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Das britische Kult-Duo Tears For Fears hat sein erstes offizielles Live-Album Songs For A Nervous Planet angekündigt, das am 25. Oktober erscheinen soll. Es enthält vier neue Studiotracks sowie Live-Aufnahmen von Tears For Fears auf Tour aus ihrer besten Zeit. Das Album enthält Live-Performances von Hits wie „Shout“, „Head Over Heels“, „Everybody Wants To Rule The World“, „Mad World“ & mehr. Es umfasst alle Epochen der Band von The Hurting bis The Tipping Point und und nimmt den Hörer mit auf die unvergleichliche Klangreise, die eine Tears For Fears-Liveshow und ihre bisherige Karriere darstellt. Das Album enthält zudem 4 brandneue Studiotracks, darunter die neue Single „The Girl That I Call Home“, die ab sofort erhältlich ist. Zusammen mit dem Album haben sie zudem einen atemberaubenden Konzertfilm angekündigt, der im malerischen FirstBank Amphitheater at Graystone Quarry in Franklin, TN, während ihrer ausverkauften Tipping Point Tour Part 2 aufgenommen wurde. Tears For Fears Live (A Tipping Point Film) wird über Trafalgar Releasing weltweit in die Kinos kommen. Einen Ausschnitt der Live-Performance können Sie Hier ansehen/teilen.

Über die Entstehung des Albums und des Films sagt Curt Smith: „Wir haben letztes Jahr beschlossen, die Live-Show zu filmen. Ich glaube, viele Leute wissen gar nicht, dass wir eigentlich eine gute Live-Band sind! Sie sehen ein Duo und denken, es wären zwei Leute mit ein paar Keyboards und einem Haufen Backing-Tapes, und das war's. Im Laufe der Jahre haben wir uns seit unserer Blütezeit in den Achtzigern enorm verbessert.“ Roland Orzabal fügt hinzu: „Wir haben noch nie ein offizielles Live-Album veröffentlicht, man könnte also sagen, dass dies ein Album ist, das vierzig Jahre in der Mache ist.“

RAGGED GLORY (1990) war ein ununterbrochenes Fest für die Musik, die Neil Young & Crazy Horse immer noch mit voller Kraft schaffen, und wurde auf Youngs Broken Arrow Ranch in Nordkalifornien aufgenommen. Das 10 Songs umfassende Originalalbum wurde für diese Wiederveröffentlichung um 4 seltene Tracks erweitert. „Interstate“ und ‚Don't Spook The Horse‘ waren beides B-Seiten zu Singles. „Box Car“ und das 12-minütige ‚Born To Run‘ waren beide bisher unveröffentlichte Versionen, bevor sie in der ORS 5 Box veröffentlicht wurden. Die 4 zusätzlichen Songs haben dazu geführt, dass das Album auf 3 LPs und 2 CDs erweitert wurde. Das Album wurde von den analogen Originalbändern neu gemastert.

