Suche "hip hop" 203 Artikel

Dass solch ein Album aus Deutschland kommt? Eine Utopie. 17 Songs in einer majestätischen Mischung aus rohen 2000s R'n'B und Hip-Hop-Vibes mit Neo Soul und einer futuristischen, zeitgenössischen Jazz-Ästhetik auf einem Album, das mühelos international Standards setzt. Ein Manifest der Hoffnung, des Widerstands, der Liebe und Dankbarkeit. Eine komplexe Soundwelt, eine umwerfend druckvolle Produktion und Vocals auf höchstem Niveau. Tiefes und relevantes Storytelling, besondere Texte und Themen, die mit hetero-normativen Erzählungen brechen, das Zelebrieren von femmes* und Mothers, der unbedingte Appell ans Zuhören und den Austausch - in der hiesigen Musik immer noch zu selten. Die unmittelbaren Geschichten um diasporische Verdrängung und Trennung, Trauer und das Finden von Trost und der Kontrast durch den Mut, die Güte und Hoffnung, die dem Album innewohnt, machen "Good Life" zu einer außergewöhnlichen Erfahrung.

Das neue Album des in Michigan geborenen Schlagzeugers, Produzenten und DJs Zach Saginaw a.k.a. Shigeto ist eine Hommage an die Traditionen von Electronic Music, Jazz, R&B und Hip-Hop. Eine Feier der Vitalität der Szene mit Wurzeln in Detroit, mit Gästen wie Zelooperz, Kesswa, Ahya Simone, Tammy Lakkis und anderen. „Kirschblüten erinnern mich an die Unerschütterlichkeit meiner Mutter und Großmutter, den Blick auf das Licht zu richten, und an die Kraft, die darin liegt, „als Einheit zu handeln“. Die Kirschblütenbäume, die jeden Frühling in Hiroshima blühen, sind ein bleibendes Bild für Hoffnung, Widerstandsfähigkeit und Erneuerung. Selbst in den turbulentesten Zeiten. Cherry Blossom Baby war buchstäblich „unmöglich“ zu machen ohne jeden einzelnen Beteiligten. Es begann 2018 und wurde 2024 fertiggestellt. Es ist eine Manifestation unserer gemeinsamen Erfahrungen von Schmerz, Kampf, Hoffnung und Wachstum in den letzten 6 Jahren und ein wahres Zeugnis für die Kraft des „Miteinanders“.“ – Shigeto

Das neue Album des in Michigan geborenen Schlagzeugers, Produzenten und DJs Zach Saginaw a.k.a. Shigeto ist eine Hommage an die Traditionen von Electronic Music, Jazz, R&B und Hip-Hop. Eine Feier der Vitalität der Szene mit Wurzeln in Detroit, mit Gästen wie Zelooperz, Kesswa, Ahya Simone, Tammy Lakkis und anderen. „Kirschblüten erinnern mich an die Unerschütterlichkeit meiner Mutter und Großmutter, den Blick auf das Licht zu richten, und an die Kraft, die darin liegt, „als Einheit zu handeln“. Die Kirschblütenbäume, die jeden Frühling in Hiroshima blühen, sind ein bleibendes Bild für Hoffnung, Widerstandsfähigkeit und Erneuerung. Selbst in den turbulentesten Zeiten. Cherry Blossom Baby war buchstäblich „unmöglich“ zu machen ohne jeden einzelnen Beteiligten. Es begann 2018 und wurde 2024 fertiggestellt. Es ist eine Manifestation unserer gemeinsamen Erfahrungen von Schmerz, Kampf, Hoffnung und Wachstum in den letzten 6 Jahren und ein wahres Zeugnis für die Kraft des „Miteinanders“.“ – Shigeto

Fuffifufzich wurde 2018 mit Sonnenbrille im Gesicht geboren. Fuffifufzich möchte mit Fuffifufzichs Songs, die unter anderem von Ferrari, Heartbreak, Polizei, aber vor allem von Liebe und Sehnsucht in den Zeiten der Großstädte handeln, alle Herzen aufschließen. Melancholisch, sphärische, dreamy Synthesizersounds gehen Hand in Hand mit Fuffifufzichs Texten, die Reime voller Herzschmerz sind, dann ein Scherz, damit die Tränen nicht vor Schmerz nur sind.

