Organic Grooves Tape 101 Artikel

Die Musikerinnen der Discodelic-Soul-Band Say She She, die ihren Namen als stille Anspielung auf Nile Rodgers ("C'est chi-chi!: It's Chic!") gewählt hat, veröffentlicht ihr zweites Album "Silver" auf den Spuren eines epischen Durchbruchsjahres, das von Tag zu Tag heller wird. Die drei starken Stimmen von Piya Malik (Stammgast bei El Michels Affair und ehemalige Backgroundsängerin von Chicano Batman), Sabrina Mileo Cunningham und Nya GazelleBrown sind die Frontfrauen der Band. Das harmonierende Trio entstand in einer klassischen New Yorker Geschichte von Freunden, die sich auf dem Weg zur Musik kennenlernten: auf den Tanzflächen der Innenstadt, auf den Dielen der Lower East Side und auf den Dächern von Harlem. "Silver" wurde Anfang des Jahres im Killion Sound Studio in North Hollywood geschrieben und live auf Band aufgenommen und von Sergio Rios (von Orgone) produziert. Während diese analogen Aufnahmetechniken dazu beitragen, Say She She's Sound in einem Fundament aus klanglicher Wärme zu verankern, das nur mit Tonband erreicht werden kann, ist es auch ihr Prozess, den Track im Moment zu produzieren und die Magie der gemeinschaftlichen Kreativität einzufangen, die dazu geführt hat, dass ihr Sound als "eine glorreiche Überladung aus freudigem Enthusiasmus und spiritueller Erhebung" (mojo) und "durchdrungen vom schrägen Post-Disco-Geist der frühen 80er Jahre in Nyc" (The Guardian) beschrieben wurde. Silver, das Element, ist bekannt als das Metall des Selbstbewusstseins und der Spiegel der Seele. Die 16-Song-Doppel-LP zeigt nicht nur, dass die Band an Selbstvertrauen gewonnen hat, sondern spiegelt auch eine tiefere Erkundung ihrer punkig-schicken, weiblich-vorwärts gerichteten Sensibilität wider.

Achtung: Dies ist eine 8-Spur-Kassette!

Auf ihrem umfangreichen neuen Album "Water Made Us" stellt die Chicagoer Musikerin und Dichterin Jamila Woods die Frage, was es bedeutet, sich der Liebe voll und ganz hinzugeben. Auf "Water Made Us" umarmt Jamila neue Genres, verspielte Melodien und hypnotisierende Wortspiele, während sie durch die berauschenden Turbulenzen von Liebeswracks und Zuflucht watet. Während Jamila auf "heavn" (2017) ihre Community innerhalb der schwarzen feministischen Bewegung feierte und auf "Legacy! Legacy!" (2019) ihre Lebenserfahrungen durch die Geschichten schwarzer und brauner Künstlerinnen und Künstler verarbeitete, ist "Water Made Us" eine völlig neue Art der Selbstoffenbarung und damit ihr bisher persönlichstes Album. "Water Made Us", das sie zusammen mit dem in LA ansässigen Produzenten McClenney aufgenommen hat und auf dem langjährige Freunde aus Chicago wie Saba und Peter CottonTale zu hören sind, ist ein weitläufiges und intimes Porträt der Selbstreflexion, das geschickt die verschiedenen Phasen einer Beziehung widerspiegelt: Die Anfänge, in denen man leicht Kompromisse eingeht, kokettiert und Spaß hat; das vorsichtige Aushandeln von Momenten des Konflikts oder der Verletzung; die Trauer über etwas Verlorenes; und die zärtliche Erkenntnis am Ende von allem, dass die Person, die gegangen ist, einen nie wirklich verlässt, sondern bei einem bleibt, während man bereit ist, es noch einmal zu versuchen, erfrischt und beruhigt. Der Titel des Albums - eine Zeile aus dem Highlight des Albums "Good News" - ist eine subtile Anspielung auf das berühmte Toni-Morrison-Zitat "All water has a perfect memory and is forever trying to get back to where it was". Es ist dieses Gefühl - der Erinnerung, des Ortes und der Rückkehr - das als Pfeiler für den Bogen des Albums dient. "Water Made Us" erinnert uns daran, dass die Liebe im besten Fall ein warmer, stiller Ozean ist. Tief, schimmernd und endlos in seinem Wunder. Und im schlimmsten Fall kann die Liebe ein reißender Strom sein, der uns so weit von uns selbst entfernt, dass wir kaum den Weg zurückfinden, ja nicht einmal mehr wissen, wie wir schwimmen sollen. Und doch ergibt sich Jamila dieser Brandung - jeder Welle und jedem Sog - weil vielleicht sogar die schmerzhaftesten Enden eine Einladung sein können, die sie zurück nach Hause ruft, zurück ans Ufer, zurück zu sich selbst.

