Suche "East West Session" 162 Artikel

Für sein treffend betiteltes Solo-Debütalbum "Introducing..." hat Aaron Frazer mit Dan Auerbach von The Black Keys zusammengearbeitet. Soft spoken und mit dem Aussehen eines leicht unzufriedenen Matinee-Idols aus den 1950er Jahren gesegnet, besitzt Frazer eine einzigartige Stimme, die sowohl zeitgemäß als auch zeitlos klingt. Der in Baltimore aufgewachsene, zurzeit in Brooklyn lebende Songwriter wurde als Schlagzeuger und Co-Vokalist von Durand Jones & The Indications bekannt. Jetzt tritt er mit "Introducing..." als Solist hinter dem Drumkit hervor und demonstriert nicht nur seine beeindruckenden stimmlichen Qualitäten, sondern auch sein Können als hochklassiger Songschreiber. Schon die erste Single "Bad News" sorgte für Aufsehen ("a gorgeous piece of vintage R&B" - CLASH), die sich anschließende Lead-Single "Over You" ist inspiriert von elektrisierenden Northern Soul 45s der 60er Jahre. Nur zwei Belege der erfolgreichen Zusammenarbeit zwischen Frazer und Auerbach. Die zwölf Songs auf "Introducing..." verbinden gekonnt den Soul der 70er Jahre mit Dan Auerbachs besonderer Sensibilität für Vintage-Sounds im neuen Gewand. "Introducing..." enthält klassische Message-Songs im Stil von Künstlern wie Gil Scott-Heron sowie motivierende Liebeslieder, die von Disco-, Gospel- und Doo-Wop-Einflüssen durchzogen sind. Das gesamte Album wurde innerhalb nur einer Woche in Auerbachs berühmten Nashville-Studio nach einer schnellen und produktiven Songwriting-Session aufgenommen. Auerbach holte auch den legendären Songwriter und Falsettspezialisten L. Russell Brown (schrieb früher Hits für Frankie Valli von The Four Seasons) an Bord, der den wunderschönen Opener "You Don't Wanna Be My Baby" auf dem Album mitkopmponierte. Für "Introducing..." rekrutierte Frazer eine beeindruckende Schar alteingesessener Session-Musiker aus Nashville. Darunter Mitglieder der legendären Memphis Boys (die in Dusty Springfields "Son of A Preacher Man" und Aretha Franklins "You Make Me Feel Like A Natural Woman" mitspielten), den Perkussionisten Sam Bacco sowie diverse Musiker aus dem Daptone/Big Crown Records-Umfeld.

Endlich ist es soweit: Schwedens Electro/ Synth-Pop-Sternchen Ashbury Heights melden sich zurück mit ihrem neuen Album “Ghost House Sessions - Vol. 1”. Bekannt für Anders Hagström’s einzigartige Stimme, einen unverkennbaren Musikstil und ihre mitreißenden Live Shows, liefern Ashbury Heights nun einen brandneuen Longplayer mit 23 neuen, wunderbar eingängigen und tanzbaren Songs mit Ohrwurmgarantie. “Ghost House Sessions - Vol. 1” ist ein außergewöhnliches Produkt aus langer, intensiver Arbeit und einer aufregenden sowie anstrengenden Zeit der Band: “Das vergangene Jahr war unglaublich inspirierend. Es gab großartige Höhen, aber auch unschöne Tiefen. Diese Achterbahn der Gefühle nimmt nun Gestalt in Form neuer Musik an”. In ihren nun schon fast 20 Jahren, haben Ashbury Heights nie aufgehört, ihren Sound aus New Wave, Electro, Synth Pop und Industrial weiterzuentwickeln und zu perfektionieren und beschenken uns wieder einmal mit einzigartigen Meisterwerken, die wirklich alle Füße und Hüften schwingen werden lassen.

Das neue Album 'Personal Development Deals' wird mit Rock-Hymnen, Synth-Pop Tracks, Indie-Western-Romantik und melodiösen Balladen in seiner musikalischen und textlichen Diversität breit genug sein, um als klangliche Unterstützung alle Freiheitsliebenden und -suchenden zum Tanzen aufzufordern. Denn im Pavillon von At Pavillon sollen alle tanzen, unabhängig von Hautfarbe, Geschlecht, Alter, sexueller Orientierung oder Herkunft. Vinyl only Release auf Las Vegas Records!

Bartees Strange ist mit Angst aufgewachsen. Seine Familie erzählte ihm schon als kleines Kind Gruselgeschichten, um ihm Lektionen fürs Leben zu erteilen, und schon früh fing er an, sich Gruselfilme anzusehen, um sich darin zu üben, stark zu sein. Die Welt kann ein furchteinflößender Ort sein, und für einen jungen, queeren, schwarzen Menschen im ländlichen Amerika kann dieser Terror sehr schmerzhaft sein. Sein am 14. Februar 2025 erscheinendes neue Studioalbum "Horror" ist entsprechend ein Album, in dem es darum geht, sich diesen Ängsten zu stellen und zu jemandem zu werden, den man fürchten muss.Strange begann die Arbeit an "Horror" in seinem Homestudio. Eine Session mit Yves und Lawrence Rothman (Yves Tumor, Lady Gaga) lieferte das rhythmische und klangliche Rückgrat für große Teile des Albums. Nachdem Strange Jack Antonoff (Taylor Swift, Lana Del Rey...) kennengelernt hatte und die beiden schnell Freunde wurden, arbeitete Strange an Material für Antonoffs Band Bleachers und Antonoff an "Horror". Die beiden beendeten die Arbeit am Album gemeinsam, indem sie die Songs roh bearbeiteten, editierten, arrangierten und sie in Kleidung kleideten, die Angst einflößt. Während des gesamten Albums legt Strange eine schwierige Wahrheit nach der anderen ab. Auf den 12 neuen Tracks des Albums finden sich genreübergreifende Fäden der Musik, die sein Vater ihm nahegebracht hat - Parliament Funkadelic, Fleetwood Mac, Teddy Pendergrass und Neil Young - die mit Stranges Interesse an Hip-Hop, Country, Indie-Rock und House verschmelzen.Seit dem Release seines 4AD-Debüts "Farm to Table" (2022) spielte Bartees Strange neben eigenen Headline-Touren (und einem Auftritt beim letztjährigen Reeperbahn Festival) im Vorprogramm von Acts wie boygenius, Clairo, Dijon und The National. Während eine Tour zum neuen Album noch angekündigt werden wird, gibt es schon eine Reihe von Release-Shows in 2025 in New York, Los Angeles, Washington D.C. und London.Geboren in Ipswich, England, als Sohn eines Militärvate...

