HHV Exclusives 243 Artikel

Limitiert auf 100 Kopien, nur bei HHV!

100 Kopien bei HHV verfügbar!
Auf ihrem umfangreichen neuen Album "Water Made Us" stellt die Chicagoer Musikerin und Dichterin Jamila Woods die Frage, was es bedeutet, sich der Liebe voll und ganz hinzugeben. Auf "Water Made Us" umarmt Jamila neue Genres, verspielte Melodien und hypnotisierende Wortspiele, während sie durch die berauschenden Turbulenzen von Liebeswracks und Zuflucht watet. Während Jamila auf "heavn" (2017) ihre Community innerhalb der schwarzen feministischen Bewegung feierte und auf "Legacy! Legacy!" (2019) ihre Lebenserfahrungen durch die Geschichten schwarzer und brauner Künstlerinnen und Künstler verarbeitete, ist "Water Made Us" eine völlig neue Art der Selbstoffenbarung und damit ihr bisher persönlichstes Album. "Water Made Us", das sie zusammen mit dem in LA ansässigen Produzenten McClenney aufgenommen hat und auf dem langjährige Freunde aus Chicago wie Saba und Peter CottonTale zu hören sind, ist ein weitläufiges und intimes Porträt der Selbstreflexion, das geschickt die verschiedenen Phasen einer Beziehung widerspiegelt: Die Anfänge, in denen man leicht Kompromisse eingeht, kokettiert und Spaß hat; das vorsichtige Aushandeln von Momenten des Konflikts oder der Verletzung; die Trauer über etwas Verlorenes; und die zärtliche Erkenntnis am Ende von allem, dass die Person, die gegangen ist, einen nie wirklich verlässt, sondern bei einem bleibt, während man bereit ist, es noch einmal zu versuchen, erfrischt und beruhigt. Der Titel des Albums - eine Zeile aus dem Highlight des Albums "Good News" - ist eine subtile Anspielung auf das berühmte Toni-Morrison-Zitat "All water has a perfect memory and is forever trying to get back to where it was". Es ist dieses Gefühl - der Erinnerung, des Ortes und der Rückkehr - das als Pfeiler für den Bogen des Albums dient. "Water Made Us" erinnert uns daran, dass die Liebe im besten Fall ein warmer, stiller Ozean ist. Tief, schimmernd und endlos in seinem Wunder. Und im schlimmsten Fall kann die Liebe ein reißender Strom sein, der uns so weit von uns selbst entfernt, dass wir kaum den Weg zurückfinden, ja nicht einmal mehr wissen, wie wir schwimmen sollen. Und doch ergibt sich Jamila dieser Brandung - jeder Welle und jedem Sog - weil vielleicht sogar die schmerzhaftesten Enden eine Einladung sein können, die sie zurück nach Hause ruft, zurück ans Ufer, zurück zu sich selbst.

Limitiert auf 100 Exemplare

Wildfire war in tropischen Inselkreisen aufgrund ihrer hervorragenden Alben und Auftritte in Trinidad, Tobago, der Karibik, den US Virgin Islands und Französisch-Guadeloupe ein Begriff. 1962 begannen sie als "The Sparks" (eine angesehene Calypso-Gruppe, die eine Reihe erfolgreicher Singles veröffentlichte), aber mit der Veröffentlichung ihrer Hit-Single "Come On Down" von 1975 wurden sie zu Wildfire.

Wildfire hatte eine sehr fruchtbare Karriere und veröffentlichte vier Top-Alben und eine Vielzahl von Singles, bevor sie aufhörten. Unter der Leitung von Bandleader Oliver Chapman (Bassist und Gitarrist, Sänger, Arrangeur, Produzent und Co-Autor der meisten Songs der Band) und mit hochtalentierten Musikern spielten Wildfire in der Nische, die sie sich selbst geschaffen hatten, mit den großen Jungs.

Auf dem Album, das wir dir heute vorstellen (Time Is The Answer aus dem Jahr 1980), findest du die perfekte Mischung aus Funk, Soul und Disco, im Grunde die populären Sounds der Zeit, und alle Titel sind Originale. Das Album ist funkig und die Produktionsqualität kann sich mit jeder ihrer Kollegen und in den USA produzierten/aufgenommenen Platten messen. Die Leistung von Wildfire auf diesem Album ist mehr als hervorragend. Mit dieser Veröffentlichung übernahm die Gruppe zum ersten Mal die Kontrolle über die Produktion und die Veröffentlichung ihres Albums. Ebenfalls enthalten ist die Hit-Single "Say A Little Prayer For The Children", einer dieser Songs, die man nicht mehr aus dem Kopf bekommt.