Mit "The Machine in the Ghost" erreichen Haujobb den beeindruckenden Meilenstein des zehnten Studioalbums. Auch ihr neuestes Werk unterscheidet sich von all seinen Vorgängern. Das derzeit in Leipzig residierende Duo verweigert sich weiterhin standhaft jeder Wiederholung. "The Machine in the Ghost" unterscheidet sich bereits durch die Verwendung von Feldaufnahmen, um die Sounds für dieses Album zu erzeugen. Um die gewünschten Effekte zu erzielen, haben Haujobb bewusst auf eine Mischung aus Software und Hardware gesetzt - letzteres in Form von mit Alltagsgegenständen erzeugten Tönen. Diese symbolische Anspielung auf eine Zeit, in der es weniger Software und mehr analoges Drehen an den Reglern gab, ergänzt das Thema von "The Machine in the Ghost" um einen Hauch von Retro-Feeling - ohne jede nostalgische Verklärung. Das Album dreht sich um die spannungsgeladene Beziehung zwischen analog und digital, Geist und Materie. Als sich Haujobb im ostwestfälischen Bielefeld zunächst zu einem Trio formierten, kamen ihre Haupteinflüsse noch aus der Vancouver-Schule des Industrial - und speziell Skinny Puppy sowie Front Line Assembly. Dies ist auf ihrem ersten Album "Homes & Gardens" (1993) noch hörbar, doch schon bald wurden Haujobb selbst als Aushängeschilder eines modernen elektronischen Industrial-Sounds angesehen. Auf den folgenden Alben "Freeze Frame Reality" (1995) und "Solutions for a Small Planet" (1996) entfernten sich die Deutschen zunehmend von den kanadischen Einflüssen, indem sie damit begannen, IDM (Intelligent Dance Music) mit Industrial und EBM zu verschmelzen. Damit katapultierten sich die Deutschen mitten in die internationale Szene und verschafften sich sogar in den USA einen Kultstatus. Auch nachdem Haujobb zum Duo mutiert waren, blieben sie einflussreich und insbesondere ihr 2011 in Eigenregie veröffentlichtes Album "New World March" gilt als weitere Großtat. Mit "The Machine in the Ghost" schlagen Haujobb ein neues spannendes Kapitel in ihrer bemerkenswerten Karriere auf. Unmittelbar zu Beginn der nächsten industriellen und kreativen Revolution, die der rasante Aufstieg der künstlichen Intelligenz auszulösen verspricht, legen Haujobb ihre metaphorischen musikalischen Finger erneut direkt an den Puls der Zeit.

"baum" als Album ist das Ergebnis einer Metamorphose, so beschreibt Mine ihre künstlerische Entwicklung: vom Struggle der Ich-Findung auf „Klebstoff“, über das Hadern mit einer kaputten Welt auf „Hinüber“. „Ich hatte das Gefühl, das Verrottete fällt ab, und es entsteht etwas Neues“, sagt sie dazu.

„Baum“ ist Mines fünftes Soloalbum in zehn Jahren, neben weiteren Projekten mit Fatoni in 2017 und dem Orchesterprojekt in 2018.

Und es ist auch der Beginn eines neuen Kapitels für Mine: Arbeitsweisen und Songstrukturen verändern sich, die Songs werden kürzer, flexibler, freier. Sie lässt Horn-Arrangements in elektronische Kompositionen münden, setzt unbekannte, unerwartete Instrumente ein, die sie etwa schon auf ihrer Social-Media-Reihe „Sweet Instrumente“ vorstellte.

Und gleichzeitig ändert sich auch nichts: es ist immer noch die gleiche Mine mit der wunderbar wandelbaren Stimme, dem Hunger auf unerwartete Sounds, der Lust an der Sprache, an Texten und der Freude, diese mit anderen Künstler*innen zu teilen. Das wären diesmal der Männerchor ffortissibros und der Kieler Knabenchor sowie Battelrapper Mauli, die französische Singer-Songwriterin Léonie Pernet und die Berliner Sängerin und Produzentin Madanii.

„Baum“ ist das selbstbewusste, selbstsichere Album einer Künstlerin, die ihre vielfältigen Einflüsse immer wieder neu und klug miteinander verbindet – und die uns klug, erfrischend ehrlich und voller Wahrhaftigkeit von ihrer Perspektive auf die Welt erzählt.

Waxwork Records ist stolz darauf, den Barbie Score From The Original Motion Picture Soundtrack von Mark Ronson und Andrew Wyatt zu präsentieren! Die Filmmusik stammt aus dem erfolgreichen Film Barbie, bei dem Greta Gerwig Regie führte und in dem Margot Robbie und Ryan Gosling als Barbie und Ken die Hauptrollen spielen.

Über das Komponieren der Musik sagt Ronson: "Gretas Barbie strotzt nur so vor Emotionen, was uns sehr inspiriert hat, nicht nur in Bezug auf Harmonie und Melodie, sondern auch in Bezug auf Texturen, Klänge und Rhythmen. Manchmal wollte Greta, dass wir Tränen hervorrufen, manchmal wollte sie, dass es sich wie eine Disco anfühlt. Manchmal liebte sie die Wärme von analogen Synthesizern, manchmal wollte sie den Reichtum eines Orchesters. Oft wollte sie auch beides.

