Suche "philis" 205 Artikel

1981 wurde mit Ronald Reagan ein Filmcowboy Präsident der Vereinigten Staaten von Amerika, das Space Shuttle Columbia hob zum ersten Mal von Cape Canaveral ab und MTV ging mit »Video Killed The Radio Star« von The Buggles auf Sendung. 40 Jahre später haben Katrin Achinger und Matthias Arfmann das Gesamtwerk ihrer Band Kastrierte Philosophen durchforstet. So entstand nicht nur die umfangreiche Werkschau »Jahre«, auch der komplette Backkatalog wird sukzessiv digital wiederveröffentlicht - und es gibt sogar zwei neue Songs. Eine irrwitzige Reise durch die Zeit, die mehr über die Gegenwart als über die Vergangenheit erzählt. Da kommt also Großes auf uns zu: Insgesamt elf Alben hatte die Hamburger Gruppe Kastrierte Philosophen in ihrer aktiven Zeit veröffentlicht. Auf diesen Alben findet sich von grenzenloser Neugierde und Offenheit kündende Im-weitesten-Sinne-Indie-Musik, die Velvet-Underground-Coolness, Shoegazer, Spoken-Word, Rave, Electro, Minimal-Pop, Chanson, Reggae, New Wave, Dub, Geniale Dilettanten, deutsch- und englischsprachig (spanisch und französisch) getextete Texte vereint. Ein ganzes Jahr haben Achinger und Arfmann sich danach mit ihrer musikalischen Vergangenheit beschäftigt, die auf diesem Wege wieder zu ihrer Gegenwart wurde. Aus dieser Begeisterung ergab sich automatisch der Wunsch, dem Werk etwas hinzuzufügen. Katrin Achinger hatte einen Text geschrieben, dem die Best-of nun ihren Titel verdankt: »Jahre«. »Den hat sie mir geschickt und ich fand ihn so toll, er hat so viel ausgelöst«, sagt Arfmann. »Plötzlich lag unsere gemeinsame Geschichte wieder vor mir, der Rest ging wie von selbst.« Es geht um die Zeit, die vergangen ist, um das Gestern, das Heute und das Morgen - und um die Freundschaft, die bleibt. Die neuen Songs bilden auf der Best Of den Rahmen für 15 klassische Kastrierte-Philosophen-Songs wie »Liquid Sky«, »Toilet Queen« oder »Skin & Pain«. Es ist eine wunderbare, ziemlich repräsentative und sehr erlesen vorgenommene Auswahl nicht zuletzt für einen Erstkontakt geworden: Denn auch wenn das hier natürlich auch ein Service für die vielen alten Fans der Kastrierten Philosophen ist, lohnt es sich absolut, diese Band 2022 (neu) zu entdecken.

Nach dem akustischen 'Familial' (2010) und 'Weatherhouse' (2014) veröffentlicht Philipp Selway, Gründungsmitglied und Schlagzeuger von Radiohead sein 3. Studio-Soloalbum. Die Klanglandschaft, produziert von Marta Salogni, besteht aus einer Mischung aus Streichern, Bläsern und synthetischen Klängen, die von einer kleinen Gruppe von Musiker*innen unterstützt werden, zu denen Hannah Peel, Adrian Utley, Quinta, Valentina Magaletti und Laura Moody gehören.

DeYarmond Edison war der Vorläufer von Bon Iver und Megafaun. Im Sommer 2005 verließen vier Freunde Wisconsin in Richtung North Carolina mit einem einzigen Ziel: der Folk-Rock-Flaute zu entkommen. Während eines Jahres intensiver Konzentration, des Studiums und der Verletzlichkeit taten sie genau das, indem sie an den ekstatischen Rand des New Weird America vordrangen und von allem ein bisschen ausprobierten - Grindcore und Gospel, Free Jazz und Phasenstücke, Bluegrass und Blues - und es in DeYarmond Edison packten. Der Rest ist Geschichte_ Ein Mitglied ging nach Hause, um das zu gründen, was später Bon Iver werden sollte, während drei vor Ort blieben, um Megafaun zu gründen. Epoch ist die Geschichte von DeYarmond Edison: Brad Cook, Phil Cook, Justin Vernon und Joe Westerlund, erzählt wie nie zuvor. Die Sammlung umfasst fünf LPs, vier CDs, Dutzende von ungehörten Aufnahmen und ungesehene Fotos. Begleitet wird sie von einer ausführlichen Biografie des Schriftstellers Grayson Haver Currin, der auch als ausführender Produzent der Sammlung fungiert. Alles in allem fängt Epoch die Zeit ein, bevor aus diesen vier Freunden zwei andere, aufsehenerregende Bands wurden. Es ist eine Geschichte über Gemeinschaft, Visionen, Familie und ein Quartett, das zu gut sein wollte, um zu bestehen. Es gibt Momente des Experimentierens, subtile Wendungen im Fuzz von "Epoch" und eine stampfende Herangehensweise beim Covern von "All Tomorrow's Parties", die den Grundstein dafür legten, wie Bon Iver und Megafaun die akustische Musik ein wenig umkrempeln würden. Aber ein Großteil von Epoch unterstreicht die einzigartige Sichtweise der Gruppe auf amerikanisches Songwriting, auf das Nehmen von Patchworks, das Finden der Akkorde und das Singen aus vollem Herzen. "Trials, Troubles and Tribulations" ist ein Beispiel dafür. Am bekanntesten ist es als Duett von Justin Vernon und Sharon Van Etten, das hier in ausufernder Last-Waltz-Manier wieder zum Leben erweckt wird, mit Vocals von Megafaun, Justin Vernon, Frazy Ford und Fight the Bi...

