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Sutcliffe Jügend T-Shirt - Features:
• geripptes, innen mit Tape versehenes Rundhalsbündchen
• Screenprint des unifarbenen XXX-Logos/Artworks auf der Brust
• normale Schnittform
• Single Jersey aus 100% Baumwolle

Die limitierte Box kommt mit: Deluxe CD inkl. 15 Tracks, 2LP inkl. 12 Tracks (Pink, separates Cover, 180g, Gatefold), 7" mit 3 Bonustracks, Unisex Shirt Größe L, 5 Aufkleber und Poster!

Tocotronic, eine der erfolgreichsten und prägendsten deutschsprachigen Rockbands der letzten Jahrzehnte ist zurück mit ihrem 13. Werk. Nie wieder Krieg ist entwaffnend persönlich und wohl eines der schönsten Alben ihrer Karriere. Passend zur Zeit wollte die Band Lieder über allgemeine Verwundbarkeit, seelische Zerrissenheit und existenzielles Ausgeliefertsein schreiben, über Einsamkeit und Angst, aber auch über Träume und Liebe. Songs wie Jugend ohne Gott gegen Faschismus, Nie wieder Krieg oder Komm mit in meine freie Welt sind mehr als eine Rückbesinnung auf Tocotronics Leidenschaft zum Sloganeering. Hinter den prägnanten Titeln verbergen sich Texte, die versuchen, flüchtige Stimmungen der Gegenwart auszuloten und diese in Lyrics and Music gegen die Vereinzelung zu bannen, wie es in Hoffnung heißt. Ausgangspunkte waren keine Theoreme, sondern ihr eigenes Erleben und ihre eigenen Beobachtungen und die dadurch aufgeworfen Fragen und Zweifel. „Nie Wieder Krieg“ ist ein großes Album, das uns Kraft und Trost leiht, ohne die Widrigkeiten jener Gegenwart kleinzureden, in der wir diese Kraft und diesen Trost brauchen. In ihrer neuesten und schönsten und reifsten Inkarnation sind Tocotronic so romantisch und realistisch wie noch nie in ihrer langen Schaffensgeschichte.

Das Konzert wurde am 3. Juni 2024 in Italien live (ohne Overdubs) aufgenommen wurde. Das Doppelalbum, welches von Peter Katis, einem langjährigen Begleiter der Band, abgemischt wurde, spannt einen Bogen über die mehr als 20 Jahre der Karriere von The National und zeigt, wie jeder Song auf der Bühne sein ganz eigenes und neues Leben entfaltet hat. Man muss diese Band live gesehen haben, die mittlerweile Stadien und große Arenen füllt. Warum das so ist, hört man auf "Rome". Aufgenommen in dem architektonisch beeindruckenden und nach dem berühmten italienischen Filmkomponisten benannten Veranstaltungsort "Parco Della Musica Ennio Morricone", zeigt die 21-Track-LP schillernde Versionen großer Songs wie "Bloodbuzz Ohio", "Don"t Swallow the Cap", "I Need My Girl", "The System Only Dreams in Total Darkness", "England" und "Fake Empire" - so wie Live-Interpretationen neuerer Tracks wie "Eucalyptus", "New Order T-Shirt", "Tropic Morning News" und "Smoke Detector". Die Band ändert ihre Setlist von Abend zu Abend, spielt Klassiker aus zwei Jahrzehnten und kombiniert diese mit Tracks aus den letzten Alben - kein Konzert ist wie das andere und beschert den Zuschauern jedes Mal im wahrsten Sinne ein einzigartiges Erlebnis. "Rome" ist geprägt von Raritäten wie dem Show-Opener "Runaway", "Lemonworld", "The Geese of Beverly Road", "Lit Up" und einer Tour-de-Force-Paarung von "Humiliation" vom von der Kritik gefeierten Album "Trouble Will Find Me" mit "Murder Me Rachael" von dem früheren Album "Sad Songs For Dirty Lovers". Als Zugabe gibt es in Rom die Wahlkampfhymne "Mr. November", "Terrible Love" von High Violet und das abschließende Fan-Singalong "Vanderlyle Crybaby Geeks". In ihrer Live-Kritik bezeichnete der Guardian The National als "eine die Ära definierende Band auf dem Höhepunkt ihrer Kräfte... als dieses atemberaubende zweieinhalbstündige Epos zu einer gemeinschaftlichen Katharsis wird". Auch der Rolling Stone UK schrieb: "Es ist klar, dass die Band...ihren Platz an der Spitze seit einem Jahrzehnt verdient hat.... Eine Show, die einfach euphorisch ist und die Band auf einem neuen Höhepunkt sieht." Das Doppel-Livealbum "Rome" ist das Zeugnis dafür.

„Schafe, Monster und Mäuse“: Da gibt es Soulballaden wie „Am ersten Sonntag nach dem
Weltuntergang“, Chansons wie „Bevor ich dich traf“, Folksongs wie „Die Party am Schlesischen
Tor“, Pubrockkracher wie „Ein Brot und eine Tüte“, Desert-Rock-Aufschneidereien wie
„Stein, Schere, Papier“ und vieles mehr. Und dann ist wieder alles anders, wenn bei „Am ersten
Sonntag“ Jakob Iljas artrockige Kaputtgitarre in den Soloteil sägt, wenn bei „Bevor ich dich traf“
die wienerischen Geigen in die letzte Strophe einfräsen, wenn bei „Die Party am Schlesischen
Tor“ eine psychedelisch krachende Blaskapelle durchs Bild wankt, ständig Dinge passieren, auf
die man nicht gefasst sein kann, Richard Pappik die Tempi verschleppt und beschleunigt, wie
es gerade sein muss, mit Rhythmen und Klangfarben jongliert und überhaupt sein schmutziges
Spiel mit einer Rockmusik spielt, die auf dieser Platte immer wieder neu definiert wird und
Sven Regeners knarzige Stimme dazu Poesie verteilt, als werfe er Fleischfetzen auf einen Grill
aus alten Ölfässern.

Musik und Text, da taumeln sie zusammen in die aufgehende Sonne und stützen sich gegenseitig
wie zwei erschöpfte Partygänger nach einer langen Nacht am Schlesischen Tor.
Zerzauste Vögel, die von ihren Familien unterstützt werden, der Hendl-Jahn, eine Gratiszigarre
beim Kauf eines neues Lebens, wo Stürme, Blitze und Donner nicht Wetter, sondern ein Arsenal
gegen gute Laune sind, die Frau vom Supermarkt, Black Friday beim Sterni im Späti... wer bitte
bringt sowas in so wunderbar klingenden Texten unter?

„Schafe, Monster und Mäuse“ ist ein langes, ultrapsychedelisches Album geworden, das längste
in der Geschichte der Band. Es ist, als wollten ELEMENT OF CRIME das Albumformat, für
das diese Band von Anfang an wie keine zweite geschaffen war, bis auf das Äußerste ausreizen,
vielleicht ein letztes Mal, man weiß nicht, wie es weitergehen wird damit, die Welt verändert
sich.

Aber, und das ist das Entscheidende: Die Lieder bleiben.

Porches veröffentlichen sechstes Studioalbum "Shirt" Porches, das Projekt des New Yorker Musikers Aaron Maine, veröffentlicht sein sechstes Studioalbum "Shirt" am 13. September bei Domino. "Shirt" ist teils angstbesetzte Fantasie, teils bekenntnishaftes Melodrama - ein Rockalbum, das zwischen Realität und Fantasie oszilliert und sowohl die Unschuld der Vorstadtjugend als auch die ausgefranste Realität des Erwachsenseins widerspiegelt. Es ist eine Mischung aus chaotischen Impulsen, unstillbaren Wünschen und einer immerwährenden Sehnsucht und spielt mit der Spannung zwischen der eigenen Person und dem eigenen Image - dem Gewicht der Träume, die an der Realität zerschellen. Das Ergebnis ist etwas Vertrautes und Unheimliches zugleich, eine hymnische Hommage an diese inhärente Dualität, die auf krachenden und schmeichelnden Klängen beruht. "Shirt" ist sofort als das bisher stärkste Album von Porches zu erkennen. Grungige Gitarren, die bedrohlich glänzen, Schlagzeug und Bass, die einem warm in den Magen schlagen, durchsetzt mit Momenten unheimlicher Ruhe, um ein körperliches Gefühl von Spannung und Entspannung zu erzeugen, das in jedem Track mitschwingt. Eine prägnante Platte, die den Hörer in einen fiebrigen Zustand versetzt. Shirt's hormonelle Rocksongs kollidieren mit emotionalen Balladen und erzeugen eine dynamische Spannung, die den Hörer vorantreibt. Auf "Shirt" geht es ebenso um die Höhepunkte wie um die Banalität zwischen den denkwürdigsten Momenten des Lebens, wobei nicht nur der erste Kuss gefeiert wird, sondern auch die damit verbundenen Ängste.

Eizbrand's "Verbrennungen 3. Grades": Das Explosive Deutschrock-Album. Kraftvoll, leidenschaftlich und fesselnd. Spüre das Feuer ihrer Musik!

Komm und spüre die Hitze: "Verbrennungen 3. Grades" - Das explosive Album von Eizbrand!
Tauche ein in die gewaltige Klanglandschaft der Deutschrockband Eizbrand und erlebe eine musikalische Inferno-Reise mit ihrem brandneuen Album "Verbrennungen 3. Grades". Mit einer Mischung aus kraftvollen Gitarrenriffs, leidenschaftlichen Texten und energiegeladenen Melodien bringt die Band das Feuer zurück in die Rockmusik.
Die 14 Tracks auf "Verbrennungen 3. Grades" entfesseln eine unbändige Energie, die dich von der ersten Sekunde an packt und nicht mehr loslässt. Jeder Song ist ein Feuerwerk aus Emotionen, das dich in eine Welt voller Leidenschaft, Rebellion und intensiver Gefühle entführt. Eizbrand schafft es, die tiefsten Abgründe der menschlichen Seele anzusprechen und dabei gleichzeitig eine glühende Hoffnung zu entfachen.

Ltd. Edition 150

Eizbrand's "Verbrennungen 3. Grades": Das Explosive Deutschrock-Album. Kraftvoll, leidenschaftlich und fesselnd. Spüre das Feuer ihrer Musik!

Komm und spüre die Hitze: "Verbrennungen 3. Grades" - Das explosive Album von Eizbrand!
Tauche ein in die gewaltige Klanglandschaft der Deutschrockband Eizbrand und erlebe eine musikalische Inferno-Reise mit ihrem brandneuen Album "Verbrennungen 3. Grades". Mit einer Mischung aus kraftvollen Gitarrenriffs, leidenschaftlichen Texten und energiegeladenen Melodien bringt die Band das Feuer zurück in die Rockmusik.
Die 14 Tracks auf "Verbrennungen 3. Grades" entfesseln eine unbändige Energie, die dich von der ersten Sekunde an packt und nicht mehr loslässt. Jeder Song ist ein Feuerwerk aus Emotionen, das dich in eine Welt voller Leidenschaft, Rebellion und intensiver Gefühle entführt. Eizbrand schafft es, die tiefsten Abgründe der menschlichen Seele anzusprechen und dabei gleichzeitig eine glühende Hoffnung zu entfachen.

