mike das, was Logan für Wolverine ist. Dieses Album erzählt die Geschichte von Michael Santiago Render, der uns einen sehr persönlichen Einblick in sein Leben gibt, gebrochen durch die schwarze Kultur des Südens. Man spürt die Katharsis eines Sonntagmorgens in der Kirche, in der der junge Mike zum ersten Mal eine B3 Hammond und Gospelsänger live hörte. Sie hören das schnelle Shit-Talking, das an einem heißen Freitagabend bei einem Hinterhof-BBQ in Adamsville stattfindet. Sie spüren das Rattern einer 808, wenn Sie an einem Mittwochnachmittag im Blue Flame einen Teller Zitronenpfeffer-Flügel essen. Wir kennen Killer Mike seit seiner langen Karriere als einen Rapper, der zum Nachdenken anregt, aber auf Michael erzählt er zum ersten Mal seine Geschichte.

Limitierte Auflage von 500 Exemplaren auf 2LP im Gatefold-Sleeve inkl. Inlay Card.

"Ya Oughta Know" hätte der Titel des Debütalbums von Sons Of Sam sein sollen, dem Duo aus Philadelphia, bestehend aus The Xav und PA-Kid. Hier haben wir eine Sammlung von 12 Tracks, die zwischen 1993 und 1994 aufgenommen wurden, plus den Bonustrack "Glass Eyes" von 1996.

Zurück in die Vergangenheit sagt Xav: "Der Titel Sons Of Sam ist nicht das, was er zu sein scheint. Alle dachten, wir würden uns an Charles Manson, dem Massenmörder der 70er Jahre, orientieren. Die Wahrheit ist, dass wir Brüder sind, deren Vater Sam heißt. So einfach ist das. Aber wir schaffen es ab und zu, das Mikrofon zu morden, und ein passender Name wäre die Mic Manglers gewesen. Wenn wir einzeln gearbeitet haben, haben wir unsere eigenen Tracks gemacht, aber wenn wir beide zusammen an Tracks gearbeitet haben, hat PA-Kid die Tracks ursprünglich gemacht. Er konnte jeden Track so gestalten, dass er zu unseren beiden Stilen passte, und wenn er nicht passte, passte ich mich normalerweise dem Stil des Tracks an. PA-Kids ursprünglicher Name war Samson und ich wurde Xay genannt. Den Namen hat mir ein MC-Kollege namens Manifest 1986 gegeben, als ich sein DJ war. Ich fing an, mehr zu schreiben und meine eigenen Tracks aufzunehmen."

Erhältlich in einer limitierten Auflage auf 2LP, CD im Jewel Case, Kassette und digital auf allen wichtigen Plattformen.

Mariybus Debüt-Album 'SLAYBAE' erscheint am 10. März 2023 über das All Fe*male Label 365XX. Mal sweet wie ein Lollipop, mal heiß und evil - wenn Mariybu ihre vielseitige Stimme über die verzerrten Bässe legt, bedeutet das absolutes Feuer. Das Boss Babe aus Hamburg produziert sich nicht nur komplett selbst, sie überzeugt auch mit sassy Lyrics über (queeren) Sex, Dating und den Hot Girl-Shit. Sexy, zuckersüß oder in absoluter Abrisslaune - Mariybu weiß mit ihren unterschiedlichen Attitüden zu spielen und zählt Deutschlandweit zudem zu den experimentierfreudigsten Artists mit HipHop-Wurzeln.

SIDO hat in seinen 20 Jahren als Musiker alles erreicht, was man in diesem Land erreichen kann, mehr noch als das. #1-Hits, Platinalben, Preise, Millionen, Ikonenstatus. Vor allem ist er relevant geblieben, bis ins Streamingzeitalter hinein. Weil er diese Superkraft besitzt: in der eigenen Biografie Lieder zu finden, die Millionen von Menschen berühren, als wäre es ihr eigenes Leben, über das da gesungen wird. Das Echte, das uns der HipHop lehrt.

Jetzt hat SIDO ein neues Album gemacht. “Paul” heißt es und kommt am 09. Dezember. Es ist das wohl ehrlichste seiner an ehrlichen Momenten gewiss nicht armen Ausnahmekarriere.

SIDO hat in seinen 20 Jahren als Musiker alles erreicht, was man in diesem Land erreichen kann, mehr noch als das. #1-Hits, Platinalben, Preise, Millionen, Ikonenstatus. Vor allem ist er relevant geblieben, bis ins Streamingzeitalter hinein. Weil er diese Superkraft besitzt: in der eigenen Biografie Lieder zu finden, die Millionen von Menschen berühren, als wäre es ihr eigenes Leben, über das da gesungen wird. Das Echte, das uns der HipHop lehrt.

Jetzt hat SIDO ein neues Album gemacht. “Paul” heißt es und kommt am 09. Dezember. Es ist das wohl ehrlichste seiner an ehrlichen Momenten gewiss nicht armen Ausnahmekarriere.

Mit seinem neuen Album „Mainpark Baby“ zerfetzt der Offenbacher Rapper die auf Ignoranz, Ausgrenzung und Rassismus gründende sogenannte Ausländerpolitik der letzten Jahrzehnte mit einem lauten Krachen in der Luft. Haftbefehl weiß: Mainpark ist überall.

„Ich wollte vor allem ein richtig geiles Hip-Hop-Album machen“, sagt Aykut Anhan aka Haftbefehl. „Das weiße und das schwarze Album hatten einen roten Faden, sie gehörten untrennbar zusammen. Das weiße stand für das Licht, den Tag, die Party, das schwarze für die Düsternis und die Abgründe danach. Auf ‚Mainpark Baby‘ wollte ich die Mitte zwischen diesen beiden Extremen ausloten.“

Es geht um die Kinder und Kindeskinder der ersten Einwanderergeneration in jener Offenbacher Siedlung, der das Album seinen Titel verdankt. Unerfüllte Träume spielen eine Rolle bei diesen sogenannten Mainpark-Babys, gescheiterte Lebensentwürfe allerdings eher nicht: Den meisten Leuten in diesen Songs hat das Leben keine Chance gegeben, überhaupt so etwas wie einen Entwurf zu entwickeln.