So sehr er auch versucht ein in Anführungszeichen normales Album zu schreiben, wie Neil Hannon selbst sagt, so recht gelingen will ihm das nicht. Auch auf “Office Politics” gibt er sich gewohnt kautzig.

Hat eigentlich schon irgendwer darüber nachgedacht, ob es nach all den Jahren deutschsprachigen Pop-Zusammengehörigkeitsgefühls mal Zeit wird, weiter als von Fußball-WM zu Fußball-WM zu denken und mit dem irren Gedanken aufzuräumen, dass schon alles gut wird, wenn wir uns bloß Alle immer ständig sagen, dass wir das schon hinkriegen?!

Vielleicht war’s Zeit für Jupiter Jones, die Brücke zwischen dem Punk aus den alten Tagen von vor mittlerweile zwanzig Jahren und dem Pop aus den neueren Alben zu schlagen, um eine Melange aus beidem zu schaffen, die sich nicht daran stört, ob irgendwelche Genre-Dogmen eingehalten werden und die sich nicht scheut, auch unkomfortable Themen in komfortablere Töne und Wörter zu packen? Weil Pop eben nicht da aufhört, wo Normativität ihre Grenzen findet.

Sei’s in Songs wie „Überall waren Schatten“, „Bleibt zusammen“, „Wenn’s nicht wehtut“ oder „Melatonin“, die all die Gründe aufleben lassen, wegen denen die Band im Jahre 2002 überhaupt gegründet wurde: Nämlich der Frage nach dem Warum-zum-Teufel-nochmal?

Oder in Songs wie „Vielleicht“, „Ja sicher“, „Oh! Philia“ oder „Der wichtigste Finger einer Faust“, die ganz bewusst Tanzbarkeit mit dem Gefühl verbinden, sich unbedingt mal für mehrere Stunden hinzulegen und die Wand anzustarren?

Oder eben in Songs wie „Atmen“, „Der Nagel“, „Mein Viel und dein Vielleicht“ und „So hat noch jedes Ende angefangen“, die im weitesten, wie im nähesten Sinne Liebeslieder sind. Lieder für und gegen die Liebe, Lieder mit und ohne.

„Die Sonne ist ein Zwergstern“ ist nicht das Corona-Album von Jupiter Jones. Auch, wenn das Revival der Band ziemlich zeitgleich mit dem Virus kam und die Songs dementsprechend ausnahmslos in dieser Zeit geschrieben wurden. Es ist das Album, das einen Blick auf die Welt wirft, einen Blick auf das Innere und einen Blick auf die Verbindung von beidem. Es ist das Album, dem mehr als jedem Album der Band zuvor egal ist, wo die Grenzen verschwimmen. Es ist entschlossen, laut und leise zugleich und es ist alles, nur kein Kompromiss.

Ganz sicher ist es das Ergebnis aus der Erkenntnis, dass wir alles wieder zusammen machen und schaffen können, sobald wir gecheckt haben, dass wir erst mal wir selbst sind. Und dass sich all das lohnt.