Ltd. Edition 150

Das Konzert wurde am 3. Juni 2024 in Italien live (ohne Overdubs) aufgenommen wurde. Das Doppelalbum, welches von Peter Katis, einem langjährigen Begleiter der Band, abgemischt wurde, spannt einen Bogen über die mehr als 20 Jahre der Karriere von The National und zeigt, wie jeder Song auf der Bühne sein ganz eigenes und neues Leben entfaltet hat. Man muss diese Band live gesehen haben, die mittlerweile Stadien und große Arenen füllt. Warum das so ist, hört man auf "Rome". Aufgenommen in dem architektonisch beeindruckenden und nach dem berühmten italienischen Filmkomponisten benannten Veranstaltungsort "Parco Della Musica Ennio Morricone", zeigt die 21-Track-LP schillernde Versionen großer Songs wie "Bloodbuzz Ohio", "Don"t Swallow the Cap", "I Need My Girl", "The System Only Dreams in Total Darkness", "England" und "Fake Empire" - so wie Live-Interpretationen neuerer Tracks wie "Eucalyptus", "New Order T-Shirt", "Tropic Morning News" und "Smoke Detector". Die Band ändert ihre Setlist von Abend zu Abend, spielt Klassiker aus zwei Jahrzehnten und kombiniert diese mit Tracks aus den letzten Alben - kein Konzert ist wie das andere und beschert den Zuschauern jedes Mal im wahrsten Sinne ein einzigartiges Erlebnis. "Rome" ist geprägt von Raritäten wie dem Show-Opener "Runaway", "Lemonworld", "The Geese of Beverly Road", "Lit Up" und einer Tour-de-Force-Paarung von "Humiliation" vom von der Kritik gefeierten Album "Trouble Will Find Me" mit "Murder Me Rachael" von dem früheren Album "Sad Songs For Dirty Lovers". Als Zugabe gibt es in Rom die Wahlkampfhymne "Mr. November", "Terrible Love" von High Violet und das abschließende Fan-Singalong "Vanderlyle Crybaby Geeks". In ihrer Live-Kritik bezeichnete der Guardian The National als "eine die Ära definierende Band auf dem Höhepunkt ihrer Kräfte... als dieses atemberaubende zweieinhalbstündige Epos zu einer gemeinschaftlichen Katharsis wird". Auch der Rolling Stone UK schrieb: "Es ist klar, dass die Band...ihren Platz an der Spitze seit einem Jahrzehnt verdient hat.... Eine Show, die einfach euphorisch ist und die Band auf einem neuen Höhepunkt sieht." Das Doppel-Livealbum "Rome" ist das Zeugnis dafür.

Limitierte Jubiläumsausgabe des zeitlosen und einflussreichen Indie-Pop-Klassikers von Belle & Sebastian, der der Band einen Brit-Award als Bester Newcomer 1999 einbrachte. Das transparent-hellblaue Vinyl im Gatefold ist dem Original-Werbeposter und T-Shirt von 1998 nachempfunden und kommt mit einem exklusiven Kunstdruck mit Behind-The-Scenes-Fotos aus dem damaligen Promovideo zum Album, aufgenommen von Bandmitglied Sarah Martin. 'The Boy With The Arab Strap' erreichte #12 der britischen Albumcharts, der NME wählte den Titeltrack im Jahr 2011 unter die '150 besten Tracks der letzten 15 Jahre'.

Limitiertes, farbiges Vinyl exklusiv für den Indie-Handel!In seinen mehr als 15 Jahren als How To Dress Well hat der in LA lebende Musiker Tom Krell mit dem Konzept dessen, was wir hören und wie wir kommunizieren, gespielt, um Musik zu schaffen, die irgendwo zwischen himmlischer Transzendenz und einer Außenseiter-Position für das, was Popmusik sein kann, liegt. I Am Toward You ist das erste neue How To Dress Well-Album seit sechs Jahren und enthält einige seiner bisher lautesten, freiesten und poetischsten Tracks. Krell eröffnet das zweite Jahrzehnt seiner Karriere mit einem Album, das alle Merkmale seiner besten Arbeiten aufweist. Krell begann 2020 zusammen mit wiederkehrenden und neuen Partnern wie CFCF, Chris Votek, Joel Ford, Josh Clancy, Trayer Tryon (Hundred Waters), Brian Allen Simon (Anenon) und Aaron Charles Read, mit der Arbeit an dem, was I Am Toward You werden würde. Er sichtete hunderte von Schnipseln, die er in den vergangenen zehn Jahren aufgenommen hatte, und fand unerklärliche Samples und Tonfetzen, die sich zu einem Album zusammenfügten, das die Dichte früherer Alben zurücknahm, um eine Sammlung von Songs zu schaffen, die zwischen der Gegenwart und der Vergangenheit oszillieren, als ob alles auf einmal geschähe. Eine Erinnerung von vor 20 Jahren hat genauso viel Gewicht wie etwas, das gestern passiert ist.Die ersten Singles und die Ankündigung erhielten eine unglaubliche Resonanz von zahlreichen namhaften Medien, darunter Pitchfork, Stereogum, FADER, Clash, Quietus Brooklyn Vegan und viele mehr. Die Videos für weitere Fokus-Tracks sind fertiggestellt und werden zusammen mit jedem Song veröffentlicht.Digipack-CD sowie als Vinyl mit bedruckter Inenhülle & DLC!

Sam Grant, Gitarrist von Pigs, Pigs, Pigs, Pigs, Pigs, Pigs, Pigs, macht mit dem zweiten Album seines verrückten Psych-Projekts Rubber Oh dort weiter, wo er mit dem Debüt "Strange Craft" 2021 aufhörte. Kaleidoskopische Melodien schweben über dichte Rhythmen und dunklen, schweren Riffs, die in eine weite cineastische Landschaft ausbrechen. Ein faszinierender Klangraum zwischen Leichtigkeit und Härte mit für Chor und Streicher komponierten Arrangements. Feat. Rozi Plain, Voka Gentle und Me Lost Me & Ceitidh Mac. Limitierte Auflage auf rotem Splatter-Vinyl.

Pinegroves neues Album "11:11" ist ein uneingeschränkter Triumph, ein Album, das die Zuhörer mit Songs fesselt, die Gefühle von Wärme, Dringlichkeit und poetischer Schönheit vermitteln, auch wenn sie einige der großen und schwierigen Fragen des Lebens stellen. Bei früheren Pinegrove-Aufnahmen war Bandmitglied Sam Skinner meist der Mann am Mischpult; jetzt hat der bekannte Produzent und ehemalige Death Cab for Cutie-Musiker Chris Walla die Rolle übernommen. Walla, der "11:11" mit Sam zusammen produzierte, drängte nun auf einen dreckig-chaotischeren Sound für die neuen Songs. "11:11" bietet üppige Klanglandschaften, Orgeln, Megan Benaventes melodisches und abenteuerliches Bassspiel, Josh Marres charakteristische Gitarrenarbeit und einen besonderen Gast - Doug Hall, Evans Vater - der auf vielen Tracks Klavier spielt. Die Platte klingt intim und doch expansiv. "Es gibt Wut, Liebe, Hoffnung und Trauer. Die Platte hat all das", sagt Sänger Evan Stephens Hall. Der Eröffnungssong "Habitat" z.Bsp. ist ein episches Meisterwerk, randvoll mit robusten, perkussiven Gitarren und angetrieben von beunruhigenden Verschiebungen. "Alaska" besticht dann durch dichten, belebenden Gitarrenrock, der mit tektonischer Kraft aus dem Tor schlingert und an jeder Ecke mit Haken prahlt. Später glitzert das luftige, pastorale Folk-gefärbte "Iodine" mit exquisiten Gesangsharmonien, und "Flora" ist eine wunderschön arrangierte Entschuldigung an die Natur, und erinnert an Bands wie Flying Burrito Brothers oder Wilco.

Hier ist Oscillate von PG.LOST - das neue Album der Band, welche pures Drama und Katharsis lebt. Ihr fünftes Gesamtwerk - und erstes seit dem erfolgreichen 2016er Versus - braucht mit dem ausgeprägtem Verständnis von Spannung/Entspannung einen Vergleich mit Werken von Mono, Explosions in the Sky und Godspeed You! Black Emperor nicht zu scheuen. Mit Einflüssen, die von der emotionalen Wucht von Big Thief über den erfinderischen Geist des Krautrock bis hin zur Brutalität von Neurosis und dem dunklen Experimentalismus von Coil reichen, verflechten sich diese schwereren Elemente und öffnen sich in der Weite gar bis Fennesz oder Tim Hecker. Eine neue Ausrichtung, welche eine schimmernde Schönheit und Tiefe enthüllt, wie sie in der heutigen überkomprimierten und überproduzierten Version "moderner" Musik selten zu finden ist. Das Titelstück beginnt mit einer blühend dunklen Ambientpassage, ein aufsteigender Gitarren-/Synth-Part, der die Spannung aufbaut bis die endgültige Befreiung durch einem großen Refrain, gigantische Wellen von Gitarrenklängen und Percussion-Dichte erreicht wird. Oscillate steht exemplarisch für das Album als Ganzes - massiv im Umfang und noch größer im Klang. Oscillate ist nicht nur Instrumentalmusik, es ist ein eigener Film, projeziert in einem Kino mit einem makellosen Soundtrack, der mit 120 db explodiert. Das Album wurde von der Band in ihrem eigenen Studio aufgenommen und von Magnus Lindberg von Cult of Luna gemischt und gemastert. Souverän in der Ausführung ist Oscillate acht Tracks wahrer dramatischer Bombast und ein gewaltiger Schritt vorwärts für die Band - vier Jahre warten haben sich gelohnt. Für Fans von Mono, Explosions In The Sky, Mogwai, Cult of Luna, EF, Caspian, Russian Circles Band Info: PG.LOST wurde 2004 in Norrköping, Schweden, gegründet und besteht aus Mattias Bhatt, Martin Hjertstedt (ex- Ghost), Gustav Almberg (The Great Discord) und Kristian Karlsson (Cult of Luna). Auf der Suche nach einem einzigartigen Klang und der Liebe zu Post-Rock, Ambient und Shoegaze mit einem Hang zum Post-Metal, veröffentlichte die Band 2006 und 2007 ihre selbstbetitelten sowie die Yes, I Am-EPs. Daraufhin veröffentlichten PG.LOST 2008 ihre Debut-LP It's Not Me, It's You! Es folgten In Never Out, Key, die Split-LP mit Wang Wen und zuletzt Versus.

Die New Yorker Pop-Experten Charly Bliss möchten, dass ihre neue LP Dich unter der Last purer Gefühle erdrückt. Sie wollen Dich in einen Herzschmerz-Hurrikan stürzen. Sie möchten, dass Du beim Mitsingen bei ihren Gigs und allein in Deinem Schlafzimmer Deine Seele ausschüttest. Kurz gesagt, so Sängerin Eva Hendricks, wollen sie Dich zerstören … aber auf eine unterhaltsame Art und Weise. Co-produziert von Jake Luppen (Hippo Campus) und Caleb Wright (Samia) ist "Forever" Charly Bliss' bisher grösste und hellste Power-Pop-Charge. Voller klanglich dichter, emotional aufgeladener Songs, die die Lustzentren in Deinem Gehirn aktivieren, egal ob allein per Kopfhörer oder bei einer überfüllten Liveshow. Die Songs schimmern und explodieren wie ein Feuerwerk.