Es war ein langer, verschlungener Weg der Hailu Mergia nun in seine sechste Dekade als Musiker führt. Von einem jungen Musiker in den 60er Jahren in Addis Abeba, über das goldene Zeitalter der Dance Bands in den 70er Jahren und die neue Hoffnung als Emigrant in Amerika bis hin zur trockeneren Zeit der 90er und 2000er Jahre, als er hauptsächlich in seinem Taxi Keyboard spielte, während er in den Warteschlangen am Flughafen verweilte oder sich zu Hause mit Freunden traf. In jüngerer Zeit erfährt Mergia mit der Neuauflage seiner Klassiker eine Neubewertung seiner Rolle in der äthiopischen Musikgeschichte. Mergia spielte in den letzten Jahren vor großem und kleinem Publikum an einigen der beliebtesten Schauplätze der Welt.Mit seinem von der Kritik gefeierten Durchbruch-Comeback-Album "Lala Belu" im Jahr 2018 festigte Mergia sein Vermächtnis, indem er das Album selbst produzierte und seinem Publikum die enorme kreative Kraft seiner Version der modernen äthiopischen Musik präsentierte. Seine nachfolgenden Auftritte zeigten einen Künstler, der in keiner Weise in der Nostalgie für den Klang des "goldenen Zeitalters" gefangen ist. Die Presse ist von Mergias modernem musikalischen Ansatz begeistert. Die New York Times, die BBC und Pitchfork loben seine Musik. Letztere bezeichnen seine Musik in ihrer Liste der 200 besten Alben der 2010er Jahre als "triumphantly in the present". Mergias neues Album "Yene Mircha" ("Meine Entscheidung" auf Amharisch) fasst viele der Dinge zusammen, die den Keyboarder, Akkordeonisten und Komponisten einzigartig machen. Das Trio, mit dem er in letzter Zeit weltweit auf Tournee war, besteht im Kern aus den in Washington DC beheimateten Alemseged Kebede (Bass) und Ken Joseph (Schlagzeug), um welche herum eine erweiterte Band eine starke Antwort auf die auf "Lala Belu" versprochene Zukunft des zeitgenössischen Jazz gibt. "Yene Mircha" vereint Mergias fruchtbaren Strom der Kreativität mit seiner Philosophie, dass es eine Vielzahl äthiopischer Musikansätze gibt, nicht nur einen einzigen...

Nach einigen Jahren des erfolgreichen Tourens durch die Welt veröffentlicht HAILU MERGIA nach 15 Jahren nun sein erstes neues Album "Lala Belu". Alles begann 2013 mit dem Re-Issue seines verträumtes ,Hailu Mergia And His Classical Instrument" gefolgt von dem enormen Erfolg seiner bahnbrechenden Ethio-Jazz Meisterwerke ,Tche Belew" und ,Wede Harer Guzo". Die Presse und die Fans lobten ihn in jeglicher Hinsicht und seine alten Aufnahmen waren ein geschätztes Fundstück für alle Connaisseure der äthiopischen Musik. Seine klassischen Aufnahmen werden gekannt und geschätzt, weil sie so mysteriös und altgedient waren, doch seine neuen Aufnahmen sind Ausdruck der Liveshow des 21. Jahrhunderts mit modernen Interpretationen äthiopischer Standards und seinen eigenen Kompositionen. Tony Buck am Schlagzeug und Mike Majkowski am Bass haben MERGIA auf Tour durch Europa und Australien begleitet, in der Radio City Music Hall und in kleinen Rockclubs gespielt und wollen diese Marke des Erfolges mit der Veröffentlichung seines neuen Sounds feiern. MERGIA weiß selbst genau, wie viel sich für ihn seit den letzten Studioaufnahmen verändert hat, die er 2003 eigenständig veröffentlichte: ,Das Album ist quasi historisch für mich. Und ich bin sehr aufgeregt. Es fühlt sich wie ein großes Comeback an. Ein anderes Publikum, eine andere Art von Band und eine neue Plattenfirma. Dieses Album unterscheidet sich sehr von den anderen, die ich aufgenommen habe, nachdem ich Äthiopien verlassen habe." Das Trio hat die Basic Tracks 2016 in den Londoner EMS4 Studios aufgenommen und MERGIA vervollständigte sie und hatte ein Auge auf den Mix mit Javon Gant in den Washingtoner Cue Studios. Gemastert wurde ,Lala Belu" von Jessica Thompson, die auch für das äußerst sorgfältige Mastering der Re-Issues von HAILU MERGIA zuständig war. Seit er Äthiopien verlassen hat und sich um 1981 ein Leben in Washington D.C. aufgebaut hat - wo er noch immer als Flughafentaxifahrer arbeitet, wenn er nicht gerade auf Tour ist - hat MERGIAs Karriere eine bescheidene...