„Impossible Princess“ wurde 1997 veröffentlicht und ist Kylies sechstes Studioalbum und ihr zweites Album auf dem Label Deconstruction/Mushroom nach „Kylie Minogue“ von 1994. Das Album markiert für Kylie eine weitere Abkehr von ihren PWL-Pop-Anfängen und spiegelt einen experimentelleren, dunkleren Stil wider, der von Trip-Hop, Brit-Pop, Rock und Electronica der späten 1990er Jahre beeinflusst ist. Kylie war nicht nur Co-Produzentin des Albums (mit Brothers In Rhythm, Dave Ball und James Dean Bradfield von den Manic Street Preachers), sondern schrieb auch den Großteil der Texte, die eine Intimität und Freiheit vermitteln, die von ihren Beziehungen und Reisen um die Welt inspiriert sind. Diese limitierte Jubiläumsausgabe feiert das 25. Jubiläum von „Impossible Princess“ und ist das erste Mal, dass das Album offiziell auf LP erhältlich ist. Das Album erscheint als orangefarbene Vinyl im Gatefold, sowie als marbled Vinyl im Gatefold mit einer geprägten Art Card.

„Die offizielle unnormal geile Wilmersdorfs Kind Vinyl
Kann für folgendes Verwendet werden:
- Schallplatte (schöne Musik hören)
- Wohnraumsverzierung
- Frisbee (beeinträchtigt womöglich Verwendungsmöglichkeit 1)
- Zertifikat für echte, authentische Ski Aggu Fan-schaft (ich liebe dich <3)

Farbige rote Vinyl

- Vinyl wird zum Release am 30.08 geliefert.
- Viel spaß damit <3 da steckt mein herz drinnen“

Young Hearts is Benny’s eighth record, but for the first time in his career, the Dutch singer-songwriter has worked with a single producer in the studio for the whole record – beatmaker-to-the-stars Kenny Beats.

Their collaboration began simply with a DM from the producer, which led to a call between the two. Benny instantly felt at ease. “Kenny is so honest that he’s not scared to brag,” he says. Benny explained that he wanted to make a record that sounded bigger than anything he’d done before. “I can give you that extra slap,” Kenny responded without hesitation.

Kenny is the force of nature behind a diverse array of releases from Vince Staples and Freddie Gibbs to Remi Wolf and Denzel Curry, and recently earned a Grammy nod for his work with Idles. It makes sense that the prolific and genre-agnostic producer would find a kindred spirit in Benny, who mines a range of styles from West Coast AOR to ‘70s R&B and hip-hop for his signature sound. They recorded the album in Los Angeles and London.

Die Wahl-New-Yorkerin Yaeji hat sich in den letzten Jahren als Produzentin, Sängerin und DJ mit ihren introspektiven Dance-Floor-Hymnen eine ganz eigene Nische geschaffen. Nach der Veröffentlichung ihrer Debüt-EPs, sowie den Singles "Raingurl" und "Drink I"m Sippin On" in 2017, war sie auf Charli XCXs 2019er Album "Charli" zu hören, remixte Songs für Dua Lipa oder Robyn, kollaborierte mit dem Seouler-Künstler Ohhyuk, verkaufte weltweite Headline-Touren aus und eröffnete ihren eigenen Lifestyle Webstore Ji-mart. Ihr Sound und ihre Einflüsse sind dabei so vielschichtig wie ihre Herkunft. Geboren im Jahr 1993 in New York reicht ihr Stammbaum von Seoul über Tokyo bis nach Atlanta - Einflüsse die sich in ihrer Musik in Form von koreanischem Indie-Rock und Electronica, 2000er Hip-Hop, sowie Leftfield Bass und Techno wiederfinden. Mit ihrem 2020er Mixtape "what WE Drew ìܰ리ê°Ç ê·¸ëáñìÖöëÿ" schärfte Yaeji noch mal ihre Vision als Musikerin, die kreativ losgelöst von Sprachen Genre-Grenzen zu sprengen vermag - kein Wunder, dass sie daraufhin von Pitchfork 2022 zu einer der "25 Artists Shaping the Future of Music" ernannt wurde. Die nahe Zukunft wird sie ebenfalls prägen. Schließlich erscheint am 7. April nun endlich das Debütalbum "With A Hammer" bei XL Recordings. Entstanden innerhalb von zwei Jahren in New York, Seoul und London kurz nach der Veröffentlichung des Mixtapes und während den Lockdowns ist es eine Ode an die Erforschung ihrer selbst, setzte sie sich doch dabei mit ihren eigenen Emotionen auseinander - besonders mit ihrer eigenen, in ihr brodelnden Wut. Während sie textlich zwischen englisch und koreanisch springt, nutzt sie erstmals auch Live-Instrumente, sei es in Form von einem Ensemble an Musikern oder auch zum ersten Mal sie selbst an der Gitarre. "With A Hammer" beinhaltet darüber hinaus auch Features der Produzenten und engen Verbündeten K Wata und Enayet, sowie Gast-Vocals der Londonerin Loraine James und von Nourished by Time aus Baltimore.