"Die langen Nächte und verrückten Stunden, die wir in Barbie gesteckt haben, waren es uns wert, denn wir waren so verliebt in diesen Film. Und wir hoffen wirklich, dass das Hören unserer Filmmusik von Anfang bis Ende anderen die gleiche emotionale, skurrile Erfahrung vermittelt, die sie beim Anschauen dieses magischen Films hatten."

Die mit Spannung erwartete Filmmusik erweckt Gerwigs Vision zum Leben und fügt dem Film die perfekte Ebene hinzu, die die Fans in das Barbie-Universum eintauchen lässt.

Waxwork Records freut sich, Barbie Score From The Original Motion Picture Soundtrack auf mehreren wunderschönen farbigen Vinyl-Varianten präsentieren zu können, die alle den lustigen Elementen im Film entsprechen, und zwar in schweren LP-Hüllen mit Hochglanzbeschichtung und einem 12 "x12" Einleger.

Im Januar diesen Jahres machte ein mysteriöses Instagram-Profil die Runde. Kurz später ging eine Strecke analoger Fotos online - statt Personen zeigte sie Synthesizer, Gitarrenhälse und einen frostig-dystopischen Sonnenuntergang. Ein paar Wochen später endlich, wenn auch verwaschen: Gesichter. In einer Konstellation, die wohl niemand erwartet hätte. Tränen sind auf der einen Seite: Gwen Dolyn, die seit 2020 mit Punk-Attitüde den deutschsprachigen Progressive-Pop-Untergrund aufmischt und begleitet von ihrer Band Toyboys längst zum Postergirl der "nndw" avanciert ist. Auf der anderen Seite: Steffen Israel, Gitarrist der Chemnitzer Band Kraftklub. Gwen Dolyn und Steffen Israel dürften vom Großprojekt Tränen anfangs selbst überrascht gewesen sein. Gwen hatte lediglich die Idee, den Deutschpunk-Klassiker "Duell der Letzten" von Chaos Z neu zu interpretieren und meldete sich bei Steffen. Innerhalb kürzester Zeit wuchs aus einer klassischen Punk-Cover-Version eine deutlich innovativere Reprise: ein modernes "Duell der Letzten", das zackig und doch dreamy, hämmernd und zugleich harmonisch, angewidert und dennoch wehmutvoll klingt. Erstaunlich organisch, improvisiert, beinahe kopflos war eine eigenständige Sound-Ästhetik gefunden, getragen von sinistrer New-Wave-Aura, klangschönen Pop-Passagen, nachhallenden Vocals, 80’s-esken Synthieflächen und dominanten Gitarrenläufen. Warum also nicht einen zweiten Song schreiben oder gar einen dritten?

Am Ende einer etwa einjährigen kreativen Reise steht mit "Haare eines Hundes" nun ein komplettes Tränen-Album. Das bindende Element im Feuerwerk: Gwen Dolyns Stimme. Und, na klar, diese unverwechselbaren Texte voll nahbarer Bedrücktheit und findigem Gedankenspiel, die mal an Wir sind Helden, mal an Hans-A-Plast und mal an Ideal erinnern - "liebt ihr mich mehr, wenn Randale nur ein Wort ist für Kapitulation?"

Der renommierte Troubadour aus Illinois erweitert seine musikalische DNA mit Covers Vol. 2, die tiefgreifendste persönliche Musikreise, die er je unternahm. Zuhörer werden mit mitreißenden Interpretationen von Klassikern von Billy Joel (Vienna), Bruce Springsteen (Streets Of Philadelphia), James Taylor (Fire And Rain) und Peter Gabriel (In Your Eyes) sowie Indie-Perlen von Radiohead (Weird Fishes), JP Saxe (A Little Bit Yours) und Manchester Orchestra (Sleeper 1972) verwöhnt. Ebenfalls enthalten sind einige unerwartete Darbietungen wie Jeremy Zucker (Scared), Del Amitiri (Tell Her This) und Go West (King Of Wishful Thinking). William Fitzsimmons: 'Leute, die meinen Katalog kennen, wären wahrscheinlich überrascht zu erfahren, dass ich tatsächlich ein ziemlich großer Fan von Popmusik bin. Von der Brillanz der Beatles und den Beach Boys bis hin zu den moderneren Stilrichtungen von Harry Styles, Beyoncé und Taylor Swift – ich genieße eine eingängige Melodie genauso wie jeder andere.'