Mit „Mainpark Baby“ erweist er sich erneut als einer der besten Rapper und scharfsinnigsten, straßenpoetischsten Texter in diesem Land. Ein Dichter der Nacht, der uns mitnimmt in die Straßenschluchten, in die dunklen Keller, die Bars und auf den Strich. Das kommt hier alles weiterhin direkt und ungefiltert aus einem wild schlagenden Künstlerherzen.

Mit seinem neuen Album „Mainpark Baby“ zerfetzt der Offenbacher Rapper die auf Ignoranz, Ausgrenzung und Rassismus gründende sogenannte Ausländerpolitik der letzten Jahrzehnte mit einem lauten Krachen in der Luft. Haftbefehl weiß: Mainpark ist überall.

„Ich wollte vor allem ein richtig geiles Hip-Hop-Album machen“, sagt Aykut Anhan aka Haftbefehl. „Das weiße und das schwarze Album hatten einen roten Faden, sie gehörten untrennbar zusammen. Das weiße stand für das Licht, den Tag, die Party, das schwarze für die Düsternis und die Abgründe danach. Auf ‚Mainpark Baby‘ wollte ich die Mitte zwischen diesen beiden Extremen ausloten.“

Es geht um die Kinder und Kindeskinder der ersten Einwanderergeneration in jener Offenbacher Siedlung, der das Album seinen Titel verdankt. Unerfüllte Träume spielen eine Rolle bei diesen sogenannten Mainpark-Babys, gescheiterte Lebensentwürfe allerdings eher nicht: Den meisten Leuten in diesen Songs hat das Leben keine Chance gegeben, überhaupt so etwas wie einen Entwurf zu entwickeln.

Mit „Mainpark Baby“ erweist er sich erneut als einer der besten Rapper und scharfsinnigsten, straßenpoetischsten Texter in diesem Land. Ein Dichter der Nacht, der uns mitnimmt in die Straßenschluchten, in die dunklen Keller, die Bars und auf den Strich. Das kommt hier alles weiterhin direkt und ungefiltert aus einem wild schlagenden Künstlerherzen.

Limitierte Auflage von 500 Exemplaren.

Fast vier Jahre nach der Veröffentlichung seines von der Kritik hochgelobten Albums CARE FOR ME (2018) hat der Independent-Rapper und Produzent aus Chicago und Pivot Gang-Mitbegründer Saba sein lang erwartetes drittes Studioalbum Few Good Things veröffentlicht.

"Das Konzept von 'Few Good Things' ist die Selbstverwirklichung nach einer Suche nach äußerer Erfüllung", so Saba über die Inspiration hinter dem Albumtitel. "Es ist die Befriedigung und Vollständigkeit, die du erlangst, wenn du einfach ein Leben lebst, das dir gehört. Wenige ist eine kleine Zahl, aber wenige ist nicht einsam. Im Angesicht aller Widrigkeiten bedeutet wenig Gutes, Segnungen zu erkennen und anzunehmen. Wenig bedeutet, sie einzeln zu zählen - ein leeres Glas ist voller Luft, eine leere Bank ist voller Lektionen, und ein leeres Herz ist voller Erinnerungen. Wenige gute Dinge sind, sich mit der Leere anzufreunden und trotzdem die Fülle zu finden." - Saba

LESKY und Waywell sind zurück mit der Fortsetzung zu ihrer 2021 erschienenen EP „Whitecaps“. Ein weiterer perfekter Soundtrack zu spätsommerlichen Poolparties und Lagerfeuern am Stand. Ihre neues Album heißt „Mesame“, der georgischen Begriff für „das dritte“. Der Titel bezieht sich auf das dritte Auge, dass im indischen Chakrasystem für die Wahrnehmung jenseits des Gewöhnlichen steht und den psychedelischen Sound des Albums verbildlicht. „Mesame“ erscheint am 09. September digital und als LP, bestehend aus 6 brandneuen Tracks und allen Tracks der “Whitecaps” EP.

Die beiden Auswanderer LESKY und Waywell lernten sich in Tiflis, Georgien, kennen, wo sie sich ein Studio teilten. Waywells entspannte Gitarrenriffs und LESKYs pointierte Produktion bilden den perfekten Hybridsound aus kosmischem Lofi gepaart mit unterschwelligen Yacht-Rock-Vibes und schufen das neue Genre Lofi-Yacht-Pop. LESKY wurde in Leipzig geboren, emigrierte aber 2021 nach Georgien und widmet sich dort voll der Musik. LESKY kreiert eigene Soundlandschaften durch die Kombination von Mellow Neo-Soul-Keys, Trap-Drums und kaum noch erkennbaren Samples und veröffentlichte bereits zwei EPs und das Album „Meraki“ bei Melting Pot Music. Außerdem diverse weitere Projekte auf renommierten Labels wie Blue Note Records/Astralwerks und Lofi Girl. Waywell brachte seit 2017 einige selbst veröffentlichte Single und eine EP heraus.

