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Niemals war der Entstehungsprozeß eines SONGS:OHIA Albums so wesentlich in seinem Gesamtgefühl wie bei "Didn't It Rain", dem mittlerweile sechsten Album der Band, das von Edan Cohen aufgenommen wurde. Das gesamte Album wurde live ohne Overdubs eingespielt, die gesamte Band spielte in einem Raum. Kaum eine Armlänge voneinander entfernt, teilten sich die Sänger Jason Molina, Jennie Benford und Jim Krewson ein einziges Mikrophon. Das Resultat ist ein Sound voller Wärme und Persönlichkeit, der an Aufnahmen aus den frühen und Mitte der 70er Jahre erinnert. Von einem gleichnamigen Song von Mahalia Jackson inspiriert, kommt der Titeltrack als wunderschöner Song über die Höhen und Tiefen des Lebens. Jason Molina hat eine Platte geschaffen, die noch persönlicher und heilender ist, als seine vorangegangenen Arbeiten; was für Neil Young "After The Goldrush" war, ist für Molina "Didn't It Rain".

HHV-Exklusivausgabe, limitiert auf 500 Exemplare.

Am 9. Juni 2023 wird Capitane Records das 20-jährige Jubiläum von Adam Greens "Friends of Mine" wiederveröffentlichen. Für Fans von Green und seiner Band The Moldy Peaches mag es schwer zu glauben sein, dass es schon zwanzig Jahre her ist, dass die Indie-Rock-Welt Anfang der 2000er Jahre von einer neuen Generation von Künstlern, Komponisten und Songwritern in Brand gesetzt wurde. Innerhalb von gefühlt nur wenigen Monaten boten Bands wie The Strokes, The White Stripes, The Libertines und The Moldy Peaches dem Indie-Publikum neue Interpretationen des Rock'n'Roll-Kanons, Zu den Einflüssen gehörten sowohl Klassiker wie The Velvet Underground, Television, The Stones, The Doors, The Stooges, Leonard Cohen, The Modern Lovers und Bob Dylan, als auch neuere Künstler wie Beck, Daniel Johnston, Nirvana, Sonic Youth, Will Oldham, Pavement und The Silver Jews. Die Ergebnisse variierten zwischen geradlinigem Rock'n'Roll und Punkrock mit einem vom Folk inspirierten Songwriting-Bewusstsein. Die zerrissenen Jeans und Flanellhemden von früher waren verschwunden. Enge Hosen und Lederjacken waren jetzt angesagt.

Nach dem Erfolg seiner Band The Moldy Peaches (die 2001 zusammen mit The Strokes bei Rough Trade Records unter Vertrag genommen wurde und anschließend mit ihnen auf Tournee ging) schrieb und nahm Adam Green Friends of Mine auf, das bahnbrechende Album, das seiner Karriere eine neue Richtung geben sollte. In Abkehr von den selbst aufgenommenen 8-Spur-Analogaufnahmen seiner vorherigen Alben, wählte Green einen Sound, der für damalige Verhältnisse eindeutig als Hi-Fidelity-Sound bezeichnet werden konnte, komplett mit einer kompletten Band, singendem Gesang und einer Streichergruppe (mit Arrangements von Jane Scarpentoni). Friends of Mine lehnte sich an die Werke von Serge Gainsbourg, Scott Walker und Frank Sinatra an, während der lyrische Inhalt wie von der symbolistischen Poesie und dem Surrealismus von Brecht und Dylan abgeleitet schien. Das Ergebnis war etwas völlig Neues, eine Platte, die sowohl rührend traurig als auch sardonisch, satirisch, lässig und sogar laut lachend sein konnte. Songs wie "Jessica" wurden zu Hymnen für eine neue Generation junger Indie-Rock-Fans in den Vereinigten Staaten und Europa.