Einen Schritt weiter, den entscheidenden nach vorn: "Flux Flou de la Foule" von Françoiz Breut

Es ist wie bei Alice im Wunderland. Die Heldin der Geschichte tritt einen Schritt voran und befindet sich auf einmal in einer ganz anderen Welt. Wer die letzten Alben Françoiz Breuts vor "Flux Flou de la Foule" gehört hat, wundert sich über den Vorher-Nachher-Effekt: wie ausgewechselt wirkt der Klang, wie ausgewechselt wirkt die Künstlerin. Vorher war sie die Queen des Indie-Chanson – die Lieblingssängerin der Generation Le Pop 1 - jetzt wandelt sie wie selbstverständlich im Chanson électronique. So klar und schön hat man sie noch nicht gehört. Die genaue Instrumentierung spielt kaum noch eine Rolle, jedes Arrangement ordnet sich hier ihrer Stimme unter. In der neuen Umgebung kann Breut noch besser glänzen, auch weil sie und ihre Band die idealen Melodien zu diesem Konzept gefunden haben. Das Ergebnis ist stimmig, harmonisch und ein wenig wie in einem verzauberten Universum.

Dabei hat Françoiz Breut schon innerhalb der Indie-Welt einige Metamorphosen vollzogen. Von der Chanteuse, die sich von Dominique A, Herman Düne, Calexico und Yann Tiersen Songs auf den Leib schreiben ließ, bis zur selbstständigen Künstlerin, alleinigen Text-Autorin und musikalische Mitgestalterin. Für den Vorgänger von "Flux Flou de la Foule" ("Zoo", 2016) wagte Breut zudem das Experiment, mit Adrian Utley von Portishead zu arbeiten, was aus ihrer Musik jedoch noch längst keinen TripHop machte. "Zoo" ist ein wunderbares Album, es lebt jedoch noch viel deutlicher vom Klang der Gitarre und die Präsenz ihrer Band ist hier höher, als man es vom Chanson-Genre kennt. "Flux Flou de la Foule" ist deswegen eine Zäsur, weil hier die Gitarre kaum noch eine Rolle spielt.

Das neue Album macht deutlich, dass weder Grinsekatze oder Zaubertrunk notwendig waren, um diese Metamorphose zu vollziehen, sondern dass die Künstlerin selbst die Gestalterin des Wandels ist. Sie erkannte, dass sie für einen großen Schritt vorwärts auch neue Mitstreiter brauchte und suchte sich ein neues Team. Statt einer konventionellen Gitarrenband arbeitet Françoiz Breut mit den jungen Musikern Marc Melià und Roméo Poirier an Computern und Synthesizern gemeinsam an ein einem Klangkonzept, dass von Anfang an zusammen mit den Kompositionen entwickelt wurde.

Ed Sheeran hat die Veröffentlichung seines neuen Albums „-“ (Subtract) bekannt gegeben. Es erscheint am 5. Mai über Asylum/Atlantic und markiert zugleich den Abschluss der „Mathematical“-Album-Ära. Diese hatte vor gut einem Jahrzehnt 2011 ihren Anfang genommen. Passend dazu kehrt Ed auf seinem neuen Album zu seinen Singer-Songwriter-Wurzeln zurück. Geschrieben vor einem Hintergrund persönlicher Trauer und Hoffnung, erleben wir auf „-“ (Subtract) einen der weltweit größten Stars so verletzlich und wahrhaftig wie selten zuvor.