Die musikalische Off-Season ist nun vorbei, denn Brenk Sinatra eröffnet das Sommersemester auf seiner Boss Spieler University. Da, wo im Spätsommer 2019 der zweite Teil seiner Midnite Ride Serie endete, setzt das neue
Album nun nahtlos fort. Dass Boss Spieler University im Sommer erscheint, ist kein Zufall, denn das Album ist vom Down South Spirit der 90-er Jahre inspiriert, den Brenk gekonnt in das Jahr 2021 holt. Und welcher Sound könnte besser zu einem heißen, hoffentlich postpandemischen
Sommer passen? Auch dieses Mal strotzt Brenks neues Album nur so vor Vibes und sphärischen Sounds. Seine beachtliche Sammlung
an Vintage-Synthesizern ist hier ebenso deutlich hörbar wie die neuen Gesangselemente – analoge Vocoder, sowie eine Talkbox, mit denen Brenk auf nahezu allen Tracks die Hooks und Vocal Parts selbst eingesungen hat. Natürlich kommen auch Wah-Wah Gitarren, Cow Bells und 808s nicht zu kurz. Der Begriff „Boss Player“ ist in den Lyrics der
bereits erwähnten Down South Ära aber auch im Westcoast-Rap der 90er allgegenwärtig, und repräsentiert wie kein anderer Begriff das auf dem Album festgehaltene Lebensgefühl. Spieler*innen dieser Welt können ab 9. Juli ihr Diplom auf Brenk Sinatras Boss Spieler University absolvieren, statt Bücher und Laptops sind hier jedoch Spielwürfel und ein gekühlter Drink die richtigen Lehrutensilien.

Das Album der beiden Leipziger mit HHV-exlusivem Cover auf goldenem Vinyl. Limitiert auf 50 Stück.

Johnny Katharsis ist kein Unbekannter in Deutschraps Untergrund. Mit der 2LP „Sanfter Terrorismus“ und dem Nachfolger „1984“ macht er ab 2013 als Solokünstler auf sich aufmerksam. Nebenbei definiert er um diese Zeit, zusammen mit seiner ersten und einzigen Crew, den Funkverteidigern, das Soundbild von samplelastigem Deutsch-Rap neu und bringt Leipzig auf die musikalische Landkarte. Nicht nur frische Vinyls mischt er regelmäßig unters Volk, sondern veröffentlicht auch – unter seinem bürgerlichen Namen John Sauter – Hörstücke, Gedichte und Beiträge in Literaturzeitschriften. Mit dem Release seines zweiten Buches „Zone“ (erscheint bei Edition Azur / Voland & Quist) wird er im Frühjahr 2021 ein weiteres Stück seiner phantastischen Welt präsentieren.

Aus diesem Kosmos kommt auch sein neues Album „Nostromo“, das ebenfalls Anfang 2021 erscheint. Bei der LP handelt es sich um die zweite Zusammenarbeit mit dem Leipziger Producer HeMightBe, dessen treibende und atmosphärische Beats perfekt zur lyrischen Welt von Johnny Katharsis passen. „Wir mischten MDMA mit ein bisschen Schnaps“, heißt es im Chorus des Openers der „Nostromo“-LP. Dabei rappelt hier weniger schlichte Provokation als viel mehr Lebensgefühl und Herzschlag einen Tanz übers schiefe Parkett des zonigen Habitats. Die Lines und die eingängigen Beats auf Johnny Katharsis-Platten sind nie Selbstzweck, sondern transportieren das Gefühl eines Auf-und Weiterwachsens zwischen Randgebiet, Plattenbau, Autobahnzubringer und Stranden vorm Späti in seinem Leipziger Lieblingsviertel Connewitz.

Limitierte Version des Albums in goldfarbenen Vinyl, gefertigt in der Leipziger Plattenschmiede RAND MUZIK!

2020, wir müssen reden! Corona, Brexit, Johnson, Trump und jede Menge andere Scheiße, die in der Welt vor sich geht. Für Jason Williamson und Andrew Fearn aka Sleaford Mods bietet dieses Seuchenjahr natürlich reichlich Material für ein neues Album. Williamson, auch bekannt als eine der spitzesten Zungen Englands, nimmt auch auf dem neuen Album „Spare Ribs“ kein Blatt vor den Mund. Über die Jahre haben sich die Sleaford Mods zu einer relevanten popkulturellen außerparlamentarischen Opposition gemausert, deren Liveshows mittlerweile überall die großen Hallen füllen (würden, wenn es sie denn gäbe). Jason Williamson spricht die Sprache der Menschen auf der Straße, hat dabei ein Gespür für ihre Sorgen sowie Nöte und trägt sein Herz stets auf der Zunge. Dabei klingt die Karriere der Sleaford Mods fast schon zu kitschig, um wahr zu sein. Aus einem Hobbykeller in Nottingham heraus erobern zwei normale Typen mit ihrer eigenwilligen Musik binnen kürzester Zeit die ganze Welt. Richtig bewusst wurde Williamson das erst auf Touren in Australien und den USA, wo ihm klar wurde, dass seine Texte und die Musik der Band eine universelle Sprache sprechen, die Fans auf der ganzen Welt verstehen können. Selbst wenn man die Lyrics, auf Grund des derben Akzents und der Geschwindigkeit mit der Jason Williamson seine Geschichten erzählt, nur bedingt versteht, vermittelt der intensive Sound eine Dringlichkeit, die unmissverständlich ist. Der Titel des sechsten Albums ist „Spare Ribs“. Der Name bezieht sich auf die Corona-Krise in England, wo manchen politischen Eliten, das Leben ihrer Mitmenschen verzichtbar erscheint. Die erste Single heißt „Mork n Mindy“ und ist ein Duett von Jason Williamson und der britischen Newcomerin Billy Nomates. Jason über den Track “Mork n Mindy is the sound of the central heating and the dying smells of Sunday dinner in a house on an estate in 1982. Concrete, dinted garages, nicotine. Where beauty mainly exists in small cracks on the shell of your imagination. Captured perfectly in Ben Wheatley’s video for the song.” Auf einem weiteren Song singt Amy Taylor, Sängerin der australischen Punkband Amyl & The Sniffers. „Spare Ribs“ wurde binnen 3 Wochen während des Lockdowns aufgenommen und filetiert textlich das politische Establishment. “'Our lives are expendable under most governments, secondary under a system of monetary rule. We are stock if you like, parts on a shelf for the purposes of profit, discarded at any moment if fabricated or non-fabricated crisis threatens productivity. This is constant, obviously and notably in the current pandemic. The masses cannot be present in the minds of ill-fitting leaders, surely? Or else the realization of their catastrophic management would cripple their minds. Much like the human body can still survive without a full set of ribs we are all 'spare ribs’, preservation for capitalism, through ignorance and remote rule, available for parts.” In kürzester Zeit sind Sleaford Mods zu einem elementaren Bestandteil der britischen Kulturszene geworden. In Zeiten wie diesen ist die räudige Stimme dieser Band wichtiger denn je, denn niemand bellt der High Snobiety kesser ins Gesicht als Jason Williamson. Mit „Spare Ribs“ wird er das 2021 noch etwas lauter tun.