Neben dem Virtuosen Oliver Chapman: Das Talent, das auf "Time Is The Answer" zu hören ist, ist außergewöhnlich. Anstey Hamilton verfügt über eine reiche, markante Tenorstimme. Arthur Byron, der auch den Gesang auf dem Album übernommen hat, hat einen schönen, rauen Ton, der dich jederzeit umhaut, wenn er loslegt. Fitzroy Isaac an den Keyboards und Donald Leid am Schlagzeug sind dafür verantwortlich, dass der Groove nicht abreißt. Clifford Wilson war wie Oliver von Anfang an in der Band. Er ist ein ruhiger Typ, der Bassgitarre spielt und Backgroundgesang singt. Außerdem hilft er Oliver, wenn sie gemeinsam Songs schreiben. Schließlich haben wir noch Cyllan Charles, der als die Stimme von Wildfire bekannt war. Cyllan übernahm die meisten Leadgesänge, seit er 1972 der Gruppe beigetreten war. Er war das erfahrenste Mitglied der Gruppe und kann einen wirklich in höhere Sphären bringen, wenn er auf der Bühne und auf dem Wachs sein Ding durchzieht.

"Time is the Answer" von Wildfire ist eine seltene und immer begehrtere LP. Voller hitverdächtiger Songs ist es nicht verwunderlich, dass das Album aufgrund seines süchtig machenden und originellen Klangs inzwischen ein begehrtes Objekt geworden ist. Es ist ein Muss für jeden, der etwas auf sich hält!

Tidal Waves Music präsentiert nun stolz die erste Neuauflage dieses fantastischen Island Funk-Soul-Klassikers (ursprünglich 1980 auf Wild Fire Records veröffentlicht) und dies ist auch das erste Mal, dass das Album außerhalb von Trinidad & Tobago veröffentlicht wird. Diese seltene Platte (Originale werden auf dem Sekundärmarkt für hohe Summen gehandelt) ist nun endlich wieder als limitierte 180g Vinyl-Edition erhältlich. Limitiert auf 100 Exemplare 180g Black ICE Color Vinyl Exklusiv für HHV

HHV-Exclusive auf transparentem Vinyl, limitiert auf 100 Exemplare

Aufgenommen im September 1975 im Columbia Studio, ist "Story Of Wind Behind Left" ein symphonisches Gedicht in Form einer Suite. Auf dem Album nutzt Masahiko Togashi die Musik, um die gleichen Gefühle zu vermitteln, die die Natur hervorruft. Der Schlagzeuger beweist einzigartige Kompositions- und Performance-Fähigkeiten, indem er die Klänge der Natur imitiert oder sich von der Natur selbst inspirieren lässt, um Musik zu machen. Mit "Story Of Wind Behind Left" hat Masahiko Togashi die japanische Jazzszene revolutioniert. Die Platte enthält eine Beilage mit den ins Englische übersetzten Original-Liner Notes.

Fun In The Church und HHV präsentieren diese auf 150 Stück limitierte Sonderausgabe auf aquamarine vinyl, die mit einem Lyric Fanzine ausgestattet ist. Diese Edition gibt es exklusiv bei HHV Records.

Nach 20 ereignisreichen Jahren als Schlagzeugerin, Sängerin, Produzentin und Komponistin in ihrer Heimatstadt São Paulo, verschlug es die Brasilianerin Mariá Portugal vor einiger Zeit nach Duisburg.
Am 12. November 2021 veröffentlicht sie mit Erosão nun ihr jüngstes Album. Ihr Debüt für Fun In The Church erscheint als Kooperation von selo Risco (Brasilien) und Fun in The Church auf Vinyl und digital.