Ed dazu: „Ich hatte ‚Subtract‘ seit über einem Jahrzehnt in Arbeit. Es sollte das perfekte Akustikalbum werden, ich schrieb Hunderte von Songs und nahm sie auf, geleitet von einer klaren Vision, wohin die Reise gehen sollte. Dann, Anfang 2022, veränderten eine Reihe von Ereignissen mein Leben, meine seelische Gesundheit und letztlich auch meinen Blick auf Musik und die Kunst.

Songs zu schreiben ist für mich wie Therapie. Es hilft mir, meine Gefühle besser zu verstehen. Als ich diese Songs schrieb, verfolgte ich damit kein bestimmtes Ziel, ich habe einfach nur zu Papier gebracht, was in dem Moment rauspurzelte. Und in etwas mehr als einer Woche ersetzte ich die Arbeit von mehr als zehn Jahren mit meinen tiefsten, düstersten Gedanken.

Innerhalb eines Monats erfuhr meine schwangere Frau, dass sie einen Tumor hat, der erst nach der Geburt behandelt werden kann. Mein bester Freund Jamal, der wie ein Bruder für mich war, starb plötzlich. Und ich selbst fand ich mich vor Gericht wieder, um meine Integrität und Karriere als Songwriter zu verteidigen. Es war eine Spirale aus Angst, Depression und Beklemmung.

Es fühlte sich an, als würde ich ertrinken, als wäre mein Kopf gerade so weit unter Wasser, dass ich zwar beim Blick nach oben die Oberfläche sehen, aber nicht nach Luft schnappen konnte.

Als Künstler sah ich für mich nur einen Weg, in dieser Situation glaubwürdig ein Werk zu veröffentlichen: es musste unverfälscht zeigen, wo ich gerade stehe und wie ich mir an diesem Punkt meines Lebens Ausdruck verschaffen muss. Und genau das tut dieses Album. Es öffnet die Falltür zu meiner Seele. Zum ersten Mal versuche ich nicht, ein Album zu machen, das den Leuten gefällt, sondern bringe einfach nur etwas heraus, das ehrlich ist und zeigt, wo ich in meinem Erwachsenenleben stehe.

Das hier ist der Tagebucheintrag zu den Geschehnissen im Februar letzten Jahres und mein Weg, mir auf all das einen Reim zu machen. Das hier ist ‚Subtract‘".

Ed Sheerans Liebe zum Beruf des Singer-Songwriters begann, als er im Alter von 12 Jahren zum ersten Mal „Layla“ von Eric Clapton auf der Gitarre lernte. Die Lieblingskünstler seines Vaters John – Damien Rice, Bruce Springsteen, Bob Dylan – liefen in Eds Elternhaus praktisch in Dauerschleife. Wenig verwunderlich, dass Ed seit jeher klar war, dass alle Wege schließlich zum Album „-“ führen mussten. Auch nachdem die Songs und der Schreibprozess nach einer Reihe einschneidender Ereignisse in Eds Welt 2022 eine ganz neue Bedeutung und Richtung annahmen, blieb eine Sache davon unberührt: sein starker Wunsch, ein Album zu machen, das in seiner Liebe zu Singer/Songwriter-Kompositionen verankert ist. Nun, da Ed im Begriff ist, „-“ zu veröffentlichen, ruft uns sein bisher persönlichstes Werk in Erinnerung, wieso er einer der besten Songwriter seiner Generation ist, ein Künstler, der seine eigenen Erfahrungen in Songs übersetzen kann, die Trost und ein Gefühl von Zugehörigkeit vermitteln.

Auf „-“ erleben wir einen Ed Sheeran, der die volle Bandbreite seines Könnens abruft, der sich selbst zu neuen Höhen antreibt und in der Konsequenz das tiefgründigste Songwriting seiner Karriere vorlegt. Als Co-Songwriter und -Produzent dabei an seiner Seite: Aaron Dessner (The National). Die beiden wurden durch ihre gemeinsame Freundin Taylor Swift einander vorgestellt, begaben sich im Februar letzten Jahres an die Arbeit und schrieben in den darauffolgenden vier Wochen über 30 Songs. Am Ende stand ein Album, dessen 14 Tracks dank der exzellenten Produktion nahtlos miteinander verbunden sind und von zurückgenommenen, Folk-gefärbten Klangbildern bis hin zu satteren Arrangements in voller Band-/ Orchesterbegleitung reichen.