Das Mini-Album, das während der Proben für die Storm Damage Tour im Januar 2020 aufgenommen wurde, ist ein reduziertes Piano- und Gesangs-Ensemble, das ursprünglich während Watts Welttournee im letzten Jahr veröffentlicht werden sollte, dann aber durch pandemiebedingte Verschiebungen und die endgültige Absage aller seiner Shows aufgehalten wurde.

"In einer idealen Welt wären die Aufnahmen letztes Jahr mitten in der Tournee erschienen", sagt Watt, "aber stattdessen schließen sie ein Kapitel eines Jahres des Lockdowns ab. Eine Zeit lang dachte ich darüber nach, sie aufzugeben, aber als ich sie mir noch einmal anhörte, fand ich, dass ihr unmittelbarer Charakter von der Stärke in der Not zu sprechen schien, nach der wir alle in letzter Zeit gesucht haben."

Mit einem Jahr voller Konzerte vor sich war Watt gezwungen, seine Storm Damage Tour am Abend vor seinem Londoner Auftritt in der Queen Elizabeth Hall am 14. März 2020 abzubrechen. Termine in Europa, Nordamerika, Japan und Australien folgten bald darauf, als Covid-19 sich verbreitete.

Storm Shelter" enthält zwei Cover und vier Watt-Kompositionen. Die Cover, der House-Klassiker "That's The Way Love Is" von Ten City (1989 ein Top-Ten-Hit im Vereinigten Königreich) und Sharon Van Ettens aktueller Synthie-Torch-Song "Comeback Kid", sind beide bedeutende Neuinterpretationen der Originale und wurden letztes Jahr auf dem US-Musikblog Aquarium Drunkard's Lagniappe Sessions uraufgeführt.

Der preisgekrönte Londoner Filmemacher Rahim Moledina, der die Videos zu "Hendra" und "Sunlight Follows the Night" geschrieben und gedreht hat, hat einen neuen Film zu "That's The Way Love Is" gedreht.



Die übrigen Aufnahmen beinhalten neue Versionen von drei Songs - 'Balanced on a Wire', 'Summer Ghosts' und 'Sunlight Follows the Night' - von 'Storm Damage' und einen - 'Winter's Eve' - von Watt's 2016er Album 'Fever Dream'.



Alle Songs wurden an einem Tag in den RAK Studios in London aufgenommen und von Bruno Ellingham abgemischt.



Watt spendet einen Vorschuss der Einnahmen an die britische Obdachlosenhilfsorganisation Shelter. "Ich habe einen Großteil dieses Jahres damit verbracht, mich öffentlich für die Rettung meines örtlichen Stausees im Norden Londons einzusetzen, der seit Jahrzehnten vernachlässigt wird", sagt er. "Abgesehen von der ökologischen Krise gibt es auch eine menschliche Krise durch die Vertreibung der Anwohner aufgrund der Sanierung des Ufers und der Obdachlosigkeit an der Küste. Ich wollte dazu beitragen, auch dies zu beleuchten".



„Storm Shelter" wurde am 28. April in digitaler Form auf Unmade Road unter exklusiver Lizenz von Virgin Music Label & Artist Services veröffentlicht. Die Limitierte Vinyl-Version erscheint am 26.11.2021.

Young Hearts is Benny’s eighth record, but for the first time in his career, the Dutch singer-songwriter has worked with a single producer in the studio for the whole record – beatmaker-to-the-stars Kenny Beats.

Their collaboration began simply with a DM from the producer, which led to a call between the two. Benny instantly felt at ease. “Kenny is so honest that he’s not scared to brag,” he says. Benny explained that he wanted to make a record that sounded bigger than anything he’d done before. “I can give you that extra slap,” Kenny responded without hesitation.

Kenny is the force of nature behind a diverse array of releases from Vince Staples and Freddie Gibbs to Remi Wolf and Denzel Curry, and recently earned a Grammy nod for his work with Idles. It makes sense that the prolific and genre-agnostic producer would find a kindred spirit in Benny, who mines a range of styles from West Coast AOR to ‘70s R&B and hip-hop for his signature sound. They recorded the album in Los Angeles and London.

Young Hearts is Benny’s eighth record, but for the first time in his career, the Dutch singer-songwriter has worked with a single producer in the studio for the whole record – beatmaker-to-the-stars Kenny Beats.

Their collaboration began simply with a DM from the producer, which led to a call between the two. Benny instantly felt at ease. “Kenny is so honest that he’s not scared to brag,” he says. Benny explained that he wanted to make a record that sounded bigger than anything he’d done before. “I can give you that extra slap,” Kenny responded without hesitation.

Kenny is the force of nature behind a diverse array of releases from Vince Staples and Freddie Gibbs to Remi Wolf and Denzel Curry, and recently earned a Grammy nod for his work with Idles. It makes sense that the prolific and genre-agnostic producer would find a kindred spirit in Benny, who mines a range of styles from West Coast AOR to ‘70s R&B and hip-hop for his signature sound. They recorded the album in Los Angeles and London.

Das französische Pop-Phänomen Christine and the Queens ist nach der EP "La vita nuova" von 2020 als mysteriöser Charakter Redcar zurück. Nach der überraschenden Veröffentlichung der Single "Je te vois enfin" kündigt Redcar die Veröffentlichung seines neuen Albums "Redcar les adorables étoiles" am 23. September an. Geschrieben und produziert wurde die bereits veröffentlichte erste Single des Albums "Je te vois enfin" von Christine and the Queens. Gemixt hat den Song der legendäre US-Produzent Mike Dean, den man unter anderem von seiner Zusammenarbeit mit Kanye West, Lana Del Rey und Jay Z kennt. Nach dem letzten Album "Chris", der "La vita nuova" EP und gemeinsamen Singles mit Charli XCX & Caroline Polachek ("New Shapes") und 070 Shake ("Body") läutet "Redcar les adorables étoiles" eine neue Ära ein.

Im Jahr 2016 beginnt die gemeinsame Geschichte der Pianisten Gregor Schwellenbach, Daniel Brandt, John Kameel Farah, Paul Frick, Erol Sarp und Kai Schuhmacher, sechs seelenverwandten Musikern, die sich zu einem Kollektiv an den Schnittstellen von klassischer Komposition, Pop, Elektronik und Minimal Music zusammengefunden haben. Nach gefeierten Auftritten in der Kölner Philharmonie (mit Hauschka, ohne Kai Schumacher), der Bundeskunsthalle Bonn sowie der Hamburger Elbphilharmonie gastierte das Projekt am Abend des 2. Februar 2019 auf Einladung des RBB im geschichtsträchtigen Haus des Rundfunks im Berliner Westend. Die damals entstandene Aufnahme des Konzerts im Großen Sendesaal bildet die Grundlage der nun vorliegenden Veröffentlichung. “Live im Haus des Rundfunks“ dokumentiert den ersten Teil des Abends, innerhalb dessen sich die einzelnen Pianisten solo, im Duo oder Trio, dem Publikum vorstellen. Dieser Part stellte das Vorspiel zum großen Finale dar, dem 20-minütigen, kollektiven Mantra von Steve Reich’s Komposition Six Pianos aus dem Jahr 1973. Eine Studioaufnahme hiervon wurde bereits auf der 2016 auf FILM erschienenen Schallplatte STEVE REICH "SIX PIANOS" - TERRY RILEY "KEYBOARD STUDY #1" (FILM LP/CD 002) veröffentlicht.