Vorab der Versuch einer kurzen biografischen und künstlerischen Einordnung: 1984 in São Paulo geboren, begann Mária Portugal im Alter von neun Jahren mit dem Klavierunterricht; bevor sie zu Schlagzeug und Orchesterschlagwerk wechselte. 2007 nahm sie am Sommerkurs von Karlheinz Stockhausen in Kürten teil. Im Jahr 2011 absolvierte sie ihr Bachelorstudium in Komposition an der Universidade Federal de São Paulo. Das anschließende Masterstudium Kommunikation und Semiotik an der Pontifícia Universidade Católica de São Paulo schloss sie mit einer Untersuchung der kognitiven Beziehungen von Körper und Klang im Kontext von improvisierter Musik und Tanz ab. Sie arbeitete mit dem Experimentalmusiker und Schauspieler Arrigo Barnabé, veröffentlichte mit dem Instrumentalquintett Quartabê drei Alben und tourte mit Dona Zica und Fernanda Takai, mit denen ebenfalls Alben entstanden. Als Schlagzeugerin und Sängerin hat sie mit Künstler*innen wie Maggie Nicols, Elza Soares, Joëlle Léandre, Charlotte Hug, Caroline Kraabel, Sarah Gail Brand, und der Gruppe Metá Metá gearbeitet. Mit Jasper van’t Hof und Paul van Kemenade entstand 2017 das Album „Daytime Sketches“. Daneben komponierte sie Musik für Tanztheater, insbesondere für Felipe Hirsch und für Nova Dança 4, für verschiedene Theaterstücke, Videos, Kinofilme und Kunstinstallationen. Zusammen mit der Sozialanthropologin Jamille Pinheiro Dias produzierte sie das genreübergreifende OnlineRadioprogramm Livrofonia für Stanford University (us). Obzwar verwurzelt in der brasilianischen Songwriter-Tradition hat sie ein großes Interesse an elektronischer Musik, das nicht zuletzt ihrer Rezeption europäischer Improvisationsmusik entspringt. 2020 schließlich war Portugal „Improviser in Residence“ beim 13. Moers Festival, womit wir uns in großen Schritten der Gegenwart nähern – und ihrem jüngsten Album, das Zeiten, (transatlantische) Räume und eine Pandemie umspannt. Erosão nämlich besteht aus drei Ebenen: 1) dem ursprünglichen Songmaterial, 2) akustischen Improvisationen darüber und 3) elektronischen Manipulationen derer. In jeder Schicht ist sowohl die Erinnerung an - als auch das Vergessen des - Vorangegangenen aufgehoben, wie bei einem Stein etwa, der aus sich überlagernden Schichten aufgebaut ist, die sich durch mechanische und chemische Wechselwirkungen verändern, wenn man es weniger dialektisch denken möchte.Die erste Schicht und Grundlage von Erosão fußt aus Portugals Songwriting, auf jüngeren von ihr geschriebenen Stücken, die einerseits in der brasilianischen Liedtradition stehen, die von Dorival Caymmi über Itamar Assumpção und Arrigo Barnabé bis hin zu Caetano Veloso reicht, zugleich aber auch von Komponist*innen ihrer Generation wie Negro Leo, Lara Rennó, Kiko Dinucci und Maria Beraldo informiert sind
Anfang 2019, noch in der Experimental-Szene São Paulos beheimatet, nahm Portugal in der
Besetzung Saxophon, Klarinette/Bassklarinette, Gitarre, Klavier, Kontrabass, Schlagzeug und Gesang
eine Reihe an improvisierten Live-Sessions auf, als deren musikalisches Ausgangsmaterial acht
dieser Stücke dienten. Dazu eingeladen waren Musiker*innen von Bands wie Metá Metá, Música de
Selvagem, Quartabê und dem Quarteto Solto. Da es nicht möglich war, im Rahmen der AufnahmeSessions ihre Stimme akustisch vom Schlagzeug zu trennen, lud Mariá Tó Brandileone (5 a Seco) ein, ihre Texte an ihrer Stelle einzusingen. Diese Improv-Sessions bilden die zweite Ebene von
EROSÃO.
Im Jahr 2020 schließlich brachte sie das daraus entstandene Audiomaterial mit nach Moers, wohin sie
als "Improviser in Residence" eingeladen war. Während des Aufenthalts in Moers bearbeitete Portugal
das Material weiter und fügte den Aufnahmen ihre eigene Stimme, aber auch elektronische
Manipulationen zwischen Freiheit und Form, Zufall und Zweckgerichtetheit hinzu - die dritte und
letzte Schicht des Albums.
Von den ursprünglich aufgenommen acht Titel finden sich auf EROSÃO nur noch sechs Stücke
wieder, die in unterschiedlich engen Beziehungen zu ihrem Ausgangsmaterial stehen. Sie reichen von
nur geringfügigen Veränderungen (wie bei "Dois Litorais", dem nur wenige Stimm-Overdubs
hinzugefügt wurden) bis hin zu vollständig überarbeiteten Titeln, scheinbar ohne Bezug zum
Ausgangsmaterial (wie "Telepatía", eine Collage aus Material verschiedener Stücke und nicht
intendierten Nebengeräuschen aus den vorangegangenen Aufnahmesessions).

Limitiert auf 500 Exemplare auf transparentem gelbem Vinyl im Gatefold-Sleeve, exklusiv erhältlich bei HHV.

Limitiert auf 200 Stück.