Ed Sheeran machte in der UK-Musikszene erstmals 2011 von sich reden, als er sein Debütalbum „+“ veröffentlichte. Es folgten „x“, „÷“, „No.6 Collaborations Project“, „=“ und damit einhergehend der Aufstieg zu einem Künstler, der Geschichte schrieb. Heute blickt Ed Sheeran auf einen Katalog, der ihn zu einer der größten musikalischen Erfolgsgeschichten macht, die das 21. Jahrhundert hervorgebracht hat.

Un-American Activities is the 11th Studio album by Molly Nilsson. Written and recorded entirely on location in California at the former home of writer, poet and early opponent of the National Socialist regime in 1930s Germany, Lion Feuchtwanger and his wife Marta. An album of experimentation, genre-mashing and, above it all, Nilsson’s instantly recognisable melodic skill and empathy, it continues the songwriter’s explorations of power, freedom, oppression and its opposing force, a love unbound.

After accepting an artist residency as part of the Villa Aurora program, Nilsson began work crafting a new album from scratch in a new environment, afforded the freedom, space and time to challenge her practice and take her music into new territory. The resulting work, Un-American Activities, is a love note not only to the artist who was among the very first to be declared an “enemy of the state” by the Nazi regime but also to both the eternal struggle he fought and the human spirit that pervades all of Nilsson’s best work. It is also a double-pointed poison pen letter: a critique of the new forms of oppression wielded by her temporary adopted country of the USA but also an acknowledgement of the promise it always offers but never fulfils.

Along with the novel use of colour and photography in the artwork for Un-American Activities, there are swathes of new techniques, genres and timbres new to Molly Nilsson’s music in evidence, 16 years into her music career. On Jackboots Return is an icicle-cold New Beat track that deals directly with the current situation in Germany and the resurgent Nazi-affiliated AfD. The question the song asks is, what’s the timeframe we’re talking about? Is this the 30s, or somewhere a lot closer to home? The beat is picked up on The Communist Party, Nilsson’s deepest bow to House music, evoking the early 90s Rave pioneers, Belgian 80s music and Vogue-era Madonna. Here the lyrics are direct quotes from the McCarthy-era, anti-Communist pamphlet 100 Things You Should Know About Communism in the U.S.A. The Beauty Of The Duty does to pounding Electro what Nilsson’s last album Extreme did to Metal: subsume it into the Molly Nilsson aesthetic. It goes hard.

While Un-American Activities finds Nilsson experimenting, creating instinctive music on a first-thought-best- thought basis there are still “classic” Molly moments liberally spread throughout. Excalibur feels like the Molly of old, an absolute star of a chorus refrain smudged with the vaseline of fuzz and hope, Red Telephone is wide-eyed, slathered in reverb and chorus effects, distorted with soaring melody, a heart-tugger that tugs the body upwards to the heavens with each evolving wave. Glistening digital tones wash through the album, providing a Y2K etherealness to Nilsson’s audacious Stars and Stripes reference to Wetcheeks. Perhaps the album’s standout, however, is Palestine (Somewhere Over The Rainbow), which is suffuse with empathy, solidarity and, in referencing the classic socialist-penned canon song from The Wizard Of Oz, speaks directly to the tradition of fighting oppression with full hearts of hope.

Mit "Leave Me Alone" legt Detlef Weinrich sein mittlerweile fünftes Album unter dem Signet Tolouse Low Trax vor. Weinrich, der mittlerweile Düsseldorf den Rücken gekehrt hat und in Paris lebt, ist längst kein Geheimtipp mehr und Gast in den renommierten Clubs und Festivals in ganz Europa. Mit seinem neuen Werk gelingt ihm eine spannende, unvorhergesehen Neuausrichtung. Die samtene Schwere und raue Dunkelheit früherer Alben scheint einer neuen Verspieltheit gewichen. Eine Verspieltheit vielleicht im Sinne einer Electronica, die an die späten 1990ern Jahre erinnert, die in ihrer Idee von Dekonstruktion und Reduktion in den Clubs aktuelle eine neue Wertschätzung erfährt. Aber auch im Sinne eines urbanen Vibes aus Hip Hop und Dub Referenzen, die durch Weinrichs Bearbeitungen zu einem ganz eigenwilligen Mix verwoben werden.