Capitane ist stolz darauf, Friends of Mine als Doppel-LP zu veröffentlichen, mit einer zweiten Disc mit Outtakes, B-Seiten und Live-Versionen. Diese Deluxe-Edition enthält Anmerkungen zu den Songs von Green, einen Text, der neue Einblicke in seine oft kryptische lyrische Methodik gewährt, sowie Anekdoten aus der Zeit, in der die Songs entstanden sind. Außerdem ist ein Gespräch zwischen Green und Dan Myers (Produzent), Steven Mertens (Bassist), Matt Ramono (Schlagzeuger) und Larissa Brown White (Adams damalige Managerin) enthalten. Die fünf alten Freunde tauchen tief in die Produktion von Friends of Mine ein und reflektieren über diese vergangene Ära. Die 2023er-Ausgabe von Friends of Mine ist ein Zeugnis für einen Künstler und ein Album, das den Test der Zeit überdauert hat.

Die neue EP der Last Shadow Puppets besteht aus zwei neu aufgelegten Tracks aus ihrem dieses Jahr erschienenen Album „Everything You’ve Come To Expect“ sowie Cover von Leonard Cohen (Is This What You Wanted), The Fall (Totally Wired), Glaxo Babies (This Is Your Life) und das auf französisch gesungene „Les Cactus“ von Jacques Dutronc.

John Cales Fragments of a Rainy Season ist ein Klassiker unter den Live-Alben und wurde 1992 auf Tour aufgenommen. Auf dem Album sind dem neben Cale-Hits auch Cover wie Leonard Cohens "Halleluja" und "Heartbreak Hotel" von Elvis zu hören.

It has been nine years since Urlaub in Polen announced they were disbanding with the release of their fifth album Boldstriker. However, drummer Jan Philipp Janzen and multi-instrumentalist and singer Georg Brenner have always made up one of those rare and highly unlikely bands who, despite market laws to the contrary, have put the context of their own work above fads and opportunity without ever denying that they inhabit a particular historical moment. On All, their unexpected sixth album, it becomes immediately clear that the term »reunion«, at least in the sense we’ve gotten used to, does not do justice to this particular ocurance. All is light years away from offering a lukewarm rehashing of ancient recipes for success - the album is highly ambitious and sounds fresh in its concentrated performance—not unlike a debut. This is because the considerable advantages of a long-term musical relationship are at display throughout the record. Not only with regards to the tightness of performance, which was and is every bit as unbelievable as everyone says, particularly those who have been privy to their ecstatic live performances, but also regarding a level of musical familiarity withone another; a rare feat that has always carried the band’s musical explorations, and which balances the dynamics and structures of All as a whole. This interplay is accentuated by the record’s production, for which Janzen (among others a founding member part of Von Spar, current drummer of Die Sterne and producer of Die Sterne, The Field, PTTRNS, Albrecht Schrader etc.) and Brenner are also responsible.

Urlaub in Polen have also always been a band that defies categorization. All is probably their most formally coherent album so far, but it is nevertheless anything but a work of genre: What the songs on All have in common is an architecture evoking Krautrock, developing sprawling synthesizer and guitar workouts on the foundations of finely woven rhythm arrangements. The echoes of West Coast Pop (the harmonies and the bass!), of Rhineland Tech House and of early Dire Straits (the vocals and the guitar production!) make All a characteristically versatile and international affair. The album shares with their previous efforts the interest and attention for sonic textures and contrasts, but showcases more constraint and focus. In place of noise, details and the enormous joy of playing between Brenner and Janzen come to the fore, equally in the stoic Desert Kraut hits »Impulse Response« and »THDT,« the polyrhythmic »Overall«, or the discoid »Proxy Music.« All as a musical statement thus bears witness to the fact that Urlaub in Polen’s artistic vision is not centred by musical niche or content, but by formal considerations and the ever new presence of playing together: All, in this sense, stands for nothing more and nothing less than the latest expansion of their oeuvre.

