Suche "adidas country" 71 Artikel

Bartees Strange ist mit Angst aufgewachsen. Seine Familie erzählte ihm schon als kleines Kind Gruselgeschichten, um ihm Lektionen fürs Leben zu erteilen, und schon früh fing er an, sich Gruselfilme anzusehen, um sich darin zu üben, stark zu sein. Die Welt kann ein furchteinflößender Ort sein, und für einen jungen, queeren, schwarzen Menschen im ländlichen Amerika kann dieser Terror sehr schmerzhaft sein. Sein am 14. Februar 2025 erscheinendes neue Studioalbum "Horror" ist entsprechend ein Album, in dem es darum geht, sich diesen Ängsten zu stellen und zu jemandem zu werden, den man fürchten muss.Strange begann die Arbeit an "Horror" in seinem Homestudio. Eine Session mit Yves und Lawrence Rothman (Yves Tumor, Lady Gaga) lieferte das rhythmische und klangliche Rückgrat für große Teile des Albums. Nachdem Strange Jack Antonoff (Taylor Swift, Lana Del Rey...) kennengelernt hatte und die beiden schnell Freunde wurden, arbeitete Strange an Material für Antonoffs Band Bleachers und Antonoff an "Horror". Die beiden beendeten die Arbeit am Album gemeinsam, indem sie die Songs roh bearbeiteten, editierten, arrangierten und sie in Kleidung kleideten, die Angst einflößt. Während des gesamten Albums legt Strange eine schwierige Wahrheit nach der anderen ab. Auf den 12 neuen Tracks des Albums finden sich genreübergreifende Fäden der Musik, die sein Vater ihm nahegebracht hat - Parliament Funkadelic, Fleetwood Mac, Teddy Pendergrass und Neil Young - die mit Stranges Interesse an Hip-Hop, Country, Indie-Rock und House verschmelzen.Seit dem Release seines 4AD-Debüts "Farm to Table" (2022) spielte Bartees Strange neben eigenen Headline-Touren (und einem Auftritt beim letztjährigen Reeperbahn Festival) im Vorprogramm von Acts wie boygenius, Clairo, Dijon und The National. Während eine Tour zum neuen Album noch angekündigt werden wird, gibt es schon eine Reihe von Release-Shows in 2025 in New York, Los Angeles, Washington D.C. und London.Geboren in Ipswich, England, als Sohn eines Militärvate...

Un-American Activities is the 11th Studio album by Molly Nilsson. Written and recorded entirely on location in California at the former home of writer, poet and early opponent of the National Socialist regime in 1930s Germany, Lion Feuchtwanger and his wife Marta. An album of experimentation, genre-mashing and, above it all, Nilsson’s instantly recognisable melodic skill and empathy, it continues the songwriter’s explorations of power, freedom, oppression and its opposing force, a love unbound.

After accepting an artist residency as part of the Villa Aurora program, Nilsson began work crafting a new album from scratch in a new environment, afforded the freedom, space and time to challenge her practice and take her music into new territory. The resulting work, Un-American Activities, is a love note not only to the artist who was among the very first to be declared an “enemy of the state” by the Nazi regime but also to both the eternal struggle he fought and the human spirit that pervades all of Nilsson’s best work. It is also a double-pointed poison pen letter: a critique of the new forms of oppression wielded by her temporary adopted country of the USA but also an acknowledgement of the promise it always offers but never fulfils.

Along with the novel use of colour and photography in the artwork for Un-American Activities, there are swathes of new techniques, genres and timbres new to Molly Nilsson’s music in evidence, 16 years into her music career. On Jackboots Return is an icicle-cold New Beat track that deals directly with the current situation in Germany and the resurgent Nazi-affiliated AfD. The question the song asks is, what’s the timeframe we’re talking about? Is this the 30s, or somewhere a lot closer to home? The beat is picked up on The Communist Party, Nilsson’s deepest bow to House music, evoking the early 90s Rave pioneers, Belgian 80s music and Vogue-era Madonna. Here the lyrics are direct quotes from the McCarthy-era, anti-Communist pamphlet 100 Things You Should Know About Communism in the U.S.A. The Beauty Of The Duty does to pounding Electro what Nilsson’s last album Extreme did to Metal: subsume it into the Molly Nilsson aesthetic. It goes hard.

While Un-American Activities finds Nilsson experimenting, creating instinctive music on a first-thought-best- thought basis there are still “classic” Molly moments liberally spread throughout. Excalibur feels like the Molly of old, an absolute star of a chorus refrain smudged with the vaseline of fuzz and hope, Red Telephone is wide-eyed, slathered in reverb and chorus effects, distorted with soaring melody, a heart-tugger that tugs the body upwards to the heavens with each evolving wave. Glistening digital tones wash through the album, providing a Y2K etherealness to Nilsson’s audacious Stars and Stripes reference to Wetcheeks. Perhaps the album’s standout, however, is Palestine (Somewhere Over The Rainbow), which is suffuse with empathy, solidarity and, in referencing the classic socialist-penned canon song from The Wizard Of Oz, speaks directly to the tradition of fighting oppression with full hearts of hope.

Mit mehreren erfolgreichen Singles in den deutschen Radiocharts, einer fast ausverkauften
Debüttour und Auftritten im deutschen Fernsehen vor einem Millionenpublikum hat sich der
sympathische Finne als Solokünstler etabliert. Musikalisch hat Riku Rajamaa ebenfalls Quantensprünge gemacht und bewiesen, dass er weit mehr als nur der ehemalige Lead-Gitarrist
von Sunrise Avenue ist.
Am 20. September 2024 erscheint nun seine EP „Blood Sweat Tears“ als 12“ Vinyl. Dieser
wird zudem auch ein exklusives Gitarren Plektrum beigelegt. Mit der gleichnamigen Single
stellt Riku wieder einmal sein Ausnahmetalent unter Beweis einen Ohrwurm zu kreieren, den
man direkt mitsingen möchte. Die weiteren Singles auf der EP spiegeln seine Vielseitigkeit
wider, mal melancholisch und tiefgründig, mal positiv und charmant. Seine Musik ist ehrlich
und emotional. Man darf also gespannt bleiben, was der sympathische, fi nnische „Guitar
Nerd“ noch alles für uns bereithält und was er noch erreichen wird, wenn er sich nach so
kurzer Zeit schon erfolgreich einen Namen als Solokünstler gemacht hat.
Im Herbst 2024 geht Riku erneut auf Tour durch Deutschland und Österreich. Auch diese Tour
verspricht etwas ganz Besonderes zu werden, ein Erlebnis welches den Fans noch lange in
Erinnerung bleiben wird, denn Riku schafft immer eine besondere, familiäre Atmosphäre.

Der Produzent, DJ, Songwriter und Musiker Roosevelt veröffentlicht sein mit Spannung erwartetes neues Album auf Counter Records! „Embrace“ ist der Nachfolger seines gefeierten Albums, „Polydans“, aus dem Jahr 2021 und ein klanglich lebendiges und zutiefst persönliches kreatives Statement des deutschen Multiinstrumentalisten, der sich schnell einen Ruf als eines der innovativsten Musiktalente der Welt erarbeitete.

„Embrace“ wurde komplett von Roosevelt (bürgerl. Marius Lauber) geschrieben, aufgenommen und produziert. Das Album enthält zutiefst persönliche Texte und gefühlvolle Instrumentalstücke, wie man sie bislang von früheren Roosevelt-Veröffentlichungen noch nicht kennt. Da er sich von der Musikindustrie entfremdet fühlte und mit dem Impostor-Syndrom kämpfte, nahm Lauber sein Heimstudio mit auf Tour, um sich wie nie zuvor voll und ganz in den Schreibprozess zu vertiefen.