Comeback, Baby – DARKSIDE sind zurück! Die Band von Nicolás Jaar und Dave Harrington veröffentlicht am 23.07. ihr neues Album „Spiral“ auf Matador Records.

Fast acht Jahre sind vergangen, seit DARKSIDE ihr Debüt „Psychic“ 2013 veröffentlich haben. Pitchfork nannte es damals den Soundtrack zu einem David Lynch Science-Fiction-Film, den er nie gedreht hat. Jaar und Harrington gingen mit ihrem Band-Projekt später auf Tour, begeisterten vor ausverkauften Hallen und auf großen Festivals und gingen anschließend wieder getrennte Wege. Nicolás Jaar veröffentlichte seitdem 5 Alben unter seinem eigenen Namen, sowie zwei Club-Compilations unter dem „Against All Logic“-Label. Harrington gründete die Dave Harrington Group, brachte 2 Alben heraus, spielte über 300 Shows und arbeitete für andere Künstler als Produzent und Arrangeure.

Im Sommer 2018 mieteten sich Jaar und Harrington ein kleines Haus im indigenen Lenni-Lenape Territorium, welches im US-Bundestaat New Jersey liegt, um Ideen für Musik auszutauschen und um schließlich DARKSIDE wiederzubeleben. Es sollte weitere 1,5 Jahre dauern bis ihr neues Album „Spiral“ wirklich fertig geschrieben und aufgenommen war.

"From the beginning, DARKSIDE has been our jam band. Something we did on days off. When we reconvened, it was because we really couldn't wait to jam together again,” sagt Jaar über die Band. Dave Harrington kann da nicht widersprechen: “It felt like it was time again. We do things in this band that we would never do on our own. DARKSIDE is the third being in the room that just kind of occurs when we make music together."

Wie schön, dass die beiden zurück sind. Denn mit „Spiral“ beweisen sie einmal mehr, dass auch zwei Einzelkönner ein perfektes Team sein können. Nachdem die Band im Dezember 2020 mit „Liberty Bell“ bereits einen Song veröffentlich hat, erscheint nun mit „The Limit“ ein weiterer Track, der uns auf das kommende Album nur noch ungeduldiger warten lässt.

Comeback, Baby – DARKSIDE sind zurück! Die Band von Nicolás Jaar und Dave Harrington veröffentlicht am 23.07. ihr neues Album „Spiral“ auf Matador Records.

Fast acht Jahre sind vergangen, seit DARKSIDE ihr Debüt „Psychic“ 2013 veröffentlich haben. Pitchfork nannte es damals den Soundtrack zu einem David Lynch Science-Fiction-Film, den er nie gedreht hat. Jaar und Harrington gingen mit ihrem Band-Projekt später auf Tour, begeisterten vor ausverkauften Hallen und auf großen Festivals und gingen anschließend wieder getrennte Wege. Nicolás Jaar veröffentlichte seitdem 5 Alben unter seinem eigenen Namen, sowie zwei Club-Compilations unter dem „Against All Logic“-Label. Harrington gründete die Dave Harrington Group, brachte 2 Alben heraus, spielte über 300 Shows und arbeitete für andere Künstler als Produzent und Arrangeure.

Im Sommer 2018 mieteten sich Jaar und Harrington ein kleines Haus im indigenen Lenni-Lenape Territorium, welches im US-Bundestaat New Jersey liegt, um Ideen für Musik auszutauschen und um schließlich DARKSIDE wiederzubeleben. Es sollte weitere 1,5 Jahre dauern bis ihr neues Album „Spiral“ wirklich fertig geschrieben und aufgenommen war.

"From the beginning, DARKSIDE has been our jam band. Something we did on days off. When we reconvened, it was because we really couldn't wait to jam together again,” sagt Jaar über die Band. Dave Harrington kann da nicht widersprechen: “It felt like it was time again. We do things in this band that we would never do on our own. DARKSIDE is the third being in the room that just kind of occurs when we make music together."

Wie schön, dass die beiden zurück sind. Denn mit „Spiral“ beweisen sie einmal mehr, dass auch zwei Einzelkönner ein perfektes Team sein können. Nachdem die Band im Dezember 2020 mit „Liberty Bell“ bereits einen Song veröffentlich hat, erscheint nun mit „The Limit“ ein weiterer Track, der uns auf das kommende Album nur noch ungeduldiger warten lässt.

Vor sechs Jahren musste die Musikwelt Abschied von einer ihrer Legenden nehmen: David Bowie. 2022 erscheint nun eine echte Rarität des britischen Sängers und Musikers: das bisher unveröffentlichte Album »Toy« – als Box-Set mit drei CDs oder sechs 10ʺ-Vinyl-Singles.

»Toy« wurde nach David Bowies triumphalem Auftritt auf dem Glastonbury-Festival im Jahr 2000 aufgenommen. Bowie begab sich mit seiner Band, bestehend aus Mark Plati, Sterling Campbell, Gail Ann Dorsey, Earl Slick, Mike Garson, Holly Palmer und Emm Gryner ins Studio, um neue Interpretationen von Songs aufzunehmen, die er bereits zwischen 1964 und 1971 aufgenommen hatte. Er plante, das Album »old school« mit der Band live aufzunehmen, die besten Takes auszuwählen und es dann so schnell wie möglich zu veröffentlichen – eine bemerkenswert vorausschauende Vorgehensweise. Leider waren im Jahr 2001 das Konzept der Veröffentlichung von Überraschungsalben und die dafür notwendige Technologie noch einige Jahre entfernt, so dass es unmöglich war, »Toy«, wie das Album nun genannt wurde, so schnell, wie von dem Sänger gewünscht, zu veröffentlichen. In der Zwischenzeit tat Bowie das, was er am besten konnte: Er wandte sich etwas Neuem zu, das mit einer Handvoll neuer Songs aus denselben Sessions begann und aus dem schließlich das Album »Heathen« hervorging, das 2002 erschien.