Das lebenslange Armdrücken zwischen Kopf und Herz steht im Mittelpunkt von Faith Crisis Pt 1, dem dritten Album der Emo-Indie-Rocker Middle Kids aus Sydney. Die neuen Songs legen die schmerzhaften, frustrierenden und chaotischen Teile des logischen Puzzles dar, das das Leben jeden Tag von uns verlangt. Produziert von Jonathan Gilmore (The 1975, Beabadoobee), bringen Hannah Joy, Tim Fitz und Harry Day meisterhaft Emotionen des Überwältigtseins zum Ausdruck, die den Hörer von den ersten Takten an fesseln. Das Trio greift erneut auf das Wesentliche des Indie-Rock zurück (Gitarre, Bass, Schlagzeug) und hebt seine Songs mit euphorischen Gesangsdarbietungen, einer mitreißenden Produktion und unvergleichlichen Pop-Sensibilität hervor.

Das lebenslange Armdrücken zwischen Kopf und Herz steht im Mittelpunkt von Faith Crisis Pt 1, dem dritten Album der Emo-Indie-Rocker Middle Kids aus Sydney. Die neuen Songs legen die schmerzhaften, frustrierenden und chaotischen Teile des logischen Puzzles dar, das das Leben jeden Tag von uns verlangt. Produziert von Jonathan Gilmore (The 1975, Beabadoobee), bringen Hannah Joy, Tim Fitz und Harry Day meisterhaft Emotionen des Überwältigtseins zum Ausdruck, die den Hörer von den ersten Takten an fesseln. Das Trio greift erneut auf das Wesentliche des Indie-Rock zurück (Gitarre, Bass, Schlagzeug) und hebt seine Songs mit euphorischen Gesangsdarbietungen, einer mitreißenden Produktion und unvergleichlichen Pop-Sensibilität hervor.

Kaum ein Jahr nach Veröffentlichung ihres hochgelobten Debütalbums 'Dogrel', für das sie unter anderem für den Mercury Price nominiert wurden - BBC 6Music und die Rough Trade-Plattenläden kürten es sogar zu ihrem Album des Jahres 2019 (aber auch hierzulande schlug 'Dogrel' große Wellen) -, meldet sich die Dubliner Band Fontaines D.C. mit einem ausgesprochen selbstbewussten, geduldigen und komplexen Folgealbum zurück.

'A Hero's Death' kommt verletzt und angeschlagen daher, wenn auch wunderschön - eine berauschende und philosophische Sicht auf die moderne Welt und ihre große Ungewissheit.

'A Hero's Death' ist wie auch schon der Vorgänger in Zusammenarbeit mit Produzent Dan Carey (Kate Tempest, Bat For Lashes uvm.) in London entstanden.

Nap Eyes' metamorpher fünfter Longplayer versammelt neun faszinierende Songs, die in den vier Jahren seit „Snapshot of a Beginner“ aufgenommen wurden. „The Neon Gate“ enthält klassische Themen (das unruhige Zusammenspiel von Physik und Philosophie, umherwandernde Meditationen, Selbstbefragungen, Öffnungen der Surrealität, Videospiele), aber auch Anzeichen für abweichende Impulse in Richtung nichtlinearer Abstraktion und improvisierter Komposition in Langform (was zu ihren bisher diskursivsten, dekonstruiertesten und delikatesten Liedern führt) und erzählerischer und lyrischer Formalität (einschließlich der Adaptionen von dornigen Gedichten von Alexander Puschkin und W. B. Yeats), die den Eindruck vermitteln, dass sich Nap Eyes ebenso gewandelt haben wie ihr Verständnis davon, was ein Lied ist, was es kann und wohin es gehen könnte.

Nach zwölf Jahren reich an Instrumental-Alben (von zwei Solo-Piano-Platten über Kammermusik bis hin zu gemeinsamen Alben mit Boys Noize, Jarvis Cocker und Plastikman und sogar einem Weihnachts-Bestseller) hat Chilly Gonzales sich eine Menge von der Seele zu schreiben. Die Notizbücher, die seit dem 2011 erschienenen orchestralen Rap-Opus 'The Unspeakable Chilly Gonzales' leer blieben, füllten sich seit Anfang 2022 wieder mit Worten, nachdem Gonzo ein langes Jahrzehnt der Psychoanalyse beendet hatte. Ein Zufall? Wohl kaum. Hinter all den Wortspielen und dem Namedropping (u.a. Ron Jeremy, Marie Kondo, Dschingis Khan und Philip Glass) offenbaren die Songs, die es auf das neue Album 'Gonzo' geschafft haben, eine anhaltende Spannung zwischen Überzeugung und Bekenntnis, Wahn und Selbsterkenntnis und schließlich Dankbarkeit. Auch das Spannungsfeld zwischen Kreativität und Kommerz ist für Gonzo ein Thema, das ihn schon lange beschäftigt. Ist dies wirklich ein Rap-Album? Instrumentalstücke wie das strawinsky-eske 'Fidelio' oder das tränenreiche 'Eau de Cologne' erinnern den Hörer an Gonzos selbsterklärte Rolle als 'musical genius', während sich die Worte und Reime der vorangegangenen Strophen im Ohr festsetzen.