Das Debüt des Französisch-US-Amerikanischen Duo fühlt sich an wie ein magischer Ausflug: durch bunte Traumwelten, Meereswellen und Retro-Synthesizern. Auf dem 13 Tracks umfassenden Werk kreieren Pearl & The Oysters ein Jazz, Pop und Electronica Gemisch, das den Sweet Spot aus Steely Dan, Beach Boys und Yellow Magic Orchestra trifft.

'EYEYE': Das neue und bisher intimste Album des schwedischen Superstars Lykke Li!

Die schwedische und Grammy-ausgezeichnete (Album & Künstlerin des Jahres 2012 für 'Wounded Rhymes') Ausnahmekünstlerin Lykke Li veröffentlicht ihr fünftes Studioalbum 'EYEYE'! Es ist das bisher intimste Projekt der Sängerin, die dafür wieder mit ihrem langjährigen Kollaborateur Björn Yttling zusammenkam, mit dem sie zuletzt gemeinsam am 2014er-Album 'I Never Learn' arbeitete und der auch 'Wounded Rhymes' (inkl. ihrem größten Hit 'I Follow Rivers') produzierte. Nach vier veröffentlichten Studioalben war Lykke dabei fest entschlossen, für 'EYEYE' eine ganz andere und neue Soundpalette zu verwenden. Das Album wurde in ihrem Schlafzimmer in Los Angeles aufgenommen und ist Lykkes Versuch, eine Fülle romantischer Obsessionen und Fantasien in den acht Songs zu komprimieren. Das Ergebnis ist ein schimmernde 33-minütige Karussellfahrt durch den emotionalen Hyperraum, mit einer reduzierten Produktion, wirbelnden analogen Synthies und massiven Hooks.

Stefan Schwander aka A Rocket IN DUB produziert seit Mitte der 1990er Jahre elektronische Musik in Düsseldorf. Er veröffentlicht unter einer Vielzahl von Pseudonymen wie Antonelli, Repeat Orchestra, Rhythm Maker, Harmonious Thelonious und While My Sequencer Gently Weeps. Seine Musik greift Einflüsse aus Techno, Disco-Musik (besonders Giorgio Moroder), New Wave, Dub, abstrakter Electronica und afrikanischer Musik auf. 2002 veröffentlichte er mit "Rocket No. 3" einen Dub-House Klassiker alter Schule mit markanter Vocoder Stimme. 20 Jahre später hat er das Stück zusammen mit JAN Delay an den Vocals neu aufgenommen. Beide Musiker teilen eine große Leidenschaft für Dub-Musik. Jan's tolle Stimme ist genauso markant wie der Vocoder vor 20 Jahren und fügt dem Original einen Hauch Menschlichkeit hinzu. Die Zusammenarbeit erscheint als limitierte 7" Single mit einem Artwork von Hendrik Krawen.

Die 13 Tracks des Albums wurden von Nigel Godrich produziert sowie gemischt und von Bob Ludwig abschließend gemastert. Die Songs werden von Streichern des London Contemporary Orchestra und einer kompletten Bläsersektion zeitgenössischer britischer Jazzmusiker wie Byron Wallen, Theon und Nathaniel Cross, Chelsea Carmichael, Robert Stillman und Jason Yarde begleitet. Die Band, bestehend aus Thom Yorke und Jonny Greenwood von Radiohead und Tom Skinner von Sons of Kemet, hat bereits die Singles "You Will Never Work in Television Again", "The Smoke" und "Skrting On The Surface" veröffentlicht. "The Smoke" wurde außerdem als Dub-Remix des legendären Reggae-Produzenten Dennis Bovell veröffentlicht. Die letzte Single "Pana-vision" von The Smile wurde bereits am 3. April veröffentlicht und lief im Finale der BBC-Serie "Peaky Blinders". Das animierte Video zu Pana-vision zeigt Artworks des Radiohead-Künstlers Stanley Donwood sowie Thom Yorke. Die brandneue Single "Free In The Knowledge" erscheint heute parallel zur Albumankündigung. Das Video zum Song entstand unter Regie von Leo Leigh. Der Song wurde erstmals im Dezember 2021 von Thom Yorke im Rahmen der "Letters Live"-Veranstaltung in der Londoner Royal Albert Hall aufgeführt - dem ersten Auftritt von Thom Yorke seit Beginn der Pandemie. Bei der Vorstellung des Songs widmete er ihn allen britischen Musikerkollegen. Im Januar spielten The Smile drei aufeinanderfolgende ausverkaufte Liveshows innerhalb von 24 Stunden in London. Diese Shows wurden gleichzeitig per Livestream an ein weltweites Publikum übertragen.