Die Bacao Rhythm & Steel Band, die geheimnisvolle Steel Pan Band aus Hamburg, hat sich weltweit einen Kultstatus erspielt. Mit einer Reihe von 7"-Klassikern und drei von der Kritik hochgelobten Alben haben sie die Messlatte für sich selbst hoch gelegt, die sie mit ihrem neuen Werk noch höher legen wollen. Auf ihrem vierten Album "Brsb" sind Bacao wieder da, aber "mehr vom Gleichen" ist bei ihnen etwas ganz anderes. Sie covern Songs aus verschiedenen Genres, von Megahits bis hin zu Underground-Songs, und machen sie sich mit ihrer einzigartigen Herangehensweise an die traditionellen Steel Pans aus Trinidad und Tobago zu eigen. Ein Teil des Reizes eines neuen Bacao Rhythm & Steel Band-Albums besteht darin, herauszufinden, welche Covers sie spielen, aber genauso interessant ist es, zu sehen, welche originellen Stücke sie ausgeheckt haben. Der Opener des Albums, "In The Crosshairs", ist ein rauer und harter Midtempo-Kopfnicker, während "Grilled" und "Treasure Quest" das Tempo mit starken afrikanischen Funkeinflüssen anziehen. Bacao geht mit "Hazy Memories" in die Tiefe, einem basslastigen Slowburner, der sich zwischen Hypnose und Hype bewegt. All diese Eigenkompositionen zeigen, dass der Begriff "Coverband" nicht auf Bacao zutrifft. Aber in der Tradition der Steel Pan Musik gibt es eine Menge Covers. Dieses Mal gibt es einen großen West Coast Hip Hop Einfluss mit Covers von Game & 50 Cent's "How We Do", Dr Dre & Snoop Dogg's "Nuthin But A G Thang" und Tupac's "Got My Mind Made Up", die alle eine neue Energie bekommen und sich für die Brsb Steel Behandlung eignen. Mit ihrer Coverversion von Claudja Barrys Disco-Klassiker "Love For The Sake Of Love", die sie in eine synchronisierte Version umwandeln und sogar den Titel in "Love For The Sake Of Dub" ändern, können Bacao einen weiteren absoluten Tanzhit vorweisen. Aus dem Bereich der modernen Smash-Hits des Hop Hop Hop covern sie Drakes "Hotline Bling" und "Love$ick" von Mura Masa & A$ap Rocky. Mit "Stranger Things Theme" nehmen sie den Synthie-lastigen Titelsong der Serie und geben ihm einen hypnotisierenden Klang, der über dem des Originals liegt. Wenn Brsb fertig ist, hat Bacao den Hörer auf eine Reise mitgenommen, die eine Vielzahl von Energien, Tempi und Stimmungen umfasst und dabei alles unter einem Dach hält. Trotzdem sind diese Songs lebendig und werden noch viele Jahre lang in die DJ-Sets rund um den Globus einfließen, wenn sie aus dem Kontext dieses Albums herausgenommen werden. Die Bacao Rhythm & Steel Band baut ihr Vermächtnis weiter aus und treibt die Grenzen der Steel Pan Musik mit einem weiteren soliden musikalischen Angebot weiter voran. Viel Spaß!

Diese auf eintausend Stück limitierte Edition gibt es nur für HHV Kundschaft.

Urlaub. Nicht nur in Italien.

Ein Rucksacktrip durch Australien, ein Lagerfeuer im Schrebergarten.

Im Auto mit den FreundInnen durch die Lüneburger Heide oder einfach kurz Ferien im Kopf, in der verregneten Mittagspause oder mit einem Glas Schorle auf dem Balkon.

Und dazu gehört Musik, Musik, Musik!

Grooves, die rollen wie ein Intercity in die Ferne, Rhodes-Akkorde weich wie der Sand am Strand und Synthesizer, die funkeln wie die Reflexionen auf dem Ozean.

Musik, so bunt wie ein Hawaiihemd und so wärmend wie die Morgensonne.

Herzlich willkommen auf Erobiques zweitem Album: „Erobique No.2“

Hier sind sogar die Songtitel in Urlaubsstimmung:

„Ahoj!“ grüßt der junge „Springinsfeld“. Die „Mantas“ gleiten elegant um die „Acquamarina“. „Salut les Copines!“ rufen wir ins Nachbarboot. „Kommt doch mit auf den ‚Ravedave!‘“ schallt es fröhlich zurück. „Riding Low“ heißt die Devise, und der „Arpeggiator“ verdichtet auf wundervolle Art und Weise die „Synaesthesie“ der vernebelten Sinne. Das „Italotape“ im Kassettendeck spielt den „Hitsong von uns Beiden“. Das ist alles so schön „Verkackt“, das klingt doch wie „Zukunftsmusik“!

Carsten Meyer brachte 1998 unter dem Namen „Erobique“ sein Debut „Erosound“ heraus. Genau 25 Jahre später veröffentlicht der nun 50-jährige sein zweites Erobique-Album auf seinem eigenen Label A-sexy.