Heute, zwanzig Jahre nach der ursprünglich geplanten Veröffentlichung, sagt Bowies Co-Produzent Mark Plati: »›Toy‹ ist wie ein Moment in der Zeit, eingefangen in einem Bernstein aus Freude, Feuer und Energie. Es ist der Klang von Menschen, die glücklich sind, Musik zu machen. David hat seine Arbeit aus den vergangenen Jahrzehnten durch das Prisma der Erfahrung und der neuen Perspektive neu betrachtet – eine Parallele, die mir nicht entgangen ist, als ich sie jetzt, zwanzig Jahre später, wieder aufnehme. Von Zeit zu Zeit sagte er: ›Mark, das ist unser Album‹ – ich glaube, weil er wusste, dass ich mit ihm auf dieser Reise so tief im Graben steckte. Ich bin froh, endlich sagen zu können, dass es jetzt uns allen gehört.«

Die Idee zu »Toy« entstand 1999 während der Dreharbeiten zu einer Folge von »VH-1 Storytellers«. Bowie wollte etwas aus seiner Zeit vor »Space Oddity« vortragen, also griff er auf das Jahr 1966 zurück und holte zum ersten Mal seit dreißig Jahren »Can’t Help Thinking About Me« hervor. Der Song blieb in der Setlist der kurzen Promotour für das Album »Hours…«, und Anfang 2000 stellten David und der Produzent Mark Plati eine Liste mit einigen von Bowies frühesten Songs zusammen, um sie neu aufzunehmen. Das Album endet mit einem neuen Song, dem es seinen Titel verdankt: »Toy (Your Turn To Drive)« entstand aus einem Jam am Ende einer der Live-Aufnahmen von »I Dig Everything«.

Sowohl die CD- als auch die Vinyl-Box von »Toy« enthalten neben dem Album alternative Abmischungen und Versionen, darunter B-Seiten (Versionen von Davids Debütsingle »Liza Jane« und »In The Heat Of The Morning« von 1967), spätere Abmischungen von Tony Visconti und die »Tibet Version« von »Silly Boy Blue«, aufgenommen im The Looking Glass Studio während der Tibet House Show 2001 in New York mit Philip Glass am Klavier und Moby an der Gitarre.

Außerdem warten »Unplugged & Somewhat Slightly Electric«-Mixe von dreizehn »Toy«-Tracks. Produzent Mark Plati dazu: »Während wir die Grundtracks aufnahmen, schlug Earl Slick vor, dass er und ich akustische Gitarren in alle Songs einbauen sollten. Er sagte, das sei ein Trick von Keith Richards, manchmal würden diese Gitarren ein Hauptbestandteil des Tracks sein, und manchmal würden sie eher unterschwellig sein. Später beim Abmischen hörte David einen der Songs, der nur aus Gesang und Akustikgitarren bestand; das brachte ihn auf die Idee, dass wir einige solcher ›Stripped-down‹-Mixe machen sollten und dass sie vielleicht eines Tages nützlich sein würden. Sobald wir ein paar andere Elemente in den Topf geworfen hatten, fühlte es sich an, als könnte es eine ganz andere Platte werden. Ich war nur zu glücklich, diesen Gedanken zwei Jahrzehnte später zu Ende zu bringen.« Das jeweilige Tracklisting finden Sie im Folgenden.

Der Assistent scheint am Ende. In der dubiosen Klinik unter Palmen kommt er umnebelt zu sich. Diagnose: Amnesie am Amazonas! Eine Kakteensaft-Kur soll helfen bei der Spurensuche im Sumpf der Erinnerung. Am Ende bleibt nur die Erkenntnis: „Nichts holt mich ab, so wie die Melancholie.“
Wie bei seinem Debut wird der Assistent auch beim zweiten Teil seiner Odyssee von den Klängen der späten siebziger und frühen achtziger Jahre begleitet. Ein Sound wie auf einem Mixtape, das zu lange in der südamerikanischen Sonne auf der Heckablage eines verbeulten Citroën Visa lag. Sein Sofrito aus Library-Muzak, Dub-Rhytmen, japanischem Reggae und Yachtrock, gewürzt mit Latin und Bossanova, serviert er auf zartem Weißbrot-Soul. Die Texte sind bisweilen absurd, stets sehnsuchtsvoll und mindestens doppeldeutig. Hier und da wurde ein Easter Egg versteckt: Jörg Fauser, Raymond Chandler und Agatha Christie lassen grüßen. In bekannter Marlowe-Manier driftet der Erzähler verstrahlt durch die (Alp-)Traumwelten seiner acht Lieder. Ist es Tom Hessler selbst, der dort im Zerrspiegel der Cocktailbar erscheint, oder sein Alter Ego? Der Assistent kehrt zurück als relaxed-verzweifelter Fitzcarraldo, der versucht einen Urlaubsdampfer voller Grooves aus der Spree über einen Zauberberg im Regenwald zu hieven, und dabei in Welten jenseits von Raum und Zeit entschwindet. Dabei helfen Wolfgang Pérez (Golf), Magic Manfred (Stella and the Longos), Pedro Goncalves Crescenti (The Düsseldorf Düsterboys, International Music) u.v.a.

Wir schreiben das Jahr 2022 nach Jesu Geburt. DER MANN melden sich zurück. Acht Jahre nach ihrem Debütalbum „Wir sind der Mann“ rufen Ramin Bijan, Maurice Summen, Michael Mühlhaus und Johannes von Weizsäcker mit TOP: „Wer auch immer uns vermisst hat: Wir sind wieder da!“

Im Frühsommer 2021 nämlich begab sich die Berliner Band für einen Monat ins Studio und spielte aus zuvor erarbeiteten Songskizzen eine neue Platte ein. Und hier ist nun TOP.

Zum Personellen: Man bräuchte schon ein Organigramm, um nachvollziehen zu können, welche (Ex)-Mitglieder von DER MANN, Die Türen, Baked Beans, Erfolg sowie Ja, Panik, The Chap und Blumfeld nun mal auf welcher Position in welcher dieser Bands gespielt haben und warum respektive warum dann wieder kurzzeitig nicht. Es reicht aber zu wissen, dass Sänger Maurice Summen und Bassist Ramin Bijan seit ihrer Teenager-Zeit, also seit mehr als 30 Jahren, zusammen Musik machen und das Gravitationszentrum von DER MANN sind.
Neben den aktuell nun vier Musikern sind auch die Künstler und Designer Helmut Kraus und Sebastian Kaltmeyer erneut dabei, als Band-Mitglieder, die bei DER MANN für das Visuelle zuständig sind. Außerdem ist auf einigen Songs der Berliner TOP-Drummer Moritz Baumgärtner zu hören.

