Western Vinyl Indierock | Alternative 29 Artikel

„Drifts and Surfaces“ ist ein dreiteiliges Set, wobei jedes Werk aus Auftragsarbeiten hervorgeht und durch gemeinsame Themen vereint wird: der Fluss zwischen ephemerer Bewegung und alltäglichem Stillstand, das Paradoxon von außergewöhnlicher und alltäglicher Schönheit und der Ehrgeiz und Müßiggang, der das Leben im 21. Jahrhundert ausmacht Saxl nutzt weiterhin kammermusikalische Ensembles neben analogen Synthesizern und digitalen Experimenten und vertieft sich dabei in strukturelle Emotionen und die lebendigen Details kleiner Handlungen. Während ihre bahnbrechende LP „The Blue of Distance“ (2021) Feld-Aufnahmen aus den Adirondacks und dem Lake Superior verarbeitete, stammt Saxls Quellenmaterial hier vor allem aus Live-Percussion und anderen Instrumenten. Das Projekt begann 2018 im Brooklyner Stadtteil Red Hook in dem Proberaum, den sich Saxls Band mit dem Percussion-Trio Tigue teilt. Später im selben Jahr spielten sie gemeinsam eine Residency und nahmen das Stück auf. 2021 begann sie ein neues Auftragswerk mit Third Coast Percussion aus Chicago. Der Titel „Drifts“ bezieht sich auf den Roman von Kate Zambreno aus dem Jahr 2020, in dem die Protagonistin von der Arbeit von Chantal Ackerman fasziniert ist, die die typisch weiblichen, unsichtbaren Formen der häuslichen Arbeit als ebenso wertvoll darstellt wie Tätigkeiten, die gemeinhin als produktiv angesehen werden. Saxl stellt „Drifts“ im Geiste dieser feministischen These auf: „Es fühlt sich an, als gäbe es hier eine kleine Reihe von Frauen, die diese Idee erforschen und kleine Aktionen feiern, von denen ich hoffe, dass ich deren Arbeit fortsetze.“ Das letzte Stück, „Surfaces“, wurde vom Guggenheim Museum in Verbindung mit der Alex Katz-Retrospektive im Jahr 2022 in Auftrag gegeben. Die Gruppe - bestehend aus Henry Solomon am Baritonsaxophon, Robby Bowen am Glasmarimbaphon und Saxl - lehnt sich an leichte, nachdenkliche Töne an, die von der Gegenwartsbezogenheit des bahnbrechenden Malers inspiriert sind. Katz' Arbeit beschäftigt sich mit der optischen Wahrnehmung von „schnell vergehenden Dingen“, wie der Liminalität der Dämmerung, wenn die Umrisse eines Objekts beginnen, undeutlich zu werden. „Die Art und Weise, in der sich unsere Wahrnehmung der Dinge verändert, nicht weil sie sich verändern, sondern weil wir uns verändern“, erklärt Saxl. „Ich wollte, dass sich diese wirklich kleinen Veränderungen dramatisch anfühlen, um die imaginäre Bewegung in seinen Gemälden widerzuspiegeln.“ Tritt man zurück, um „Surfaces“ innerhalb des Sets zu betrachten, findet Saxl den Strom, der sich durch die gesamte Arbeit zieht, das Konzept des Selbst als Teil von etwas Größerem. „Katz‘ Darstellung mehrerer Generationen von New Yorker Künstlern hat mich dazu inspiriert, darüber nachzudenken, dass es kein individuelles ‘Ich' als Künstler gibt, ohne die Künstler, die vor mir kamen, und die Gemeinschaft der Künstler, mit denen ich zusammengewachsen bin. Die Grenzen zwischen uns verschwimmen, und ich habe das Gefühl, dass ich auf einer verwobenen Oberfläche getragen werde, die von der Gemeinschaft um mich herum gebildet wird. Gleichzeitig weiß ich aber auch, dass ich mich irgendwann nach innen wenden und allein hinausschwimmen muss.“