Dreizehn abwechslungsreiche Tracks und Songs zwischen Feriendisco und Rhythmusbox-Rave, aufgenommen und produziert mit vielen seiner FreundInnen und WegbegleiterInnen.

25 Jahre, das ist ziemlich genau die Zeit, die Disco von den legendären Loftparties des Pioniers David Mancuso zu den beeindruckenden Massenspektakeln der Auftritte von Daft Punk gebraucht hat.

Oder aber von Meyers Geburt bis zu seiner ersten Langspielplatte. Warum also erst jetzt ein zweites Album als „Erobique“? Auftritte improvisiert Meyer seit Jahren vor tanzendem Publikum. Selbst seine Hits „Easy Mobeasy“ und „Urlaub in Italien“ sind keine Popsongs im eigentlichen Sinne, sondern entstanden aus spontanen Eingebungen, im Adrenalinrausch, mitten auf der Party, mitten im Moment! Mitgesungen und wieder verklungen. Live mitgeschnitten und raus damit. Bloß nicht wiederholen! Jedes Erobique-Konzert ist ein Versuch, Unvorhergesehenes, Ungeahntes und Unfälle zu einem einzigartigen Dabeisein-Moment zu bauen. „Fehler ist King“ sagte der geistreiche Knarf Rellöm einmal - und Carsten Meyer ist der King der Fehler!

Wie soll man solche Momente denn bitteschön im Studio hervorzaubern, so ganz ohne Fete, ohne die Energie, die auf so einem Kindergeburtstag für Erwachsene auf die Bühne zurückschwappt?

Meyer entsann sich eines anderen Erobique-Hits, und wandelte seinen Titel entsprechend ab:

Er kollaborierte mit einer Überdosis Freude!

Schlagzeuger Lucas Kochbeck (The KBCs, Bacao Rhythm & Steel Band), der Carsten mittlerweile auch bei seinen Live-Gigs unterstützt, sowie Nachbar und Kumpel Christoph M. Kaiser, (ehemals Bassist bei den Jeremy Days, mittlerweile Filmmusik- und Popstratege) legten das Groove-Fundament mit leuchtenden Kacheln, wie einst im Trinity, Hamburgs legendärer 80er-Disko.

Sophia Kennedy kam zum Singen aus dem Nachbarstudio vorbei und Lieven Brunckhorst schleppte gleich den ganzen Bläsersatz von Jan Delays Big-Band Disco No1 mit vors Mikrofon.

Harfen, Xylophone und Violinen nahm Meyer in seinem Musikraum beim Hamburger Fischmarkt oder bei Tobias Levin, in dessen Electric-Avenue Studio mit Fleetblick, auf.

Es ging nach Berlin, wo Carsten sich endlich mit seinem Held Siriusmo traf, um einige Ideen durch den elektronischen Wolf zu drehen. Nicola Rost von Laing schaute vorbei und hinterließ unfassbar dichte Chöre und herrliche Gesänge.

Zum Schluß wurden alle Spuren ins schwäbische Ludwigsburg gebracht, wo Freundeskreis-DJ und Discoexperte Martin Welzer alias DJ Friction dem ganzen Wahnsinn einen unglaublich warmen und dancefloor-freundlichen Gesamtklang verschraubt hat.

Zurück zum Zeichenbrett: Das Coverartwork ist, wie alle A-sexy Veröffentlichungen,

von Meyer höchstpersönlich gemalt und gestaltet, schließlich war sein ursprünglicher Berufswunsch ja Schulbuchillustrator.

So entstand im Laufe eines Sommers eine musikalische Pralinenschachtel, die nicht nur die Holiday-Playlist seiner Fans und HörerInnen bereichern wird, sondern auch sein mehrere Quantenbyte tiefes Archiv von Ideen und Skizzen ein kleines bisschen dünner werden ließ.

Denn außerhalb seiner Diskomessen, landauf-landabwärts, ist Meyer im letzten Vierteljahrhundert ja nicht untätig geblieben:

In den Jahren von 1998 bis 2006 entwickelte er mit DJ Koze und Cosmic DJ als International-Pony hypermodernen Elektronik-Soul.

Er betreute zusammen mit Jacques Palminger und Chris Dietermann beim Projekt „Songs for Joy“ am Maxim-Gorki-Theater Berlin Hobby-SongtexterInnen beim Popmusizieren, so entstand 2007 der heimliche Hit „Wann Strahlst Du?“ mit dem tollen Text von Barbara Stützel.

Überhaupt, Theater: Für den Theaterregisseur Herbert Fritsch arrangierte er die Hits von Gino Paoli und Hugo Wolff für überdrehte Abende am Schauspielhaus Zürich (2016) und am Residenztheater München (2015), für Stefan Pucher drehte er die Märchen Hans Christian Andersens durch den Heimorgelwolf (2010).