Mit improvisierten Setups in Städten auf der ganzen Welt hat Lauber ein Album geschaffen, das gleichermaßen intim und groß klingt, mit kaleidoskopischen Synthesizer-Arrangements und süchtig machenden Disco-Basslines. Der Titel des Albums entstammt Laubers Erkenntnis, dass viele seiner Freunde aus der Kindheit mit 30 Jahren „richtige Jobs" gefunden hätten, während er immer noch on the road war und den Lebensstil eines Künstlers lebte - der Titel „Embrace“ fungiert dabei als Hinweis an den Künstler selbst - eine Erinnerung daran, die unvorhersehbaren Wendungen des Lebens zu akzeptieren.

Roosevelts ohnehin schon sehr geschäftiges Jahr 2023 folgt auf frühere hochkarätige Kollaborationen mit Nile Rodgers, Classixx und Washed Out sowie auf wichtige Remixe für Künstler:innen wie Taylor Swift, Chvrches, Glass Animals und Charlotte Gainsbourg.

Contours Take Off From Mercy ist eine Reise ins Herz des Noir mit Einflüssen aus Beatmaking, Hip-Hop, Indie und brasilianischer Musik. Nach dem hochgelobten Album Onwards! aus dem Jahr 2022 und Tourneen mit Künstlern wie Erika de Casier und Billy Woods, geht Khari Lucas mit Take Off From Mercy neue Wege in seinem Schaffen und seinen Geschichten. Das Debütalbum von Contour für Mexican Summer, Take Off from Mercy, erweitert die bereits bekannte Stimme des Künstlers aus South Carolina, indem es gitarrenbetonte Musik, Tropicalia, Blues und die ungeschminkte Ehrlichkeit der Rap-Musik in eine lebendige Darstellung einer langen Tagesreise in die Nacht integriert. Lucas tritt als prägnanter Lyriker und vitaler Songwriter hervor. Unterstützt von seinem Co-Produzenten Omari Jazz und geschätzten Kollaborateuren wie Mndsgn und Saul Williams ist Contour ein wichtiges Mitglied einer Gruppe junger Künstler, die die Traditionen der schwarzen Musik mit modernem, avantgardistischem

"Forever Jan” packt 25 (!) Jahre in die derbstmögliche Compilation – und macht, bei aller stilistischen Diversität, dabei vor allem den roten Faden dieser in jeder Hinsicht außergewöhnlichen Karriere erkennbar. Jan Delay ist selbst zu einer Ikone des deutschen Pop geworden: Er hat geprägt, wie Musik in diesem Land klingt, und er hat ganze Generationen dazu inspiriert, auf ihr Raveheart zu hören und konsequent ihr Ding zu machen.

Vor allem aber ist er immer Fan geblieben. Wer einmal morgens um fünf Uhr einen Dancefloor mit Jan geteilt oder mit ihm über die letzte Platte von Soundso diskutiert hat, ja wer ihn auch nur einmal auf der Bühne erlebt hat, weiß, was ihm Musik bedeutet, wie sie ihn antreibt, wie sie sein Wirken definiert. Die Beats, der Bass, der ganze Bumms, das ist sein Element. Und er hat diese Leidenschaft stets sehr direkt in seine eigenen Projekte überführt. Wer “Forever Jan” hört, weiß: Dieses Feuer wird für immer brennen.

"Forever Jan" kommt inkl. 2 neuen Tracks, Klassikern, Raritäten und Floorfillern.

Limitiertes Hardcover Book im Vinyl-Format inkl. 2 neuen Tracks: 5-fach Vinyl (farbig, 180g) und 2 CDs mit eingeklebten 20-seitigem Booklet und signiertem DIN-A5-Foto

Es gibt nichts Universelleres als die Vergänglichkeit. Noths neues Album “Lieder vom Verschwinden” (VÖ September 2023) versucht auszudrücken, was sich nicht in Worte fassen lässt. Ein zum Scheitern verurteiltes Unterfangen, dem man deshalb umso lieber lauscht. Es ist 2020, Europas Bordsteine klappen hoch, in Hamburg ist Ausgangssperre: Luis Schwamm reist aus Köln an und besetzt für einige Wochenenden Linus Kleinlosens Schlafsofa. Das ist die Geburtsstunde von Noth, einer Band auf der Suche nach den Außengrenzen des deutschsprachigen Indie-Pops. Das klingt, als würde eine britische Post-Punk-Band ein Liedermacher-Album spielen. Empathisches Storytelling wie bei Andy Shauf, Musik- und Sprachwitz wie bei der Höchsten Eisenbahn und energetische Ausbrüche wie bei Black Country, New Road prägen den Bandsound. Noths musikalische Eskapaden hinterlassen Kaffee- und Rotweinflecken auf dem Schlafsofa und “No Future”-Aufnäher auf Frank Sinatras Gala-Jäckchen. Noths Debüt „Die Wahrheit über Arndt“ erscheint 2022 bei Backseat - ein StorytellingKonzeptalbum zwischen psychotischer Office-Operette und akustischer Road-Novel. Eine bittersüße Geschichte von einem Hannoveraner Startupper, der sich in Tagträumen, Steuerhinterziehung und Paralleluniversen verliert. Für ihre aktuelle Platte haben Noth „Lieder vom Verschwinden“ gesammelt; Kippbilder aus Protestsong und Lobgesang, aus Punk und Zen. Denn überall verschwindet etwas, das sich lohnt, beim Verschwinden beobachtet zu werden: Die frühere Stammkneipe muss der hippen Cocktailbar weichen, der fertige Referendar flüchtet vor seiner eigenen Abschiedsfeier, und die Indieband fällt der Gentrifizierung zum Opfer. Ein Album für die ganze Familie.

Mit „1989“ (Taylor‘s Version) veröffentlicht Taylor Swift im Oktober bereits die vierte Neuaufnahme ihrer ersten sechs Studioalben. Mit dem Longplayer vollendete der Superstar den Wandel von einer Countrymusikerin hin zu einem der größten Popmusik Phänomene. Dieses mit Spannung erwartete Album enthält die Swift Klassiker „Blank Space“, „Style“ und “Bad Blood“.

Wie schon bei den vorherigen Neuaufnahmen „Fearless“, „Red“ und „Speak Now“, freuen sich die Fans schon jetzt auf die fünf unveröffentlichten „Vault-Tracks“. Diese heißen: „Is It Over Now?“, „Now That We Don’t Talk“, „Say Don‘t Go“, „Suburban Legends“ und “Slut!” and sogar noch einen Bonus Track.

Über das Album „1989“ sagte der Star: „Um ganz ehrlich zu sein, ist es meine Lieblings-Neuaufnahme, die ich je gemacht habe, weil die fünf „From The Vault“-Tracks wahnsinnig toll sind. Ich kann nicht glauben, dass sie jemals zurückgelassen wurden. Aber nicht mehr lange!“

Das Album „1989“ enthält 21 Lieder, darunter fünf bisher unveröffentlichte Songs (From The Vault) und ist als wunderschöne mandaringelbe Vinyl erhältlich.

Mit „1989“ (Taylor‘s Version) veröffentlicht Taylor Swift im Oktober bereits die vierte Neuaufnahme ihrer ersten sechs Studioalben. Mit dem Longplayer vollendete der Superstar den Wandel von einer Countrymusikerin hin zu einem der größten Popmusik Phänomene. Dieses mit Spannung erwartete Album enthält die Swift Klassiker „Blank Space“, „Style“ und “Bad Blood“.