Reguläre Version auf schwarzem Vinyl in Gatefold Sleeve.

Der Einstieg: eine Straßenecke im dicht besiedelten Stuttgarter Westen. Ein großgewachsener Blondschopf parkt den Familienkombi am Randstein, den Maxi-Cosi noch auf dem Rücksitz. Er steigt aus, macht sich ein Getränk auf und die Anlage an.

Wenn Dexter, der Rapper und Produzent, zurück an der „Corner“ ist, hat das nicht viel mit Kleinkriminellen-Klischees und Gucci-Gehabe zu tun. Vielmehr mit der Rückbesinnung auf die Kunst, die ihn schon seit frühester Jugend begleitet, und mit einer Rückkehr ins gute Leben, das er jetzt, nach ein paar einschneidenden Veränderungen, mit voller Absicht in den Mittelpunkt stellt. „Yung Boomer“ ist das Album zu diesem Leben.

Aber, man ahnt es schon: All das kommt nicht aus dem Nichts. Dexter war in den letzten 10 Jahren als Produzent an Platin-Alben von Cro und Casper beteiligt, er verantwortete zwei erfolgreiche Fatoni-Alben ebenso wie zahllose Kollabos und Untergrund-Projekte. Solo und mit der Producer-Supergroup Betty Ford Boys war er wegweisend für das neue Selbstbewusstsein einer ganzen Generation hiesiger HipHop-Beatmaker – weniger Dienstleister, mehr Aufmerksamkeit. Dass er selbst einmal als Rapper angefangen hatte, geriet dabei oft in Vergessenheit. Erst „Haare nice, Socken fly“ (2017) war sein erstes echtes Rap-Soloalbum.

Für Dexter war Musik nie alternativlos. Nach abgeschlossenem Medizinstudium arbeitete er als Kinderarzt in einer Stuttgarter Klinik und schob endlose Nachtschichten zwischen Schlafentzug und Notkaiserschnitt, um sich Freizeit für eigene Shows und Touren zu sichern. Außerdem wurde er Familienvater – sein erster Nachwuchs eröffnete schon „Haare nice ...“ offensiv mit der Ansage: „Papa ist der beste Rapper.“ Daher also der VW Caddy am Straßenrand.

2019, mit Mitte dreißig, traf Dexter schließlich den Entschluss, den andere Rapper in diesem Alter längst wieder in Frage stellen, und drückte die Pausetaste für den Arztberuf. Weil er es dann doch ganz genau wissen wollte: Was passiert, wenn er sich auf die Musik als Hauptberuf konzentriert und jeden Tag in sein Studio geht, sobald die Kids in der Kita sind?

Grown-Man-Rap ist ein schwieriger Begriff. Gerade wenn man so ein inhärent junges Mindset transportiert wie Dexter und einen so progressiven Soundentwurf verfolgt wie auf „Yung Boomer“. Die Gelassenheit, die aus jeder Strophe spricht, ist jedenfalls unmissverständlich und zeugt von einer gesunden Distanz zur Szene – ebenso aber von einer intimen Kenntnis der Materie Rap, mit allen Höhen und Tiefen. Wenn Dexter plakativ „Ich geh nicht in den Club“ wiederholt („Luft“), trifft das auf mehreren Ebenen zu. Es geht um die Unlust auf stumpfe Feier-Rituale des Nachtlebens, um die Erinnerung an distanzlosen Smalltalk mit Kräuterlikör-Fahne im Gedränge. Aber es geht auch um den überaus erfolgreichen Deutschrap mit seinem Testosteronüberschuss und Koksproblem. Dexter
sucht also lieber das Weite und findet es ganz nah bei sich: Grauburgunder und Jogginghose, Studio und Familie. Das gute Leben eben.

Dexter verzichtet liebend gern auf das Dazugehören, weil er seine Mitte schon gefunden hat. Dass das bisweilen bürgerlich anmuten kann – Hashtag Boomer –, nimmt er gern in Kauf, denn nur in diesem Leben konnte er gemeinsam mit Rap erwachsen werden. Dexter sagt sich von einer oft toxischen Beziehung zur Szene los und verschreibt sich der stetigen Entwicklung, persönlich wie musikalisch. Auf „Yung Boomer“ treffen Synth-Flächen und detailreiche Trap-Beats immer wieder auf ausgefuchste Chord-Strukturen, die näher an Jazz sind als an Playlisten-Massenware. Alles dient dem Zweck, für sich selbst das spannendste Album zu konstruieren. Die Auswahl seiner Gäste untermauert das: Hier die Hype-Helden Lugatti & 9ine („Kombi nicht normal“), da Fatoni und der junge Yrrre mit einer Hymne auf Deutschrap-Hassliebe und Release-Radar („Freitag“) und dort die Battlerap-Kings zweier Generationen, Lakmann und Döll („Kontrolle“).