Es ist das Jahr 2012. No Future war gestern, Phon heißt jetzt dB und sogar das Internet hat sich halbwegs durchgesetzt. Nun auch noch „auch“. Hast du nichts Besseres zu tun als die die ärzte zu hör’n?

Das Ende ist noch nicht vorbei. Die Beste Band der Welt ist jetzt eine Demokratie, ein Triumvirat des guten Willens, eine GbR der Gerechtigkeit und sie haben viel zu viel Zeit, um sich nicht um den Rock zu kümmern. Und natürlich um alle Phasen der engeren Beziehung zwischen Männern & Frauen & allen anderen. Vom mehr oder weniger schüchternen Balzverhalten beim mehr oder weniger hoffnungsbeladenen ersten Fernblickkontakt bis zum passiv-aggressiven Psychoterror der Post-Partnerschaft. Philosophisch wird’s obendrein.

„zeiDverschwÄndung“ fragt nach dem Sinn unseres Daseins und ob wir nicht einfach mal irgendwas anderes machen sollten, als Fan von BelaFarinRod zu sein. „Tamagotchi“ stellt den schwierigen ethischen Problemen im beginnenden Zeitalter der Künstlichen Intelligenz eine wahre Hymne an Emotion entgegen. „Waldspaziergang mit Folgen“ liefert einen ganz neuen Denkansatz der Theosophie. „M&F“ hingegen wollen in aller Regel einfach nur in allen Konstellationen poppen.

die ärzte: Jetzt mit der absoluten Leere, ordentlich HeyHey!, einem Gott im Regal und der entscheidenden Frage: Ist das noch Punkrock?

Am 23.10 veröffentlicht Adrianne Lenker gleich zwei neue Album mit „songs“ und „instrumentals“ als Doppel-Vinyl sowie Doppel-CD via 4AD. „songs“ sind introvertierte Stücke, die in nahezu kompletter Isolation entstanden und so einen noch klareren Einblick in Lenkers Seele geben. „instrumentals“ ist eine Collage aus Jam-Sessions, die ebenfalls in der abgeschiedenen Bergwelt Massachusetts entstanden sind. Beide Alben sind miteinander verwoben und stehen dennoch für sich selbst.

Mit ihrer Band „Big Thief“ gelang Adrianne Lenker 2019 der große Durchbruch. Die Band veröffentlichte mit „U.F.O.F“ und „Two Hands“ binnen eines Jahres gleich zwei Alben, die es in nahezu alle Jahresbestenlisten schafften. Im Februar und März 2020 spielten Big Thief ihre bis dato größte Europa-Tour in restlos ausverkauften Hallen. Der Erfolg wurde nach der Show in Berlin jäh von der Corona-Pandemie unterbrochen und zwang die Band zur Absage der restlichen Termine. Zurück in den U.S.A. zog sich Adrianne Lenker in eine winzige und abgeschiedene Hütte in den Bergen im Westen von Massachusetts zurück. “I grew really connected to the space itself,” sagt Lenker. “The one room cabin felt like the inside of an acoustic guitar -- it was such a joy to hear the notes reverberate in the space.” Während Adrianne Lenker in der Hütte lebte und neue Songs schrieb, suchte Ihr Soundengineer Philip Weinrobe die Einöde nach alten Tape-Maschinen und ein paar XLR-Kabeln ab. Nach etwa 3 Wochen wurde aus der Hütte ein halbwegs funktionstüchtiges Studio, das jedoch ein kleines Problem hatte: das einzig wirklich heile Aufnahmegerät war der analoge und batteriebetriebene Sony Walkman von Phil. Die Idee, sämtliche Songs auf diesem Tape-Rekorder aufzunehmen, wurde schnell wieder verworfen, nachdem ein Freund eine Otari 8-Spur-Maschine in einer Garage aufspürte und den beiden zur Verfügung stellte. Sämtliche Aufnahmen auf „songs“ und „instrumentals“ sind 100% analog-analog-analog. Es wurden keinerlei digitale Recording-Prozesse genutzt.

