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Das vierte Album von Washed Out - das erste, das in Europa bei Sub Pop erscheint. Genres: Chillwave, Synthie Pop, Dream Pop und Electronica.

Die kolumbianische Musikerin Ela Minus hat die Songs ihres Debutalbum "acts of rebellion" selbst geschrieben, auf ihren analogen Instrumenten eingespielt, aufgenommen und produziert. Entstanden ist ein elektronisches Pop Album par excellence!

Die kolumbianische Musikerin Ela Minus hat ihr Debütalbum selbst eingespielt, produziert und aufgenommen und mit „acts of rebellion“ ein komplexes Manifest der Klarheit, ein Aufruf zu kämpfen, zu leben und präsent zu sein, produziert. Als self-made Künstlerin und Punk im Geiste setzt Ela ihren eigenen Akzent auf traditionelle elektronische Musik. Sie hat sich selbst als Regel auferlegt, dass kein Ton in ihrer Musik am Computer erzeugt wird. Ela, die jahrelang studiert hat, wie man Synthesizer entwirft und baut, bevorzugt einen menschlichen, analogen Ansatz und benutzt ausschließlich Hardware zum Aufführen, Schreiben und Aufnehmen. Laptops lehnte sie vor allem wegen ihres Hintergrunds als Musikerin, die jahrelang professionell akustische Instrumente spielte, ab. Als Inspirationen nennt sie Kraftwerk und die frühen Daft Punk: elektronische Künstler, die nach ihren Worten "sowohl innerhalb als auch außerhalb des Clubkontextes existieren können". "Ich identifiziere mich zutiefst mit der Clubkultur und möchte Musik machen, zu der man tanzen kann", sagt sie. "Ich möchte auch Songs im traditionelleren Sinne machen, mit Melodien, Texten und Gesang. Ich möchte Lieder machen, die die Menschen über die Jahre hinweg begleiten". Als Teenager sah sie eine klare Verbindung zwischen der Freiheit der DIY-Szene, in der sie aufgewachsen ist, und der Clubkultur - die Kraft der Menschen, die in einem Raum sind, präsent sind und gemeinsam etwas Einzigartiges und Kraftvolles erleben. Ela Minus ist "the new kid on the block" bei Domino und wir sind sehr stolz auf diese Künstlerin.

Limitiert auf 200 Stück. Nur bei HHV.

Diese besondere Edition kommt vierfarbig, mit einem Weiß-Cremeton als Grundlage und dreifarbigen Splattern in dunkelgrün, orange und gelb. Jede Platte ist ein Unikat.

Der Hamburger Musiker und DJ RVDS schließt sich mit dem meditativen, ohrenschmeichelnden Klangkunstwerk „Moods and Dances 2021“, einem musikalischen Geschenk aus einer Zeit, in der die Zukunft Vergangenheit sein wird, dem Label Bureau B an.
Inspiriert von der sphärischen Exotik und den fantasievollen Elektroniksounds der Library Music, beschwört Richard von der Schulenburg Palmen, Pyramiden, Promenaden und Portale herauf, die vom Zentrum eines Holodecks aus beobachtet werden. Die Stücke nehmen uns mit auf eine Reise durch den wilden Geräte-Dschungel in Richards Privatstudio und lassen sich als Hommage an die Klang-Schattierungen in seiner Sammlung verstehen. Ob mit geschmolzener 303 auf dem Gipfel des Mount Acid, ob improvisierter Jazz auf den Fendertasten oder live mit Bühnen-Pathos, Richards Musik ist in jedem Fall eine eindringliche, allumfassende Erfahrung. Gut möglich jedoch, dass diese Erfahrung noch nie unmittelbarer war als auf seinem neuesten Werk. Wir werden an die digitalen Ufer von „Mrs Yamaha’s Summer Tune“ gespült, wo Salzwasser glitzert, wo polierte Trommelstöcke glänzen und unaufdringliche Percussion erklingen. Die „Caravan of the Pentamatics“ führt uns zwischen Bäumen hindurch ins Landesinnere und schneidet eine Seidenstraße durch äthiopische Jazztöne und verschlungene Rhythmen, bis sie auf die geheimnisvolle Präsenz der Farfisa Sphinx trifft. Über einem sphärischen Bass schweben kryptische Melodien, ungreifbar und unwiderstehlich, so lange, bis sie von einem Sandsturm verschluckt werden. Das sanfte, jazzige „Roland’s Night Walk“ gönnt uns ein wenig Erholung von den Gottheiten der Wüste, auch wenn Schüsse in der Ferne und das unentwegte Zirpen der Zikaden der spröden Majestät des sanften Tastenspiels zusätzliche Spannung verleihen. Die Morgendämmerung bringt Kummer, vermittelt durch mit Tau benetzte Melodien und leidvollen Tönen aus Richards DX7, und doch ... irgendwo wird getanzt, zu dem treibenden Bass, dem gespenstischen Gesang und den arabesken Sounds von „The Space Pentas“, einem kosmischen, sich unentwegt steigernden Boogie. Durstig von den Derwischtänzen, ist es nur folgerichtig, wenn wir uns in der „Wersimatic Space Bar“, einer Bar vollgestopft mit allerhand Exoticas, ein paar Drinks genehmigen. Im vorletzten Stück feiert der Boogie seine Rückkehr als derangiertes, dementes und diabolisches Chaos direkt vom „Planet Dragon“, übersetzt in einem Wettkampf der Soundeffekte. Abschied bringt immer, egal auf welchem Planeten, einen süßen Schmerz mit sich, der in „The End (Lala)“ unter Mithilfe von Raumsirenen, schlaftrunkenen Bässen und anfallartigem Rauschen in getragenem Tempo wundervoll eingefangen wird. Ganz sicher hatten Library Music sowie die verwendeten Geräte einen erheblichen Einfluss auf dieses Album, und dennoch transportiert dieser faszinierende, intergalaktische Trip weitaus mehr Leidenschaft als jedes Potpourri. Er ist spielerisch, poetisch und enigmatisch zugleich, also in jedem Fall ein waschechter RVDS.
- Patrick Ryder