knallbunt ist nicht nur der Titel des fünften Albums des DUOhandinhand, sondern auch sein Motto. Vielfältig, vielfarbig, vielstimmig, viel(ge)schichtig, eben bunt und divers sind die elf Songs.

Das Duohandinhand besteht aus Annett Lipske und Beate Wein und erzeugt seit 2003 mit einem Fender Rhodes, Schlagzeug und ihren zwei Stimmen einen Sound, der „klingt wie 'ne Band“. Vielleicht funktioniert es ein bisschen wie bei einem Rhizom. Jede der beiden Musikerinnen ist eine Einheit, zusammen sind sie eine Vielheit.

Das neue Album wurde in den District Studios eingespielt, wo die beiden sich so richtig mit weiteren Farbtupfern durch diverse Tasten und Gerassel, Flügel, Hammond-Orgel und Analog-Synthie ausleben konnten. Auch Gäste setzten musikalische i-Tüpfelchen, an der Violine z.B. I-Hsuan Lee, am Vibraphon Lilia Antico und an der Klarinette Thorsten Müller.

Annett und Beate lieben es, in ihren Texten mit Worten, ihren Konnotationen und Bildern ebenso leichtfüßig und fundiert zu spielen, wie sie es auf der musikalischen Ebene tun. Die Musik ist das Transportmittel für ihre berührenden Geschichten, für Anregungen, Reflektionen, für Poesie, vorgetragen aber immer mit Witz, Charme und einem oder zwei Augenzwinkern. Dabei liefern sie keine ausgedachten Pointen im Sekundentakt, jaulen keine zum Heulen traurigen Deprisongs oder spielen Diskoschlagerhymnen ab, sondern schildern oder reflektieren ihre Lebenssituationen oder die anderer auf poetische Weise, manchmal ganz direkt, manchmal in Geschichten verpackt.

Kebu ist ein ist finnischer Keyboarder, Komponist und Produzent, der neue instrumentale, melodische Musik ausschliesslich mit analogen Synthesizern kreiert. Seine Musik zeichnet sich nicht nur durch den gekonnten Umgang mit diesen aus, sondern auch durch eine Publikumsfesselnde Live- Performance, ein Phänomen, das auf seinem Youtube-Kanal über 70 Millionen Views und Fans aus aller Welt auf sich aufmerksam gemacht hat. Kebu wurde 2018 mit dem Preis für den besten Künstler beim deutschen Schallwelle Musikpreis ausgezeichnet. Das dritte Studioalbum des Künstlers, das in einer Zeit der Abgeschiedenheit und Isolation der Menschen auf engstem Raum entstanden ist, setzt sich mit Träumen auseinander sowohl mit Schlaf- als auch mit Tagträumen. Das neue Album zelebriert sowohl Powerballaden als auch Soft Rock Beats aus den Achtzigern im Wesentlichen die Musik, die Kebu in seiner Jugend umgab und beeinflusste. Dennoch klingt es keinesfalls nostalgisch oder albern, denn Kebu kreiert die Musik auf eine Weise, als hätte sich die Welt in diesem Jahrzehnt nie bewegt. Kebu verschiebt wieder einmal die Grenzen dessen, was mit analogen Synthesizern möglich ist ähnlich wie bei Kebu‘s früheren Veröffentlichungen wurde «Urban Dreams» ausschliesslich mit analogen Synthesizern und analogen Drum-Maschinen aufgenommen. Kebu komponierte, spielte und mixte die Musik selbst. Im Moment bereitet sich Kebu auf ein Streaming-Konzert im September vor und geht im Frühjahr 2022 wieder auf die europäischen Strassen.