Realness, das ist noch so ein schwieriger Begriff im Rap. Dexter gelingt es, ihn für sich positiv umzudeuten und eigene Regeln aufzustellen. Als Familienvater und Musiker, als erwachsener Fan und Protagonist einer ewigen Jugendkultur und als ein Junge aus Süddeutschland, in dessen Sozialisation „Bierbong“-Unfug ebenso präsent war wie „Menace II Society“. Mit dem entwaffnend offenen letzten Song des Albums geht Dexter diesen Weg konsequent weiter: Auf „Apoplex“ spricht er zum ersten Mal über einen Schlaganfall, den er während eines DJ-Gigs erlitt und der ihn für einige Zeit aus dem Verkehr zog. Seitdem ist vieles anders, bewusster und klarer. Prioritäten lenken Leben.

„Yung Boomer“ ist Dexter vom ersten Ton bis zur letzten Silbe, ein Goldjunge mit Stilbewusstsein, Lebenserfahrung und neuem Fokus. Es ist schön zu erleben, dass deutscher Rap das jetzt kann. Dieser Boomer ist okay.

Limitiert auf 1000 handnummerierte Exemplare Mit special bedruckter, dicker Innenhülle

Verwunderlich, dass diese beiden Fachmeister erst jetzt zueinander gefunden haben, eint sie doch vor allem ihr unermüdlicher Schaffensdrang und das zielsichere Gespür, sich immer wieder gegenseitig in wechselnder Kollaboration in die nächsten Dimension zu katapultieren.

Auf der Torkyseite wären da alleine im letzten Quartal die neue T9 Platte „90/10“ mit doz9 und „Doposole“ mit Fid Mella zu nennen, während sich Elo in der gleichen Zeit mit Suff Daddy auf „Misery Funk“ und mit Knowsum/Nepumuk auf „jlalsd“ ausgetobt hat.

„Modus Minus“ heißt der erste gemeinsame Longplayer der beiden und präsentiert dir den härtsten und seelevollsten Eloquent den du kennst auf Torkys trippieste Halftimeeskapaden. Kompromisslos kontrastreich zwischen brutalen Battelraps, Perspektiven von ganz da unten und Liedern über Abschied auf lyrischer Seite, navigiert Torkys Feingespür für Melodik und vielschichtige Arrangements alles in nahezu märchenhafte Stimmigkeit. Trappy, aber mit unabweisbarem Freischwingerstatus und von Anfang an vor herrlicher Aggression und Spannung kurz vorm explodieren.

Scorsese in Reinform.

„Modus Minus“ erscheint am 25.092020 auf allen digitalen Plattformen und Ende Oktober auf Vinyl.

„Was für integrier’n, häng mit wilden Tier'n, nein ich spreche eure Sprache nicht“

SXT

Auf diese Trauerfeier haben seine Fans seit Jahren gewartet: Das „Funeral“-Album, das Lil Wayne schon im Jahr 2016 erstmals erwähnt hatte.

„Welcome to the funeral/Closed casket as usual“, heißt es im Teaser: Nachdem 2019 bereits vereinzelte Sarg-Emojis auf den „Funeral“-Stichtag hingedeutet hatten, wird es nun also konkret. Klanglich war dem MC aus New Orleans wichtig, „dass sich alles etwas mehr nach dem aktuellen Sound anhört“, hatte Lil Wayne im Vorfeld verraten, der über die Website Lilwaynefuneral.com obendrein eine exklusive Capsule Collection herausbringt.

Edwin’s Debut-Album "SLEBEN" lässt tief in seine Seele blicken.

Edwin, geboren und aufgewachsen im 21. Wiener Gemeinde Bezirk, ist nicht wie jedermann. Denn ist Edwin im Raum, dann weiß das jeder. Seine feurige Art ist gefüllt mit romantischen Gefühlen, nächtlichen Gürtel-Anekdoten und charmanten Anglizismen. Aber natürlich prägt auch gerade die Liebe zum Wiener Schmäh seine Zeilen. Nie ohne seine große Muse, die Stadt Wien auszulassen. Und wie sein Leben, so auch seine Kunst – getränkt in den Substanzen langer Nächte und filmreifer Rendezvous. Unterlegt mit sphärischen Beats und 808’s, die nicht nur am Tanzbein rütteln, sondern auch zum Mitsingen zwingen.

Nach Edwin’s ersten EP 2017 wurden das Waves-Festival, die Donauinsel, die Red-Bull-Stage am Frequency Festival und Support-Shows für Kelvyn Colt und Naked Cameo gespielt. Das "Bahoe Tape" erschien 2018 und brachte die Single "Schmäh Olé" in die FM4-Rotation. Spätestens jetzt war klar – Edwin kann singen und rappen. Was "Allegro", die Kollaboration mit Freund und Labelkollegen Jugo Ürdens zementierte. Ende 2019 veröffentlichte er die Single "6 Gänge Menü" und Anfang 2020 "Aquarium" – die ersten Vorboten zum kommenden Album "SLEBEN".

Wie der Wiener so schön sagt: "SLEBEN halt." – mit all seinen verworrenen Wegen, charmanten Überraschungen und schmerzenden aber auch unvergesslich schönen Momenten. Ein Album, für das Edwin selbst die Tür zu seinem Innersten öffnete und seinen Emotionen auf den erfrischenden Produktionen von food4tought (Heiße Luft), Lukas Maletzky (Naked Cameo) und DiskoJürgen (Gloriettenstürmer) freien Lauf lassen konnte.

Was 2017 mit der ersten EP begann, findet mit dem Album "SLEBEN" seinen eigentlichen Start: Edwin ist angekommen – und zwar, um zu bleiben.