Der Bikutsi-Sound aus Kamerun der 1980er und frühen 1990er Jahre besticht durch wunderschöne, endloses Gewebe von Triolenrhythmen. Gibraltar Drakus war das jüngste Mitglied von Les Têtes Brûlées, der berühmtesten und einflussreichsten Bikutsi-Band, und der Schützling seines größten Förderers, des Gitarristen Théodore Zanzibar Epeme. Nach ihrer ersten Europatournee im Jahr 1987 wurde die Band international bekannt, aber Epeme starb auf tragische und mysteriöse Weise. Drakus widmete sein Debütalbum von 1989 dem bahnbrechenden verstorbenen Gitarristen, das sich trotz grassierender Raubkopien über 100.000 Mal verkaufte. Die musikalische Innovation lag sowohl im Gitarrenspiel als auch in der disziplinierten Orchestrierung, die zu einem verblüffenden Uhrwerk aus rhythmusübergreifender Harmonie führt.

Die Ausnahmetalente des Ezra Collective melden sie sich mit ihrem neuen Album zurück und überzeugen auf voller Breite!

Nach ihrem Debüt in Eigenregie veröffentlichen die Ausnahmetalente des Ezra Collective ihre neue Platte 'Where I'm Meant To Be' über Partisan Records. Das neue Album ist eine Ekstase des Lebens, eine bestärkende Weiterentwicklung des so markanten hybriden Songwritings und spiegelt den Charakter dieses einzigartigen Kollektivs dar. Nach jahrelanger Liveerfahrung, entstand das Album in einem natürlichen über Jamsession auf der Bühne, musikalischen Call und Response Unterhaltungen der Band und viel Improvisation. Dadurch klingt 'Where I'm Meant To Be' unglaublich frei, schafft immer wieder Räume für eigene Vorstöße der Instrumentalisten und verliert dabei nicht die eigene Leichtigkeit, die diese Platte so genießbar macht.

DJ Kopfschuss serviert ein buntes Pottpüre aus gefühlten 100 Beats, 200 Samples und 500 Cuts. Die Kassette aus der Schmiede von Stoned Cuts Records aus Krupplyn ist ein Feuerwerk für alle DJs, Beatbastler, Sample-Nerds und Crate-Diggers. Alle Beats mit Sp12/S950 und der Mpc gebaut.

Features an den Cuts kommen von den Brüdern Taztical, Mr. Dust, DJ Dier und Morris Blaze. Artwork von Daiar, Mastered by U. Wienke.
Inklusive Download Code und Obi-stripe und Stickerpack.

Endlich auf Band!

Funk ist sicher nicht das, was man als Erstes mit Deutschland in Verbindung bringt. Doch spätestens seitdem Jan Delay mit zwei Funk-Alben auf Platz 1 der deutschen Charts einschlug, stellt sich für viele nun die Frage: "Was gab es eigentlich vorher? Toni-L? Kraftwerk...?" DJ Haitian Star hat aus seiner immensen Vinyl-Schallplattensammlung 76 obskure Achtzigerjahre Funk­Tunes aus der BRD, DDR, Österreich und der Schweiz ausgewählt und einen Mix mit einer überraschenden Bandbreite zusammengestellt, der genau so lustig wie tanzbar ist. Und dies ist erst der Auftakt einer mehrteiligen Serie, die das gesamte Spektrum von 70er Soul über 80er Funk bis zu Oldschool Hip Hop und Breakbeats aus Deutschland beleuchten wird. Neben vielen unbekannten Künstlern haben sich damals auch so namhafte Größen wie Udo Lindenberg und Klaus Lage im Bereich "Deutsch-Funk" hervorgetan. Das "Mixtape" (nur auf CD) stellt einen Querschnitt durch diese bisher vernachlässigte Seite der Achtziger. Aber damit nicht genug, geplant ist eine "German Funk World Club Tour", die diesen Sound nicht nur durch ganz Europa bringen wird, sondern auch nach Amerika, Afrika und Asien. Eben überall dorthin, wo man guten deutschsprachigen Funk schätzt, denn "Funk ist heiß!".