Auf seinem neuen Album Sun Glories erkundet der in Oakland lebende Musiker, Komponist und Produzent Chuck Johnson Themen wie Zeit, Erinnerung und Illusion durch seine einzigartige Mischung aus Pedal Steel, Synthesizern, Gitarren, Orgeln, Streichern und Schlagzeug. Der Eröffnungstrack "Teleos" erforscht die linearen und zyklischen Qualitäten der Zeit durch episodische Abschnitte und Motive, die die bittersüße Erleichterung und Nostalgie heraufbeschwören, die mit der Ankunft des ersten warmen und sonnigen Tages nach einem langen, dunklen und regnerischen Winter die Sinne überfluten. Das gitarrenbasierte "Sylvanshine" fängt einen Moment zwischen Improvisation und aufkeimender Komposition ein, mit einem strahlenden Gastbeitrag des elektroakustischen Saxophonisten Cole Pulice. Bei "Ground Wave" greift Johnson auf die Kompositionstechnik zurück, ein kleines Streicherensemble in Wolken aus Pedal Steel zu verweben, ähnlich wie bei "Red Branch Bell" von seiner 2021 erschienenen LP The Cinder Grove. "Wenn das Pedal-Steel-Solo bei etwa 3:30 einsetzt, wollte ich, dass es sich anfühlt, als würde der Boden unter den Füßen des Zuhörers plötzlich verschwinden." Um seine Vision zu verwirklichen, arbeitete Johnson mit der Cellistin Clarice Jensen und der Geigerin Emily Packard zusammen, die beide mehrere Stimmen übereinander legten, um ein virtuelles Kammerensemble zu schaffen. Das Album schließt mit "Broken Spectre", einer Anspielung auf einen Begriff, der eine geisterhafte optische Täuschung beschreibt, die dadurch entsteht, dass sich das Sonnenlicht über einen nebel- oder wolkenverhangenen Berg beugt. Wieder einmal bauen sich Johnsons herrliche Pedal Steel-Melodien zu einem hypnotischen Strudel auf, der mit Ryan Jewells hymnischem Schlagzeugspiel ein episches Gefühl der Erhabenheit entwickelt. Wenn sich der Nebel lichtet und die Sonne durchbricht, hinterlässt dieser letzte Track ein Gefühl von Hoffnung und Entschlossenheit.

Entwickelt über einen Zeitraum von zwei Jahren, in den auch die Veröffentlichung des 2019 erschienenen Albums ,Stray Fantasies" fiel, liefert das Ehepaar Hollie und Keith Kenniff mit ,In A Deep And Dreamless Sleep" nun ein deutlich schemenhafteres Kapitel ihres Technicolor-Pop-Projekts MINT JULEP ab. Wo das erste Album ein kristallines Gitterwerk definierter Pop-Strukturen trug, stumpft das zweite diese Schärfe ab und macht den Glanz weicher, indem es ein Gleichgewicht zwischen Songkunst und Hollies Solomaterial sowie Keiths Output als Goldmund herstellt. ,In A Deep And Dreamless Sleep" nimmt eine luftigere Form an und verströmt einen schweren Nebel von Shoegaze-Sensibilität, obwohl das ansteckende Pop-Know-How seines Vorgängers fest intakt bleibt. Im Gegensatz zu seinem Titel ist ,In A Deep And Dreamless Sleep" voll von Traumwelt-Neigungen, in denen Wachen und Schlafen, Lieben und Verlassen, Leben und Sterben austauschbar sind. Das Album ist durchdrungen von der sanften Betäubung der aufkommenden Liebe - oder vielleicht ist es die Trauer einer Liebe in ihrem Zwielicht. Oder es ist das Gefühl eines Ehepaares, das seine Liebe vor dem Hintergrund seines geschäftigen Lebens pflegt. ,In A Deep And Dreamless Sleep" ist ein Fenster in eine berauschend romantische Parallelwelt, die die Kenniffs aus analogen Synthesizern, meisterhaftem Sounddesign, nektargetränkten Hooks und luftigen Vocals, die weit in ein Meer von Texturen hinauswaten, erschaffen haben. Sie haben es geschafft, den Wert jahrelanger Rendezvous-Nächte in eine 46-minütige Sammlung von phosphoreszierendem Ambient-Pop zu verwandeln, der ein Gefühl von gekonnter Konsistenz vermittelt, das die beiläufige Entstehung des Albums widerlegt.

Nachdem er schon bei Bands wie SWORD OF CHAOS und in der Tourband von JONSI aktiv war, bringt ÜLFUR HANSSON mit "White Mountain" sein Debüt unter eigenem Namen heraus. Mit Einflüssen, die von Kultkino über esoterische Literatur bis zur zeitgenössischen Musik reicht, geht ÜLFUR auf einzigartige Weise an das Übernatürliche heran. In seinen eigenen Worten: ,Jeder Track ist eine Collage aus Field Recordings, die ich auf Reisen gemacht habe. Ich habe unterwegs so viele interessante Leute getroffen (darunter Alexandra von MOUNTAIN MAN, die den grandiosen Gesang zu ,So Very Strange" beitrug). Ich trage mein Aufnahmegerät mit mir herum wie eine Kamera. Der Titel ist eine Homage an Rene Daumals ,Mount Analogue" sowie an den Film ,Holy Mountain" von Alejandro Jodorowski, doch auch etwas anderes. Jeder einzelnen Sound löst ganz bestimmte Erinnerungen aus, so dass das Album diese nostalgischen, nicht-existenten Plätze und versteckte Orte erschafft - eine Zusammenführung von Momenten und Situation, die es so auf keinen Fall geben kann. Ich stelle mir diesen ,White Mountain vor, einen unsichtbaren, eingebildeten Ort; einen heiligen Ort am Ende des Horizonts. So ähnlich wie eine Verbindung zum Universum. Eine analoge der Reise des Menschen."