Für die Kollegen von Studio Braun brachte er die „Dorfpunks“ am Schauspielhaus Hamburg zum Klingen, direkt danach entwickelte er mit ihnen den authentischen Neue-Welle Sound für deren Mockumentary „Fraktus“, die 2012 in die Kinos kam.

Da wären wir also bei Film-und Fernsehmusiken. Auch hier gab es in den vergangenen Jahren für Meyer einiges zu tun. Am schönsten gelang ihm der Soundtrack für die beliebte Fernsehserie „Der Tatortreiniger“ mit Bjarne Mädel in der Titelrolle.

Ganz nebenbei brachte der „Tausendsassa“ (Zitat Peter Bursch) auch einige Alben auf seinem eigenen Label A-sexy heraus: Rumpel-Funk als „Babyman“, feinsten Chanson-Pop mit Palminger und Yvon Janssen für „Yvon im Kreis der Liebe“ und warmen, modernen Hammond-Jazz mit den „Hamburg Spinners“.

Und jetzt endlich sein Jubiläumsalbum, die Silberhochzeit mit sich selbst.

25 Jahre Carsten und Erobique, together forever und glücklich wie noch nie!

Auf die nächsten…Halt nein. So lange wollen wir nicht warten!

Limitiert auf 1000 Exemplare, nur bei HHV erhältlich!

Curtis Harding einfach einen Soul Man zu nennen, wäre zu kurz gegriffen. Hardings Stimme vermittelt Schmerz, Freude, Sehnsucht, Zärtlichkeit, Traurigkeit und Stärke - die ganze Bandbreite der Gefühle. Heute bekommt seine Stimme mit seinem neuen Album "If Words Were Flowers" einen optimistischen Anstrich. "If Words Were Flowers" ist Hardings erste neue Musik seit 2018, ein Nachfolger seines von der Kritik hochgelobten Albums "Face Your Fears". Es enthält Songs wie "Hopeful", wo Harding mit Hingabe über einen klassischen Soul-Groove singt, der mit ansteckendem Bläserspiel, Background-Sängern und modernen psychedelischen Schnörkeln strukturiert ist. Harding speist seinen psychedelischen Sound mit der Essenz des Soul, ist aber nicht an diesen gebunden. Stattdessen vermitteln seine Songs eine eklektische Mischung aus verschiedenen Genres, die aus den vielen musikalischen Leben stammen, die er gelebt hat, von der Begleitung seiner evangelischen, Gospel singenden Mutter auf Tour durch das Land als Kind bis zum Rappen in Atlanta, der Gründung einer Garagenband mit Cole Alexander von The Black Lips und dem Singen als Backgroundsänger für Cee Lo Green. Durch diese Erfahrungen lässt er sich voll und ganz auf die dunkelsten Verwicklungen des Lebens ein und zaubert dynamische, süchtig machende Melodien.

Exklusive Vinyl-Edition auf lila Vinyl, limitiert auf 100 Exemplare, nur bei HHV

"Grains" ist das dritte Studioalbum von Move 78. Das Album wird voraussichtlich am Freitag, dem 3. November 2023, auf Vinyl und digital über Village Live Records veröffentlicht.

Die acht Tracks des Albums wurden ursprünglich als Jam-Sessions in den Trixx-Studios im Oktober 2021 aufgenommen. Diese anfänglichen Ideen wurden dann in den letzten 18 Monaten mehrfach zerhackt, neu arrangiert und neu abgemischt und mit einer Fülle von Heimaufnahmen kombiniert.

Die 32 Minuten Musik stellen eine Weiterentwicklung der für die Band typischen Mischung aus frei fließendem, improvisiertem Jazz und programmiertem, automatisiertem Hip-Hop dar. Neben der Kernbesetzung Doron Segal (Synthesizer), Nir Sabag (Schlagzeug), Hal Strewe (Bass), Meravi Goldman (Waldhorn) und Aver (Sampler/Produktion) gibt es auf dem Album Kollaborationen mit Aquiles Navarro an der Trompete (Irreversible Entanglements), A. J. Nilles an der Bratsche (Irreversible Entanglements), A. J. Nilles an der Bratsche (Irreversible Entanglements) und A. J. Nilles an der Gitarre (Irreversible Entanglements). J. Nilles an der Bratsche (Berliner Philharmoniker), Eric Owusu an der Percussion (Àbáse / Jembaa Groove) und dem aufsteigenden Stern der deutschen Soul/Jazz-Szene, der Sängerin Douniah (Melting Pot Music).