The Feminine Divine ist Dexys fünftes Studioalbum, erneut produziert von Pete Schwier zusammen mit dem gefeierten Sessionmusiker und Produzenten Toby Chapman. Nach einer Auszeit, um seine Energie neu zu bündeln, kehrt Kevin Rowland mit frischer Perspektive und neu gefundener Positivität zur Musik zurück. Eine persönliche, wenn auch nicht streng autobiografische Platte, die einen Mann porträtiert, dessen Ansichten sich im Laufe der Zeit weiterentwickelt haben. Nicht nur in Bezug auf Frauen, sondern auf das gesamte Konzept der Männlichkeit, mit dem er aufgewachsen war: eine Erziehung und ein Verlernen, das sich mit schwindelerregender Wirkung durch den Bogen von The Feminine Divine zieht. Der erste Akt ist voller Music-Hall-esquer Swagger, oft mit dem ursprünglichen Dexys-Posaunisten Big Jim Paterson geschrieben. Die zweite Hälfte ist ein Novum in Form eines frechen, synthielastigen Kabaretts, entstanden mit Sean Read und Mike Timothy. Hitzig, sprudelnd und schwül, manchmal schwer und manchmal anzüglich und funky. Eine ziemlich berauschende Mischung.

Dieses Tape ist speziell für Insassen in US-Gefängnissen hergestellt worden. Es kommt ohne Schrauben und ohne Cover, so wie es den Insassen zur Verfügung gestellt werden darf.

Big Crown Records ist stolz darauf, das Debütalbum von Dave Guy zu präsentieren. Nachdem er seine Talente sowohl auf der Bühne als auch im Studio für Künstler*innen wie Amy Winehouse, Lizzo, Pharrell und Sharon Jones zur Verfügung gestellt hat und derzeit als Mitglied von The Roots jeden Abend in der Tonight Show auftritt, macht sich Dave Guy mit einem sowohl einzigartigen als auch modernen Jazz-Album selbstständig. „Ruby“ mischt seine musikalischen Einflüsse mit der Energie der Stadt, in der er aufgewachsen ist, fängt verschiedene Stimmungen ein und lädt den Hörer in die Welt ein, wie Dave Guy sie sieht und fühlt. Aufgenommen in Queens in der legendären Diamond Mine, wurde das Album von Homer Steinweiss und Nick Movshon produziert und enthält musikalische Beiträge von Leon Michels, Marco Benevento, Claire Cottrill und anderen. „Ruby“ reiht sich sofort in die Riege der Klassiker ein, denn es ist ein vollendetes Album und nicht nur eine Ansammlung von Songs. Die Leadsingle „7th Heaven“ eröffnet das Album mit einer hymnischen Energie, in der Daves Bläsersätze über donnernden Drums, ätherischem Gesang und tanzendem Klavier schweben. Footwork“ ist eine lateinamerikanisch inspirierte Nummer, die mit Sicherheit den Soundtrack zu vielen Tanzveranstaltungen von SoHo bis Harlem liefern wird. Das Synthie-Intro von „Pinky Ring“ bereitet den Stimmungswechsel vor, wenn der Track losgeht. Tiefe Basstöne unterstreichen das tadellose Schlagzeugspiel und Dave vergeudet mühelos keine Noten, wenn sich die Strophen und Refrains abwechseln. Die Platte lehnt sich an spirituelle Jazz-Vibes auf „Diamond Encore“ an, mit einem dunklen und tiefen, fast „Axelrod-artigen“ Rhythmus-Track, um dann mit dem Stomper „Still Standing“ die Energie wieder aufzunehmen. „Dave Wants You“ hat einen ganz eigenen Bop mit einem unorthodoxen Schlagzeugmuster, das Dave mit seinen Trompetenschlägen verankert. Das jenseitige Arrangement von „Drony Boy“ stellt die Produktion auf ein Podest. Das erste Intro wirkt fast wie eine Pause auf dem Album, während das zweite Intro den halsbrecherischen Track einleitet, der gleich folgen wird. Eine bedrohliche Gitarre signalisiert den Aufbau und das Ganze wird durch Daves wunderschöne Trompetenriffs untermalt. „Quesodillas“ und „Green Door“ leiten den Herbst des Albums mit ihrer sanften und intimen Energie ein und „Ruby's Rubies“ ist der perfekte Abschluss der Reise.

Die doppelt Grammy-nominierte Mercury- und BRIT-Award-Preisträgerin Arlo Parks kehrt drei Jahre nach ihrem furiosen Debüt mit ihrem zweiten Album 'My Soft Machine' zurück, das am 26. Mai via Transgressive Records erscheinen wird. 'My Soft Machine' ist ein zutiefst persönliches Werk, das von Arlo Parks Erfahrungen ihrer frühen 20er erzählt. Musikalisch vielseitiger und gereifter als auf 'Collapsed In Sunbeams' thematisiert die britische Sängerin mit der ihr eigenen Poesie und vertraut-weichen Stimme die Angst ihrer gleichaltrigen Mitmenschen, den Drogenmissbrauch von Freund*innen, die Tiefen ihrer ersten Verliebtheit, den Umgang mit Ptbs, Trauer, Selbst-Sabotage aber auch überschwängliche Euphorie und Freude.