Auf "Stranger" setzten BALMORHEA den kosmischen Dialog fort, den sie mit ihrem selbtbetitelten Debüt 2007 begannen. Obwohl der Geist der Ureinwohner von Texas und das drückende Gewicht des Nachthimmels die vorherigen Alben "All is Wild, All is Silent" (2009) und "Constellations" (2010) beeinflusste, richtet "Stranger" das Hauptaugenmerk vom Himmlischen auf das Irdische. Um es genauer zu sagen: es erforscht den himmlischen Klang, der aus den irdischen Dingen hallt. Die Musik von BALMORHEA wurde schon immer vom Leben in Texas geprägt, doch mit "Stranger" bewegt sich die Band aus dem Dunstkreis ihres Heimatstaates hinaus. "Stranger" lehnt sich weit nach vorn und zeigt Welten von Zärtlichkeit, Aggression, Desillusionierung und Freiheit mit einer ausgeweiteten musikalischen Palette, die sich aus Gitarrenloops, Vibes, Synthesizern, Ukulele und Steel Pan Drums speist. Zusätzlich zu diesen neuen Sounds füllen E-Gitarren und Percussion den Platz, der früher von Klavier und Akustikgitarre eingenommen wurde. Die Band lädt den Hörer dazu ein, sich mit ihr weiterzuentwickeln, während sie sich ohne lautes Trara oder große Erwartungen über ein neues Territorium hermacht. Der letzte Song, "Pilgrim", entpuppt sich somit als perfektes Ende, das Alpha und Omega zusammenbringt. Eine alles zusammenbringende Geste, die uns zurück an unsere Anfänge führt.

20 Jahre, in denen sie zusammen Musik machen, hat den Bell Brüdern jede Menge Zeit gegeben, um sich auf die Stärken des jeweils anderen einzuspielen, während sie Musik schreiben, aufnehmen und touren. In den drei Jahren, in denen Michael und Jared ihr neues Album "Symbolyst" schrieben und aufnahmen, haben sie mehr Zeit getrennt verbracht als jemals zuvor. Nach einigen Jahren des stetigen Tourens mit zwei Alben und einer EP mit THIS WILL DESTROY YOU fanden sich LYMBIC SYSTEM an entgegengesetzten Enden der Welt wieder: Michael lebte in Japan und Jared studierte Graphikdesign in Brooklyn. Die geographische Entfernung führte dazu, dass sie sich mehr und mehr auf das Vertrauen verließen, das sie über die Jahre hinweg zueinander entwickelt hatten. "Symbolyst" bedient sich aus einem eklektischen Pool an Einflüssen: dem Funk der JACKSON 5, der Traumtheorie von Jung, dem Existentialismus Bergmann, der Prosa von Baudelaire und der organischen Architektur von Wright. Die eindeutig-eingängigen Melodien und die Rhythmen zum Mitwippen sind einladend, während die dicht gestapelten Polyrhythmen, Harmonien und Gegenmelodien erst bei mehrmaligem Hören greifbar werden und "Symbolyst" so zu einer Hörerfahrung machen, die unabhängig davon ist, wie oft man das Album gehört hat.

GLASS GHOST ist das Manifest einer neuen musikalischen Kraft, die sich aus Myriaden verschiedener Einflüsse von J. DILLA bis DEERHOOF speist. Das Resultat ist erfrischend und passend zum Bandnamen auch latent beängstigend, was der Kombination aus Eliot Krimskys Falsett mit den unten herum äußerst breiten Sound der vom Hip Hop beeinflussten Rhythmussektion, die die kristallklare Welt mit den zum Hinternwackeln verführenden Beats der Vorgängeralbums anreichert. Diese einzigartige Welt dient als perfekter Ausdruck für die paranoide Erzählung des Albums, die einen Geschäftsmann dabei beobachtet, wie er die Metamorphose in eine ganze neue Form durchmacht. Da ist es keine Überraschung, dass Eliot bereits mit sechs sein erstes Klavierstück schrieb und Mike bereits seit frühester Kindheit Schlagzeugunterricht von den Größen des Jazz bekam. Zusammen spielten die beiden in Funk, Hip Hop und R&B Bands, bei BEST OF BOSTON und als FLYING. Als diese Gruppe sich wiederum auflöste, stellten die beiden fest, dass sie allein durchaus jede Menge Lärm machen konnten und begannen die Arbeit an dem, was "Idol Omen" werden sollte. Und obwohl sie schon mit anderen Keyboard-und-Schlagzeug-Duos wie den SILVER APPLES verglichen wurden, ist es ihr Minimalismus, ihre räumliche Kraft und ihre überirdischen Vibes, die GLASS GHOST eher wie ARTHUR RUSSELL, THIS HEAT und J. DILLA klingen lassen. . "Glass Ghost have a connection not unlike Sly and Robbie. It's a deep groove that no one bothers with anymore. It's nice to know it's still possible." Luke Temple (HERE WE GO MAGIC) / "It's incredibly moving and inspiring for me. Something to sustain me!." John Dietrich (DEERHOOF)