Wie schon bei den vorherigen Neuaufnahmen „Fearless“, „Red“ und „Speak Now“, freuen sich die Fans schon jetzt auf die fünf unveröffentlichten „Vault-Tracks“. Diese heißen: „Is It Over Now?“, „Now That We Don’t Talk“, „Say Don‘t Go“, „Suburban Legends“ und “Slut!” and sogar noch einen Bonus Track.

Über das Album „1989“ sagte der Star: „Um ganz ehrlich zu sein, ist es meine Lieblings-Neuaufnahme, die ich je gemacht habe, weil die fünf „From The Vault“-Tracks wahnsinnig toll sind. Ich kann nicht glauben, dass sie jemals zurückgelassen wurden. Aber nicht mehr lange!“



Das Album „1989“ enthält 21 Lieder, darunter fünf bisher unveröffentlichte Songs (From The Vault) und ist als wunderschöne mandaringelbe Vinyl erhältlich.

Der Produzent, DJ, Songwriter und Musiker Roosevelt veröffentlicht sein mit Spannung erwartetes neues Album auf Counter Records! „Embrace“ ist der Nachfolger seines gefeierten Albums, „Polydans“, aus dem Jahr 2021 und ein klanglich lebendiges und zutiefst persönliches kreatives Statement des deutschen Multiinstrumentalisten, der sich schnell einen Ruf als eines der innovativsten Musiktalente der Welt erarbeitete.

„Embrace“ wurde komplett von Roosevelt (bürgerl. Marius Lauber) geschrieben, aufgenommen und produziert. Das Album enthält zutiefst persönliche Texte und gefühlvolle Instrumentalstücke, wie man sie bislang von früheren Roosevelt-Veröffentlichungen noch nicht kennt. Da er sich von der Musikindustrie entfremdet fühlte und mit dem Impostor-Syndrom kämpfte, nahm Lauber sein Heimstudio mit auf Tour, um sich wie nie zuvor voll und ganz in den Schreibprozess zu vertiefen.

Mit improvisierten Setups in Städten auf der ganzen Welt hat Lauber ein Album geschaffen, das gleichermaßen intim und groß klingt, mit kaleidoskopischen Synthesizer-Arrangements und süchtig machenden Disco-Basslines. Der Titel des Albums entstammt Laubers Erkenntnis, dass viele seiner Freunde aus der Kindheit mit 30 Jahren „richtige Jobs" gefunden hätten, während er immer noch on the road war und den Lebensstil eines Künstlers lebte - der Titel „Embrace“ fungiert dabei als Hinweis an den Künstler selbst - eine Erinnerung daran, die unvorhersehbaren Wendungen des Lebens zu akzeptieren.

Roosevelts ohnehin schon sehr geschäftiges Jahr 2023 folgt auf frühere hochkarätige Kollaborationen mit Nile Rodgers, Classixx und Washed Out sowie auf wichtige Remixe für Künstler:innen wie Taylor Swift, Chvrches, Glass Animals und Charlotte Gainsbourg.

Der Produzent, DJ, Songwriter und Musiker Roosevelt veröffentlicht sein mit Spannung erwartetes neues Album auf Counter Records! „Embrace“ ist der Nachfolger seines gefeierten Albums, „Polydans“, aus dem Jahr 2021 und ein klanglich lebendiges und zutiefst persönliches kreatives Statement des deutschen Multiinstrumentalisten, der sich schnell einen Ruf als eines der innovativsten Musiktalente der Welt erarbeitete.

„Embrace“ wurde komplett von Roosevelt (bürgerl. Marius Lauber) geschrieben, aufgenommen und produziert. Das Album enthält zutiefst persönliche Texte und gefühlvolle Instrumentalstücke, wie man sie bislang von früheren Roosevelt-Veröffentlichungen noch nicht kennt. Da er sich von der Musikindustrie entfremdet fühlte und mit dem Impostor-Syndrom kämpfte, nahm Lauber sein Heimstudio mit auf Tour, um sich wie nie zuvor voll und ganz in den Schreibprozess zu vertiefen.

Mit improvisierten Setups in Städten auf der ganzen Welt hat Lauber ein Album geschaffen, das gleichermaßen intim und groß klingt, mit kaleidoskopischen Synthesizer-Arrangements und süchtig machenden Disco-Basslines. Der Titel des Albums entstammt Laubers Erkenntnis, dass viele seiner Freunde aus der Kindheit mit 30 Jahren „richtige Jobs" gefunden hätten, während er immer noch on the road war und den Lebensstil eines Künstlers lebte - der Titel „Embrace“ fungiert dabei als Hinweis an den Künstler selbst - eine Erinnerung daran, die unvorhersehbaren Wendungen des Lebens zu akzeptieren.

Roosevelts ohnehin schon sehr geschäftiges Jahr 2023 folgt auf frühere hochkarätige Kollaborationen mit Nile Rodgers, Classixx und Washed Out sowie auf wichtige Remixe für Künstler:innen wie Taylor Swift, Chvrches, Glass Animals und Charlotte Gainsbourg.

Fran Lobo kündigt ihr Debütalbum 'Burning It Feels Like' für den 18. August an (via Heavenly)!

Für die Sängerin, Songwriterin und Produzentin Fran Lobo aus dem Nordosten Londons gipfelte dies in dem, was sie als "Liebessucht" bezeichnet. Sie verlor sich häufig in den berauschenden, oft ungesunden Beziehungen zu anderen Menschen. Ihr Debütalbum 'Burning It Feels Like' thematisiert genau diese Gefühle und inneren Kämpfe, macht sich jedoch auch über sie lustig. “I’m accentuating this slightly comical idea that, ‘oh, this person will save me!’”, erzählt Fran über die Flucht in die Romantik, Fantasie und Sehnsucht. “Trying to win somebody over to feel like you’re worth something; the addiction, the attention.”

Inspiriert von Kate Bush, Mariah Carey, Björk, Prince, der R&B-Besessenheit ihrer Mutter und der Liebe ihres Vaters zu Rock und Country, pendeln sich die neuen Songs zwischen experimentellen Pop, Post-Punk und Lo-Fi ein, nehmen dabei aber oft unerwartete Wendungen. “Within every track, it became a theme of turning everything on its head; having an outro you wouldn’t expect, flipping the words a bit – this cut-paste collage where nothing is safe”, ergänzt Fran, die auch Teil des Projektes Deep Throat Choirs ist.