Die 6-köpfige Londoner Band Tapir! veröffentlichen ihr multidisziplinäres Debütalbum via Heavenly Recordings. Das Projekt ist eine fantastische Offbeat-Fabel, getragen von Grays kna-ckigem, herzlichem Gesang und den instinktiven, eigenwilligen Melodien der Band, und wirkt zuweilen wie das musikalische Äquivalent der Gemälde von Henry Darger, Henri Rousseau oder Philip Guston.

Was für ein Glück: Die erfrischendste Wiener Indie-Band zwischen Fuzz Folk, Chanson und Punk, die seit Langem aufgetaucht ist - Endless Wellness ist da, um kollektive Erschöpfung umzuleiten in ein gemeinsames, lautes Aufbegehren.

Da ist eine schrammelnde Westerngitarre zu hören, die übersteuert. Eine Orgel bietet Fläche, manchmal legt sich auch ein düsterer Synthesizer dazu. Es könnte "Fuzz-Folk" genannt oder schlicht dem allumfassenden Indie zugeordnet werden; sie könnten als "Big Thief, nur auf deutsch", die "frühen Tocotronic, aber später" oder als "Isolation Berlin aus Wien" bezeichnet werden - aber ganz so einfach ist das mit dem Vergleichen nicht. Endless Wellness - zusammen sind das die vier Jugendfriends Philipp, Adele, Hjörtur und Milena, die seit der Bandgründung in Wien ein Herz nach dem anderen erobern. Das Debütalbum 'Was für ein Glück' ist wie eine vielschichtige Collage für die Ohren, bei jedem wiederholten Anblick und Anhören kann wieder etwas zuvor Unbemerktes entdeckt werden: von Akustik zu Fuzz, Folk zu Grunge, Wiener-Chanson zu Punk, zwischen isolierter Intimität und beschwörender Mehrstimmigkeit finden auch Vogelgezwitscher und Wellenrauschen ihren Platz.

Nach ersten EPs, Touren und Shows mit u. a. Bratmobile und L7 veröffentlichen Cumgirl8 im Herbst 2024 ihr Debütalbum. Für Veronika Vilim (Gitarre), Chase Lombardo (Drums), Lida Fox (Bass) und Avishag Rodrigues (Gitarre) ist dabei weiterhin eine Philosophie von zentraler Bedeutung: der Cyberfeminismus, der die Beziehung zwischen Mensch, Natur, Technologie und Maschine im Blick hat. In diesem Kontext ist "the 8th cumming" ein musikalischer Fiebertraum geworden.Die Platte wandelt zwischen Dunkelheit und Licht, zwischen verzerrten Industrial-Sounds und Carpenters Retro-Horror-Soundtracks, streift Post-Punk wie Synth-Wave-Romantik.

"Bright Future" ist das zweite Solo-Album von Adrianne Lenker, bekannt als Sängerin und Songwriterin der amerikanischen Indie-Band BIG THIEF, auf 4AD. Ihr erstes eigenes Album seit "Songs & Instrumentals" aus dem Jahr 2020 wurde von Philip Weinrobe co-produziert und enstand unter der Mitwirkung von Nick Hakim, Mat Davidson und Josefin Runsteen. Adrianne wagte sie sich ins Unbekannte, fasste sich ein Herz und schrieb ihre bis dato berührendsten Solo-Songs, die sie im Herbst 2022 mit einigen ihrer Lieblingsmenschen aufnehmen konnte. Abseits der Zivilisation und urbanen Einflüssen wagten sich Hakim, Davidson, Runsteen und Lenker ins Ungewisse. Der Co-Produzent und Tontechniker von "Bright Future", Philip Weinrobe, bereitete das Studio vor. Er war schon bei früheren Soloalben Adriannes Partner, aber dieses Mal war es etwas Neues. Adrianne hatte nicht die Absicht, ein Album zu machen. Stattdessen wollten sie die Songs ohne Erwartungen erforschen. Die Geborgenheit und Leichtigkeit des Waldes um das Double Infinity Studio ist ein prägendes Element der Aufnahmen. Das Ergebnis ist, dass "Bright Future" die besten Eigenschaften von filigranen Sounds mit der Spontanität von Field-Recordings vereint. Es gibt Details, die man erst beim zweiten oder dritten Hören entdecken wird und das macht die neuen Songs zu einem ungefilterten Erlebnis und beweist einmal mehr, dass Adrianne Lenker zu den größten Songwriterinnen ihrer Generation gehört. Das Album enthält zudem auch die Originalaufnahme des inzwischen zum modernen Klassiker gereiften Big Thief-Songs "Vampire Empire", der zuletzt sogar in der Playliste von Barack Obama auftauchte - unbewusst gibt der Albumtitel "Bright Future" einen Fingerzeig, wohin sich Adriannes Lenker Karriere als Musikerin entwickeln wird.