"Flood" ist eine Platte und eine Wiedergeburt, für die die Band aus Minnesota fünf Jahre Arbeit aufgegeben hat, um schließlich 13 Tracks in nur 10 Tagen an der texanischen Grenze aufzunehmen. Während die aufschlussreichen Sessions im letzten Jahr auf der Sonic Ranch mit den langjährigen Produzenten Caleb Wright (Charly Bliss, Samia) und Brad Cook (Bon Iver, Waxahatchee) stattfanden, begann der Entstehungsprozess des Albums vor gefühlt einer Ewigkeit. In derselben Nacht, in der Hippo Campus ihre letzte Platte "LP3" feierten, erfuhren sie, dass jemand, den sie liebten, unerwartet verstorben war. Die Peitschenhiebe des Erwachsenwerdens wurden durch die Auswirkungen von Tod, Niedergeschlagenheit, Sucht und Angst noch verstärkt, so dass sie sich dem überwältigenden Ziel verschrieben, etwas Tiefgreifendes und Lebensveränderndes zu schaffen. Sie wurden gemeinsam nüchtern, nahmen regelmäßig an Gruppentherapien teil, schrieben mehr als 100 Songs, traten einen Schritt zurück und stellten plötzlich fest, dass ihnen das, was sie machten, eigentlich keinen Spaß brachte. Für eine Band, die eine Milliarde Streams überschritten hat, historische Veranstaltungsorte wie Red Rocks ausverkauft hat, auf Festivalbühnen auf der ganzen Welt aufgetreten ist - und das alles dank des unwiderstehlichen, frühlingshaften Songwritings, das ihre Reihe von experimentellen Pop- und emphatischen Rockalben füllt - wussten sie, dass das, was sie dieses Mal machten, einfach nicht gut genug war. Gemeinsam mit Wright und Cook räumten sie auf und warfen alle Vorurteile darüber über Bord, wie sie zu klingen gedachten. Sie versuchten nicht mehr, ein sogenanntes Meisterwerk zu erzwingen, und verpflichteten sich gegenseitig, das zu schneiden, was ihnen am besten gefiel: kein Hinterfragen oder Zurückhören, nur ein Mantra des Vorwärtsdrangs. Weniger als zwei Wochen später hatten Sänger Jake Luppen, Gitarrist Nathan Stocker, Schlagzeuger Whistler Allen und Bassist Zach Sutton "Flood" fertig. Auf "Flood" liefern Hippo Campus dicht gedrängte Thesen über...

"Flood" ist eine Platte und eine Wiedergeburt, für die die Band aus Minnesota fünf Jahre Arbeit aufgegeben hat, um schließlich 13 Tracks in nur 10 Tagen an der texanischen Grenze aufzunehmen. Während die aufschlussreichen Sessions im letzten Jahr auf der Sonic Ranch mit den langjährigen Produzenten Caleb Wright (Charly Bliss, Samia) und Brad Cook (Bon Iver, Waxahatchee) stattfanden, begann der Entstehungsprozess des Albums vor gefühlt einer Ewigkeit. In derselben Nacht, in der Hippo Campus ihre letzte Platte "LP3" feierten, erfuhren sie, dass jemand, den sie liebten, unerwartet verstorben war. Die Peitschenhiebe des Erwachsenwerdens wurden durch die Auswirkungen von Tod, Niedergeschlagenheit, Sucht und Angst noch verstärkt, so dass sie sich dem überwältigenden Ziel verschrieben, etwas Tiefgreifendes und Lebensveränderndes zu schaffen. Sie wurden gemeinsam nüchtern, nahmen regelmäßig an Gruppentherapien teil, schrieben mehr als 100 Songs, traten einen Schritt zurück und stellten plötzlich fest, dass ihnen das, was sie machten, eigentlich keinen Spaß brachte. Für eine Band, die eine Milliarde Streams überschritten hat, historische Veranstaltungsorte wie Red Rocks ausverkauft hat, auf Festivalbühnen auf der ganzen Welt aufgetreten ist - und das alles dank des unwiderstehlichen, frühlingshaften Songwritings, das ihre Reihe von experimentellen Pop- und emphatischen Rockalben füllt - wussten sie, dass das, was sie dieses Mal machten, einfach nicht gut genug war. Gemeinsam mit Wright und Cook räumten sie auf und warfen alle Vorurteile darüber über Bord, wie sie zu klingen gedachten. Sie versuchten nicht mehr, ein sogenanntes Meisterwerk zu erzwingen, und verpflichteten sich gegenseitig, das zu schneiden, was ihnen am besten gefiel: kein Hinterfragen oder Zurückhören, nur ein Mantra des Vorwärtsdrangs. Weniger als zwei Wochen später hatten Sänger Jake Luppen, Gitarrist Nathan Stocker, Schlagzeuger Whistler Allen und Bassist Zach Sutton "Flood" fertig. Auf "Flood" liefern Hippo Campus dicht gedrängte Thesen über...

In seinen mehr als 15 Jahren als How To Dress Well hat der in LA lebende Musiker Tom Krell mit dem Konzept dessen, was wir hören und wie wir kommunizieren, gespielt, um Musik zu schaffen, die irgendwo zwischen himmlischer Transzendenz und einer Außenseiter-Position für das, was Popmusik sein kann, liegt. I Am Toward You ist das erste neue How To Dress Well-Album seit sechs Jahren und enthält einige seiner bisher lautesten, freiesten und poetischsten Tracks. Krell eröffnet das zweite Jahrzehnt seiner Karriere mit einem Album, das alle Merkmale seiner besten Arbeiten aufweist. Krell begann 2020 zusammen mit wiederkehrenden und neuen Partnern wie CFCF, Chris Votek, Joel Ford, Josh Clancy, Trayer Tryon (Hundred Waters), Brian Allen Simon (Anenon) und Aaron Charles Read, mit der Arbeit an dem, was I Am Toward You werden würde. Er sichtete hunderte von Schnipseln, die er in den vergangenen zehn Jahren aufgenommen hatte, und fand unerklärliche Samples und Tonfetzen, die sich zu einem Album zusammenfügten, das die Dichte früherer Alben zurücknahm, um eine Sammlung von Songs zu schaffen, die zwischen der Gegenwart und der Vergangenheit oszillieren, als ob alles auf einmal geschähe. Eine Erinnerung von vor 20 Jahren hat genauso viel Gewicht wie etwas, das gestern passiert ist.Die ersten Singles und die Ankündigung erhielten eine unglaubliche Resonanz von zahlreichen namhaften Medien, darunter Pitchfork, Stereogum, FADER, Clash, Quietus Brooklyn Vegan und viele mehr. Die Videos für weitere Fokus-Tracks sind fertiggestellt und werden zusammen mit jedem Song veröffentlicht.Digipack-CD sowie als Vinyl mit bedruckter Inenhülle & DLC!

Mit "Eggsistentialism" kehrt das Psych-Punk-Pop Duo The Lovely Eggs nach einer fast vierjährigen Pause seit ihrem Indie-Nummer-Eins-Album "I am Moron" zurück. In dieser Zeit haben sie ihre eigene Fernsehsendung Eggs TV gemacht (mit Ian McKaye, Stewart Lee, Katie Puckrik, Maxine Peake, David Shrigley und anderen), ein Duett mit Iggy Pop gegeben, eine Menge ausverkaufter Konzerte und Festivals gespielt und eine Kampagne zur Rettung der Lancaster Music Co-op (ein gemeinschaftlicher Proberaum und Aufnahmestudio, in dem sie leben) geführt.Wie der Titel schon andeutet, erforscht "Eggsistentialism" eine viel persönlichere, introspektivere und nachdenklichere Seite der Welt von The Lovely Eggs und lässt die Eggs neue Klänge erforschen und in unerforschten musikalischen Gebieten experimentieren."Wir haben seit 2020 keine neue Platte mehr veröffentlicht und in der Zwischenzeit haben wir hier versucht, das Recht auf einen Lebensstil zu verteidigen, den wir hier in dieser Stadt in den letzten 30 Jahren als arbeitende Musiker genossen haben, die sich weigern, einen "normalen" Job zu bekommen. Es geht darum, an etwas zu glauben und nicht loszulassen. Aber dieser Unwille, aufzugeben, fordert letztendlich seinen Tribut. Es fängt an, dich zu zerstören, und das Album ist eine Art Dokumentation dieser Zerstörung und des Zusammenbruchs sowie der Stärke, die wir haben, um das alles zu überstehen. Letztendlich ist dies ein hoffnungsvolles Album über das Überleben."Aufgenommen zu Hause in Lancaster, produziert zusammen mit Dave Fridmann (u.a. MGMT, Sleater Kinney, Mercury Rev sowie Grammy für Flaming Lips), wurde das Album in den Tarbox Road Studios in New York mit von ihm und der Band abgemischt. Atemberaubendes Artwork wieder von Illustrator Casey Raymond.

Heavyweight 180G schwarzes Vinyl im Deluxe Tip-On Gatefold Sleeve inkl. 4-seitigem Booklet, Downloadkarte und 12-seitigem A5 Studio Scrapbook

Das Album enthält 10 wunderschöne neue Tracks, die über einen Zeitraum von 10 Jahren aufgenommen wurden. Produziert wurde das Album von James Ford & Beth Gibbons mit zusätzlicher Produktion von Lee Harris (Talk Talk).

Lives Outgrown ist in gewisser Weise Beths bisher persönlichstes Werk, das Ergebnis einer Periode anhaltender Reflexion und Veränderung - "viele Abschiede", wie Beth sagt. Abschiede von der Familie, von Freunden, sogar von ihrem früheren Ich. Es sind Lieder aus der Mitte des Lebens, wenn der Blick nach vorn nicht mehr so viel bringt wie früher und der Blick zurück plötzlich einen schärferen Fokus hat. Die Lieder handeln von Mutterschaft, Ängsten und den Wechseljahren (die Beth mal als "massive Prüfung" und mal als "massiven Abstieg" beschreibt, der "dich in die Knie zwingt") sowie zwangsläufig auch von der Sterblichkeit. Aber nach diesem Jahrze hnt des Wandels und der Neuausrichtung hat Beth das Gefühl, eine neue Bestimmung gefunden zu haben. "Jetzt, wo ich am anderen Ende angekommen bin, denke ich einfach, dass man mutig sein muss", sagt sie.

Mit ihrem neuen, siebten Album hat die mit einem GRAMMY Award ausgezeichnete Singer/Songwriterin und Geigenvirtuosin Amanda Shires den Reset-Knopf gedrückt und eine Platte gemacht, die so anders ist als alles, was sie bisher aufgenommen hat.
'Take It Like A Man' ist ein furchtloses Bekenntnis mit 10 emotionalen Tracks, ein Songzyklus mit schonungslos offenen Liedern, die Amanda in einer turbulenten Zeit während des Lockdowns geschrieben hat und ihr Leben als Frau, Ehefrau und Mutter dokumentieren. Klangvoll in Szene gesetzt von Produzent Lawrence Rothman (Angel Olsen, Girl in Red, Courtney Love).