Ein Downloadcode ist inklusive.

Die zweite Veröffentlichung auf Michael Mayers IMARA Label - das Debüt von Juliana Martínez aka Servicio al Cliente - beinhaltet genau die richtige Portion an Überraschungs-Potenzial und Rätselhaftigkeit, die man sich von einem Label wünscht, das von einem Gründungsmitglied der Kompakt-Familie betrieben wird. In den sechs wunderschönen Liedern der EP transportiert Martínez sowohl Freude als auch Melancholie. Süße Pop-Melodien untermalt sie mit intimen, sanften wie auch sehr mutigen rhythmischen elektronischen Arrangements.

Martínez, die heute in Berlin lebt, wuchs als Tochter einer kolumbianischen Mutter und eines uruguayischen Vaters in Kolumbien auf, beide Psychiater, wodurch sie einiges über die Freuden der Kreativität lernte: "Meine Mutter glaubte vor allem, dass die Wirkung, die Musik auf dein Gehirn und deine Seele haben kann, keine Grenzen kennt. Das ist so ähnlich wie das, was Sport mit deinem Körper macht." Martínez besuchte eine katholische Mädchenschule, nahm aber auch privaten Musikunterricht, von dem sie allerdings verwiesen wurde, "weil ich Melodien komponierte, statt zu proben." Im Nachhinein liest sich diese Erfahrung wie ein Vorzeichen. Nach ihrem Jurastudium und einem Aufbaustudium in Spanien beschloss Martínez, die Dinge selbst in die Hand zu nehmen: Sie hatte bereits in einer Gruppe namens Las Palabras Correctas gespielt und fühlte sich in der freundschaftlichen Gemeinschaft mit anderen Künstlern bestens aufgehoben; Künstler, die "ständig Songs schreiben und Kunst machen und sich untereinander austauschen über das, was wir die 'Botschafter der kolumbianischen Musik' nannten, ein Name, der einer beliebten kolumbianischen Fernsehshow entlehnt ist. Diese Freunde haben dafür gesorgt, dass ich mich intensiver mit meinen Instrumenten und Liedern beschäftigt habe."