DER MANN ist also wieder auferstanden. Damit passt er nicht nur vom Namen her bestens in eine Welt, in der ein großer Teil derselben den Ablauf eines Jahres noch immer ernsthaft an den Lebens- und Sterbedaten eines einzelnen, vor mehr als zwei Millennien geborenen und ständig wiederauftauchenden Dudes ausrichtet. DER MANN passt damit auch bestens in eine Zeit, in der sich die Menschen vor lauter fundamentaler Unsicherheit und einem daraus erwachsendem Bedürfnis nach dem Gewohnten in ein Spiegelkabinett des schon Bekannten begeben haben, in denen fortwährend das Beste der 70er, 80er und 90er läuft und nur ganz manchmal das Beste von Heute. Wer könnte es ihnen verdenken.

DER MANN haben sich musikalisch und visuell dafür entschieden, den Zeitpunkt Ende der 1970er und Anfang der 1980er fest zu umarmen. Das Cover: in der Ästhetik von Heaven 17s „Penthouse and Pavement“. Die dazu passenden Lifestyle-Accessoires: Kreditkarte, Rolex und Rolodex. DER MANN ist nämlich ein Yuppie. Auch so ein Wiedergänger, nur sieht der heute aus wie Christian Lindner und kommt auch mal im Hoodie daher. Was die musikalischen Ausdrucksformen angeht, hätten Gitarre, Schlagzeug, Bass und Synthesizer genau so auch schon vor 40 Jahren gespielt werden können.

Was DER MANN auf TOP jedoch thematisieren, ist eindeutig heutig. Es geht um Oberflächen-Phänomene. Im flotten Opener „SUV“ und dem zum Offbeat schunkelnden „Bewertungslied“ etwa um das fortwährende Hypen, Rummeinen und Raunen in den sozialen Medien. Es geht, im nachdenklich-sanften “Country, Western, Coaching & Consulting“ oder im Postpunk-Boogie-Hybrid “Peyote Retreat” um psychedelische Techniken, die mal subversiv waren, aber mittlerweile längst von Konzernen zur Mitarbeitermotivation und Umsatzsteigerung aufgesogen wurden. Und es geht um den Staat, der sich mit Fördergeldern und Stipendien eine Subkultur leistet (“Rock’n’Roll & Sozialstaat”), die sich dann überlegen kann, ob es die Hand, die sie füttert, überhaupt noch interessiert, ob sie nun gebissen wird oder nicht.

Kurz: Es geht auf TOP um alles, was einen in der spätkapitalistischen Gegenwart so richtig angruseln kann. Bei dem man aber, siehe Staatsgelder und Social Media, kaum NICHT nicht mitmachen kann, legt man Wert darauf, überhaupt in der Welt stattzufinden.

„Im Herz schmeißt du Steine/Im Kopf bist du müde“. In dieser Zeile steckt die ganze unausweichliche Ambivalenz, die TOP durchzieht. Keine Handlungsanweisungen, keine Rebellion, kein echter Ausweg, nirgends. DER MANN ist kein junger Aufrührer mehr, der noch glaubt, die Welt verändern zu können. DER MANN ist Ende 40, Anfang 50, also genau in dem Alter, in dem die Kinder für gewöhnlich auf dem Gröbsten raus sind und zu Hause etwas Ruhe einkehrt. Aber der Rücken und die Knie machen noch gut genug mit, dass er jetzt den Gipfel seiner Schaffenskraft erklimmen kann. Er ist erfahren und altgedient genug, um in der Firma in die C-Suite aufzusteigen. Als CEO weiß er, dass er nicht mal besonders viel Glück hatte, geschweige denn sich besonders anstrengen musste, sondern einfach nur so gut wie alle Privilegien auf seiner Seite hatte. Was ihm zunehmend unangenehm wird.

„Wir sind total privilegiert“, sagt Maurice Summen dazu – beziehungsweise zum anhaltenden Untergrund-Status seiner Männer-Band. „Aber wir haben recht wenig daraus gemacht.“

Aber nicht doch! TOP ist ist ein Alpha-Werk von einem Album geworden.

Anne Waak

Limitiert auf 100 weiße Exemplare, die es nur bei HHV gibt.

Wir schreiben das Jahr 2022 nach Jesu Geburt. DER MANN melden sich zurück. Acht Jahre nach ihrem Debütalbum „Wir sind der Mann“ rufen Ramin Bijan, Maurice Summen, Michael Mühlhaus und Johannes von Weizsäcker mit TOP: „Wer auch immer uns vermisst hat: Wir sind wieder da!“

Im Frühsommer 2021 nämlich begab sich die Berliner Band für einen Monat ins Studio und spielte aus zuvor erarbeiteten Songskizzen eine neue Platte ein. Und hier ist nun TOP.

Zum Personellen: Man bräuchte schon ein Organigramm, um nachvollziehen zu können, welche (Ex)-Mitglieder von DER MANN, Die Türen, Baked Beans, Erfolg sowie Ja, Panik, The Chap und Blumfeld nun mal auf welcher Position in welcher dieser Bands gespielt haben und warum respektive warum dann wieder kurzzeitig nicht. Es reicht aber zu wissen, dass Sänger Maurice Summen und Bassist Ramin Bijan seit ihrer Teenager-Zeit, also seit mehr als 30 Jahren, zusammen Musik machen und das Gravitationszentrum von DER MANN sind.
Neben den aktuell nun vier Musikern sind auch die Künstler und Designer Helmut Kraus und Sebastian Kaltmeyer erneut dabei, als Band-Mitglieder, die bei DER MANN für das Visuelle zuständig sind. Außerdem ist auf einigen Songs der Berliner TOP-Drummer Moritz Baumgärtner zu hören.

DER MANN ist also wieder auferstanden. Damit passt er nicht nur vom Namen her bestens in eine Welt, in der ein großer Teil derselben den Ablauf eines Jahres noch immer ernsthaft an den Lebens- und Sterbedaten eines einzelnen, vor mehr als zwei Millennien geborenen und ständig wiederauftauchenden Dudes ausrichtet. DER MANN passt damit auch bestens in eine Zeit, in der sich die Menschen vor lauter fundamentaler Unsicherheit und einem daraus erwachsendem Bedürfnis nach dem Gewohnten in ein Spiegelkabinett des schon Bekannten begeben haben, in denen fortwährend das Beste der 70er, 80er und 90er läuft und nur ganz manchmal das Beste von Heute. Wer könnte es ihnen verdenken.