Seit sie im Alter von 15 Jahren mit den legendären Texas Playboys anfing, Geige zu spielen, hat Amanda ihr nuanciertes Songwriting und ihre grenzenlose Originalität auf ihren von der Kritik gefeierten Soloalben immer wieder aufs Neue unter Beweis gestellt, mit Künstlern wie John Prine und Justin Townes Earle zusammengearbeitet und den Preis 'Emerging Artist of the Year 2017' von der Americana Music Association (AMA) erhalten. Amanda ist Mitglied von Jason Isbells 400 Unit - Ihr Ehemann steuerte auch zu 'Take It Like A Man' viele der Gitarren bei - und gründete The Highwomen - eine Supergroup, der neben Shires auch Maren Morris, Natalie Hemby und Brandi Carlile angehören. Die Band erreichte mit ihrem selbstbetitelten Debüt 2019 Platz 1 der Billboard Top Country Albums Charts.

LTD Edition! Erstmalig seit 1994 wieder auf Vinyl erhältlich!

Damals, 1994, als Lambchop zum ersten Mal unbedarft an die Öffentlichkeit traten, erschienen sie vielen als Freak, als Sonderling, der bestenfalls für die Seiten fotokopierter Fanzines und die Friedhofszeiten spezialisierter Radiosender bestimmt war. Ein weit verzweigtes Kollektiv von Musikern aus Nashville - elf von ihnen wurden auf dem Cover von I Hope You're Sitting Down / Jack's Tulips genannt, einer von ihnen soll für "open-end wrenches" verantwortlich sein - hatte sich nach einer Sockenpuppe benannt, ihrem Album unerklärlicherweise zwei Titel gegeben und ein Bild auf das Cover geklebt, das ein kleines, barfüßiges Kind zeigt, das einen Hund hält, dessen Schwanz und Eier stolz zur Schau gestellt werden. Vielleicht als Gegengewicht zu dieser kühnen Darstellung hündischer Männlichkeit bot die Innenhülle eine Schwarz-Weiß-Aufnahme von dem, was die Vornehmeren manchmal einen "Damengarten" nennen. Auf der Rückseite des Covers war ein Bildausschnitt eines Hochzeitskleides zu sehen. So weit, so seltsam. Lambchop haben uns an einen Ort gebracht, der so einzigartig und verwirrend fesselnd ist, dass das Album - was vielleicht niemanden mehr überrascht hat als die Band selbst, deren Heimatland noch einige Jahre lang verblüfft blieb - in den Top 50 Alben des Jahres der britischen Musikzeitung NME landete. Für den Fall, dass jemand dies für eine Anomalie halten sollte, platzierten die ähnlich einflussreichen französischen Les Inrockuptibles das Album auf Platz 25 ihrer eigenen Liste. Nicht schlecht für eine Band, die sich seit Mitte der 1980er Jahre einmal pro Woche zum reinen Vergnügen in einem verrauchten, schwach beleuchteten Keller traf. Auch nicht schlecht für eine Platte, deren Sessions ursprünglich nur genug Material für eine Handvoll 7-Inch-Singles liefern sollten. I Hope You're Sitting Down / Jack's Tulips, zerzaust und doch zärtlich, anarchisch und doch kompliziert, war stattdessen das Sprungbrett für eine Karriere, die trotz wiederholter Neuerfindungen immer noch andauert und von hartnäckig verrückten, ausgefallenen Absichten angetrieben wird. Wagner hingegen bleibt eine unserer kryptischsten, aber wichtigsten Stimmen, ein authentischer Dichter des magischen Banalen.

Die New Yorker Pop-Experten Charly Bliss möchten, dass ihre neue LP Dich unter der Last purer Gefühle erdrückt. Sie wollen Dich in einen Herzschmerz-Hurrikan stürzen. Sie möchten, dass Du beim Mitsingen bei ihren Gigs und allein in Deinem Schlafzimmer Deine Seele ausschüttest. Kurz gesagt, so Sängerin Eva Hendricks, wollen sie Dich zerstören … aber auf eine unterhaltsame Art und Weise. Co-produziert von Jake Luppen (Hippo Campus) und Caleb Wright (Samia) ist "Forever" Charly Bliss' bisher grösste und hellste Power-Pop-Charge. Voller klanglich dichter, emotional aufgeladener Songs, die die Lustzentren in Deinem Gehirn aktivieren, egal ob allein per Kopfhörer oder bei einer überfüllten Liveshow. Die Songs schimmern und explodieren wie ein Feuerwerk.

Die Wiener Samsara Joyride mit ihrem zweitem Longplayer, dem ersten auf Tonzonen. Von Beginn an stand für die Band eine Fusion des klassischen Rocksounds der 70er und 90er Jahre im Mittelpunkt, dabei bewegt sich die Band stilistisch frei zwischen Blues-, Psych- und Stoner-Rock. Eingängige, hypnotisierende Riffs, durchsetzt mit euphorisierenden Gitarrensoli und markanten Bariton-Vocals bestimmen die Songs - ein Spiel zwischen Altbewährtem und Experimentellem, zwischen Wiederholungen und Wendungen. 2023 wurden sieben neue Tracks geschmiedet, die zwar noch erkennbar im Stil des Debütalbums gegründet sind, sich aber in Sachen Komplexität und Experimentierfreude deutlich abheben. "The Subtle And The Dense" tritt schon vom ersten Ton an nicht nur deutlich heavier und progressiver, sondern vor allem selbstbewusster auf. Es wurde deutlich mutiger mit dem Einsatz von Hintergrundstimmen und Gesangsharmonien experimentiert. Leadgitarrist Michael Haumer übernimmt den größten Teil des Background-Gesangs, wobei sein kräftiger Tenor Miehes dunklen Bariton perfekt ergänzt. Aber auch Laura Fichtenkamms klare und weiche Frauenstimme bildet einen harmonischen Kontrast zur Hauptstimme. Verglichen mit dem ersten Album ist der Gitarrensound von Miehe und Haumer gleichzeitig subtiler und dichter. Wo früher noch live improvisiert wurden, finden sich heute fast ausschließllich in akribischer Kleinarbeit ausgearbeitete Lead-Gitarren-Parts, die mühelos zwischen Blues-, Metal und Stonerrock wechseln. Andreas Mittermühlners mal peitschenden, mal wuchtig stampfenden, immer jedoch punktgenauen Drums und Daniel Batliners vibrierend-groovender, alles andere als im Hintergrund stehender Bass, bilden gemeinsam das Rückgrat und den Puls der Platte, und bieten so den schneidenden Höhen von Haumers Sologitarre Fundament und Rahmen zur Entfaltung. Daraus ergibt sich ein großes Ganzes, das manchmal nach Kyuss, manchmal nach Danzig oder Black Sabbath, manchmal sogar noch Tool oder All Them Witches klingt, immer aber nach Samsara Joyride und als Gesamtwerk weit über die Summe seiner Teile hinauswächst.

Das Londoner Duo Jockstrap (Georgia Ellery und Taylor Skye) wird sein lange erwartetes Debütalbum "I Love You Jennifer B" am 9. September via Rough Trade Records veröffentlichen. Jockstrap haben die bevorstehende Veröffentlichung bereits mit ihren Singles "50/50" und "Concrete Over Water" angedeutet. Beide wurden von BBC Radio 6 Music auf Rotation genommen und von der nationalen und internationalen Presse hoch gelobt. Das kosmische Begleitvideo zu "Concrete Over Water" wurde bei einer exklusiven Vorführung im The Castle Cinema, Hackney, uraufgeführt, gefolgt von einer weiteren von Jockstraps kultigen Partys im The Glove That Fits. Georgia Ellery und Taylor Skye von Jockstrap kommentierten die Albumveröffentlichung wie folgt: "I Love You Jennifer B ist eine Sammlung von Jockstrap-Tracks, die seit 3 Jahren in der Mache sind. Alles darauf klingt ziemlich einzigartig, also hoffen wir, dass für jeden ein Track dabei ist; also etwas, das dich anspricht und sagt 'Ich bin ein Banger'." Skye fügte über 'Glasgow' (ihre neue Single) hinzu: "'Glasgow' ist unser coming of age, moving forward, long-distance, travelling, beautiful bosk, wonderful thicket song." Und Ellery sagte über das Thema des Songs: "Glasgow ist eine tolle Stadt, vielleicht meine Lieblingsstadt in Großbritannien! Der einzige Nachteil ist, dass es die ganze Zeit so verdammt kalt ist." Wenn Georgia Ellery und Taylor Skye als Jockstrap Musik machen, gibt es für den Prozess und das Ergebnis nur eine Definition: pure moderne Pop-Alchemie. Mit ihrem Debütalbum"I Love You Jennifer B" werden sich Jockstrap als eine der vitalsten jungen Gruppen etablieren, die seit Jahren aus Londons Schmelztiegel der Musikkulturen hervorgegangen sind.

Limitiert auf 200 Exemplare.

12 neue Lieder der Berliner Liedermacherin Katharina Kollmann, die sie mit ihrer Band und ihrem Chor aufgenommen hat.

12 neue Lieder aus der Prekarität, über notwendige Solidarität, über Sippen und notwendige Unterstände.

12 hinreißend gute Lieder, die uns ganz sicher ein gutes, emotionales Zuhause bieten werden.

Presse sagt:

"...dermaßen schlüssig, wortmächtig, einfühlsam, kunstvoll mäandernd und doch auf den Punkt, wie man es hierzulande vielleicht zuletzt von Maike Rosa Vogel gehört hat.... Deutschland soll ja angeblich das Land der Dichter und Denker sein. nach HAUS ist es zumindest das Land einer Dicherterin und Denkerin." (Musikexpress)

"... ein lyrisches Epos aus Stimmen, Gitarren und ein wenig Schlagwerk." (Rolling Stone)

"Schönheit dieser Chatrunde!" (Kulturnews)

"Berührende Platte." (Der Tagesspiegel)

"Nichtseattle stellt die soziale Frage zärtlich, auch wenn ihre sachten Rocksongs böse sein können... Alles atmet hier, und wie jedes wirklich gelungene Album kann die Musik auch selbst von ihrem Sehnsuchtsmodell erzählen, von den Themen in den Texten oder von einer Haltung, an der man arbeiten muss, und sei es der Zweifel an der eigenen moralischen Strenge." (zeit.de)

"Und dann sitzt man fasziniert da und stellt sich vor, wer da bei Katharina Kollmann alles wohnt und wie dieses "Haus" aussieht, in dem man sie besuchen darf und warum man so unfassbar gerne viel Zeit dort verbringt." (plattentests.de)

"Die Berliner Musikerin etabliert sich mit ihrem neuen Album "Haus" als kritische und berührende Stimme, die im politisierten deutschen Indie lange gefehlt hat." (Der Freitag)

"... mit die klügsten Texte, die deutscher Pop in den letzten Jahren zu bieten hatte." (Tip Berlin)