Im März 2019 haben sich Lorenz O ́tool von Chuckamuck (Berlin/Deutschland) und Jeremy Tayler (Australien) in Victoria zusammengefunden. Der Ort ist ein einsamer und paradiesischer an der Küste. Die Bühne der Balkon mit Sicht nach Tasmanien. Die beiden befreundeten Musiker lebten in Berlin zusammen, gingen mit Chuckamuck auf Europatour und haben eine ungemeine Leidenschaft für das schöne Leben, welches sie in diesem Monat komplett ausreizen und auf 4-Track verewigen. Eine feste Besetzung der Instrumente gibt es nicht. Hippies nennen es „perfekte Symbiose“, Snobs „ein Nehmen und Nehmen“, Stars „Jackpot“, Surfer „so natural“, this guy from the corner „yeah mate“. Aufgenommen ist lediglich die Atmosphäre; es gibt keine engen, muffigen Aufnahmekammern, nur eine Terrasse mit einem kleinen stimmigen Setup. Lassen Sie sich nicht von Hintergrundgeräuschen der Vögel, Unterhaltungen, vorbeischnallenden Homies, Landcruiser und Rasenmähern verwirren. Fühlen Sie es einfach und lassen Sie sich auf die Stimmung ein. Dies ist keine Studioproduktion und kein weisses Album. Es sind 35 Minuten, in denen man aus dem Alltag flieht, sich zurücklehnt, die Sehnen im Gesicht lockert und einfach mal belanglos und ohne Zwang für gar nichts, Nichts ist.

Just when you thought every loner folk genius had been outed/discovered, hyped, and pontificated about, a new/old challenger lurks in the murky depths of time...and Maine. Sure, you have your Skip Spences, Dave Bixbys, Stone Harbours, and Perry Leopolds already, but have you heard the lonesome sound of Bill Stone? Well, don't feel bad or "unkool", hardly anyone has--unless you lived in rural Maine in the early 70s and grabbed his barely-ever seen LP in the day. Titled simply Stone, Bill's mysterious album was pressed in the micro-est of quantities, covering wistful, airy psychedelia on par with the UK's Mark Fry's classic Dreaming of Alice, while still evoking the earthy, evening-hour melancholy of Leonard Cohen or Tom Rapp. Stone was also especially influenced by one Donny P. Leitch, one Robby Zimmerman, and much trad folk, while growing up in his hometown of Old Town, Maine. Stone started out playing in a few small folk ensembles while also moonlighting with occasional solo gigs, finally recording this lone platter in 1969 in a pottery studio (!?) on a 2-track Panasonic tape recorder in Boothbay, Maine (where he says, they competed with a cat in heat). The LP features Tom Blackwell/Bill Stone-guitars, Arthur Webster-bass, Bob Blackwell/Skip Smith-drums, Bill/Beth Waterhouse on vocals. It also seems cover artist Doug Bane went on to become an acclaimed cosmic painter--committing loads of animals, psychedelic scenes, and Native American portraits to canvas, who knew? But we digress--anyhow, seems Stone's solo career slowed down after marriage hit, and he transitioned to playing covers in bars for cash, but after acquiring a masters and doctorate in education, he moved into the teaching walk of life. Bill published books and articles on subjects as diverse as school counseling and chaos theory--but now retired, he's returned to music, even recording a new album of originals and traditional numbers, based on his experiences as a cab driver (another wrinkle in the Stone Saga we must hear more of someda...

Über „Who By Fire“ fügen die Söderberg-Schwestern heute hinzu: „Wir haben uns kürzlich nochmal das Konzert angehört. Uns wurde klar, dass es etwas absolut Nicht-Alltägliches für uns war. Es war eine große Herausforderung, eine Performance zu entwerfen, in deren Mittelpunkt zur Abwechslung nicht First Aid Kit-Songs standen. Etwas, was wir noch nie zuvor getan hatten. Trotzdem hat alles bestens funktioniert. Es war ein echtes Vergnügen, so tief in Cohens Welt einzutauchen. Er war als Dichter und gleichermaßen als Songwriter extrem produktiv; für alles, was er je veröffentlichte, legte er sehr hohe Maßstäbe an. Seine Arbeit war ihm unschätzbar wichtig. Die Band, die GastkünstlerInnen, die Atmosphäre auf der Bühne... jede/r war mit ganzer Leidenschaft bei der Sache. Es war einfach magisch. Dies ist ein Album, das man am besten in einem Durchgang ohne Unterbrechung genießen sollte. Lasst los und taucht für eine Weile komplett in Cohens Welt ab. Wir haben uns entschieden, keinen einzigen der Auftritte nachträglich zu bearbeiten. Die kleinen Fehler sind ein wichtiger Teil der Liveerfahrung. In einer Zeit, in der es leider nicht möglich ist, echte Livekonzerte zu besuchen, kann man sich beim Anhören zumindest vorstellen, man wäre direkt im Geschehen...“

„Who By Fire“ erscheint in einem exklusiven Format: Als limitierte 2LP-Deluxe Edition in dunkelblauem Vinyl, dem ein doppelseitiges Poster beiliegt. Außerdem erscheint das Album als Standart-CD inklusive eines ausfaltbaren Booklets im Poster-Stil.