Es geht aufwärts für The Harlem Gospel Travelers, die hier mit einem neuen Album, einer neuen Besetzung und einem neuen Lebensgefühl zurückkehren. Look Up!, produziert von Eli Paperboy Reed, ist die erste Veröffentlichung der Gruppe in voller Länge als Trio sowie ihre erste Sammlung von komplett eigenem Material, und es hätte zu keinem wichtigeren Zeitpunkt kommen können. Die Musik ist natürlich immer noch stark von der Tradition des Gospel-Quartetts der 50er und 60er Jahre geprägt, aber die Platte hat auch eine deutlich moderne Note und spiegelt die turbulenten letzten Jahre wider, die von Pandemieangst, politischem Chaos und sozialen Unruhen geprägt waren. Die Songs sind mutig und widerstandsfähig, sie trotzen Zweifeln und Verzweiflung mit Glaube und Ausdauer, und die Auftritte sind explosiv und ekstatisch, angeheizt durch schillernde Gesangsarrangements, unterbrochen von düsteren Gitarrenausbrüchen und knackigen Rhythmuswechseln. The Harlem Gospel Travelers - die Sänger Thomas Gatling, George Marage und Dennis Bailey - sind aus einem von Reed geleiteten gemeinnützigen Musikausbildungsprogramm hervorgegangen und haben 2019 ihr Debütalbum He's On Time veröffentlicht, das von Pop Matters als "musikalische Transzendenz" und von AllMusic als "traumhaft und freudig" gelobt wurde. Das Album landete in den Billboard-Charts, brachte den Travelers hochkarätige Fans wie Elton John ein (der sie einlud, in seiner Rocket Hour-Radioshow auf Apple Music aufzutreten) und verschaffte ihnen Festival-Slots überall von Pilgrimage bis Telluride Jazz.

Limitiert auf 250 Kopien. Exklusiv bei HHV.

Erstmals auf Vinyl - von den Original Master Tapes. Limitiert auf 100 Exemplare, weltweit, exklusiv erhältlich bei HHV und im Webshop des Labels.

Aufgenommen in Florenz im Oktober 1979, repräsentiert "Asia" Egisto Macchis musikalische Reise durch den Osten. In diesem Werk beschreibt Macchi die vielen Gesichter Asiens durch seinen unverwechselbaren, elektrischen Stil. In Macchis Musik erhält Asien mystische, religiöse, naturalistische, heilige und abenteuerliche Konnotationen. Akustische Instrumente dominieren dieses Album; zwischen Schlagzeug, Zithern, Celestas, Flöten, Marimbas, Sansas und Geigen begibt sich der Hörer auf eine musikalische Reise außerhalb der Grenzen von Raum und Zeit.

Exklusive Version bei HHV als goldenes Vinyl, limitiert auf 100 Exemplare.

Zweites Album von Magic Island aus Berlin-Neukölln. Co-Produziert vom Hiphop Produzenten Phong. Ein fragmentiertes, multimediales Album über ihre Nachbarschaft

Limitiert auf 300 Stück. Exklusiv bei HHV zu kriegen.
Hier kommt ein neues Mitglied der hochgelobten Wamono-Serie! 180g präsentiert eine außergewöhnliche Sammlung von Disco- und Boogie-Titeln, die in den späten Siebzigern und frühen Achtzigern auf dem legendären Nippon Columbia-Label veröffentlicht wurden. Bist du bereit? Zieh deine Tanzschuhe an und genieße!

● 180g schwere Vinyl-Pressung, Reverse Board Jacket.

● Vollständig lizenzierte Nippon Columbia-Master

● Mastering und Lackschnitt durch Jukka Sarapää im Timmion Cutting Lab, Helsinki, Finnland.

● Signiertes Artwork von Nker.

Mitte der siebziger Jahre boomten die Diskotheken in Tokio und in ganz Japan. Als die Fatback Band 1975 mit ihrem mitreißenden Hit "Do The Bus Stop" die US-Charts anführte, brachte das japanische Label Victor im darauffolgenden Jahr mit "Sexy Bus Stop" den ersten in Japan produzierten Disco-Titel heraus, der unter dem geheimnisvollen Namen Dr. Dragon & Oriental Express erschien, einem Pseudonym für den erfolgreichen japanischen Popkomponisten Kyohei Tsutsumi. "Sexy Bus Stop" wurde in Japan sofort zum Hit und verschiedene japanische Plattenfirmen begannen bei dieser Gelegenheit, Disco-Musik zu veröffentlichen. Von 1976 bis in die frühen 1980er Jahre wurde die Musik oft von erfahrenen Studiomusikern aufgenommen und nicht per Computer eingespielt, was für einen wirklich soliden Sound auf der Tanzfläche sorgte. Disco-Musik wurde auch in Fernsehserien, Werbespots und Anime verwendet. Von Godiegos Monsterhit "The Birth Of The Odyssey - Monkey Magic" bis hin zu Pink Parachutes obskurem (und exzellentem!) "Disco Great Tokyo" - diese Auswahl zeigt einige der besten Disco- und Boogie-Musikstücke, die in den späten Siebzigern und frühen Achtzigern auf dem legendären Nippon Columbia-Label veröffentlicht wurden. Bist du bereit? Zieh deine Tanzschuhe an und genieße es!