"... die Berliner Songwriterin schafft ein Storytelling und ein Songwriting voller Intimität, vertrautheit und gleichzeitig Zugänglichkeit, die auch viel von den Hörenden einfordert. Nichts für nebenbei, sondern für mittendrin." (thegap.at)

Die sich ständig weiterentwickelnden Grails sind mit ihrem ersten Album seit sechs Jahren zurück. Mit "Anches En Maat" erreicht die Band ihren orchestralen Höhepunkt und erweitert ihr üppiges Universum mit neuen Mitgliedern und neuer Instrumentierung. "Anches En Maat" ist das erste neue Album von Grails seit dem meisterhaften "Chalice Hymnal" (2017) - und das erste Album, das seit "Doomsdayer's Holiday" (2008) mit allen Mitgliedern gemeinsam im Studio aufgenommen wurde. Da jedes Grails-Album seit "Doomsdayer's Holiday" ein ausuferndes Doppelalbum war, wurde "Anches En Maat" als Rückkehr zu einer vergleichsweise effizienten Einzel-LP-Laufzeit konzipiert, aber Grails erschaffen die gleiche klanglich dichte Welt, die auch auf ihren längeren Alben zu hören ist. Die Kerngruppe der Gründungsmitglieder Alex Hall und Emil Amos (Om, Holy Sons) schloss sich mit Jesse Bates, Ilyas Ahmed und AE Paterra (Zombi, Majeure) in Atlanta, GA zusammen, um "Anches En Maat" gemeinsam aufzunehmen - ein Novum für eine Band, die es gewohnt war, getrennt aufzunehmen und dann monatelang oder sogar jahrelang in der Postproduktion zu arbeiten. Timba Harris (Secret Chiefs 3, Sunn O))))) liefert mitreißende Streicher und eine Schar von Gästen füllte die üppige Landschaft von "Anches En Maat". "Anches En Maat" ist eine unwahrscheinliche Mischung aus verschmolzenen Softcore- und Soap-Opera-Soundtracks der 1980er Jahre, kosmischem Minimalismus, schmerzenden Western-Soundtracks, melancholischen elektronischen Impulsen und massiven Soul-Disco-Streichern und ist eines der ehrgeizigsten Alben von Grails in ihrer über 20-jährigen Karriere. Durch die kontinuierliche Verfeinerung und Reifung ihrer Vision als Band, sind Grails über eine Neuprogrammierung ihrer internen Logik gestolpert - und auf der anderen Seite mit einem neuen definierenden Statement herausgekommen.

Auf "On the Intricate Inner Workings of the System" serviert die Band eine kräftige Portion ihres typischen Modern-Lovers-meets-Nuggets-Garagenrocks, bei dem sich B-52's „Call-and-Response“-Spaß mit AC/DC-Powerchord-Grunzen mischt. Die Eröffnungs-Doppelsalve "War Movies" und das zuvor veröffentlichte "Quality Pints" lehnen sich an den rasanten Punk an und geben den Ton an: Zweistimmige Pisserei, surreale Betrachtungen alltäglicher Themen, die den Kreis schließen und tiefgründig werden, Riffs den ganzen Tag lang und dann auch den ganzen nächsten Tag. "Quality Pints" befasst sich mit den dringenden Sorgen jeder gewissenhaften tourenden Band und beherzigt die Regel der drei R's, die von Mark E Smith von The Fall, einem berühmten Fan von Pints, aufgestellt wurde. Repetition, Repetition, Repetition. Wiederholungen also. Wenn es so wichtig ist, und das ist es, lohnt es sich, es noch einmal zu sagen. "War Movies" verbindet verzerrtes Tuckern mit einer umfassenden Best-Of-Liste des Genres, und Sam Willmett bietet ein Solo, das so lässig herausgeschleudert wird, dass dein Vater seine wiederaufkeimenden Ambitionen als Gitarrist sofort aufgeben wird. Die Melodie ist immer noch allgegenwärtig, und das witzig-metaphorische "Pop Single" zeigt Ray Davies von seiner selbstbewusstesten Seite. Wer nach einer Pop-Single fragt, bekommt sie auch - The Bug Club lassen sich nicht lumpen. Und es ist diese selbstbewusst alberne Art, die uns "Lonsdale Slipons" beschert, in dem endlich den schlechtesten Schuhen Großbritanniens in Songform Tribut gezollt wird, und "We Don't Care About That", das uns allen sagt, wir sollen aufhören, über viele Dinge zu reden. Du überlegst, ob du eine vorläufige Rezension über das, was du gerade hörst, verfassen sollst? Hör auf damit. "Better Than Good" hat dich auch hier im Griff. Du bekommst, was du bekommst, und zum Glück scheint jeder damit zufrieden zu sein - vor allem mit der Lo-Fi-Produktion, dem Violent-Femmes-Bass und dem Sterling-Morrison-Solo dieses Tracks. Am besten überlässt man die heißen Takes The Bug Club, meinen wir. Diese Platte gibt uns Recht.

Limitierte, klare Vinyl-Version!Nach zwei von der Kritik hochgelobten Alben, zahlreichen Mini-LPs, EPs und Singles kehrt das Londoner Trio Girls In Synthesis mit seinem neuen Statement, dem dritten Album "Sublimation", zurück. Wenn du dachtest, du kennst GIS bereits, dann irrst Du Dich diesmal vielleicht.GIS gehen weiter und haben eine düstere und intensive, aber dennoch melodische Sammlung von Tracks erschaffen, ihre Interpretation einer kantigen Pop-Platte. Der Opener 'Lights Out' besteht aus zwei Teilen; der erste ist ein Barrett-eskes Gesangs- und Gitarren-Lamento über Schlafmangel, das über eine von 'Faust Tapes' beeinflusste Freeform-Noise-Sektion in einen stampfenden, hochintensiven Showdown übergeht. In Songs wie "Deceit", "We Are Here" und "Picking Things Out Of The Air" zeigt sich die Gruppe von ihrer melodischsten Seite, indem sie einige der chaotischen Noise-Elemente ihres charakteristischen Sounds auf ein Minimum reduziert und leidenschaftliche, schwebende Vocals und Keyboard-Melodien in den Vordergrund stellt. Ihr Markenzeichen, das treibende Schlagzeug und der Bass, ist besonders bei den Stücken "I Judge Myself" und "Corrupting Memories" zu hören, wird aber durch intensive, vom frühen Gothic beeinflusste Keyboardlinien ergänzt, die Einflüsse aus den späten 1970ern/frühen 1980ern mit der zeitgenössischen GIS-Intensität in Einklang bringen. Die langsam sich steigernden Tracks 'I Was Never There' und 'The Prefix' bauen mit spärlichen Arrangements und kreisenden, spiralförmigen Outros Spannung und Atmosphäre auf, während die Band im abschließenden 'A Damning Lesson' zu ihrer intensiven, knüppelnden Soundwand zurückkehrt, nur um sie in eine verschwommene, hallende Drum-Machine zu schicken, die an die frühen Arbeiten von Cabaret Voltaire erinnert. Nächstes Kapitel, nächstes Level für GIS!

Pressetext von Jan Müller:

„Es ist diese bittersüße Lebenslust / Diese bittersüße Lebenslust / in mir“ (Swutscher, Im Suhlenkamp)

Sascha Utech, Velvet Bein, Mike Krumhorn, Sebastian Genzink und Martin Herberg: Das sind Swutscher. Auf dem Cover ihres Debüt-Albums „Wilde deutsche Prärie“ aus dem Jahr 2018 sahen wir ein brennendes Haus, welches von offenbar irrsinnigen Gestalten umlagert war. Knappe vier Jahre später, auf dem Cover ihres zweiten Albums, steht die Band in Husum am Deich. Im Hintergrund sehen wir das im Erscheinungsjahr des Debüts ausgebrannte Nordsee-Hotel. Die Blicke der Bandmitglieder lassen freundliche Entschlossenheit erkennen, die in ihrer Lässigkeit sehr norddeutsch ist. Trotzdem zweifle ich keinen Augenblick daran, dass Swutscher es noch immer verstehen, ihre Umgebung in Flammen zu versetzen, ja eine Spur der Zerstörung zu hinterlassen. Ihr Ruf ist legendär. Jeder Mensch, der Swutscher schon einmal Live erleben durfte, weiß, dass es sich hierbei nicht nur um ein geistiges, sondern auch um ein körperliches Erlebnis handelt. Mit einer unbeschreiblichen Wucht und Energie walzen sie jegliche, dem Publikum innewohnende Vernunft nieder und führen es so in eine wundervolle Entgrenzung.

Glücklicherweise erschöpft sich der Charakter von Swutscher jedoch nicht in derartigen Spektakeln. Swutscher nehmen das Musizieren ernst. Sie gemahnen an eine Zeit, in der Musik noch in vielerlei Hinsicht gefährlich sein konnte. Sound, Lautstärke und Inhalte in den Texten waren in der Lage, die Gewissheiten, die sich bis dahin im Leben eines jungen Menschen aufgebaut hatten, zu erschüttern. Davon ist heute leider oftmals nicht viel mehr übrig geblieben, als ein moralinsaurer Feelgood-Soundtrack (Rock/Pop) oder aber ein prahlerische Nabelschau (Hip Hop). Vermutlich klingen Swutscher auch deshalb einerseits mit ihrem Rock’n’Roll & Pub-Rock so wunderbar aus der Zeit gefallen und andererseits so avantgardistisch. Saschas Stimme, die so schön rau und in jedem Augenblick dringlich ist, zieht uns in den Bann. Und es ist gut, dass die Band gegen allzu leichte Verständlichkeit anspielt. Textlich geht es bei Swutscher um's Ganze. Um die Schönheit des Lebens und um das Risiko des Falls, wenn man ebendiese Schönheit im Exzess zu sehr auskostet.

Swutscher haben das Album selbst produziert. Glücklicherweise. Kompromisse wurden nicht gemacht. Die Leitlinie war: Lampen an! Nichts hätte dem Material besser tun können. Neu ist, der nun manchmal psychedelisch-geheimnisvolle Charakter mancher Song z.B in Tabak, in Im Suhlenkamp oder in Mystische Nächte, dessen Text durch wundervollen Twist überrascht. Unbedingt empfehlen möchte ich auch die High-Energy-Rock-Songs des Albums Zum einen Ü-30: „Hast du etwas Zeit für mich / dann singe ich kein Lied für dich/ denn ich bin viel zu beschäftigt / mit dem Laub und dem Estrich“ Zum anderen Rocker. Dessen Text gehört zum prägnantesten seit Highway to Hell von Ac /dc: "Die Birne rot / Schnauze locker /Ich bin ein / wa wa wa wa wa wa / waschechter Rocker." Die Musik tut ihr Übriges. Der Song ist ein brandneuer Klassiker.

Es ist eine große Lust, Swutscher beim Musizieren zuzuhören. Allerorten gibt es tolle Arrangements. Zunächst einmal grooven Swutscher in jedem Moment . Darüber hinaus ist ihn ein sehr vielfältiges Album gelungen.