DON Marco & DIE Kleine Freiheit überzeugen auf ihrem zweiten Album „Ewig Und Drei Tage“ mit einem fulminanten Mix aus Glamrock, Powerpop, Folk / Country, Rhythm & Blues, New Wave, frühe NDW und Indierock. „Ewig Und Drei Tage“ erscheint als CD im Digipackformat sowie als Doppel-Vinyl-Edition auf OFF Label Records. DON Marco & DIE Kleine Freiheit ist das „neue“ musikalische Projekt von Markus „don Marco“ Naegele. Nach zwei englischsprachigen Alben als Songwriter, Sänger und Gitarrist der Indie-Garage-Band Fuck Yeah ist er zur deutschen Sprache übergewechselt und sucht nach neuen Ausdrucksformen, Gitarrenmusik amerikanischer Prägung mit seiner Muttersprache zu verbinden, ohne sich stilistisch festlegen zu wollen.„Ewig und drei Tage“ ist das zweite Album nach „Gehst Du mit mir unter“, dem 2021 erschienenen Debüt. Never mind große Durchbrüche oder Streamingrekorde – darum gibt es die 18 Lieder von „Ewig und drei Tage“ auch auf Gatefolddoppelvinyl, auf dem die wirklich wichtigen Themen verhandelt werden: „Zahnfleisch“, „Rote Beete“, „Peter Maffay“, „Bis zur Rente“ oder „Die Welt ist nicht gerecht“ seien hier genannt. Bei den Aufnahmen selbst wurde das Experiment vom Debütalbum wiederholt. Ohne große Proben und Absprachen ging es erneut für einige Tage nach Niederding zu Bonifaz Prexl ins Bones Studio außerhalb Münchens. Aus Berlin reisten wieder Lap-Steel-Gitarrist Kristof Hahn (swans, LES Hommes Sauvages) und Bassist TIM Jürgens (die Liga DER Gewöhnlichen Gentlemen, Superpunk) an, dazu gesellte sich die München-Bande bestehend aus Gitarrist Philip Bradatsch, Drummerin Maria DE VAL (u.a. ME & Marie, Ganes), Keyboarderin Teresa Staffler (drip, Schotter) und Gitarrist Kevin Ippisch (Fuck Yeah) sowie Akkordeonist Maxi Pongratz (kofelgschroa). Überhaupt ist der Sound gegenüber dem Debütalbum noch reicher und breiter angelegt. „Ich wollte mich noch weiter aus der klassischen Indierock-Komfortzone herausbewegen, habe mir ein Fender-Rhodes-Piano und alte Drumcomputer zugelegt, mit gewagten Chorgesängen herumexperimentiert.“Ein Album wie eine musikalische Wundertüte!

Diese auf eintausend Stück limitierte Edition gibt es nur für HHV Kundschaft.

Urlaub. Nicht nur in Italien.

Ein Rucksacktrip durch Australien, ein Lagerfeuer im Schrebergarten.

Im Auto mit den FreundInnen durch die Lüneburger Heide oder einfach kurz Ferien im Kopf, in der verregneten Mittagspause oder mit einem Glas Schorle auf dem Balkon.

Und dazu gehört Musik, Musik, Musik!

Grooves, die rollen wie ein Intercity in die Ferne, Rhodes-Akkorde weich wie der Sand am Strand und Synthesizer, die funkeln wie die Reflexionen auf dem Ozean.

Musik, so bunt wie ein Hawaiihemd und so wärmend wie die Morgensonne.

Herzlich willkommen auf Erobiques zweitem Album: „Erobique No.2“

Hier sind sogar die Songtitel in Urlaubsstimmung:

„Ahoj!“ grüßt der junge „Springinsfeld“. Die „Mantas“ gleiten elegant um die „Acquamarina“. „Salut les Copines!“ rufen wir ins Nachbarboot. „Kommt doch mit auf den ‚Ravedave!‘“ schallt es fröhlich zurück. „Riding Low“ heißt die Devise, und der „Arpeggiator“ verdichtet auf wundervolle Art und Weise die „Synaesthesie“ der vernebelten Sinne. Das „Italotape“ im Kassettendeck spielt den „Hitsong von uns Beiden“. Das ist alles so schön „Verkackt“, das klingt doch wie „Zukunftsmusik“!

Carsten Meyer brachte 1998 unter dem Namen „Erobique“ sein Debut „Erosound“ heraus. Genau 25 Jahre später veröffentlicht der nun 50-jährige sein zweites Erobique-Album auf seinem eigenen Label A-sexy.

Dreizehn abwechslungsreiche Tracks und Songs zwischen Feriendisco und Rhythmusbox-Rave, aufgenommen und produziert mit vielen seiner FreundInnen und WegbegleiterInnen.

25 Jahre, das ist ziemlich genau die Zeit, die Disco von den legendären Loftparties des Pioniers David Mancuso zu den beeindruckenden Massenspektakeln der Auftritte von Daft Punk gebraucht hat.

Oder aber von Meyers Geburt bis zu seiner ersten Langspielplatte. Warum also erst jetzt ein zweites Album als „Erobique“? Auftritte improvisiert Meyer seit Jahren vor tanzendem Publikum. Selbst seine Hits „Easy Mobeasy“ und „Urlaub in Italien“ sind keine Popsongs im eigentlichen Sinne, sondern entstanden aus spontanen Eingebungen, im Adrenalinrausch, mitten auf der Party, mitten im Moment! Mitgesungen und wieder verklungen. Live mitgeschnitten und raus damit. Bloß nicht wiederholen! Jedes Erobique-Konzert ist ein Versuch, Unvorhergesehenes, Ungeahntes und Unfälle zu einem einzigartigen Dabeisein-Moment zu bauen. „Fehler ist King“ sagte der geistreiche Knarf Rellöm einmal - und Carsten Meyer ist der King der Fehler!

Wie soll man solche Momente denn bitteschön im Studio hervorzaubern, so ganz ohne Fete, ohne die Energie, die auf so einem Kindergeburtstag für Erwachsene auf die Bühne zurückschwappt?

Meyer entsann sich eines anderen Erobique-Hits, und wandelte seinen Titel entsprechend ab:

Er kollaborierte mit einer Überdosis Freude!

Schlagzeuger Lucas Kochbeck (The KBCs, Bacao Rhythm & Steel Band), der Carsten mittlerweile auch bei seinen Live-Gigs unterstützt, sowie Nachbar und Kumpel Christoph M. Kaiser, (ehemals Bassist bei den Jeremy Days, mittlerweile Filmmusik- und Popstratege) legten das Groove-Fundament mit leuchtenden Kacheln, wie einst im Trinity, Hamburgs legendärer 80er-Disko.

Sophia Kennedy kam zum Singen aus dem Nachbarstudio vorbei und Lieven Brunckhorst schleppte gleich den ganzen Bläsersatz von Jan Delays Big-Band Disco No1 mit vors Mikrofon.

Harfen, Xylophone und Violinen nahm Meyer in seinem Musikraum beim Hamburger Fischmarkt oder bei Tobias Levin, in dessen Electric-Avenue Studio mit Fleetblick, auf.

Es ging nach Berlin, wo Carsten sich endlich mit seinem Held Siriusmo traf, um einige Ideen durch den elektronischen Wolf zu drehen. Nicola Rost von Laing schaute vorbei und hinterließ unfassbar dichte Chöre und herrliche Gesänge.

Zum Schluß wurden alle Spuren ins schwäbische Ludwigsburg gebracht, wo Freundeskreis-DJ und Discoexperte Martin Welzer alias DJ Friction dem ganzen Wahnsinn einen unglaublich warmen und dancefloor-freundlichen Gesamtklang verschraubt hat.

Zurück zum Zeichenbrett: Das Coverartwork ist, wie alle A-sexy Veröffentlichungen,

von Meyer höchstpersönlich gemalt und gestaltet, schließlich war sein ursprünglicher Berufswunsch ja Schulbuchillustrator.

So entstand im Laufe eines Sommers eine musikalische Pralinenschachtel, die nicht nur die Holiday-Playlist seiner Fans und HörerInnen bereichern wird, sondern auch sein mehrere Quantenbyte tiefes Archiv von Ideen und Skizzen ein kleines bisschen dünner werden ließ.

Denn außerhalb seiner Diskomessen, landauf-landabwärts, ist Meyer im letzten Vierteljahrhundert ja nicht untätig geblieben:

In den Jahren von 1998 bis 2006 entwickelte er mit DJ Koze und Cosmic DJ als International-Pony hypermodernen Elektronik-Soul.

Er betreute zusammen mit Jacques Palminger und Chris Dietermann beim Projekt „Songs for Joy“ am Maxim-Gorki-Theater Berlin Hobby-SongtexterInnen beim Popmusizieren, so entstand 2007 der heimliche Hit „Wann Strahlst Du?“ mit dem tollen Text von Barbara Stützel.