Exklusive Vinyl-Edition auf klarem/blau marmoriertem Vinyl mit roten Sprenkeln, limitiert auf 500 Exemplare - nur bei HHV erhältlich

Enigmatic Society ist das nächste Werk der facettenreichen, Grammy-nominierten Supergruppe Dinner Party. Enigmatic Society ist voll von opulenten, komplexen Instrumenten und einer Bandbreite von geschmeidigem R&B bis hin zu sanftem Neo-Soul-Gesang und ist in seiner Gesamtheit faszinierend. Auf dem Album finden sich brillante Auftritte der Dinner-Party-Debütanten: Terrace Martin, Robert Glasper, Kamasi Washington und 9th Wonder, unterstützt von den Sängern Phoelix, Arin Ray, Ant Clemons und Tank sowie den Produzenten Sounwave, Hi-Tek und Trevor Lawrence Jr. Enigmatic Society ist der Nachfolger des selbstbetitelten Debütalbums der Gruppe aus dem Jahr 2020 und eine Hommage an die Freude, das Leben, die Kunst und die Kultur der Schwarzen, eine Hommage an die Dualität, die sich sowohl in der Schönheit als auch in den Widrigkeiten des schwarzen Amerikas manifestiert. Dieser tiefe Sinn für Gemeinschaft und Familie zieht sich durch das gesamte Projekt. Das Artwork des Albums wurde von Kamasi Washingtons Schwester, der Künstlerin Amani Washington, entworfen.

Limitierte Auflage von 100 Exemplaren für unseren Summer of Jazz 2023, der sich auf den südafrikanischen Jazz konzentriert. Nur bei HHV erhältlich.

Der Saxophonist Sello Mmutung, der mit einem Fuß im Jazz und mit dem anderen im Township-Groove von Mbaqanga stand, war eine wichtige Grenzgängerfigur in der Geschichte der südafrikanischen Popmusik. Unter dem Künstlernamen Bra Sello, der "Bruder" bedeutet und in der Jazz-Community als Ausdruck der Zuneigung und des Respekts verwendet wird, wurde er in der Ära der Schellack-78er zu einem Vertreter des Sax-Jive-Sounds der 1960er Jahre, der den swingenden Kwela-Rhythmus in die Domäne des südafrikanischen Jazz brachte. Trotz des Einzugs des amerikanischen Rhythmus und Blues in den südafrikanischen Pop in den späten 1960er Jahren wurden Bra Sellos erste Veröffentlichungen auf Vinyl auf dem
CBS-Label, wo er von der Gruppe Abafana Bentuthuko unterstützt wurde und einen unverfälschten Township-Sound beibehielt.
Mitte der 1970er Jahre wechselte Bra Sello zu dem unabhängigen Soweto-Label unter der Leitung des Produzenten Cambridge Matiwane und nahm zwei Platten im Bump-Jive-Stil auf, der von dem ernsthaften Jazzmusiker Dollar Brand populär gemacht wurde, sowie die produktive Studiogruppe The Movers, die im Funk- und Soulbereich tätig war. Butterfly (1975) und The Battle of Disco (1977) mischen moderne amerikanische und traditionelle afrikanische Elemente zu fröhlichen, hüftschwingenden Rhythmen und spiegeln die Lebendigkeit des urbanen Lebens in Südafrika wider und dokumentieren eine Ära, in der Tanzmusik von Bands als ausgedehnte Jams mit atemberaubenden Soli gespielt wurde. Da sich die Musiktrends in den späten 1970er Jahren dramatisch veränderten, war der Titel von The Battle of Disco ein ironischer Aufruf zu den Waffen als Antwort auf das Territorium, das Gruppenmusiker an Synthesizer und DJs abzutreten begannen.
Für Liebhaber afrikanischer Musik aus den 1970er Jahren ist eine umfassende Würdigung des Schaffens des Kontinents unvollständig, wenn man nicht den Pop-Jazz-Sound Südafrikas als regionalen Kontrapunkt zu den Funk-Experimenten Westafrikas kennt. Zum ersten Mal neu aufgelegt, kehrt Bra Sello 2023 mit limitierten Replika-Editionen von Afrodelic zurück, die die Masterbänder der As Shams / The Sun Kollektion verwenden. Afrodelic's einzigartige Ausgabe von Butterfly enthält einen bisher unveröffentlichten Track auf Seite B.