Nichts und niemand sonst hat in den letzten Jahren mehr Eindruck auf die Musikkultur in diesem Land hinterlassen als KitschKrieg. Der reduzierte Sound. Die Bilder in Schwarz und Weiß. Das DIY-Ding. Diese ganze Idee, selten ein Gesicht, dafür umso mehr von sich selbst zu zeigen. KitschKrieg haben nie mehr gesagt, als nötig war, und wahrscheinlich ist genau das der Grund dafür, dass ihnen alle zuhörten. Ihre Songs sind geblieben, fast wie zum Trotz. Es gibt inzwischen ja dieses Ritual, immer wieder donnerstags, wenn man um 23:59 Uhr die neue Musik checkt und dabei alles Mögliche findet, nur keine neue Musik. KitschKrieg haben an dieser zynischen Tombola um Positionen, Plays und Parra nie teilgenommen. Sie haben einfach nur die Musik gemacht, die sie in sich gefunden haben, als es um sie herum so leise war, dass man sie nicht mehr überhören konnte. Damit schafften sie es auf Platz eins der Charts, bekamen Platin und die Preise, die man so bekommen kann. Es war bestimmt nicht ihr Plan. Aber sie haben gezeigt, dass es gehen kann. Sogar dann, wenn wirklich gar nichts mehr geht.
“KitschKrieg” ist in vielerlei Hinsicht, was KitschKrieg immer schon gemacht haben. Aber ist es intensiver, tiefer irgendwie, auch radikaler: der Rausch heftiger, der Blues finsterer. Es gibt ein paar neue Akzente, eine lose Rave-Energie zum Beispiel, die sich durch viele der Song zieht, und ein paar Gastmusiker, die man in ihrem Kosmos eher nicht erwartet hätte: Nena, Bilderbuch, Modeselektor, Jan Delay auf Autotune oder der verdammte World Boss höchstpersönlich. Die essentiellen Fragen aber sind dieselben geblieben, seit der WG, seit “KK1”: Wenn Quincy Jones oder Bob Dylan über die DNS eines guten Songs nachdenken, was heißt das für uns? Und was ist möglich, wenn man sich traut, das wirklich zu Ende zu denken, es zu machen?
Man braucht da nicht drumherumreden. KitschKrieg sind in die Phase eingetreten, in denen typischerweise die Vorschüsse und die Kompromisse reinkicken, die Musik irgendwie besser und gleichzeitig egaler wird. Es ist vielleicht ihr größter Verdienst, dass sie sich dieser Dynamik einfach verweigert haben. Freiheit hat auch damit zu tun, die vermeintlich vernünftigen Entscheidungen nicht zu treffen und stattdessen ein bisschen genauer hinzugucken. Musik und die Arbeit daran hatten immer eine therapeutische Wirkung für KitschKrieg, in einem sehr handfesten Sinn: die täglichen Abläufe im Studio, das Definieren und Justieren von Prozessen, die ständige Auseinandersetzung mit dem eigenen Schaffen. Was ist das eigentlich, was wir hier machen? Und was soll es werden, wenn es fertig ist? Es hat in Deutschrap-Deutschland schon viele Produzentenalben gegeben. Ein paar waren ganz gut, viele eher schlecht, die allermeisten einfach komplett egal: ein paar Beats und ein paar Freunde, die halt gerade Zeit und ein paar Reime übrig hatten. Auf “KitschKrieg” dagegen ist jeder Song im wahrsten Sinne des Wortes essentiell: der Wesenskern eines Moments, eines Genres, einer Idee. Geiler Rapscheiß unter den Vorzeichen von Grime und Trap. Das Gipfeltreffen von Peter Fox und seinem Statthalter im Streamingjetzt, Trettmann. Der perfekte Popsong über das Ungeheuer unter deinem Bett, vor dem du nur so lange Angst hast, bis du es umarmst. Das Feature, das Drake nicht bekommen hat. Asoziale Gangstamucke, die noch asozialer ist als all die andere asoziale Gangstamucke da draußen. Ein utopisches Liebeslied, das alles Komplizierte aus der kompliziertesten Sache der Welt nimmt. Die helle Seite der Macht. Die dunkle Seite der Nacht. All das klingt leicht und heavy und so selbstverständlich wie wenig sonst in diesem Land, das immer schon gerne kopiert und in all der Formtreue das eigentliche Thema verfehlt hat. “KitschKrieg” ist Musik über die Welt und ein bisschen auch über KitschKrieg selbst: in vielen, vielen Runden verdichtet, auseinandergenommen und so rekonstruiert, dass es neuen Sinn stiftet.