Überhaupt, Theater: Für den Theaterregisseur Herbert Fritsch arrangierte er die Hits von Gino Paoli und Hugo Wolff für überdrehte Abende am Schauspielhaus Zürich (2016) und am Residenztheater München (2015), für Stefan Pucher drehte er die Märchen Hans Christian Andersens durch den Heimorgelwolf (2010).

Für die Kollegen von Studio Braun brachte er die „Dorfpunks“ am Schauspielhaus Hamburg zum Klingen, direkt danach entwickelte er mit ihnen den authentischen Neue-Welle Sound für deren Mockumentary „Fraktus“, die 2012 in die Kinos kam.

Da wären wir also bei Film-und Fernsehmusiken. Auch hier gab es in den vergangenen Jahren für Meyer einiges zu tun. Am schönsten gelang ihm der Soundtrack für die beliebte Fernsehserie „Der Tatortreiniger“ mit Bjarne Mädel in der Titelrolle.

Ganz nebenbei brachte der „Tausendsassa“ (Zitat Peter Bursch) auch einige Alben auf seinem eigenen Label A-sexy heraus: Rumpel-Funk als „Babyman“, feinsten Chanson-Pop mit Palminger und Yvon Janssen für „Yvon im Kreis der Liebe“ und warmen, modernen Hammond-Jazz mit den „Hamburg Spinners“.

Und jetzt endlich sein Jubiläumsalbum, die Silberhochzeit mit sich selbst.

25 Jahre Carsten und Erobique, together forever und glücklich wie noch nie!

Auf die nächsten…Halt nein. So lange wollen wir nicht warten!

Die zwölf Songs auf 'UNITY' sind ein wilder Trip durch einen dicht gewebten musikalischen Dschungel, in dem es zirpt und surrt und zwitschert, Western Twang auf spacige Synthie-Flächen und Rock-Pop auf Dub und sexy Slow Funk. Manche Songs erzählen von biblischen Wundern, andere sind flammende politische Kampfreden, und wieder andere sind Cover: von einem Country-Klassiker, einem Sheryl-Crow-Hit, oder sogar von einem Bob-Dylan-Song mit deutschem Text ('Die Antwort weiß ganz allein der Wind', was man sich wirklich nur als eine der ganz großen Liederkünstlerinnen erlauben darf). Vielförmig ist das Spiel mit Texturen, Sample und Alltagsgeräuschen auf 'UNITY'. Und inmitten dieses satten Sound- und Themen-Blattwerks ist da natürlich diese Stimme, die in einem Wimpernschlag von opernhaft zu dämonisch umschwenken kann, von wahnsinnigen Höhen in furchteinflößende Tiefen, als wolle sie die Geschlechter miteinander kurzschließen. Nina Hagen schreit und zischt, schmettert und sprechsingt, reibt und überschlägt sich in elektronischen Verzerrungen. Sie führt musikalische Zwiegespräche. Mit uns und mit sich selbst. Wie aus einer anderen Welt hallt ihre Stimme hinüber in unsere Gegenwart. Kurzum: 'UNITY' ist ein grelles, warmherziges und vielfältiges Nina-Hagen-Spektakel, das belegt, dass sie mit 67 Jahren so produktiv wie eh und je ist.

Nina Hagen, die schönste und schrillste Brandstifterin zwischen Punk und Pop, Ost und West und Outta Space, die Deutschland je hervorgebracht hat, ist endlich zurück - mit ihrem neuen Album 'UNITY' auf Grönland Records.

Die zwölf Songs auf 'UNITY' sind ein wilder Trip durch einen dicht gewebten musikalischen Dschungel, in dem es zirpt und surrt und zwitschert, Western Twang auf spacige Synthie-Flächen und Rock-Pop auf Dub und sexy Slow Funk. Manche Songs erzählen von biblischen Wundern, andere sind flammende politische Kampfreden, und wieder andere sind Cover: von einem Country-Klassiker, einem Sheryl-Crow-Hit, oder sogar von einem Bob-Dylan-Song mit deutschem Text ('Die Antwort weiß ganz allein der Wind', was man sich wirklich nur als eine der ganz großen Liederkünstlerinnen erlauben darf). Vielförmig ist das Spiel mit Texturen, Sample und Alltagsgeräuschen auf 'UNITY'. Und inmitten dieses satten Sound- und Themen-Blattwerks ist da natürlich diese Stimme, die in einem Wimpernschlag von opernhaft zu dämonisch umschwenken kann, von wahnsinnigen Höhen in furchteinflößende Tiefen, als wolle sie die Geschlechter miteinander kurzschließen. Nina Hagen schreit und zischt, schmettert und sprechsingt, reibt und überschlägt sich in elektronischen Verzerrungen. Sie führt musikalische Zwiegespräche. Mit uns und mit sich selbst. Wie aus einer anderen Welt hallt ihre Stimme hinüber in unsere Gegenwart. Kurzum: 'UNITY' ist ein grelles, warmherziges und vielfältiges Nina-Hagen-Spektakel, das belegt, dass sie mit 67 Jahren so produktiv wie eh und je ist.

Nina Hagen, die schönste und schrillste Brandstifterin zwischen Punk und Pop, Ost und West und Outta Space, die Deutschland je hervorgebracht hat, ist endlich zurück - mit ihrem neuen Album 'UNITY' auf Grönland Records.

Die zwölf Songs auf 'UNITY' sind ein wilder Trip durch einen dicht gewebten musikalischen Dschungel, in dem es zirpt und surrt und zwitschert, Western Twang auf spacige Synthie-Flächen und Rock-Pop auf Dub und sexy Slow Funk. Manche Songs erzählen von biblischen Wundern, andere sind flammende politische Kampfreden, und wieder andere sind Cover: von einem Country-Klassiker, einem Sheryl-Crow-Hit, oder sogar von einem Bob-Dylan-Song mit deutschem Text ('Die Antwort weiß ganz allein der Wind', was man sich wirklich nur als eine der ganz großen Liederkünstlerinnen erlauben darf). Vielförmig ist das Spiel mit Texturen, Sample und Alltagsgeräuschen auf 'UNITY'. Und inmitten dieses satten Sound- und Themen-Blattwerks ist da natürlich diese Stimme, die in einem Wimpernschlag von opernhaft zu dämonisch umschwenken kann, von wahnsinnigen Höhen in furchteinflößende Tiefen, als wolle sie die Geschlechter miteinander kurzschließen. Nina Hagen schreit und zischt, schmettert und sprechsingt, reibt und überschlägt sich in elektronischen Verzerrungen. Sie führt musikalische Zwiegespräche. Mit uns und mit sich selbst. Wie aus einer anderen Welt hallt ihre Stimme hinüber in unsere Gegenwart. Kurzum: 'UNITY' ist ein grelles, warmherziges und vielfältiges Nina-Hagen-Spektakel, das belegt, dass sie mit 67 Jahren so produktiv wie eh und je ist.

Wir schreiben das Jahr 2022 nach Jesu Geburt. DER MANN melden sich zurück. Acht Jahre nach ihrem Debütalbum „Wir sind der Mann“ rufen Ramin Bijan, Maurice Summen, Michael Mühlhaus und Johannes von Weizsäcker mit TOP: „Wer auch immer uns vermisst hat: Wir sind wieder da!“

Im Frühsommer 2021 nämlich begab sich die Berliner Band für einen Monat ins Studio und spielte aus zuvor erarbeiteten Songskizzen eine neue Platte ein. Und hier ist nun TOP.