Es gibt mitreißende Orgelgewitter und treibende Conga-Parts (Tabak) eine verträumte Drumbox, die sich von einem wunderschönen Saxophon und ebensolchen Basslinien umgarnen lässt (Im Suhlenkamp), plötzlich eingeschobene große Pop-Momente (Als ich Dich das erste mal vergaß), einen aus dem Ärmel geschüttelten Country-Hit (Palm Royal), Honky Tonk gepaart mit einem supergroßartigen Gitarrensolo (ü30) und so vieles mehr. Zum Schluß überraschen uns Swutscher dann noch mit einer opulenten Neueinspielung von Bodo, einem ihrer schönsten Song. Ein großes Finale für ein große Album!

Es bleibt zu hoffen, dass sich die Prophezeiung, die Swutscher im Song Tohuwabohu anstellen, erfüllen wird: "Wir werden gewinnen / Irgendwann,irgendwann!"

Jan Müller (Tocotronic, Reflektor)

Über „Who By Fire“ fügen die Söderberg-Schwestern heute hinzu: „Wir haben uns kürzlich nochmal das Konzert angehört. Uns wurde klar, dass es etwas absolut Nicht-Alltägliches für uns war. Es war eine große Herausforderung, eine Performance zu entwerfen, in deren Mittelpunkt zur Abwechslung nicht First Aid Kit-Songs standen. Etwas, was wir noch nie zuvor getan hatten. Trotzdem hat alles bestens funktioniert. Es war ein echtes Vergnügen, so tief in Cohens Welt einzutauchen. Er war als Dichter und gleichermaßen als Songwriter extrem produktiv; für alles, was er je veröffentlichte, legte er sehr hohe Maßstäbe an. Seine Arbeit war ihm unschätzbar wichtig. Die Band, die GastkünstlerInnen, die Atmosphäre auf der Bühne... jede/r war mit ganzer Leidenschaft bei der Sache. Es war einfach magisch. Dies ist ein Album, das man am besten in einem Durchgang ohne Unterbrechung genießen sollte. Lasst los und taucht für eine Weile komplett in Cohens Welt ab. Wir haben uns entschieden, keinen einzigen der Auftritte nachträglich zu bearbeiten. Die kleinen Fehler sind ein wichtiger Teil der Liveerfahrung. In einer Zeit, in der es leider nicht möglich ist, echte Livekonzerte zu besuchen, kann man sich beim Anhören zumindest vorstellen, man wäre direkt im Geschehen...“

„Who By Fire“ erscheint in einem exklusiven Format: Als limitierte 2LP-Deluxe Edition in dunkelblauem Vinyl, dem ein doppelseitiges Poster beiliegt. Außerdem erscheint das Album als Standart-CD inklusive eines ausfaltbaren Booklets im Poster-Stil.



Mit dem Live-Tribute legen First Aid Kit den Nachfolger ihres von Fans und Kritikern gleichermaßen gefeierten 2018er Albums „Ruins“ vor.

Mit "Eggsistentialism" kehrt das Psych-Punk-Pop Duo The Lovely Eggs nach einer fast vierjährigen Pause seit ihrem Indie-Nummer-Eins-Album "I am Moron" zurück. In dieser Zeit haben sie ihre eigene Fernsehsendung Eggs TV gemacht (mit Ian McKaye, Stewart Lee, Katie Puckrik, Maxine Peake, David Shrigley und anderen), ein Duett mit Iggy Pop gegeben, eine Menge ausverkaufter Konzerte und Festivals gespielt und eine Kampagne zur Rettung der Lancaster Music Co-op (ein gemeinschaftlicher Proberaum und Aufnahmestudio, in dem sie leben) geführt.Wie der Titel schon andeutet, erforscht "Eggsistentialism" eine viel persönlichere, introspektivere und nachdenklichere Seite der Welt von The Lovely Eggs und lässt die Eggs neue Klänge erforschen und in unerforschten musikalischen Gebieten experimentieren."Wir haben seit 2020 keine neue Platte mehr veröffentlicht und in der Zwischenzeit haben wir hier versucht, das Recht auf einen Lebensstil zu verteidigen, den wir hier in dieser Stadt in den letzten 30 Jahren als arbeitende Musiker genossen haben, die sich weigern, einen "normalen" Job zu bekommen. Es geht darum, an etwas zu glauben und nicht loszulassen. Aber dieser Unwille, aufzugeben, fordert letztendlich seinen Tribut. Es fängt an, dich zu zerstören, und das Album ist eine Art Dokumentation dieser Zerstörung und des Zusammenbruchs sowie der Stärke, die wir haben, um das alles zu überstehen. Letztendlich ist dies ein hoffnungsvolles Album über das Überleben."Aufgenommen zu Hause in Lancaster, produziert zusammen mit Dave Fridmann (u.a. MGMT, Sleater Kinney, Mercury Rev sowie Grammy für Flaming Lips), wurde das Album in den Tarbox Road Studios in New York mit von ihm und der Band abgemischt. Atemberaubendes Artwork wieder von Illustrator Casey Raymond.

Die sich ständig weiterentwickelnden Grails sind mit ihrem ersten Album seit sechs Jahren zurück. Mit "Anches En Maat" erreicht die Band ihren orchestralen Höhepunkt und erweitert ihr üppiges Universum mit neuen Mitgliedern und neuer Instrumentierung. "Anches En Maat" ist das erste neue Album von Grails seit dem meisterhaften "Chalice Hymnal" (2017) - und das erste Album, das seit "Doomsdayer's Holiday" (2008) mit allen Mitgliedern gemeinsam im Studio aufgenommen wurde. Da jedes Grails-Album seit "Doomsdayer's Holiday" ein ausuferndes Doppelalbum war, wurde "Anches En Maat" als Rückkehr zu einer vergleichsweise effizienten Einzel-LP-Laufzeit konzipiert, aber Grails erschaffen die gleiche klanglich dichte Welt, die auch auf ihren längeren Alben zu hören ist. Die Kerngruppe der Gründungsmitglieder Alex Hall und Emil Amos (Om, Holy Sons) schloss sich mit Jesse Bates, Ilyas Ahmed und AE Paterra (Zombi, Majeure) in Atlanta, GA zusammen, um "Anches En Maat" gemeinsam aufzunehmen - ein Novum für eine Band, die es gewohnt war, getrennt aufzunehmen und dann monatelang oder sogar jahrelang in der Postproduktion zu arbeiten. Timba Harris (Secret Chiefs 3, Sunn O))))) liefert mitreißende Streicher und eine Schar von Gästen füllte die üppige Landschaft von "Anches En Maat". "Anches En Maat" ist eine unwahrscheinliche Mischung aus verschmolzenen Softcore- und Soap-Opera-Soundtracks der 1980er Jahre, kosmischem Minimalismus, schmerzenden Western-Soundtracks, melancholischen elektronischen Impulsen und massiven Soul-Disco-Streichern und ist eines der ehrgeizigsten Alben von Grails in ihrer über 20-jährigen Karriere. Durch die kontinuierliche Verfeinerung und Reifung ihrer Vision als Band, sind Grails über eine Neuprogrammierung ihrer internen Logik gestolpert - und auf der anderen Seite mit einem neuen definierenden Statement herausgekommen.

Ein schwarzes Album also, selbstbetitelt. Kein Wolf ziert das Cover, nein: ein schwarzer Schäferhund vor schwarzem Grund. DIE NERVEN ist auch ein Stimmungsbild. Und in der konsequenten Wortschatzverkleinerung ihrer Texte, die vage genug bleiben, um in der chaotischen Komplexität der Gegenwart Impulse zu setzen, ist die Musik auch Sprachrohr für ein Unbehagen geworden, mit dem man sich in jedem ihrer Stücke identifizieren kann: DIE NERVEN, das sind zehn in Form und Inhalt vollendete Gegenwartsbetrachtungen mit Schaum vor dem Mund, die schließlich als vereinfachte Erzählungen mit Edding auf ein weißes T-Shirt geschrieben werden, so dass die Farbe durchdrückt und sich auf der zwischen Wut und Angst aufgebracht pumpenden Brust verewigt: EUROPA und ICH STERBE JEDEN TAG IN DEUTSCHLAND - wie alle Texte 2018/19 entstanden und somit irritierend visionär - offenbaren DIE NERVEN als Teil einer behüteten Generation, die zu ahnen beginnt, dass ihr noch ganz andere Zeiten bevorstehen, und dass das erlebte Leid der Anderen untrennbar mit den eigenen Privilegien zusammenhängt. Deshalb: KEINE BEWEGUNG; vielmehr: Passivität und Ohnmacht ob der sich zuspitzenden Zustände, konterkariert durch die Wucht des Songs! ALLES REGULIERT SICH SELBST entlarvt den Slogan als Lüge, macht das Kippmoment ins unausweichliche Chaos spürbar. GANZ EGAL erzählt sardonisch von der Sattheit einer Generation und vertont die Energie einer Auflehnung gegen diesen Zustand. Im Perspektivwechsel dann erleben wir - mit einem gewissen Zynismus erzählt -, wie die bis hierhin gewonnenen Erkenntnisse die Sozialen Medien überfordern und in ihnen eine übelschmeckende, narzisstische Dekadenz aufdecken: EIN INFLUENCER WEINT SICH IN DEN SCHLAF. Am anderen Ende werden wir ganz unabwendbar DER ERDE GLEICH - und der Existentialismus, der DIE NERVEN stets getrieben hat, findet zu einer gewaltigen Songkraft. Hieß es vor acht Jahren Nur für eine Minute schweben (Eine Minute schweben: FUN, Fin Du Monde/TCM 2014), dreht sich die Welt seit dem noch um einiges schnel...

Das in Chicago ansässige Quintett Brigitte Calls Me Baby kündigt sein Debütalbum 'The Future Is Our Way Out' an, das über ATO Records erscheinen soll!

'The Future Is Our Way Out' wurde teilweise im RCA Studio A in Nashville mit dem 9-fachen Grammy-Preisträger Dave Cobb (Jason Isbell, Sturgill Simpson, Chris Stapleton) aufgenommen.

Mit ihren poetischen Meditationen über Sehnsucht, Angst und die Komplexität der Vergänglichkeit ist das Album eine kraftvolle Weiterentwicklung der Debüt-EP 'This House Is Made Of Corners' von Brigitte Calls Me Baby, welche von vielen Seiten gelobt und mit dem Nervenkitzel einer vergangenen Ära beschrieben wurde. Post-Punk Elemente wechseln sich mit tanzbaren Rhythmen und Gitarrenriffs ab, die vor allem zusammen mit der Stimme von Sänger Leavins immer wieder an The Smiths erinnert.

Bei der Wahl des Titels für das Debütalbum landete die Band bei einem Satz, den Leavins als Teenager impulsiv auf ein weißes T-Shirt gekritzelt hatte, und den er im Laufe der Jahre immer wieder aufgriff und schließlich in einen üppigen und filmischen Popsong verwandelte.

Mit 'The Future Is Our Way Out' legen Brigitte Calls Me Baby nun ein Werk vor, das auf geniale Weise Genres und Epochen überspannt und die üppige Romantik des Pop aus der Mitte des Jahrhunderts mit der frenetischen Energie und stacheligen Intensität des Indie-Rocks der frühen Jahrtausendwende verbindet. Im Mittelpunkt steht Leavins' hypnotisch croonender Gesang. Das Ergebnis ist eine seltene Konvergenz von Raffinesse, Stil und unverhohlener Aufrichtigkeit.