DER MANN haben sich musikalisch und visuell dafür entschieden, den Zeitpunkt Ende der 1970er und Anfang der 1980er fest zu umarmen. Das Cover: in der Ästhetik von Heaven 17s „Penthouse and Pavement“. Die dazu passenden Lifestyle-Accessoires: Kreditkarte, Rolex und Rolodex. DER MANN ist nämlich ein Yuppie. Auch so ein Wiedergänger, nur sieht der heute aus wie Christian Lindner und kommt auch mal im Hoodie daher. Was die musikalischen Ausdrucksformen angeht, hätten Gitarre, Schlagzeug, Bass und Synthesizer genau so auch schon vor 40 Jahren gespielt werden können.

Was DER MANN auf TOP jedoch thematisieren, ist eindeutig heutig. Es geht um Oberflächen-Phänomene. Im flotten Opener „SUV“ und dem zum Offbeat schunkelnden „Bewertungslied“ etwa um das fortwährende Hypen, Rummeinen und Raunen in den sozialen Medien. Es geht, im nachdenklich-sanften “Country, Western, Coaching & Consulting“ oder im Postpunk-Boogie-Hybrid “Peyote Retreat” um psychedelische Techniken, die mal subversiv waren, aber mittlerweile längst von Konzernen zur Mitarbeitermotivation und Umsatzsteigerung aufgesogen wurden. Und es geht um den Staat, der sich mit Fördergeldern und Stipendien eine Subkultur leistet (“Rock’n’Roll & Sozialstaat”), die sich dann überlegen kann, ob es die Hand, die sie füttert, überhaupt noch interessiert, ob sie nun gebissen wird oder nicht.

Kurz: Es geht auf TOP um alles, was einen in der spätkapitalistischen Gegenwart so richtig angruseln kann. Bei dem man aber, siehe Staatsgelder und Social Media, kaum NICHT nicht mitmachen kann, legt man Wert darauf, überhaupt in der Welt stattzufinden.

„Im Herz schmeißt du Steine/Im Kopf bist du müde“. In dieser Zeile steckt die ganze unausweichliche Ambivalenz, die TOP durchzieht. Keine Handlungsanweisungen, keine Rebellion, kein echter Ausweg, nirgends. DER MANN ist kein junger Aufrührer mehr, der noch glaubt, die Welt verändern zu können. DER MANN ist Ende 40, Anfang 50, also genau in dem Alter, in dem die Kinder für gewöhnlich auf dem Gröbsten raus sind und zu Hause etwas Ruhe einkehrt. Aber der Rücken und die Knie machen noch gut genug mit, dass er jetzt den Gipfel seiner Schaffenskraft erklimmen kann. Er ist erfahren und altgedient genug, um in der Firma in die C-Suite aufzusteigen. Als CEO weiß er, dass er nicht mal besonders viel Glück hatte, geschweige denn sich besonders anstrengen musste, sondern einfach nur so gut wie alle Privilegien auf seiner Seite hatte. Was ihm zunehmend unangenehm wird.

„Wir sind total privilegiert“, sagt Maurice Summen dazu – beziehungsweise zum anhaltenden Untergrund-Status seiner Männer-Band. „Aber wir haben recht wenig daraus gemacht.“

Aber nicht doch! TOP ist ist ein Alpha-Werk von einem Album geworden.

Anne Waak

Das Berliner Indie-/Electro-Wave-Trio Dina Summer meldet sich mit einer ordentlichen Portion Synthpop auf ihrem zweiten Album ‘’Girls Gang’ zurück! Dina Summer ist ein kollaboratives Projekt, das aus Kalipo, einer Hälfte der legendären Electro-Punk-Band Frittenbude, und dem griechisch-deutschem DJ & Produzenten Duo Local Suicide besteht, die das Label Iptamenos Discos betreiben. Ihre bisherigen Werke umfassen das von Kritikern gefeierte Album „Rimini“ aus dem Jahr 2022, das einen nostalgischen Einblick in Retro-Disco-Vibes bietet, sowie die EPs „Who Am I“ (2021) und „Hide & Seek“ (2024). Seit der Gründung der Band vor fünf Jahren hat Dina Summers Musik mit Millionen von Streams, weltweitem Radio-Airplay und zahlreichen Spotify- und Apple Music-Editorial-Playlists für Aufsehen gesorgt und wurde von DJs wie Charlotte De Witte, The Hacker, Âme, Dixon, Joris Voorn, DJ Hell, Joyce Muniz und Dubfire gespielt. Das neue Album umfasst 11 Songs die sich mit Themen wie Empowerment („No More Tears“ & „Girls Gang“), Außenseitertum („Alien“ & „Zombie“), Vergänglichkeit („Promise Me feat, Curses & Joshua Murphy“), Nostalgie („Halkidiki“) und Beziehungen („Nothing To Hide“ & „Hypnotized“) auseinandersetzen. Legte ihr Debütalbum seinen Fokus eher auf den Club zwischen Italo-Disco und 90ies Elektro, erkundet die neue Veröffentlichung eine größere Sound-Palette, die von New Wave & Post-Punk zu Electroclash und Synth- & Indie-Pop reicht. „Girls Gang“ ist ein gutes Stück songorientierter als das Debütalbum, die Band erweitert ihr Repertoire auf einigen Songs unter anderem um echte (!) Bässe und Gitarren, vorallem aber setzt Frontfrau Dina neben ihrem Markenzeichen - Spoken Word - immer öfter auf ihre Gesangsstimme. Trotzdem knüpft das Album nahtlos an das Erstlingswerk an, man hört wieder jene poppige Melodien und Hooks mit denen sich Dina Summer zuvor schon einen Namen gemacht hat, ausgebreitet auf einem Bett aus Indiepop-Hymnen und Club-Brechern.

Das Berliner Indie-/Electro-Wave-Trio Dina Summer meldet sich mit einer ordentlichen Portion Synthpop auf ihrem zweiten Album ‘’Girls Gang’ zurück! Dina Summer ist ein kollaboratives Projekt, das aus Kalipo, einer Hälfte der legendären Electro-Punk-Band Frittenbude, und dem griechisch-deutschem DJ & Produzenten Duo Local Suicide besteht, die das Label Iptamenos Discos betreiben. Ihre bisherigen Werke umfassen das von Kritikern gefeierte Album „Rimini“ aus dem Jahr 2022, das einen nostalgischen Einblick in Retro-Disco-Vibes bietet, sowie die EPs „Who Am I“ (2021) und „Hide & Seek“ (2024). Seit der Gründung der Band vor fünf Jahren hat Dina Summers Musik mit Millionen von Streams, weltweitem Radio-Airplay und zahlreichen Spotify- und Apple Music-Editorial-Playlists für Aufsehen gesorgt und wurde von DJs wie Charlotte De Witte, The Hacker, Âme, Dixon, Joris Voorn, DJ Hell, Joyce Muniz und Dubfire gespielt. Das neue Album umfasst 11 Songs die sich mit Themen wie Empowerment („No More Tears“ & „Girls Gang“), Außenseitertum („Alien“ & „Zombie“), Vergänglichkeit („Promise Me feat, Curses & Joshua Murphy“), Nostalgie („Halkidiki“) und Beziehungen („Nothing To Hide“ & „Hypnotized“) auseinandersetzen. Legte ihr Debütalbum seinen Fokus eher auf den Club zwischen Italo-Disco und 90ies Elektro, erkundet die neue Veröffentlichung eine größere Sound-Palette, die von New Wave & Post-Punk zu Electroclash und Synth- & Indie-Pop reicht. „Girls Gang“ ist ein gutes Stück songorientierter als das Debütalbum, die Band erweitert ihr Repertoire auf einigen Songs unter anderem um echte (!) Bässe und Gitarren, vorallem aber setzt Frontfrau Dina neben ihrem Markenzeichen - Spoken Word - immer öfter auf ihre Gesangsstimme. Trotzdem knüpft das Album nahtlos an das Erstlingswerk an, man hört wieder jene poppige Melodien und Hooks mit denen sich Dina Summer zuvor schon einen Namen gemacht hat, ausgebreitet auf einem Bett aus Indiepop-Hymnen und Club-Brechern.