Mit dem Live-Tribute legen First Aid Kit den Nachfolger ihres von Fans und Kritikern gleichermaßen gefeierten 2018er Albums „Ruins“ vor.

The album is described this way by producer Ripley Johnson: "The band was aiming to capture a timeless, natural sound, not quite of the present, past, or future, but phasing in between the consciousness of now and the stoned dream-state of the eternal. Sort of a back porch jam just as the shrooms are starting to kick in. Handmade and human, but also cosmic and transcendental. The goal is to let the music speak for itself and hopefully find a weird and wonderful audience somewhere out there."That description feels right for an album which seems perfect for those soft ephemeral moments, and that softly wraps you in the feeling of walking at twilight. Mellow but upbeat the album it's easy to imagine the leaves changing colors. It's psych rock, and dificult to describe without getting poetic; dreamy and insular, it's easy to get lost in this album. Produced and recorded by Ripley Johnson (Moon Duo, Wooden Shjips), and mixed by Chris Cohen (Captured Tracks, Deerhoof), the album finds its niche in the hazy sonic landscape of private press country and psych records, and alongside artists like Relatively Clean Rivers, Jim Sullivan, Kenny Knight, and countless other explorers of the pastoral underground.New project produced by Ripley Johnson of Wooden Shjips and Moon Duo fame, fans of either are sure to love this one

Seine Stärke ist ein Songwriting das musikalisch wie poetisch kratzt und schabt: am amerikanischen Traum, an dessen Wirklichkeit und den Menschen die ihn bevölkern. Immer wieder wurde seine spröde Musik und einfühlsamen Texte mit denen von Leonard Cohen, Lou Reed und Bob Dylan verglichen und somit Gewicht verliehen. Zu großer Bekanntheit führte das nicht, Simon Joyner bleibt ein outsider mit seinem Loner-folk, aber für die, die ihn entdecken bietet er ein Kraft von rauher Schönheit. Conor Obers von Bright Eyes nennt Joyner, der seit 1990 seine dunklen Americana Songs veröffentlicht, einen entscheidenden Einfluß. Simon Joyner's neuestes Album gerät noch dunkler und eindringlicher. Sein Thema hier ist Isolation, und er übernimmt es gleich auch als Grundlage für seine Produktion. Ihm war es wichtig, dass die beteiligten Musiker allesamt alleine waren um ihre jeweiligen Parts zu finden. Die Abgeschiedenheit der einzelnen Musiker auf Songs From A Stolen Guitar bietet somit weniger Spontaneität vieler früherer Arbeiten von Joyner, führt aber zu einer Art Silberstreifeneffekt: Joyners Songs, die hier sorgfältiger und vielleicht absichtsvoller produziert wurden als auf jedem seiner früheren Alben, kommen viel klarer durch und stellen sowohl seine schillernden Wortspiele als auch seine klare Vision in den Vordergrund. Ein Kritiker bringt einen Vergleich zu Neil Young und meinte "Wenn (sein 2012 Album) 'Ghosts' sein 'Tonight's the Night' war - zornig, nackt und bodenlos - dann könnte sich 'Songs From A Stolen Guitar' als sein Harvest erweisen." Songs From A Stolen Guitar wurde in verschiedenen Städten aufgenommen. Joyner nahm seinen Gesang und seine Gitarre live in Omaha auf; Bassist Wil Hendrix fügte seine Parts zu Hause in San Francisco hinzu, Michael Krassner nahm seine Gitarren- und Klavier-Overdubs zu Hause in Phoenix auf, und Schlagzeuger/Percussionist Ryan Jewell nahm in Colorado auf. Dieser musikalische Kettenbrief machte sich dann auf den Weg zurück nach Omaha, wo David Nance (Gitarren und Backing Vocals), Ben Brodin (Orgel und Vibraphon) und Megan Siebe (Bratsche und Backing Vocals) - getrennt voneinander - ihre jeweiligen Beiträge einspielten. Dieses Vorgehen zahlt sich aus. Die "virtuelle" Band spielt eine unterstützende, aber komplementäre Rolle und erzeugt immer das richtige Maß an Spannung, um diese emotionsgeladenen Geschichten zu begleiten und zu umhüllen. Das Zusammenspiel ist einfühlsam und kohärent, auch wenn es aus geografischer Entfernung und Abgeschiedenheit zusammengefügt wurde und oft wie Musik klingt, die durch den Nebel eines Herbstmorgens gefiltert wurde. Doch wenn es um Simon Joyner-Platten geht, zahlt man sein Ticket, um großartige Songs zu hören, und auch in dieser Kategorie enttäuscht Songs From A Stolen Guitar nicht. Eins der seltenen Alben, das nach dem klingt, worum es geht: die Kluft zwischen Einsamkeit und Alleinsein, die Grenzen zwischen Liebe und Hingabe, der Unterschied zwischen dem Tornado und dem, was er hinterlässt.