2021 Pressung, 180g scharzes Vinyl in hervorragender Deluxe-Verpackung aus schwerem Karton in bedruckter Plastikhülle. Das legendäre Psych-Kollektiv The Brian Jonestown Massacre bringt nur sieben Monate nach ihrem letzten Release ihr nunmehr 18. Studioalbum raus.Das selbstbetitelte Werk umfasst neun Songs und wird auf Frontmann Anton Newcombes Label A Recordings veröffentlicht, der es auch in seinem Berliner CobraStudio selbst aufgenommen und produziert hat. Eigentlich war die Veröffentlichung bereits für September letzten Jahres geplant, aufgrund der äußerst erfolgreichen Tour - durch USA, Kanada, Australien, Neuseeland und Europa - wurde der Termin allerdings nach 2019 verschoben. Vor einem Jahr aufgenommen, featured das neue Album Sara Neidorf an den Drums, Heike Marie Radeker (LeVent) am Bass, Hakon Adalsteinsson (BJM, The Third Sound, Gunman And The Holy Ghost) an der Gitarre und Anton Newcombe (wie gewohnt) an mehreren Instrumenten. Rike Bienert, die schon an früheren BJM-Produktionen beteiligt war, ist als Gastsängerin bei Tombes Oubliées zu hören. Viele der neuen Songs kamen bei den europäischen Tourdates 2018 schon live zum Einsatz. Anton Newcombe hat in den letzten fünf Jahren vier hochgelobte Alben und eine EP mit The Brian Jonestown Massacre, einen Soundtrack und zwei gemeinsame Alben mit Tess Parks veröffentlicht. Alle Releases wurden in Antons Studio in Berlin aufgenommen und produziert. BJMs Bon Bon war auf dem Soundtrack des Palme d'or-Gewinner films Dheepan, außerdem schrieb Anton die Filmmusik für Moondogs von Philip John (Svengali, Downton Abbey, Being Human).

Nach ersten EPs, Touren und Shows mit u. a. Bratmobile und L7 veröffentlichen Cumgirl8 im Herbst 2024 ihr Debütalbum. Für Veronika Vilim (Gitarre), Chase Lombardo (Drums), Lida Fox (Bass) und Avishag Rodrigues (Gitarre) ist dabei weiterhin eine Philosophie von zentraler Bedeutung: der Cyberfeminismus, der die Beziehung zwischen Mensch, Natur, Technologie und Maschine im Blick hat. In diesem Kontext ist "the 8th cumming" ein musikalischer Fiebertraum geworden.Die Platte wandelt zwischen Dunkelheit und Licht, zwischen verzerrten Industrial-Sounds und Carpenters Retro-Horror-Soundtracks, streift Post-Punk wie Synth-Wave-Romantik.

Erste Worte gehören „Erobique“ Carsten Meyer:
„Habe jetzt die ganze Platte in einem Rutsch durchgehört, konnte einfach nicht mehr aufhören. Das ist echt ein ganz großer Wurf geworden, so opulent aber trotzdem so kurzweilig. Große, richtig feine Popmusik, die ihre Einflüsse auf dem Herzen trägt, aber niemals in der Referenzhölle landet. Detailfreudig und eingängig, tolle Streicher (das Schlaflied ist herrlich), Pola passt so toll zu Joachims Gesang, Texte, die sofort als Zitate in meinem Wortschatz bleiben werden. Toll arrangiert und gespielt, die Dancestücke sind funky und ich liebe die Trompete!“

Weitere Worte gehören Joachim Franz Büchner,

im Bayerischen Rundfunk als „Allrounder der Hamburger Schule“ gewürdigt:

„Ich wollte etwas Schillerndes machen, zu dem man gerne wieder zurückgehen möchte. Etwas, das Wärme und Kraft in unseren dunklen Zeiten gibt. Für mich haben diese neuen Songs eine neue Klarheit. Sie sind Lichtblicke im martialischen Kampf gegen das Sterben des Lichts.“

Manchmal müssen Menschen sich ihrer eigenen Vergänglichkeit gewahr werden, um Schönheit im Bleiben zu finden. Wer dem Tod aus kritischer Distanz in die Augen blickt, weiß die Freuden und Frevel des Lebens danach zu schätzen.