Zum Personellen: Man bräuchte schon ein Organigramm, um nachvollziehen zu können, welche (Ex)-Mitglieder von DER MANN, Die Türen, Baked Beans, Erfolg sowie Ja, Panik, The Chap und Blumfeld nun mal auf welcher Position in welcher dieser Bands gespielt haben und warum respektive warum dann wieder kurzzeitig nicht. Es reicht aber zu wissen, dass Sänger Maurice Summen und Bassist Ramin Bijan seit ihrer Teenager-Zeit, also seit mehr als 30 Jahren, zusammen Musik machen und das Gravitationszentrum von DER MANN sind.
Neben den aktuell nun vier Musikern sind auch die Künstler und Designer Helmut Kraus und Sebastian Kaltmeyer erneut dabei, als Band-Mitglieder, die bei DER MANN für das Visuelle zuständig sind. Außerdem ist auf einigen Songs der Berliner TOP-Drummer Moritz Baumgärtner zu hören.

DER MANN ist also wieder auferstanden. Damit passt er nicht nur vom Namen her bestens in eine Welt, in der ein großer Teil derselben den Ablauf eines Jahres noch immer ernsthaft an den Lebens- und Sterbedaten eines einzelnen, vor mehr als zwei Millennien geborenen und ständig wiederauftauchenden Dudes ausrichtet. DER MANN passt damit auch bestens in eine Zeit, in der sich die Menschen vor lauter fundamentaler Unsicherheit und einem daraus erwachsendem Bedürfnis nach dem Gewohnten in ein Spiegelkabinett des schon Bekannten begeben haben, in denen fortwährend das Beste der 70er, 80er und 90er läuft und nur ganz manchmal das Beste von Heute. Wer könnte es ihnen verdenken.

DER MANN haben sich musikalisch und visuell dafür entschieden, den Zeitpunkt Ende der 1970er und Anfang der 1980er fest zu umarmen. Das Cover: in der Ästhetik von Heaven 17s „Penthouse and Pavement“. Die dazu passenden Lifestyle-Accessoires: Kreditkarte, Rolex und Rolodex. DER MANN ist nämlich ein Yuppie. Auch so ein Wiedergänger, nur sieht der heute aus wie Christian Lindner und kommt auch mal im Hoodie daher. Was die musikalischen Ausdrucksformen angeht, hätten Gitarre, Schlagzeug, Bass und Synthesizer genau so auch schon vor 40 Jahren gespielt werden können.

Was DER MANN auf TOP jedoch thematisieren, ist eindeutig heutig. Es geht um Oberflächen-Phänomene. Im flotten Opener „SUV“ und dem zum Offbeat schunkelnden „Bewertungslied“ etwa um das fortwährende Hypen, Rummeinen und Raunen in den sozialen Medien. Es geht, im nachdenklich-sanften “Country, Western, Coaching & Consulting“ oder im Postpunk-Boogie-Hybrid “Peyote Retreat” um psychedelische Techniken, die mal subversiv waren, aber mittlerweile längst von Konzernen zur Mitarbeitermotivation und Umsatzsteigerung aufgesogen wurden. Und es geht um den Staat, der sich mit Fördergeldern und Stipendien eine Subkultur leistet (“Rock’n’Roll & Sozialstaat”), die sich dann überlegen kann, ob es die Hand, die sie füttert, überhaupt noch interessiert, ob sie nun gebissen wird oder nicht.

Kurz: Es geht auf TOP um alles, was einen in der spätkapitalistischen Gegenwart so richtig angruseln kann. Bei dem man aber, siehe Staatsgelder und Social Media, kaum NICHT nicht mitmachen kann, legt man Wert darauf, überhaupt in der Welt stattzufinden.

„Im Herz schmeißt du Steine/Im Kopf bist du müde“. In dieser Zeile steckt die ganze unausweichliche Ambivalenz, die TOP durchzieht. Keine Handlungsanweisungen, keine Rebellion, kein echter Ausweg, nirgends. DER MANN ist kein junger Aufrührer mehr, der noch glaubt, die Welt verändern zu können. DER MANN ist Ende 40, Anfang 50, also genau in dem Alter, in dem die Kinder für gewöhnlich auf dem Gröbsten raus sind und zu Hause etwas Ruhe einkehrt. Aber der Rücken und die Knie machen noch gut genug mit, dass er jetzt den Gipfel seiner Schaffenskraft erklimmen kann. Er ist erfahren und altgedient genug, um in der Firma in die C-Suite aufzusteigen. Als CEO weiß er, dass er nicht mal besonders viel Glück hatte, geschweige denn sich besonders anstrengen musste, sondern einfach nur so gut wie alle Privilegien auf seiner Seite hatte. Was ihm zunehmend unangenehm wird.

„Wir sind total privilegiert“, sagt Maurice Summen dazu – beziehungsweise zum anhaltenden Untergrund-Status seiner Männer-Band. „Aber wir haben recht wenig daraus gemacht.“

Aber nicht doch! TOP ist ist ein Alpha-Werk von einem Album geworden.

Anne Waak

Limitiert auf 100 weiße Exemplare, die es nur bei HHV gibt.

Wir schreiben das Jahr 2022 nach Jesu Geburt. DER MANN melden sich zurück. Acht Jahre nach ihrem Debütalbum „Wir sind der Mann“ rufen Ramin Bijan, Maurice Summen, Michael Mühlhaus und Johannes von Weizsäcker mit TOP: „Wer auch immer uns vermisst hat: Wir sind wieder da!“

Im Frühsommer 2021 nämlich begab sich die Berliner Band für einen Monat ins Studio und spielte aus zuvor erarbeiteten Songskizzen eine neue Platte ein. Und hier ist nun TOP.

Zum Personellen: Man bräuchte schon ein Organigramm, um nachvollziehen zu können, welche (Ex)-Mitglieder von DER MANN, Die Türen, Baked Beans, Erfolg sowie Ja, Panik, The Chap und Blumfeld nun mal auf welcher Position in welcher dieser Bands gespielt haben und warum respektive warum dann wieder kurzzeitig nicht. Es reicht aber zu wissen, dass Sänger Maurice Summen und Bassist Ramin Bijan seit ihrer Teenager-Zeit, also seit mehr als 30 Jahren, zusammen Musik machen und das Gravitationszentrum von DER MANN sind.
Neben den aktuell nun vier Musikern sind auch die Künstler und Designer Helmut Kraus und Sebastian Kaltmeyer erneut dabei, als Band-Mitglieder, die bei DER MANN für das Visuelle zuständig sind. Außerdem ist auf einigen Songs der Berliner TOP-Drummer Moritz Baumgärtner zu hören.

DER MANN ist also wieder auferstanden. Damit passt er nicht nur vom Namen her bestens in eine Welt, in der ein großer Teil derselben den Ablauf eines Jahres noch immer ernsthaft an den Lebens- und Sterbedaten eines einzelnen, vor mehr als zwei Millennien geborenen und ständig wiederauftauchenden Dudes ausrichtet. DER MANN passt damit auch bestens in eine Zeit, in der sich die Menschen vor lauter fundamentaler Unsicherheit und einem daraus erwachsendem Bedürfnis nach dem Gewohnten in ein Spiegelkabinett des schon Bekannten begeben haben, in denen fortwährend das Beste der 70er, 80er und 90er läuft und nur ganz manchmal das Beste von Heute. Wer könnte es ihnen verdenken.