Nichts und niemand sonst hat in den letzten Jahren mehr Eindruck auf die Musikkultur in diesem Land hinterlassen als KitschKrieg. Der reduzierte Sound. Die Bilder in Schwarz und Weiß. Das DIY-Ding. Diese ganze Idee, selten ein Gesicht, dafür umso mehr von sich selbst zu zeigen. KitschKrieg haben nie mehr gesagt, als nötig war, und wahrscheinlich ist genau das der Grund dafür, dass ihnen alle zuhörten. Ihre Songs sind geblieben, fast wie zum Trotz. Es gibt inzwischen ja dieses Ritual, immer wieder donnerstags, wenn man um 23:59 Uhr die neue Musik checkt und dabei alles Mögliche findet, nur keine neue Musik. KitschKrieg haben an dieser zynischen Tombola um Positionen, Plays und Parra nie teilgenommen. Sie haben einfach nur die Musik gemacht, die sie in sich gefunden haben, als es um sie herum so leise war, dass man sie nicht mehr überhören konnte. Damit schafften sie es auf Platz eins der Charts, bekamen Platin und die Preise, die man so bekommen kann. Es war bestimmt nicht ihr Plan. Aber sie haben gezeigt, dass es gehen kann. Sogar dann, wenn wirklich gar nichts mehr geht.
“KitschKrieg” ist in vielerlei Hinsicht, was KitschKrieg immer schon gemacht haben. Aber ist es intensiver, tiefer irgendwie, auch radikaler: der Rausch heftiger, der Blues finsterer. Es gibt ein paar neue Akzente, eine lose Rave-Energie zum Beispiel, die sich durch viele der Song zieht, und ein paar Gastmusiker, die man in ihrem Kosmos eher nicht erwartet hätte: Nena, Bilderbuch, Modeselektor, Jan Delay auf Autotune oder der verdammte World Boss höchstpersönlich. Die essentiellen Fragen aber sind dieselben geblieben, seit der WG, seit “KK1”: Wenn Quincy Jones oder Bob Dylan über die DNS eines guten Songs nachdenken, was heißt das für uns? Und was ist möglich, wenn man sich traut, das wirklich zu Ende zu denken, es zu machen?
Man braucht da nicht drumherumreden. KitschKrieg sind in die Phase eingetreten, in denen typischerweise die Vorschüsse und die Kompromisse reinkicken, die Musik irgendwie besser und gleichzeitig egaler wird. Es ist vielleicht ihr größter Verdienst, dass sie sich dieser Dynamik einfach verweigert haben. Freiheit hat auch damit zu tun, die vermeintlich vernünftigen Entscheidungen nicht zu treffen und stattdessen ein bisschen genauer hinzugucken. Musik und die Arbeit daran hatten immer eine therapeutische Wirkung für KitschKrieg, in einem sehr handfesten Sinn: die täglichen Abläufe im Studio, das Definieren und Justieren von Prozessen, die ständige Auseinandersetzung mit dem eigenen Schaffen. Was ist das eigentlich, was wir hier machen? Und was soll es werden, wenn es fertig ist? Es hat in Deutschrap-Deutschland schon viele Produzentenalben gegeben. Ein paar waren ganz gut, viele eher schlecht, die allermeisten einfach komplett egal: ein paar Beats und ein paar Freunde, die halt gerade Zeit und ein paar Reime übrig hatten. Auf “KitschKrieg” dagegen ist jeder Song im wahrsten Sinne des Wortes essentiell: der Wesenskern eines Moments, eines Genres, einer Idee. Geiler Rapscheiß unter den Vorzeichen von Grime und Trap. Das Gipfeltreffen von Peter Fox und seinem Statthalter im Streamingjetzt, Trettmann. Der perfekte Popsong über das Ungeheuer unter deinem Bett, vor dem du nur so lange Angst hast, bis du es umarmst. Das Feature, das Drake nicht bekommen hat. Asoziale Gangstamucke, die noch asozialer ist als all die andere asoziale Gangstamucke da draußen. Ein utopisches Liebeslied, das alles Komplizierte aus der kompliziertesten Sache der Welt nimmt. Die helle Seite der Macht. Die dunkle Seite der Nacht. All das klingt leicht und heavy und so selbstverständlich wie wenig sonst in diesem Land, das immer schon gerne kopiert und in all der Formtreue das eigentliche Thema verfehlt hat. “KitschKrieg” ist Musik über die Welt und ein bisschen auch über KitschKrieg selbst: in vielen, vielen Runden verdichtet, auseinandergenommen und so rekonstruiert, dass es neuen Sinn stiftet.

Die Gemeinde kann aufatmen, Baba Haft ist zurück: „Das weisse Album“ heißt das sehnsüchtig erwartete neue Haftbefehl-Album, erscheinen wird es am 05. Juni. Und bereits die ersten Auskopplungen lassen erahnen: Haftbefehl hat sich für „Das weisse Album“ aufgezehrt und alles gegeben, was in ihm steckt – ohne Filter, Netz und doppelten Boden. Musikalisch geht meist kopfüber durch die Nacht. Die erste Hälfte überwiegend Rausch und Tempo, auf der zweiten kommt der Absturz danach, der Zweifel, der Schmerz und die Depression. Mit seinem Sparringpartner Bazzazian, der bereits „Russisch Roulette“ produziert hatte, hat Haftbefehl endlose Stunden zugebracht und nicht weniger als sein Opus Magnum produziert. Wie es klingt, davon vermittelt eine Sequenz aus dem Song „RADW“ einen Eindruck: „Bruder, du baust den Beat“, sagt Baba Haft dort, „du versuchst, so laut wie möglich den Beat zu machen und ich schrei einfach rein, Bruder. Und wir kämpfen einfach, eins gegen eins.“ Musik als Kampf: Die Beats und Sounds, die Bazzazian dazu findet, sind mal hymnisch, mal nervös zuckend. Ein bisschen ist dieses Album wie der Film „Victoria“: ungeschnitten, manchmal tut es weh, erhaben, wahrhaftig und mitreißend ist es in jeder Note.

Die Gemeinde kann aufatmen, Baba Haft ist zurück: „Das weisse Album“ heißt das sehnsüchtig erwartete neue Haftbefehl-Album, erscheinen wird es am 05. Juni. Und bereits die ersten Auskopplungen lassen erahnen: Haftbefehl hat sich für „Das weisse Album“ aufgezehrt und alles gegeben, was in ihm steckt – ohne Filter, Netz und doppelten Boden. Musikalisch geht meist kopfüber durch die Nacht. Die erste Hälfte überwiegend Rausch und Tempo, auf der zweiten kommt der Absturz danach, der Zweifel, der Schmerz und die Depression. Mit seinem Sparringpartner Bazzazian, der bereits „Russisch Roulette“ produziert hatte, hat Haftbefehl endlose Stunden zugebracht und nicht weniger als sein Opus Magnum produziert. Wie es klingt, davon vermittelt eine Sequenz aus dem Song „RADW“ einen Eindruck: „Bruder, du baust den Beat“, sagt Baba Haft dort, „du versuchst, so laut wie möglich den Beat zu machen und ich schrei einfach rein, Bruder. Und wir kämpfen einfach, eins gegen eins.“ Musik als Kampf: Die Beats und Sounds, die Bazzazian dazu findet, sind mal hymnisch, mal nervös zuckend. Ein bisschen ist dieses Album wie der Film „Victoria“: ungeschnitten, manchmal tut es weh, erhaben, wahrhaftig und mitreißend ist es in jeder Note.