Das Berliner Indie-/Electro-Wave-Trio Dina Summer meldet sich mit einer ordentlichen Portion Synthpop auf ihrem zweiten Album ‘’Girls Gang’ zurück! Dina Summer ist ein kollaboratives Projekt, das aus Kalipo, einer Hälfte der legendären Electro-Punk-Band Frittenbude, und dem griechisch-deutschem DJ & Produzenten Duo Local Suicide besteht, die das Label Iptamenos Discos betreiben. Ihre bisherigen Werke umfassen das von Kritikern gefeierte Album „Rimini“ aus dem Jahr 2022, das einen nostalgischen Einblick in Retro-Disco-Vibes bietet, sowie die EPs „Who Am I“ (2021) und „Hide & Seek“ (2024). Seit der Gründung der Band vor fünf Jahren hat Dina Summers Musik mit Millionen von Streams, weltweitem Radio-Airplay und zahlreichen Spotify- und Apple Music-Editorial-Playlists für Aufsehen gesorgt und wurde von DJs wie Charlotte De Witte, The Hacker, Âme, Dixon, Joris Voorn, DJ Hell, Joyce Muniz und Dubfire gespielt. Das neue Album umfasst 11 Songs die sich mit Themen wie Empowerment („No More Tears“ & „Girls Gang“), Außenseitertum („Alien“ & „Zombie“), Vergänglichkeit („Promise Me feat, Curses & Joshua Murphy“), Nostalgie („Halkidiki“) und Beziehungen („Nothing To Hide“ & „Hypnotized“) auseinandersetzen. Legte ihr Debütalbum seinen Fokus eher auf den Club zwischen Italo-Disco und 90ies Elektro, erkundet die neue Veröffentlichung eine größere Sound-Palette, die von New Wave & Post-Punk zu Electroclash und Synth- & Indie-Pop reicht. „Girls Gang“ ist ein gutes Stück songorientierter als das Debütalbum, die Band erweitert ihr Repertoire auf einigen Songs unter anderem um echte (!) Bässe und Gitarren, vorallem aber setzt Frontfrau Dina neben ihrem Markenzeichen - Spoken Word - immer öfter auf ihre Gesangsstimme. Trotzdem knüpft das Album nahtlos an das Erstlingswerk an, man hört wieder jene poppige Melodien und Hooks mit denen sich Dina Summer zuvor schon einen Namen gemacht hat, ausgebreitet auf einem Bett aus Indiepop-Hymnen und Club-Brechern.

Record Store Day 2021 Release.

Everything Is Recorded ist das kollaborative Studioprojekt von XL Recordings Label-Chef Richard Russell. Es entstand einst in seinem Copper House-Studio als lose Jam-Session zwischen Musikern jeglicher Couleur und folgte dem Prinzip der offenen Tür. Eine Mercury Music Prize Nominierung später gewinnt die ehemalige Blaupause nun immer mehr an Konturen und kündigt nun auch das zweite Album „FRIDAY FOREVER“ für den 3. April via XL Recordings an! Vom Q Magazin als „Masterclass in the art of collaboration“ bezeichnet, gehen die Sessions nun in die zweite Runde. Waren es auf dem Debüt-Album noch Künstler wie Sampha, Giggs, Kamasi Washington, Ibeyi, Syd, Green Gartside, Damon Albarn oder Owen Pallet, die sich die Studioklinke in die Hand gaben, so arbeitet Russell dieses Mal mit unbekannteren, aber nicht minder talentierten Künstlern zusammen, die zum Teil ihre ersten Schritte in die Musikwelt wagen.
So nimmt die Crew bei "FRIDAY FOREVER" eine klassische freitägliche Party-Nacht ab 21:46 Uhr aus vielen Perspektiven unter die Lupe - bis hin zu den ernüchternden Reflexionen um 11:59 Uhr am Morgen danach. Zur Party-Posse gehören die britischen Rapper Aitch, FLOHIO und Berwyn, die irischen Songwriter Maria Somerville und Kean Kavanagh, die eindringlichen Stimmen von A.K. Paul, James Massiah, sowie der schon vom Debütalbum bekannte Infinite Cole. Und auch etablierte Namen dürfen nicht fehlen: Ghostface Killah, Rap-Gott des Wu-Tang Clans, und Penny Rimbaud, Anarcho Punk Legende von Crass, fanden den Weg ins Copper House!

Das dritte Studioalbum der malischen Sängerin enthält Features von Damon Albarn, Roberto Fonseca (Buena Vista Social Club), -M-, Angie Stone, Yemi Alade und M.anifest.