Sampha kündigt mit "lahai" sein mit Spannung erwartetes zweites Album an, das am 20. Oktober auf Young erscheint. Nach dem Namen seines Großvaters väterlicherseits benannt, der gleichzeitig auch Samphas zweiter Vorname ist, fließt die Musik auf "lahai" zwischen der Ehrfurcht vor dem Leben und der Magie der weltlichen Existenz und beschreibt das Chaos, das man erlebt, wenn man sich dem Kreislauf des Lebens und dem Jenseits stellt. Auf den 14 Tracks hat Sampha enge Freunde und Kollegen zusammengerufen - darunter fantastische Künstler wie Yaeji, Léa Sen, Sheila Maurice Grey (Kokoroko), Ibeyi, Morgan Simpson (Black Midi), Yussef Dayes, Laura Groves und Kwake Bass. Im Gegensatz zum Vorgänger "Process" ist "lahai" ein eher kollaboratives Album. Die neueste Single "Only", die von einem Musikvideo von Dexter Navy in Zusammenarbeit mit Sampha begleitet wird und auf dem Vorab Track "Spirit 2.0" folgt, zeigt einen extrem lebendigen Sampha, der melodisch über einen fragmentierten Hip-Hop-Beat mit Co-Produktion von spanischen Musiker El Guincho singt. Im Juni kehrte Sampha zum ersten Mal seit fünf Jahren für seine Satellite Business Residencies in London und New York auf die Bühne zurück. Das einzigartige Setup, bei dem Sampha und seine Band in der Mitte des Raums auftraten, ermöglichte den Fans einen intimen Zugang zu der improvisierten Performance neuer, unveröffentlichter Musik und alternativer Arrangements von Samphas Katalog, die das Publikum "wie gebannt" (Pitchfork) zurückließ. In diesem Herbst wird Sampha eine größere Version der Satellite Business Live-Show auf Tournee mitnehmen. Den Anfang machen mehrere Abende in London in der St. Johns at Hackney Church im Oktober, bevor er nach Nordamerika zurückkehrt, um in großen Städten aufzutreten: Los Angeles, Toronto, New York City, Chicago, San Francisco, Washington D.C., Philadelphia und Atlanta. Anfang Dezember kehrt er nach Europa zurück und spielt in Berlin, Amsterdam und Paris. Wie sein Schöpfer lässt sich auch "lahai" nicht in eine Schublade stecken. Das neue Album ist eine Mischung aus Jazz, Soul, Rap, Dance, Jungle und westafrikanischer Musik, mit der Sampha seine produktionstechnischen und stimmlichen Ambitionen auf ein neues Niveau hebt. Als begnadeter Sänger , Songwriter und Produzent ist es kein Wunder, dass Künstler wie Kendrick Lamar, Stormzy, Travis Scott und früher auch Drake, Solange, Frank Ocean, Beyoncé, Lil Wayne und Alicia Keys ihn für seine unnachahmliche Stimme sowie seine Beiträge zum Songwriting und zur Produktion ihrer Musik um Unterstützung baten. Zu seinen früheren kreativen Partnerschaften gehören die Modedesignerin Grace Wales Bonner, das Shy Light Zine mit Durimel (der auch das Lahai-Artwork gedreht hat), sein Process-Film mit dem Regisseur Kahlil Joseph und kürzlich die Zusammenarbeit mit Jonny Lu, mit dem Sampha das Artwork für sein Lahai-Album und sein neues Logo entwickelt hat. Wenn "Process", Samphas 2017 mit dem Mercury-Preis ausgezeichnetes Debütalbum, einen Künstler zeigte, der seinen eigenen Platz in der Welt suchte und schließlich auch fand, ist "lahai" eine Übung in der radikalen Akzeptanz und Freude am Leben und der Schönheit der Reise bis hierhin. Willkommen zu Samphas nächstem musikalischen Kapitel: Lahai.