„Viel Hunger, gute Beats und ein bisschen Bauchweh“

LPs im Tagteam gehören zum harten Sichtexotkern wie der Meeresblick zum Urlaub. Nepuman, Dummer Lump und Soylent Grün sind nur einige Beispiele für die heiß gelebte Kollaborationskultur des Hauses.

Mit JLALSD (Jaylib auf LSD) setzen Knowsum und Eloquent der Tradition vorläufig das Krönchen auf! Denn hier trifft eines der feinfühligsten Loopgespüre des Landes, auf ein lyrisches Vollblut, das sich noch auf keinem seiner Alben in einer solchen textlichen Bandbreite präsentiert hat.

Im Joint Venture werden alle Grenzen geschmackssicher eingerissen. Seelenvolle RnB-Nummern („Cheat“) werden mit kompromisslosem Battlehandwerk („Meerblick") und kurzen instrumentalen Interludes (mal produziert der eine, mal der andere) zu einem Album zusammengefasst, das in sich stimmiger kaum sein könnte. Ehe man sich fragt, was zur Hölle gerade mit einem passiert, ist man schon wieder mittendrin.

„Keine Zeit zu rasten – 7inch muss noch ins Presswerk, um das ganze aufzuwerten als wär die LP 'nen Dreck wert“

Zum Album kommt eine 7inch, auf der die Waffen getauscht werden. Eloquent killt nochmal drei Knowsum Beats in Ehrenrunde und produziert selbst auf der B-Seite drei Nepumuk Tracks – nonstop Banger!
Die LP ist limitiert auf 1.000 Stück. Dazu gibt es exklusiv mit HHV 500 Bundles mit 7inch.

Sichtexot Affe tot.

Ein Dowload Code ist inklusive. Sachen gibt‘s, die gibt‘s gar nicht!

Zum Beispiel Künstler, die in ihren 40ern einen neuen Angriff auf die hiesige Rapszene wagen. So wie Trettmann, der erst vor wenigen Jahren seinen Signature-Sound gefunden hat. So wie Niels Hausmann, die Nordlicht-Version des DIY-Spätzünders.

Beats, Recordings, Mix - alles kommt aus seiner Hand. Die Eier legende Wollmilchsau des deutschen Hip Hops. Nicht aufgewachsen zwischen Betonburgen, sondern im ländlichen Nirvana zwischen Bremen und Bremerhaven genau dort, wo sich Hase und Igel „Gute Nacht“ sagen. Ein visionärer Künstler, der sich endlich bereit fühlt, unter seinem bürgerlichen Namen seine Message mit der Welt zu teilen.

Beobachtet man Niels im Studio oder auf der Bühne, ist man von seiner Natürlichkeit, seiner Emotionalität und Leidenschaft augenblicklich inspiriert. Seine neue Interpretation von Conscious Rap liefert persönliche, sozialkritische und spirituelle Denkanstöße, lässt aber auch Platz für Humor. Seine introspektiven Texte zeigen: Niels Hausmann ist ganz bei sich, aber noch nicht angekommen!

Das erklärt auch den Verzicht auf einen Künstlernamen: Kein Image, sondern das reine pure Selbst erlebt man auf seiner neuen Platte. Die heißt „Licht“ und liefert, neben erhellend bis erleuchtenden Einsichten warme organische Beats, die tief im Funk, Soul und Jazz verwurzelt sind.

Seine Musikerfahrungen zwischen Bremen und Bremerhaven startete Niels Hausmann als MC unter dem Namen Monty Burns und in der Liveband Soulrender. Insbesondere die Zeit als Teil der Band formte sein Verständnis und seinen Anspruch an Musik: Zu bewegen und zu berühren, Denkanstöße zu geben und die Gedanken fließen und fliegen zu lassen. Niels Hausmann ist in der oft so oberflächlichen HipHop- und Popszene ein Gegenpol zu vielen anderen Rappern, deren Horizont nur vom Bordstein bis zur Skyline reicht. Dem zweifachen Familienvater und Yogalehrer nimmt man die Lebenserfahrung, die aus seinen Texten spricht, ab. Kein pubertierender Egotrip, das ist bewusster Grown Men`s Rap.

"In Deiner Seele brennt ein Feuer, dieses Feuer brennt für die Liebe, dieses Feuer brennt für das Glück, dieses Feuer brennt für den Frieden, dieses Feuer heißt Emu-na." – Rabbiner David Kraus

Nach Vollendung seiner "Geteiltes Leid"-Trilogie 2012 und dem frenetisch gefeier-ten Album "Herz", das 2017 Platz 2 der offiziellen deutschen Charts erklomm, er-scheint nun Moses Pelhams mittlerweile siebtes Studioalbum "EMUNA". Das heb-räische Wort Emuna wird gerne mit "Glaube" übersetzt. Moses Pelham selbst sagt aber im Titeltrack: "Das is´ mehr als Glaube, das is´ Emuna." Man bekommt eine Ahnung davon, was Emuna für Moses Pelham bedeutet, wenn man sich ganz auf die zwölf Stücke einlässt.

Durch die Ehrlichkeit und Leidenschaft des Albums und dessen Wirkung auf seine Hörer wird mehr denn je der vollumfassende Anspruch hinter der Kunst des Frank-furters erkennbar. Ihr Ursprung, ihr Antrieb, ihre Dringlichkeit. Nicht nur das Kön-nen, sondern das Müssen. Dieses Feuer, diese Kraft und dieser Glaube, diese Weisheit, dieses Licht und diese Liebe – all das ist "EMUNA".