Auf dem aktuellen Album des Old 97's Frontsängers Rhett Miller findet er genau den Sound, der zu ihm passt - zwischen Experimentierfreude und Kreativität entstehen warme und durchdachte Songs. Produziert von Sam Cohen (Apollo Sunshine, Yellowbirds) in New York, setzt sich Miller keine Grenzen und lässt viel Raum für Synthesizer und Einflüsse aus dem New Wave/Post-Punk und Prog.

Der Anti-Folk-Hero/Indie-Crooner Adam Green ("Friends Of Mine", "Jessica Simpson", "Emily", Moldy Peaches etc.) veröffentlicht seine letzten witzig-bissigen Songs "That Fucking Feeling" nun nochmal über Capitane Records und erstmals auf LP. Es ist eine rasante und auf den Punkt gebrachte Platte geworden. Wie auch schon der Vorgänger ENGINE OF PARADISE überschreitet die LP kaum die 20-Minuten-Marke, aber die die zehn Songs - nur wenige länger als zwei Minuten - sind ein Ausbund an hochnervöser, verspielter Kreativität zwischen Leonard Cohen, Scott Walker und Ben Lee. Mal bis auf Stimme und Gesang runtergebrochen, mal opulent mit Streichern arrangiert können die Songs es locker mit den Großtaten der älteren und jüngeren Vergangenheit Greens aufnehmen."Ich wollte etwas veröffentlichen, das zu Hause aufgenommen wurde. In den guten, alten ,Moldy Peaches"-Tagen habe ich alles am Küchentisch meiner Eltern aufgenommen. Aber es ist jetzt auch schon 20 Jahre her, dass ich so einen Song veröffentlicht habe. Ich habe ein paar Songs in Quarantäne aufgenommen, die ich direkt in den Laptop eingesungen habe und ich mag, wie direkt sich das anfühlt."Die CD-Version wurde limitiert im Mai 2022 über das Künstlereigene Label veröffentlicht, jetzt gibt es zur Neuauflage der CD auch Vinyl.