Der Franzose präsentiert eine englisch gefärbte Mischung aus Chanson und Pop. Benjamin Biolay legt mit seinem Doppelalbum La Superbe bereits sein fünftes Werk vor. Eine perfekte Melange aus Chanson und Pop, mit der der Franzose seine tiefe und persönliche Verbundenheit mit der britischen Szene zum Ausdruck bringt. Den Arrangements von XTC wird ebenso gehuldigt, wie den inspirierten Melodien der frühen Smiths, dem rauen 80er-Sound des Factory-Labels oder dem politischen Hip-Hop der Streets. Benjamin Biolay beweist mit diesem Album einmal mehr seine Position als Hochkaräter in der vielseitigen Musiklandschaft unseres Nachbarlandes. An dem höchst produktiven Produzenten, Musiker, Schauspieler, Texter, Komponisten und Arrangeur kommt in Frankreich mittlerweile kaum einer mehr vorbei. Er produzierte u. a. Julien Clercs Platinalbum Où s en vont les avions , als Autor und Komponist schrieb er viele Erfolgshits für Françoise Hardy, Juliette Gréco und Julien Clerc, und für Carla Bruni arrangierte er die Streicher ihrer CD Comme si de rien n était . Das Vinylalbum (drei LPs) erscheint mit Downloadkarte, die De-Luxe-Edition in einer hochwertigen 3 sleeves gatefold Ausstattung mit Bonus-Track.

Die aus Köln-stammende internationale Pop-Sensation Kim Petras veröffentlicht ihr Debütalbum „Feed The Beast“. Die von der Kritik gefeierte Songwriterin hat 2022 als erste transsexuelle Frau einen Grammy gewonnen. Das Album enthält insgesamt 15 Tracks, unter andere ihre Single „Alone“ mit der diamantprämierten Hip Hop Ikone Nicki Minaj sowie der mit Platin ausgezeichnete globale Hit „Unholy“ mit Sam Smith. Zusätzlich enthält das Album Fan Favorites wie „Coconuts“ und die beat-lastige Single „Brr“. „Feed The Beast“ enthält außerdem eine Zusammenarbeit mit der alt-pop Künstlerin Banks.

Jordan Rakei, Sänger, Produzent, Multiinstrumentalist, charismatischer Songschreiber und moderne Soul-Ikone, prägt mit seinem warm-intimen Jazz- und Hip-Hop-Ansatz mühelos diese superbe Zusammenstellung handverlesener Tracks. Seine wundervoll strukturierte Mischung spiegelt seine eigene Musik wider und dreht sich ausschliesslich um den Song. Dabei beschränkt Jordan seinen Radius vornehmlich auf ihm persönlich bekannte Freunde und Kollaborationspartner, zu denen neben Ninja Tune-Labelbuddy Fink die Londoner Jazz- und Hip-Hop-Protagonisten Alfa Mist, Joe Armon-Jones und Snowpoet gehören, C Duncan aus Schottland, das Barcelona-Kollektiv Oso Leone und Grammy-Preisträger-Pianist Bill Laurance. Zu den zahlreichen Exclusive-Highlights zählen Jordans Kollabo "Count A Heart" mit seinem Jugendfreund Moreton aus Brisbane, das unveröffentlichte "Imagination", zwei exzellente Jeff Buckley- und Radiohead-Cover ("Lover, You Should've Come Over", "Codex"), sowie das spanische Spoken-Word-Finale des mexikanischen Regisseurs und dreifachen Oscar-Presiträgers Alejandro González Iñárritu (Babel, Birdman, The Revenant).

keiyaA ist eine in New York lebende Singer-Songwriterin, Produzentin und Multiinstrumentalistin. Aufgewachsen in Chicagos South Side, verbindet keiyaA ihre Jazz-Ausbildung, ihre R&B-Sensibilität und ihre Hip-Hop-Erziehung, um neue Soul-Sounds zu kreieren, die von ihrer kraftvollen, schwülen Stimme und ihrer dichten Lyrik überflutet werden. Ihr Ziel ist es, die Erzählung und den Intellekt der schwarzen Frau in der spätkapitalistischen Welt in den Mittelpunkt zu stellen. Forever, Ya Girl" fand großen Anklang und landete auf mehreren Best of the Year"-Listen, was sie an die kulturelle Spitze katapultierte und ihr das Lob von Künstlern wie Solange, Jay-Z, Earl Sweatshirt, Blood Orange und Moses Sumney einbrachte und die Aufmerksamkeit von Marken wie Apple, Nike und Chanel erregte, die alle in Kampagnen auf keiyaA und ihre Arbeit aufmerksam machten. Seit ihrer Veröffentlichung ist keiyaA zu einer gefragten Kollaborateurin geworden und hat mit MIKE, Armand Hammer, Loraine James, Nilüfer Yanya, Bartees Strange, Nick Hakim, Mount Kimbie, Nubya Garcia und vielen anderen zusammengearbeitet.