Erstmalig seit 1994 wieder auf Vinyl erhältlich!

Damals, 1994, als Lambchop zum ersten Mal unbedarft an die Öffentlichkeit traten, erschienen sie vielen als Freak, als Sonderling, der bestenfalls für die Seiten fotokopierter Fanzines und die Friedhofszeiten spezialisierter Radiosender bestimmt war. Ein weit verzweigtes Kollektiv von Musikern aus Nashville - elf von ihnen wurden auf dem Cover von I Hope You're Sitting Down / Jack's Tulips genannt, einer von ihnen soll für "open-end wrenches" verantwortlich sein - hatte sich nach einer Sockenpuppe benannt, ihrem Album unerklärlicherweise zwei Titel gegeben und ein Bild auf das Cover geklebt, das ein kleines, barfüßiges Kind zeigt, das einen Hund hält, dessen Schwanz und Eier stolz zur Schau gestellt werden. Vielleicht als Gegengewicht zu dieser kühnen Darstellung hündischer Männlichkeit bot die Innenhülle eine Schwarz-Weiß-Aufnahme von dem, was die Vornehmeren manchmal einen "Damengarten" nennen. Auf der Rückseite des Covers war ein Bildausschnitt eines Hochzeitskleides zu sehen. So weit, so seltsam. Lambchop haben uns an einen Ort gebracht, der so einzigartig und verwirrend fesselnd ist, dass das Album - was vielleicht niemanden mehr überrascht hat als die Band selbst, deren Heimatland noch einige Jahre lang verblüfft blieb - in den Top 50 Alben des Jahres der britischen Musikzeitung NME landete. Für den Fall, dass jemand dies für eine Anomalie halten sollte, platzierten die ähnlich einflussreichen französischen Les Inrockuptibles das Album auf Platz 25 ihrer eigenen Liste. Nicht schlecht für eine Band, die sich seit Mitte der 1980er Jahre einmal pro Woche zum reinen Vergnügen in einem verrauchten, schwach beleuchteten Keller traf. Auch nicht schlecht für eine Platte, deren Sessions ursprünglich nur genug Material für eine Handvoll 7-Inch-Singles liefern sollten. I Hope You're Sitting Down / Jack's Tulips, zerzaust und doch zärtlich, anarchisch und doch kompliziert, war stattdessen das Sprungbrett für eine Karriere, die trotz wiederholter Neuerfindungen immer noch andauert und von hartnäckig verrückten, ausgefallenen Absichten angetrieben wird. Wagner hingegen bleibt eine unserer kryptischsten, aber wichtigsten Stimmen, ein authentischer Dichter des magischen Banalen.

Der belgische Barock-Folk-Dichter Loverman veröffentlicht sein Debütalbum "Lovesongs". Alle Songs wurden von Loverman geschrieben und von Pieterjan Maertens und Jo Francken produziert, die vor allem für ihre Arbeit mit Tamino und Zaz bekannt sind. Die Liebe ist das zentrale Motiv des Albums und schwingt in jedem der 11 Songs mit - eine warme, intime und offene Atmosphäre durchdringt die ganze Platte.

Das neue Album 'Systemic' von Divide and Dissolve untersucht die Systeme, die uns von Natur aus binden, und fordert ein System, das das Leben für alle erleichtert. Es ist eine Botschaft, die zur Kernintention der Band passt: Musik zu machen, die ihre Vorfahren und das indigene Land ehrt, sich der weißen Vorherrschaft zu widersetzen und auf eine Zukunft der Befreiung von Schwarzen und Indigenen hinzuarbeiten.
Wie sein Vorgänger 'Gas Lit' wurde auch 'Systemic' von Ruban Neilson von Unknown Mortal Orchestra produziert.
Man spürt die tiefe Absicht in der Musik von Divide and Dissolve. Ihr dichter Sound ist überwältigend schwer; ein dissonantes Hämmern von Schlagzeug, Gitarren, Klavier, Synthesizern und Saxophon, verwoben mit Passagen orchestraler Schönheit, die ein Gefühl des Aufatmens vermitteln. 'Systemic' ist ein dichter Klangteppich, der zu gleichen Teilen aus Schönheit und Angst besteht und selbst für Gelegenheitshörer ein umfassendes Erlebnis darstellt.

Die LP ist auf mintfarbenem Vinyl gepresst und wird in einer Deluxe-Hülle mit bedrucktem Einleger und Download-Karte geliefert.

Nachdem seine intime Underplay-Show-Tour "shhh" im März binnen Sekunden ausverkauft war, kündigt Archy Marshall sein mittlerweile viertes Studioalbum "Space Heavy" als King Krule an. Erscheinen wird es am 9. Juni bei XL Recordings. Zehn Jahre nach der Veröffentlichung seines umjubelten Debütalbums "6 Feet Beneath the Moon" zeigen die 15 neuen Songs den britischen Songwriter auf der Höhe seines Schaffens. Entstanden ist das Album zwischen 2020 und 2022, als Archy Marshall sowohl London als auch Liverpool seine Heimat nannte und viel Zeit auf den Reisen von einem zum anderen Ort verbrachte. Während diesen Trips entstand seine Faszination für "the space between", wie er es nennt: die Orte, die von Träumen voller Liebe verfolgt werden, während sich Archy in seinen Texten mit persönlichen Verlusten befasst. Nachdem die Texte fertig waren, entstand die Musik gemeinsam mit dem Produzenten Dilip Harris sowie seiner langjährigen Band, bestehend aus Ignacio Salvadores (Saxophone), George Bass (Schlagzeug), James Wilson (Bass) und Jack Towell (Gitarre). In den 15 Songs von "Space Heavy" verbinden sich viele Elemente seiner bisherigen Karriere mit dem klanglichen Kosmos, der ihm das Attribut als eine der Stimmen seiner Generation einbrachte. Die dichten Lyrics seines Debüts, die Verschiebung seines Sounds bei "The Ooz" (2017), die Ursprünglichkeit von "Man Alive!" und die rohe Verletzlichkeit, die er auf "You Heat Me Up, You Cool Me Down" zeigte, fließen in den Sound seines neuen Albums ein. Mit der Albumankündigung erscheint die erste Single "Seaforth" mitsamt Video, bei dem seine regelmäßige Kollaborateurin und Visual Artist Jocelyn Anquetil Regie geführt hat.

Das neue Album "The Jacket" von WIDOWSPEAK wurde vor und nach der Veröffentlichung ihres letzten gefeierten Albums "Plum" geschrieben. Für das Duo, das aus der Singer/Songwriterin Molly Hamilton und dem Gitarristen Earl Thomas besteht, fühlt es sich an, als ob sich mit dem neuen Album ein Kreis schließt. Thematisch beschäftigen sie sich weiter mit der eigenen Zeit und Arbeit, und mit dem, was sie umgibt. Dies ist teilweise darauf zurückzuführen, dass das Duo kürzlich wieder zurück nach New York City gezogen ist. Dort wo für sie als Band alles begann, haben sie ihr neues Album zusammen mit Homer Steinweiss von Daptone Records aufgenommen.Doch Wiedervereinigungen führen immer zur Reflexion und Hamilton gibt zu, dass ein Großteil der Themen des Albums mit ihren prägenden Erfahrungen in den frühen Jahren der Band zu tun hat. So behandeln einige Songs den Prozess des Weitermachens ("Unwind", "Salt"), während andere das Bedauern behandeln ("True Blue", "Forget It"). Der namensgebende Track des Albums befasst sich mit den buchstäblichen und bildlichen Verkleidungen. Diese Verkleidungen bekommen mit der Zeit eine große Bedeutung, bis man sich dazu entschließt diese abzulegen. Durch vage Erinnerungen an Arbeit, Musik und Nachtleben formt man eine neue eigene Vergangenheit.Klanglich zeigen sich WIDOWSPEAK auf "The Jacket" in gewohnter und bester Form: Die Dynamik wechselt nahtlos zwischen sanften, treibenden Balladen und energievollen Jams, die aus dichten Gitarren, fokussierten Perkussions und kraftvollen Basslines bestehen. An anderen Stellen hört man skurrile Flöten, chorale Texturen und Heimorgeln. Thomas' Gitarrenspiel ist so ausdrucksstark und gefühlvoll wie eh und je und Hamiltons betörender Gesang ist ohnehin eine Klasse für sich. Diese Dynamik wird im Mix von Chris Coady (YEAH YEAH YEAHS, BEACH HOUSE) noch verstärkt. WIDOWSPEAK vermischen ihren Americana-inspirierten Indie-Folk gekonnt mit Slow-Core und Dream-Pop, der sowohl an die 60er als auch an die 90er Jahre erinnert. Dieser Sinn für klangliche...

Nach 'The Burden of Restlessness' und 'Acheron' aus dem Jahr 2021 folgt mit 'Regenerator' der dritte Teil von King Buffalos "Pandemie-Trilogie". Geschrieben und aufgenommen von der Band mit Mixing und Engineering von Gitarrist / Sänger Sean McVay und Mastering von Bernie Matthews.
Das 7-Track-Album ist nun also die dritte Verschmelzung progressiver Rhythmen, treibende Atmosphären zu einem spannenden Psychedelic Rock-Schmelztiegel.
Das sehr melodische Highlight 'Mammut' - mit McVays selbstbewusstester Stimme schimmert vor verzweifelter Hoffnung, auf 'Hours', entfalten sie klassischen Space Rock und die das abschließende 'Firmament' dient als Zusammenfassung aller drei Alben, die das Finale markieren von einer Trilogie, die wesentlicher Eckpfeiler von King Buffalo's Arbeit ist. 'Regenerator' ist auf CD sowie 180. Gr. LP erhältlich. Weißes Vinyl (inklusive Download).