So jedenfalls erging es Joachim Franz Büchner. Nullpunkt dieser Platte war ein Abszess zwischen dem Herzen und seiner Speiseröhre. Der Musiker sah sich einer markerschütternden Krise konfrontiert – und der eigenen Endlichkeit. Sechs lange Monate verbringt er in der Klinik. Noch weiß er nicht, dass er nach seinem Solo-Debüt „Ich bin nicht Joachim Franz Büchner“ (2021) ein weiteres Album schreiben wird. Irgendetwas aber geht vonstatten in seinem Krankenbett. Angekommen zu Hause fühlt er sich wie eine Marionette ohne Schwerpunkt. Weiterhin lädiert, wird er manche Nacht wach und bringt ein Lied zu Papier. Nicht die Gitarre kürt er zum tonangebenden Kompositionsmittel, sondern erstmals in seinem Leben ein Klavier. Schulter an Schulter mit seinen Bandmitgliedern Christian Heerdt, Maurice Meyer, Pola Lia Schulten und Philipp Wulf arrangiert und verwirklicht er elf Musikstücke. Tobias Levin schließlich prägt den Sound auf einer langen gemeinsamen Reise – und produziert die „Hits in the Dark“.

Eingeläutet wird das Werk von einer lebensbejahend flirrenden Intrada aus Schlagzeug und Trompete. Die Fanfare kommt nicht von ungefähr: Miles Davis und Freddie Hubbard haben Büchner ihr Blechblasinstrument einst lieben gelehrt.

Dann besingt der Hamburger den Anfang vom Ende der Nacht. „Ich habe den Tod gesehen und jetzt kommst du“, heißt es in der ersten Singleauskopplung „Force of Nature“. Es ist ein Lied über die Errettung in der Zweisamkeit. Seinen romantischen Konterpart zeichnet Büchner als Kraut gegen die Vergänglichkeit. Er beschließt den Indie-Glam-Gassenhauer mit einem lasziven Hauchen: „Es wächst“.

„Irgendetwas fehlt“ lautet das anrührende Porträt eines Suchenden, der eine Leerstelle in sich ausmacht und sie doch nicht zu benennen vermag. Umrahmt wird das Stück von eleganten Streichern à la The Divine Comedy. Albrecht Schrader hat sie derart stilbewusst arrangiert, dass sie den Kitsch haarknapp und doch zielgerichtet umschiffen.

Nachdem der Platten-Protagonist im Vorgängerstück auf den Tresen kippte, wird er übermütig. „Suggestion, Spekulation, Verderben“ zeugt von Opulenz, Pointierung und Zusammenballung. Sterben wolle er auf der Bühne an einem Herzinfarkt. Mit überschäumender Willenskraft bäumt er sich gegen die eigene Vergänglichkeit.

„Unvollendetes Duett“ birgt den zarten Lettre d’amour an eine Romanze, welche niemals die Schwelle zur Realität überschritt. Stattdessen finden Büchner und die Sängerin Anna Wydra den Liebreiz in der Illusion: „Alles was ich an dir mag, ist nur in meiner Fantasie“. Die überhöhte Tonkorrektur durch Auto-Tune verleiht ihren Stimmen (und der Erzählung) etwas Zerbrechliches.

Die nächsten beiden Stücke zeugen von Herzklopfen, Nervenflattern und Zähneklappern. Körperliche Unruhe kanalisiert auf dem Tanzparkett. Nach einer Phase der Apathie kommt die „Nervöse Energie“. Weil das Leben in der Nacht am hellsten glänzt, erblickt Büchner im Taumel des Mirabellenschnapses die „Königin der Nacht“. Es sind bonbonfarbene Momente – geboren werden sie aus Spielfreude, Funk und Lebensgier.

Danach eine abermalige Vereinzelung. „Die Glastür im Wald“ erzählt von einem Abendspaziergang zwischen Bäumen, von dunklen Gedanken über Angst und Entfremdung. „Ich verliere meinen Weg“ markiert schließlich den emotionalen Tiefpunkt der Platte. Die Elegie weckt Erinnerungen an altes Glück: Der Sommer, Nusseis in Sizilien. „Wie schön wir uns verschwendeten.“ Ein fernes Lied legt Gefühle offen, die wiederum Tränen kullern lassen. Es sind ergreifende Zeilen und herzbrechende Bilder.

„Music at Night“ ertönt als sechsminütig-schillernde Feier des Lebens. Eine lautstarke Trompete und flamboyantes Gezocke gipfeln im Jazz. „In vier Stunden musst du im Büro sein, das ist fatal. Doch das ist dir egal“ – ein letztes Mal zelebriert diese Platte ihre Erfüllung in der Sünde und Verschwendung.