DER MANN haben sich musikalisch und visuell dafür entschieden, den Zeitpunkt Ende der 1970er und Anfang der 1980er fest zu umarmen. Das Cover: in der Ästhetik von Heaven 17s „Penthouse and Pavement“. Die dazu passenden Lifestyle-Accessoires: Kreditkarte, Rolex und Rolodex. DER MANN ist nämlich ein Yuppie. Auch so ein Wiedergänger, nur sieht der heute aus wie Christian Lindner und kommt auch mal im Hoodie daher. Was die musikalischen Ausdrucksformen angeht, hätten Gitarre, Schlagzeug, Bass und Synthesizer genau so auch schon vor 40 Jahren gespielt werden können.

Was DER MANN auf TOP jedoch thematisieren, ist eindeutig heutig. Es geht um Oberflächen-Phänomene. Im flotten Opener „SUV“ und dem zum Offbeat schunkelnden „Bewertungslied“ etwa um das fortwährende Hypen, Rummeinen und Raunen in den sozialen Medien. Es geht, im nachdenklich-sanften “Country, Western, Coaching & Consulting“ oder im Postpunk-Boogie-Hybrid “Peyote Retreat” um psychedelische Techniken, die mal subversiv waren, aber mittlerweile längst von Konzernen zur Mitarbeitermotivation und Umsatzsteigerung aufgesogen wurden. Und es geht um den Staat, der sich mit Fördergeldern und Stipendien eine Subkultur leistet (“Rock’n’Roll & Sozialstaat”), die sich dann überlegen kann, ob es die Hand, die sie füttert, überhaupt noch interessiert, ob sie nun gebissen wird oder nicht.

Kurz: Es geht auf TOP um alles, was einen in der spätkapitalistischen Gegenwart so richtig angruseln kann. Bei dem man aber, siehe Staatsgelder und Social Media, kaum NICHT nicht mitmachen kann, legt man Wert darauf, überhaupt in der Welt stattzufinden.

„Im Herz schmeißt du Steine/Im Kopf bist du müde“. In dieser Zeile steckt die ganze unausweichliche Ambivalenz, die TOP durchzieht. Keine Handlungsanweisungen, keine Rebellion, kein echter Ausweg, nirgends. DER MANN ist kein junger Aufrührer mehr, der noch glaubt, die Welt verändern zu können. DER MANN ist Ende 40, Anfang 50, also genau in dem Alter, in dem die Kinder für gewöhnlich auf dem Gröbsten raus sind und zu Hause etwas Ruhe einkehrt. Aber der Rücken und die Knie machen noch gut genug mit, dass er jetzt den Gipfel seiner Schaffenskraft erklimmen kann. Er ist erfahren und altgedient genug, um in der Firma in die C-Suite aufzusteigen. Als CEO weiß er, dass er nicht mal besonders viel Glück hatte, geschweige denn sich besonders anstrengen musste, sondern einfach nur so gut wie alle Privilegien auf seiner Seite hatte. Was ihm zunehmend unangenehm wird.

„Wir sind total privilegiert“, sagt Maurice Summen dazu – beziehungsweise zum anhaltenden Untergrund-Status seiner Männer-Band. „Aber wir haben recht wenig daraus gemacht.“

Aber nicht doch! TOP ist ist ein Alpha-Werk von einem Album geworden.

Anne Waak

Limitiert auf ca. 500 Kopien. Für Deutschland, Schweiz und Österreich exklusiv bei HHV erhältlich.

Chet Faker alias Nick Murphy ist zurück mit seinem langerwartetem neuen Album. „Hotel Surrender“ ist ein strahlendes 10\-Track\-Album mit kraftvollen Basslinien und elektrisierenden Melodien. Es hat Chet Faker – und auch Murphy selbst – zurück in die Welt gebracht. Wie schon sein Debütalbum „Built on Glass“ (2014) schrieb und produzierte Murphy „Hotel Surrender“ selbst und stellte die meisten Songs vor Beginn von Covid19 im März 2020 fertig. Kurz nachdem die Pandemie einen weltweiten Stillstand verursacht hatte, verlor Murphy seinen Vater, und plötzlich bekam die neue Wohlfühlmusik eine noch tiefere Bedeutung für ihn. „Es gab eine Menge schwerer Perspektivwechsel für mich.\x26#34;, erinnert er sich. „Ich habe die Musik damals in einem anderen Licht gesehen und betrachte sie jetzt als eine Art Massentherapie. Früher fühlte es sich an, als wäre ich auf einem Kreuzzug oder einer kreativen Odyssee. Heute weiß ich, dass es etwas Schamanisches ist. Man muss ein Licht – oder manchmal auch die Dunkelheit – finden und es teilen. Mir wurde bewusst, dass das der Kern von Chet Faker war. Und ich hatte das Gefühl, dass die Welt litt, also wollte ich etwas tun, um den Menschen eine Freude zu machen.“

Sie ist die größte, einflussreichste Künstlerin der letzten Jahre, die Stimme ihrer Generation – und ab sofort auf Kurs aufs zweite Album: Billie Eilish kündigt ihr neues Album „Happier Than Ever“ für den 30. Juli an! Das Album wurde wie auch schon „WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?“ mit ihrem Bruder Finneas in Los Angeles aufgenommen. Das neue Werk mit 16 Tracks zählt jetzt schon zu den wichtigsten Veröffentlichungen des Jahres 2021.

Billie Eilish: Als begnadete Pop-Neudenkerin und Bedroom-Musikerin mit besonderem Bruder-Support ist die Kalifornierin in den letzten Jahren zur größten Musikikone der Welt avanciert. Jeder Track, jeder Look, jeder Social-Media-Post sorgte für neue Wellen – und machte sie zur wichtigsten Künstlerin im Post-Genre-Zeitalter. Geboren als Billie Eilish Pirate Baird O’Connell im Dezember 2001, ging schon ihr allererster Song „ocean eyes“ Ende 2015 durch die Decke – Billie war noch keine 14. Als dreieinhalb Jahre später mit „WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?“ ihr offizielles Debütalbum erschien, lag ihr die Welt bereits zu Füßen. Das Album ging in 18 Ländern auf Platz 1.

Auch in der Welt der physischen Releases und handfesten Musik-Awards war sie in den letzten zwei Jahren nonstop auf Rekordkurs: Während hierzulande etliche Songs vergoldet wurden (u.a. „When the party’s over“) und das milliardenfach gestreamte „bad guy“ sogar 2x Platin bekam, sicherte sich auch ihr Debütalbum „WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?“ Platin in Deutschland und kletterte bis auf Platz 3 in den Albumcharts.

Bei den Grammys schrieb Billie Eilish im Jahr 2020 Geschichte, als sie als erste weibliche Künstlerin in allen vier Top-Kategorien gewann – „Record Of The Year“, „Album Of The Year“, „Song Of The Year“ und „Best New Artist“. Insgesamt waren’s 5 Grammys, gefolgt von zwei weiteren im Jahr 2021 (u.a. noch mal „Record Of The Year“). Auch bei den BRITs ausgezeichnet und seit Februar 2021 im exklusiven Club der Musiker*innen mit eigener Doku in Spielfilmlänge („The World’s A Little Blurry“), durfte sie vor ihrem 20. Geburtstag auch den Titelsong für den kommenden Bond-Film „No Time To Die“ beisteuern.

Mit nunmehr 7 Grammys, 27 Mio. verkauften Alben und über 270 Mio. verkauften Tracks beginnt für Billie Eilish nun das zweite Kapitel: Ihr Album „Happier Than Ever“ erscheint am 30.07. und kann ab sofort vorbestellt werden.