Amber Arcades ist das Pseudonym von Annelotte de Graaf, der niederländischen Singer/Songwriterin, die zwei EPs und einige von der Kritik gefeierte Alben aufgenommen hat, von denen das zweite, "European Heartbreak", durch "hints of Lindi Ortega and early Saint Etienne, breezy, dreamy pop more personal than political" (The Guardian) glänzt. Nachdem Amber Arcades verlor kurz den Glauben an die Musik, gewann ihn dann aber wieder zurück und liefert nun ihr bisher atemberaubendstes Album ab: "Barefoot On Diamond Road", das am 10. Februar 2023 erscheinen wird - ihre erste Veröffentlichung auf Fire Records. Die erste Single "Just Like Me" ist ein offenkundig tanzbarer und triumphaler Song, der durch seine Stop/Start-Struktur eine beunruhigende und unvorhersehbare Schärfe in das Geschehen bringt. "There's a clear distinction from my last record ,European Heartbreak', which had a complete narrative. This record is completely the opposite" erklärt die Niederländerin in einem Statement zum neuen Album. Eingetaucht in eine alles verzehrende Wall of Sound ist "Barefoot On Diamond Road" wie MY Bloody Valentine in akustischer Form; es sollte eigentlich nicht funktionieren, aber tut es trotzdem. Es ist eine Gegenüberstellung von Texturen, von sprunghaften, unruhigen Dancefloor-Beats bis hin zu symphonischer Kosmik, ein barocker Pop-Teppich, der mit Celli und Harfen bestückt ist, mit einer klagenden Steelguitar, die in der Ferne widerhallt. Die Schlagzeug- und Perkussions-Arrangements von Matt Chamberlain (pearl JAM, Bowie, Dylan, Adele, Lorde, Springsteen, COHEN...) verleihen dem Ganzen zusätzliche Textur. Es ist ein Album von einnehmender Reife, gefüllt mit Zeitlupen und epischen Steigerungen, die es mit all der Dramatik in schwindelerregende Höhen heben - man denke an THE GUN Club, die sich mit Portishead zurücklehnen, alles könnte passieren, es ist ein imaginärer Film... und PJ Harvey lauert im Schatten. Amber Arcades neues Album "Barefoot On Diamond Road" markiert eine neue Phase im Schaffen der hochangesehenen Musikerin.

Amber Arcades ist das Pseudonym von Annelotte de Graaf, der niederländischen Singer/Songwriterin, die zwei EPs und einige von der Kritik gefeierte Alben aufgenommen hat, von denen das zweite, "European Heartbreak", durch "hints of Lindi Ortega and early Saint Etienne, breezy, dreamy pop more personal than political" (The Guardian) glänzt. Nachdem Amber Arcades verlor kurz den Glauben an die Musik, gewann ihn dann aber wieder zurück und liefert nun ihr bisher atemberaubendstes Album ab: "Barefoot On Diamond Road", das am 10. Februar 2023 erscheinen wird - ihre erste Veröffentlichung auf Fire Records. Die erste Single "Just Like Me" ist ein offenkundig tanzbarer und triumphaler Song, der durch seine Stop/Start-Struktur eine beunruhigende und unvorhersehbare Schärfe in das Geschehen bringt. "There's a clear distinction from my last record ,European Heartbreak', which had a complete narrative. This record is completely the opposite" erklärt die Niederländerin in einem Statement zum neuen Album. Eingetaucht in eine alles verzehrende Wall of Sound ist "Barefoot On Diamond Road" wie MY Bloody Valentine in akustischer Form; es sollte eigentlich nicht funktionieren, aber tut es trotzdem. Es ist eine Gegenüberstellung von Texturen, von sprunghaften, unruhigen Dancefloor-Beats bis hin zu symphonischer Kosmik, ein barocker Pop-Teppich, der mit Celli und Harfen bestückt ist, mit einer klagenden Steelguitar, die in der Ferne widerhallt. Die Schlagzeug- und Perkussions-Arrangements von Matt Chamberlain (pearl JAM, Bowie, Dylan, Adele, Lorde, Springsteen, COHEN...) verleihen dem Ganzen zusätzliche Textur. Es ist ein Album von einnehmender Reife, gefüllt mit Zeitlupen und epischen Steigerungen, die es mit all der Dramatik in schwindelerregende Höhen heben - man denke an THE GUN Club, die sich mit Portishead zurücklehnen, alles könnte passieren, es ist ein imaginärer Film... und PJ Harvey lauert im Schatten. Amber Arcades neues Album "Barefoot On Diamond Road" markiert eine neue Phase im Schaffen der hochangesehenen Musikerin.

Eine besondere Aufnahme der Solisten Kayhan Kalhor und Toumani Diabaté nimmt uns mit auf eine improvisierte musikalische Reise in neue Landschaften. Toumani Diabaté, der führende Spieler der westafrikanischen Kora, hat bereits drei Grammys gewonnen und mit verschiedenen Künstlern zusammengearbeitet. Dies ist Kayhans erste Zusammenarbeit mit einem afrikanischen Musiker und die spontane Aufnahme ist ein Dialog und eine Reise durch ihre außergewöhnlichen Improvisationsfähigkeiten.