Das „Gute Nacht Lied“ ist ein Lullaby zwischen Dunkelheit und Licht. Ein Raumschiff hebt ab und schwebt durchs Nichts. Alle bösen Geister schweigen still: „Du bist Kapitän, aber ohne Pflicht. Du lässt alles los, nichts hat Gewicht. Alle guten Geister sind bei dir.“

Vielerlei hat Joachim Franz Büchner im Laufe seiner Jahre fasziniert. Als Viertklässler waren es die Guns N’ Roses und sehr viel später B-Seiten von Suede. Die genresprengenden Super Furry Animals trägt er im selben Herzen wie britisches Popkulturgut von den Beatles über Queen bis zu den Manic Street Preachers. Offenkundig auch den diskursiven Ethos und die Experimentierfreude der Hamburger Schule. Mit Ostzonensuppenwürfelmachenkrebs begleitete er kürzlich als Gitarrist eine ihrer Wegbereiterbands auf Tournee. All diese Erfahrungen und Einflüsse bringt er auf „Hits in the Dark“ zusammen – ob habituell, musikalisch oder ästhetisch.
Die Boxerin auf dem Cover dieses Albums hat ihren Kampf gewonnen. Am Ende bleiben Erlösung – und die Erkenntnis, dass sich dieses Leben zu leben lohnt.

Letzte Worte gebühren Joachim Franz Büchner:

„Hits in the Dark ist eine Würdigung des menschlichen Wesens. Es sagt, dass wir voller Trauer und Verlust sind – aber auch, dass es Hoffnung gibt. Weil wir unterschätzen, dass die Menschen sensible, vernunftbegabte Wesen sein können, die zu liebevollen Gesten und Mitgefühl in der Lage sind. Und vor allem dazu, schöne Dinge zu tun, die nicht so leicht erklärbar sind und deren Wirkung andauern kann.“

Yannis Philippakis von Foals veröffentlicht sein erstes Solowerk, eine Kollaboration mit dem verstorbenen legendären Schlagzeuger Tony Allen. Yannis & The Yaw" präsentieren die EP 'Lagos Paris London', die nach den Orten benannt ist, an denen sie geschrieben und aufgenommen wurde und an denen sie beide gelebt haben. Das fünf Tracks umfassende Werk wird am 30. August auf Transgressive veröffentlicht.

Im Jahr 2016 bot sich Yannis die Chance seines Lebens: eine zweitägige Session mit dem großen Schlagzeuger Tony Allen, den er für seine einflussreiche, genreübergreifende Arbeit mit Künstlern wie Fela Kuti, Sébastien Tellier und Jeff Mills sehr bewundert.

Als Yannis sich in ein verrauchtes 70er-Jahre-Studio in Paris begab, erwartete er, dass sie eine nostalgische Afrobeat-Platte aufnehmen würden. Doch es kam etwas ganz anderes dabei heraus. Die beiden entwickelten schnell eine intuitive Telepathie, die Musik entstand aus Jams und Loops, und die verschiedenen Berührungspunkte - Rock, Funk, Jazz, Dub und mehr - wurden durch die einzigartige Atmosphäre des Aufeinandertreffens zweier Kulturen und kreativer Köpfe ergänzt, deren Ausdruck durch das Musizieren im und für den Moment selbst befreit wurde.

Zusammen mit Tonys regelmäßigen Mitstreitern Vincent Taeger (Schlagzeug), Vincent Turrell (Tasten, Marimba) und Ludovic Bruni (Bass, Gitarre) entstand bei diesem ersten Treffen eine Handvoll fast fertiger Songs, die in einigen nachfolgenden Sessions weiter entwickelt wurden. Aufgrund von Terminproblemen und Corona-Einschränkungen wurden die Aufnahmen jedoch nie abgeschlossen, bevor Tony im April 2020 im Alter von 79 Jahren verstarb.

Yannis fühlte sich zutiefst verpflichtet, das Projekt zu vollenden, nicht nur als bittersüße Art, seinen alten Freund zu ehren und zu feiern, sondern auch, weil Tony so begierig darauf gewesen war, diese Songs mit der Welt zu teilen. Das Ergebnis ist die kommende Fünf-Track-EP 'Lagos Paris London' unter dem Dach von Yannis & The Yaw - ein Projekt, zu dem er in Zukunft zurückkehren möchte, um weitere Kollaborationen mit inspirierenden Musikern aus der ganzen Welt einzugehen.