VISIONS schrieb zum Vorgänger:

"…Umso schöner dann die Nachricht Anfang März, dass das Trio aus Rochester, New York in diesem Jahr drei Alben veröffentlichen will. Das passiert also, wenn man Ideen und - virusbedingt - Zeit hat. (…) Darunter pulsiert ein dichter Groove zwischen Psych und Prog. Tatsächlich sind King Buffalo nicht mehr weit von Tool entfernt. Der Klang von "The Burden Of Restlessness" ist unglaublich. Die Verstärker brummen und grummeln, die verzerrten Schichten sind transparent, der Bass groovt viril und transparent darunter und das Schlagzeug liefert ein sattes Fundament. Aufgenommen, produziert und gemixt hat die Band das Album selbst, was die Sache noch eindrucksvoller macht. "The Burden Of Restlessness" ist ein faszinierender, stimmungsvoller Trip, eine in sich bemerkenswert geschlossene Platte. Dessen aggressivere Ausbrüche sorgen meist ab Mitte und gegen Ende der massiven, mäandernden Songs für Höhepunkte." (VISIONS Juni 2021)

In Kürze tourt die Band in Europa, in Deutschland spielen sie folgende Konzerte:

Porches veröffentlichen sechstes Studioalbum "Shirt" Porches, das Projekt des New Yorker Musikers Aaron Maine, veröffentlicht sein sechstes Studioalbum "Shirt" am 13. September bei Domino. "Shirt" ist teils angstbesetzte Fantasie, teils bekenntnishaftes Melodrama - ein Rockalbum, das zwischen Realität und Fantasie oszilliert und sowohl die Unschuld der Vorstadtjugend als auch die ausgefranste Realität des Erwachsenseins widerspiegelt. Es ist eine Mischung aus chaotischen Impulsen, unstillbaren Wünschen und einer immerwährenden Sehnsucht und spielt mit der Spannung zwischen der eigenen Person und dem eigenen Image - dem Gewicht der Träume, die an der Realität zerschellen. Das Ergebnis ist etwas Vertrautes und Unheimliches zugleich, eine hymnische Hommage an diese inhärente Dualität, die auf krachenden und schmeichelnden Klängen beruht. "Shirt" ist sofort als das bisher stärkste Album von Porches zu erkennen. Grungige Gitarren, die bedrohlich glänzen, Schlagzeug und Bass, die einem warm in den Magen schlagen, durchsetzt mit Momenten unheimlicher Ruhe, um ein körperliches Gefühl von Spannung und Entspannung zu erzeugen, das in jedem Track mitschwingt. Eine prägnante Platte, die den Hörer in einen fiebrigen Zustand versetzt. Shirt's hormonelle Rocksongs kollidieren mit emotionalen Balladen und erzeugen eine dynamische Spannung, die den Hörer vorantreibt. Auf "Shirt" geht es ebenso um die Höhepunkte wie um die Banalität zwischen den denkwürdigsten Momenten des Lebens, wobei nicht nur der erste Kuss gefeiert wird, sondern auch die damit verbundenen Ängste.

Das Londoner Duo Jockstrap (Georgia Ellery und Taylor Skye) wird sein lange erwartetes Debütalbum "I Love You Jennifer B" am 9. September via Rough Trade Records veröffentlichen.Jockstrap haben die bevorstehende Veröffentlichung bereits mit ihren Singles "50/50" und "Concrete Over Water" angedeutet. Beide wurden von BBC Radio 6 Music auf Rotation genommen und von der nationalen und internationalen Presse hoch gelobt. Das kosmische Begleitvideo zu "Concrete Over Water" wurde bei einer exklusiven Vorführung im The Castle Cinema, Hackney, uraufgeführt, gefolgt von einer weiteren von Jockstraps kultigen Partys im The Glove That Fits. Georgia Ellery und Taylor Skye von Jockstrap kommentierten die Albumveröffentlichung wie folgt: "I Love You Jennifer B ist eine Sammlung von Jockstrap-Tracks, die seit 3 Jahren in der Mache sind. Alles darauf klingt ziemlich einzigartig, also hoffen wir, dass für jeden ein Track dabei ist; also etwas, das dich anspricht und sagt "Ich bin ein Banger"." Skye fügte über "Glasgow" (ihre neue Single) hinzu: ""Glasgow" ist unser coming of age, moving forward, long-distance, travelling, beautiful bosk, wonderful thicket song." Und Ellery sagte über das Thema des Songs: "Glasgow ist eine tolle Stadt, vielleicht meine Lieblingsstadt in Großbritannien! Der einzige Nachteil ist, dass es die ganze Zeit so verdammt kalt ist." Wenn Georgia Ellery und Taylor Skye als Jockstrap Musik machen, gibt es für den Prozess und das Ergebnis nur eine Definition: pure moderne Pop-Alchemie. Mit ihrem Debütalbum"I Love You Jennifer B" werden sich Jockstrap als eine der vitalsten jungen Gruppen etablieren, die seit Jahren aus Londons Schmelztiegel der Musikkulturen hervorgegangen sind.

Mach dich auf den Weg, Den Weg, den keiner sonst geht Geh ihn nicht allein. Allein kommst du nicht heim Heim in jene Zeit, Die Zeit, die dir noch bleibt Bleib nicht zu oft stehen Im Stehen wirst du bequem Mit diesen überraschenden Zeilen beginnt die neue Platte der Fehlfarben. Aufforderungen, die sich durch sämtliche 12 Songtexte hindurch ziehen, die uns die Fehlfarben auf diesem akuten Album mit den 3 Fragezeichen, die gleichzeitig die Verunsicherung des Veröffentlichungsjahres kennzeichnen, hier zu Gehirn bringen. 12 Songs also: Einen für jeden Monat des Jahres. “?0??“ entpuppt sich nebenbei als der nächste Meilenstein auf einer musikalischen Reise, welche mit dem gefeierten Jugend Debut „Monarchie und Alltag“ 1980 so unvermittelt begann, sich in der Mitte des Lebens mit „Knietief im Dispo“ 2002 fortsetzte und die jetzt mit „?0??“ ihren weiteren Höhepunkt erreicht. Ein Album, welches, in einer schwierigen Zeit entstanden, die bestehenden Ängste und Widersprüche unserer Gesellschaft musikalisch und sprachlich so intensiv und mit solch spielerischer Wucht behandelt, dass man komplett vergisst, wie viel Zeit mit insgesamt 5 weiteren Studio Alben mit Sänger Peter Hein zwischen Heute und Einst liegt.

Pinegroves neues Album "11:11" ist ein uneingeschränkter Triumph, ein Album, das die Zuhörer mit Songs fesselt, die Gefühle von Wärme, Dringlichkeit und poetischer Schönheit vermitteln, auch wenn sie einige der großen und schwierigen Fragen des Lebens stellen. Bei früheren Pinegrove-Aufnahmen war Bandmitglied Sam Skinner meist der Mann am Mischpult; jetzt hat der bekannte Produzent und ehemalige Death Cab for Cutie-Musiker Chris Walla die Rolle übernommen. Walla, der "11:11" mit Sam zusammen produzierte, drängte nun auf einen dreckig-chaotischeren Sound für die neuen Songs. "11:11" bietet üppige Klanglandschaften, Orgeln, Megan Benaventes melodisches und abenteuerliches Bassspiel, Josh Marres charakteristische Gitarrenarbeit und einen besonderen Gast - Doug Hall, Evans Vater - der auf vielen Tracks Klavier spielt. Die Platte klingt intim und doch expansiv. "Es gibt Wut, Liebe, Hoffnung und Trauer. Die Platte hat all das", sagt Sänger Evan Stephens Hall. Der Eröffnungssong "Habitat" z.Bsp. ist ein episches Meisterwerk, randvoll mit robusten, perkussiven Gitarren und angetrieben von beunruhigenden Verschiebungen. "Alaska" besticht dann durch dichten, belebenden Gitarrenrock, der mit tektonischer Kraft aus dem Tor schlingert und an jeder Ecke mit Haken prahlt. Später glitzert das luftige, pastorale Folk-gefärbte "Iodine" mit exquisiten Gesangsharmonien, und "Flora" ist eine wunderschön arrangierte Entschuldigung an die Natur, und erinnert an Bands wie Flying Burrito Brothers oder Wilco.

Bereits das zweite Album der Psychedelic Groove-Maschine aus New York. Wie bereits auf dem von der Presse begeistert aufgenommenen Vorgänger 'The Burdon Of Restlessness' setzt das Trio auf dicht gewebten Psychedelic Rock der auch auf 'Acheron' mit einer spielerischen Leichtigkeit umgesetzt wird dass man sprachlos ist. Auf den vier epischen Tracks gibt es so viel zu entdecken, dass die Wartezeit bis zum Erscheinen des farbigen Vinyls am 28. Januar 2022 locker überbrückt werden kann. Eine Band mit Zukunft!

'Album des Monats' in ECLIPSED

"…Umso schöner dann die Nachricht Anfang März, dass das Trio aus Rochester, New York in diesem Jahr drei Alben veröffentlichen will. Das passiert also, wenn man Ideen und - virusbedingt - Zeit hat. (…) Darunter pulsiert ein dichter Groove zwischen Psych und Prog. Tatsächlich sind King Buffalo nicht mehr weit von Tool entfernt. Der Klang von "The Burden Of Restlessness" ist unglaublich. Die Verstärker brummen und grummeln, die verzerrten Schichten sind transparent, der Bass groovt viril und transparent darunter und das Schlagzeug liefert ein sattes Fundament. Aufgenommen, produziert und gemixt hat die Band das Album selbst, was die Sache noch eindrucksvoller macht. "The Burden Of Restlessness" ist ein faszinierender, stimmungsvoller Trip, eine in sich bemerkenswert geschlossene Platte. Dessen aggressivere Ausbrüche sorgen meist ab Mitte und gegen Ende der massiven, mäandernden Songs für Höhepunkte." (VISIONS Juni 2021)

Auch die Backkatalog-Titel 'The Burdon Of Restlessness', 'Repeater' und 'Dead Star' werden Im Zuge von 'Acheron' als wertige LPs (schwarzes Vinyl) wiederveröffentlicht! Sie erscheinen wie das 'Acheron'-Vinyl auch am 28.01.22!

Cat Power, die Sängerin, Songwriterin, Musikerin und Produzentin Chan Marshall, veröffentlicht am 14. Januar 2022 ein neues Album mit dem Titel Covers bei Domino.

Coversongs haben schon immer einen wichtigen Platz im Kanon von Marshalls Arbeit eingenommen, und das neue Album Covers vervollständigt eine Art Trilogie, die den beliebten früheren Cat Power-Sammlungen Jukebox (2008) und The Covers Record (2000) folgt. Während sie mit den Songs, die sie covert, immer wieder für Überraschungen sorgt, ist es Marshalls totale Hingabe an die Performance - die den Songs eine kreative Einzigartigkeit verleiht, die mit ihren Originalen konkurriert -, die Cat Power-Cover so besonders macht. Laut Pitchfork kann Marshall "einen Song neu arrangieren, indem sie ihn einfach anschaut“. Covers wurde komplett von Marshall produziert und enthält vollständig neu interpretierte Songs von Frank Ocean, Bob Seger, Lana Del Rey, Jackson Browne, Iggy Pop, The Pogues, Nick Cave und The Replacements und anderen, sowie eine aktualisierte Version ihres eigenen Songs "Hate" von The Greatest (2006), der für dieses Album in "Unhate" umbenannt wurde. Marshalls Interpretation von "Bad Religion" entstand, nachdem sie das hasserfüllte Original "In Your Face" aus dem 2018 erschienenen Album Wanderer auf Tournee gespielt hatte: "Der Song hat mich runtergezogen", gibt sie zu. "Also habe ich angefangen, Texte aus 'Bad Religion' herauszuziehen und diese zu singen, anstatt super deprimiert zu sein. Covers zu performen ist eine sehr angenehme Art, etwas zu tun, das sich für mich beim Musikmachen ganz natürlich anfühlt."Covers schließt mit einer kraftvollen Interpretation des Billie Holiday-assoziierten Standards "I'll Be Seeing You", die von den jüngsten Verlusten in Marshalls kreativem innerem Kreis inspiriert wurde - einschließlich des Sun-Kollaborateurs Phillippe Zdar, der 2019 auf tragische Weise verstarb. "Wenn dir Menschen, die du liebst, weggenommen wurden, gibt es immer einen Song, der dich an sie erinnert", sagt Marshall. "Es ist ein Gespräch mit denen auf der anderen Seite, und es ist wirklich wichtig für mich, die Menschen auf diese Weise zu erreichen."