Als eine der herausragendsten Stimmen des Global Pop, lässt sich Fatoumata Diawaras Musik zwischen Afro-Pop, Afro-Folk und Afro-Futurismus einordnen - inmitten von Tradition und Moderne. Immer mit einer Gitarre in der Hand bringt sie die Rhythmen des Wassoulou und westafrikanische Gesangstechniken mit zeitgenössischen Klängen zusammen. Die Sängerin, Komponistin, Musikerin und Schauspielerin macht auf London KO durch einen Wechsel aus Avantgarde und Hommagen an ihre Vorfahren auf Konflikte der Gegenwart aufmerksam und verarbeitet Erfahrungen ihrer Heimat Mali, insbesondere die Rolle der Frauen und Kinder. Entstanden aus der Zusammenarbeit mit Damon Albarn, steht London KO für einen imaginären Kontinent, der Europa und Afrika näher zusammenbringt - insbesondere London und Bamako. Der gemeinsame Song "Nsera" war nicht nur der erste Track des kommenden Albums, sondern auch Zeugnis einer langen musikalischen Verbundenheit der beiden Musiker*innen. In Projekten wie Africa Express, Rocket Juice & The Moon, dem Gorillaz-Track "Désolé" sowie zahlreichen Live-Auftritten arbeiteten sie bereits Hand in Hand. Weitere prominente Unterstützung erhält die Künstlerin u.a. von dem kubanischen Klaviervirtuosen Roberto Fonseca (Buena Vista Social Club), der nigerianischen Afropop-Sängerin und Aktivistin Yemi Alade, sowie dem französischen Rockmusiker -M-. Entstanden ist mit London KO ein vielseitiges Werk, das getreu dem eigenen Stil der zweifach Grammy-nominierten Sängerin traditionelle afrikanische Musik mit Facetten aus Afrobeat, Jazz, Pop, Electro und Hip-Hop verbindet. Mit London KO zeigt uns Fatoumata Diawara eine Vision der Vielseitigkeit Afrikas. Sie kreiert einen Ort, an dem es möglich ist, Herr*in des eigenen Schicksals zu werden und positioniert sich damit als wichtige Akteurin in der zukünftigen Gesellschaft. Fatoumata Diawara zeigt einmal mehr, dass sie in die erste Liga der großen Stimmen des Afrofuturismus gehört.

Die kanadische Pop-Ikone Feist meldet sich facettenreich zurück! Die vierfach GRAMMY-nominierte Singer/Songwriterin prägte mit Songs wie „1234“ und dem Album „The Reminder“ bereits die späten 2000er und ist jetzt zurück, um an diesen Erfolg anzuknüpfen. Das gelingt mit gleich drei brandneuen Singles. Jede davon ein Ohrwurm-Garant und gespeist aus ihren emotionalen Tiefen und Höhen der letzten Jahre. Weiter können wir uns auf ihr, für den 14.04.2023 angekündigtes, Album mit dem Titel „Multitudes“ freuen.

„Multitudes“ erscheint als CD und schwarze Standard-Vinyl.

Das Frank Popp Ensemble, Mr. Popps musikalisches Projekt, wurde zwischen 2001 und 2003 mit dem Top-20-Hit »Hip Teens Don't Wear Blue Jeans« bekannt und veröffentlichte drei großartige Alben.

Jetzt meldet er sich mit seinem neuen Album »Shifting« zurück, das im Januar 2023 erscheinen wird! Mit Hilfe vieler wunderbarer Gastsängerinnen und -sänger wie Jesper Munk, Aydo Abay, Lucy Kruger, Kat Ott von 24 / 7 Diva Heaven, Anna Glahn und dem FPE-Klassiker Sam Leigh-Brown hat Mr. Popp »Shifting« zwischen Januar und März 2021 in Spanien geschrieben, aufgenommen, produziert und abgemischt, begleitet von Jascha Kreft (Odd Couple) bei den Songwriting-Sessions.

Das 16-Song-Schwergewicht nimmt uns mit auf eine farbenfrohe Reise durch Vintage-Soul-Scorer, psychedelische Soundtrack-Scapes, Spector-esque Soundwalls, Bootboy-Glamrock und sogar ein Riviera-Space-Disco-Tune ist auf dem neuen Longplayer zu finden. Natürlich hat sich in den vielen Jahren eine Menge geändert. Viele Texte stammen aus Popps eigener Feder, die hier und da mit frechen Formulierungen für Ärger sorgen.

Album über einen Berg vom Meister des eigenwilligen Pop. Gruff Rhys liebt Konzeptalben. Vor drei Jahren veröffentlichte er ein solches unter dem Namen "Babelsberg" inspiriert von dem Ortsschild des gleichnamigen Potsdamer Stadtteils. Nun erscheint ein weiteres eher monothematisch geprägtes Album, das sich mit einem Berg, dem Mount Paektu, beschäftigt. Der Paektusan, ist ein immer noch aktiver Vulkan, der im Grenzgebiet von China und Nordkorea liegt und das höchste Gebirge der Region ist. Das Album liefert die audio-biographische Geschichte dieses Gipfels, der auf Grund seiner geographischen Lage eine bewegte Vergangenheit hat. "Seeking New Gods" ist das mittlerweile siebzehnte Solo-Album des ehemaligen Super Furry Animals-Sängers.Produziert wurde es von Gruff Rhys selbst und anschließend vom legendären Beastie Boy Produzenten Mario Caldato Jr. abgemischt. Die musikalische Biographie des Berges fügt dem Lebenslauf des mittlerweile 50-jährigen Gruff einen - nicht nur geologischen - neuen Höhepunkt hinzu. Er etabliert sich als ein Meister des eigenwilligen Pops mit unvergleichlichem Gespür für Melodien und Hooks. Mit "Seeking New Gods" erklimmt der Waliser musikalisch neue Pop-Gipfel, deren atemberaubende Aussicht ihn in diesem Moment sicher schon wieder neuen Songs inspirieren.

JARV IS… ist die neue Band der britischen Indie-Ikone Jarvis Cocker. JARV IS… wurde 2017 für einen Auftritt auf einem von Sigur Ros kuratierten Festival in Island gegründet. Zur Band gehören neben Jarvis Cocker noch Serafina Steer, Emma Smith, Andrew McKinney, Jason Buckle und Adam Betts.

Die meisten Songs von JARV IS… nahmen erst auf der Bühne Gestalt an. Viele der Tracks waren anfangs reine Studio-Skizzen, die sich erst langsam in den Liveshows entwickelten und Formen annahmen. Um sich also selbst einen Eindruck vom Status Quo des Songmaterials zu machen, wurden sämtliche Konzerte aufgenommen. Nach einem Konzert beim Desert Daze Festival in Kalifornien, hörte Geoff Barrows (Portishead, Beak) schließlich die Aufnahmen und schlug Cocker vor, diese doch als Basis für ein komplettes Studioalbum zu nehmen. Gesagt getan: Die Overdubs und der Gesang wurden in den Narcissus Studios in Neasden in London produziert. Die Postproduktion fand in Jason Buckles Place du Big Boss-Studio in Raynes Park statt, final abgemischt wurde das Album schließlich von Craig Silvey in den Toast Studios in West-London.

Das Debüt „Beyond the Pale“ von JARV IS… ist eine wundervolle Momentaufnahme und das erste eigene musikalische Lebenszeichen von Jarvis Cocker seit seinem 2009er Album „Further Coplications“.

Wohin sich JARV IS… in der Zukunft entwickeln werden, wird man schon ganz bald wieder auf der Bühne sehen, vielleicht auch in Deutschland – Must I Evolve?