Limitiert auf 200 Stück. Nur bei HHV.

Diese besondere Edition kommt vierfarbig, mit einem Weiß-Cremeton als Grundlage und dreifarbigen Splattern in dunkelgrün, orange und gelb. Jede Platte ist ein Unikat.

Der Hamburger Musiker und DJ RVDS schließt sich mit dem meditativen, ohrenschmeichelnden Klangkunstwerk „Moods and Dances 2021“, einem musikalischen Geschenk aus einer Zeit, in der die Zukunft Vergangenheit sein wird, dem Label Bureau B an.
Inspiriert von der sphärischen Exotik und den fantasievollen Elektroniksounds der Library Music, beschwört Richard von der Schulenburg Palmen, Pyramiden, Promenaden und Portale herauf, die vom Zentrum eines Holodecks aus beobachtet werden. Die Stücke nehmen uns mit auf eine Reise durch den wilden Geräte-Dschungel in Richards Privatstudio und lassen sich als Hommage an die Klang-Schattierungen in seiner Sammlung verstehen. Ob mit geschmolzener 303 auf dem Gipfel des Mount Acid, ob improvisierter Jazz auf den Fendertasten oder live mit Bühnen-Pathos, Richards Musik ist in jedem Fall eine eindringliche, allumfassende Erfahrung. Gut möglich jedoch, dass diese Erfahrung noch nie unmittelbarer war als auf seinem neuesten Werk. Wir werden an die digitalen Ufer von „Mrs Yamaha’s Summer Tune“ gespült, wo Salzwasser glitzert, wo polierte Trommelstöcke glänzen und unaufdringliche Percussion erklingen. Die „Caravan of the Pentamatics“ führt uns zwischen Bäumen hindurch ins Landesinnere und schneidet eine Seidenstraße durch äthiopische Jazztöne und verschlungene Rhythmen, bis sie auf die geheimnisvolle Präsenz der Farfisa Sphinx trifft. Über einem sphärischen Bass schweben kryptische Melodien, ungreifbar und unwiderstehlich, so lange, bis sie von einem Sandsturm verschluckt werden. Das sanfte, jazzige „Roland’s Night Walk“ gönnt uns ein wenig Erholung von den Gottheiten der Wüste, auch wenn Schüsse in der Ferne und das unentwegte Zirpen der Zikaden der spröden Majestät des sanften Tastenspiels zusätzliche Spannung verleihen. Die Morgendämmerung bringt Kummer, vermittelt durch mit Tau benetzte Melodien und leidvollen Tönen aus Richards DX7, und doch ... irgendwo wird getanzt, zu dem treibenden Bass, dem gespenstischen Gesang und den arabesken Sounds von „The Space Pentas“, einem kosmischen, sich unentwegt steigernden Boogie. Durstig von den Derwischtänzen, ist es nur folgerichtig, wenn wir uns in der „Wersimatic Space Bar“, einer Bar vollgestopft mit allerhand Exoticas, ein paar Drinks genehmigen. Im vorletzten Stück feiert der Boogie seine Rückkehr als derangiertes, dementes und diabolisches Chaos direkt vom „Planet Dragon“, übersetzt in einem Wettkampf der Soundeffekte. Abschied bringt immer, egal auf welchem Planeten, einen süßen Schmerz mit sich, der in „The End (Lala)“ unter Mithilfe von Raumsirenen, schlaftrunkenen Bässen und anfallartigem Rauschen in getragenem Tempo wundervoll eingefangen wird. Ganz sicher hatten Library Music sowie die verwendeten Geräte einen erheblichen Einfluss auf dieses Album, und dennoch transportiert dieser faszinierende, intergalaktische Trip weitaus mehr Leidenschaft als jedes Potpourri. Er ist spielerisch, poetisch und enigmatisch zugleich, also in jedem Fall ein waschechter RVDS.
- Patrick Ryder