Sie ist die größte, einflussreichste Künstlerin der letzten Jahre, die Stimme ihrer Generation – und ab sofort auf Kurs aufs zweite Album: Billie Eilish kündigt ihr neues Album „Happier Than Ever“ für den 30. Juli an! Das Album wurde wie auch schon „WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?“ mit ihrem Bruder Finneas in Los Angeles aufgenommen. Das neue Werk mit 16 Tracks zählt jetzt schon zu den wichtigsten Veröffentlichungen des Jahres 2021.



Billie Eilish: Als begnadete Pop-Neudenkerin und Bedroom-Musikerin mit besonderem Bruder-Support ist die Kalifornierin in den letzten Jahren zur größten Musikikone der Welt avanciert. Jeder Track, jeder Look, jeder Social-Media-Post sorgte für neue Wellen – und machte sie zur wichtigsten Künstlerin im Post-Genre-Zeitalter. Geboren als Billie Eilish Pirate Baird O’Connell im Dezember 2001, ging schon ihr allererster Song „ocean eyes“ Ende 2015 durch die Decke – Billie war noch keine 14. Als dreieinhalb Jahre später mit „WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?“ ihr offizielles Debütalbum erschien, lag ihr die Welt bereits zu Füßen. Das Album ging in 18 Ländern auf Platz 1.



Auch in der Welt der physischen Releases und handfesten Musik-Awards war sie in den letzten zwei Jahren nonstop auf Rekordkurs: Während hierzulande etliche Songs vergoldet wurden (u.a. „When the party’s over“) und das milliardenfach gestreamte „bad guy“ sogar 2x Platin bekam, sicherte sich auch ihr Debütalbum „WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?“ Platin in Deutschland und kletterte bis auf Platz 3 in den Albumcharts.





Bei den Grammys schrieb Billie Eilish im Jahr 2020 Geschichte, als sie als erste weibliche Künstlerin in allen vier Top-Kategorien gewann – „Record Of The Year“, „Album Of The Year“, „Song Of The Year“ und „Best New Artist“. Insgesamt waren’s 5 Grammys, gefolgt von zwei weiteren im Jahr 2021 (u.a. noch mal „Record Of The Year“). Auch bei den BRITs ausgezeichnet und seit Februar 2021 im exklusiven Club der Musiker*innen mit eigener Doku in Spielfilmlänge („The World’s A Little Blurry“), durfte sie vor ihrem 20. Geburtstag auch den Titelsong für den kommenden Bond-Film „No Time To Die“ beisteuern.



Mit nunmehr 7 Grammys, 27 Mio. verkauften Alben und über 270 Mio. verkauften Tracks beginnt für Billie Eilish nun das zweite Kapitel: Ihr Album „Happier Than Ever“ erscheint am 30.07. und kann ab sofort vorbestellt werden.

Limitiert auf 150 Exemplare im Gatefold-Cover, mit Bonus-Instrumental LP.

Das normale Album ist Schwarz, die Instrumentals sind Magenta. Mieke Miamis "Montecarlo Magic", das Nachfolgealbum ihres Debüts "In the Forest", (2016, Sonar Kollektiv) dunkelt nicht mehr durch den Wald, aber es herrscht auch wahrlich kein Lichtzwang. Eher eine besondere, positive Stimmung, die nach Innen und Außen strahlt, einen Zustand beschreibt, der zugleich innere Einkehr und Reise zu sein scheint: Florida, Kalifornien und Brandenburg schmiegen sich hier ganz nah aneinander. Vielleicht klappert noch ein Fluss durch das Bild und sicher spielen irgendwo Zauberer*innen mit Dingen verstecken: berauscht, verträumt und ganz sicher leicht zu finden. Denn in dieser Welt soll niemand gar nichts herumsuchen. Finde, was du willst, sagt Mieke.

Gleich der Opener "Californio" lässt mich an einen Aufenthalt in Los Angeles denken, ein imaginiertes Los Angeles, mehr gedacht als real. Absurd: ich war noch im Februar 2020 dort eingeladen. Silver Lake, im ersten Licht eines neuen Tages. Einen Frühlingsmorgen entlang schreitend, höre ich aus dem Garten einer Hippie-Kommune diesen Chor mit hellem Glocken-Piano, Space-Echos und feinem Refrain herüberwehen. „Californio ...“. Wie nah mir das geht? Sehr. Ich möchte gerne dorthin zurück, wo diese Musik spielt und realisiere, dass das genauso dort, in jenem fernen LA zu einer bestimmten Zeit wie im Jetzt und Hier in mir passiert. Schön verschobene Gleichzeitigkeit. Die Ende 2020 vorab veröffentlichte Single "Horse" erzählt ziemlich viel davon: Bassklarinette und das stete Angerauschte, locker, lässig, gespielt. Eine Atmosphäre aus Stimmen, Instrumenten, Delays und, wenn überhaupt nötig, mehr gemalt als geplant, das Bild einer (in sich) mehrstimmigen Welt.

Unisono anders: Bridges und von vorne nach hinten gerutschte Chöre, die mal Lead mal Back singen. Großzügig überlagern sich Themen, Strophen, Refrains zu Song-Welten. Die du gerne so oder so hören kannst, sagt die Künstlerin. Alle geraten ineinander übereinander, ohne Anstrengung und mit geiler Trübung: Montecarlo Magic.

Ein Bekenntnis: Ich habe ja sofort gedacht: „‘Californio‘ = Los Angeles, Garten, Welt, Musik und diese verborgene und doch fassbare neue Bescheidenheit, Hippie-USA.“ Ich habe das alles gedacht. Doch dann erzählt mir Mieke von Geisterschiffen, von Seelen und Wanderungen und von Gefahr? Nein, passt schon. Jeder Traum ist wahr, Ja und Nein, A und Nicht-A eins: „So many out-of-the-way things had happened lately, that Alice had begun to think that very few things indeed were really impossible.“ '***

Bald folgt dann schon diese Coverversion von den Beatles! Wer macht denn sowas? "Cry Baby Cry" Vielleicht die Fab Four in ihrer Los Angeles Zeit? Wiki sagt Indien. Weißes Album, Lennon auf dem Peak. Angeblich mag er das Stück später nicht mehr, hier passt es. Und Mieke Miami wird sozusagen, für einen ganz kurzen Moment, die bescheidenste John Lennon der Welt und träumt dann weiter, und die Band, die sie eigentlich selber ist, träumt sich neben ihr her.

Eine Platte wie ein Garten: „The king was in the garden Picking flowers for a friend who came to play.“ '**. So schön wieder was von John Lennon zu hören und easy translated. Danke Mieke.

Und wo ich mich gerade noch hörend nach Los Angeles und Indien gedacht habe, und dabei irgendetwas Geheimnisvolles und Einfaches gemacht habe, führt mich die Platte nun - via Autoscooter und Abbey Road - über London nach San Francisco: Swimming Pool. Ein Straßen-von-Franzisko-Feeling, mit Gitarren und Chören – und genauso drückenden wie angenehm-undeutlichen, souligen Grooves. Nix Urban Soul allerdings, sondern Landstraßen-Soul, der gerade (und weit über das Jetzt hinaus) ein irres Fernweh triggert. Und zugleich auflöst, denn wer höret, der staunet - und begreift: Brandenburg, Florida, Kalifornien: It´s all here. Dieses melancholische Fernweh verweht gerne ganz im Blütenstaub der Orte und Gegenden unseres Begehrens. Mehr denn je.

Der letzte Song: „Golden Ships“ ist dann eigentlich mein Lieblings-Titel, denn dann kann ich schon wieder von vorne anfangen mit dieser Zauber-Musik.

Mieke Miami - Montecarlo Magic erscheint im zweiten Corona-Sommer auf Fun in the Church. Dit passt

Nur eine pro Nase!