Die Songs von Servicio al Cliente kamen über ein unaufgefordert eingereichtetes Demo zu Michael Mayer - "es gab keinen Soundcloud- oder Dropbox-Link", erinnert er sich, "sondern nur eine sehr schön gestaltete Website mit einem integrierten MP3-Player. Das leicht surreale Artwork in Kombination mit der herzerwärmenden, irgendwie naiven Musik von Servicio al Cliente brach mir sofort das Herz." In der Tat strotzen diese Songs nur so von Gefühl, Charme und Rhythmus, umspielt von sanften Orgel und Keyboard-Tönen. Über all dem schwebt Martínez' Stimme, vor allem ihre Sprechstimme ist erfüllt von ungezwungener Zuversicht. "Es klingt wie etwas, das ich schon immer kannte", staunt Mayer, "wie ein alter vergessener Freund oder eine Kindheitserinnerung, die in einem Traum auftaucht." Servicio al Cliente erwischt uns mit voller Wucht, die Komplexität des kolumbianischen Lebens ist tief in die DNA ihrer Musik eingebrannt. Da ist diese oberflächliche Süße, das sinnliche Auf und Ab der Melodien wie in "La Mujer Que Bailó Con El Diablo" oder direkt im ersten Stück "Romántico", – all das verrät eine tiefe Sehnsucht, die den Liedern innewohnt, und verweist auf Martínez' scharfsinniges und kluges Bewusstsein für so etwas wie Erinnerungsarbeit, von der ein irgendwie glücklich-trauriges Strahlen ausgeht. "Meine Musik ist voll südamerikanischer Nostalgie", stimmt Juliana zu, "sie ist ein Versuch, sich an ein umfassenderes Verständnis der Realität zu erinnern, wozu Kolumbien einen zwingt. Eine bittersüße Ironie, wo die meisten Dinge einfach möglich sind. Ich versuche, meine Musik nach diesem Gefühl klingen zu lassen." Tatsächlich war es ein Moment großen Verlustes und großer Traurigkeit, an dem Martínez sich entschloss, ihre Musik mit anderen zu teilen: "Erst als mein Vater starb, zwang ich mich dazu, Michael zu schreiben." "Und Michael hat zurückgeschrieben."

Songs zu schreiben ist für Toby Whyle eine Selbstverständlichkeit, im Musikkosmos ist er seit langer Zeit ein bekanntes Gesicht. Neu ist die Erkenntnis, dass Songwriting für ihn einer der wenigen Wege ist, die grelle, schnelllebige Außenwelt auszublenden. “A Mood Of Its Own” ist der Anfang eines neuen Abenteuers, auf das sich Toby erstmals alleine begibt. Vorbehaltlos setzt er sich den Anziehungskräften von elektronischer Musik und Gitarrenpop aus, umkreist beide immer wieder knapp, lässt sich aber nie ganz fangen. Jeder Song folgt dabei einer eigenen Umlaufbahn, gewährt neue Einblicke in Tobys Gedankenwelten. Der Titel “A Mood Of Its Own” entstammt einer Textzeile der ersten Single “No One Moves", mit der Toby gleich mal auf dem ersten Platz der Radio FM4 Charts landete. Der Song beschreibt eine Schreibblockade, die zweite Single “Quiet The Silence” begleitet das Auseinanderdriften zweier Menschen, “Pity” erzählt von Stolpersteinen und einem Neubeginn und “How It Feels” von der Suche nach Konstanten in einer schnelllebigen Welt. Auf seiner ersten Solo-EP zeigt Toby Whyle die volle Bandbreite seines Songwritings, lässt einen oft energiegeladen aber nachdenklich zurück. Gemeinsam mit Produzent Maximilian Walch hat Toby unterschiedliche Stimmungen eingefangen, auf das Wesentliche reduziert und eine verbindende Ästhetik geschaffen.

Dornenreich gießen auf ihrem neunten Longplayer "Du wilde Liebe sei" ein wahres Füllhorn an wunderbaren Überraschungen aus. Das Tiroler Trio nutzte die mehr als sieben Jahre seit der Veröffentlichung ihres letzten Meisterwerks "Freiheit" (2014), um eine neue Klangdimension zu erschaffen. Obwohl "Du wilde Liebe sei" dem musikalischen Kanon der Österreicher treu bleibt, der eine hohe emotionale Dynamik mit expressiver Wucht verbindet, entwickelten Dornenreich ihren Trademark-Sound in eine neue Dimension weiter: Ein pulsierendes, erdverwurzeltes Geflecht aus Perkussion, Bass und E-Gitarren lässt dem einzigartigen Gesang, den Akustikgitarren und Geigen Flügel wachsen, um sich entfesselt in die Höhe aufzuschwingen. Wie der Albumtitel "Du wilde Liebe sei" bereits andeutet, dreht sich dieses Werk um das Mysterium der "Liebe" und ihre vielen mächtigen Auswirkungen, aber auch um die schmerzhaften Missverständnisse und komplexen Verstrickungen, die für immer mit dieser menschlichen Idee verbunden sind.