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HHV Exclusive Edition auf weißem Vinyl, limitiert auf 80 Stück weltweit

Original-Master lizenziert von King Records Japan. Inklusive OBI und Beilage. Innocent Canon" ist eines der hoffnungslos obskuren japanischen Underground-Alben, die kaum jemand kennt. Es ist eine Art unveröffentlichter delirierender Groovadelic-Soundtrack, gespielt von einer Acid-getränkten japanischen Big Band mit kraftvollem Schlagzeugspiel, schweren Jazzdämpfen und delirierenden Orgel-/Gitarrenlinien und leuchtenden Erzählungen.Inomata war zu dieser Zeit ein bekannter Jazzmusiker, aber wie viele seiner Zeitgenossen ging er zwischen 1970-1972 mit psychedelischer Musik auf die schiefe Bahn. Bei der Veröffentlichung der Platte im Jahr 1970 gab es eine große Debatte unter japanischen Journalisten, die versuchten, der Platte ein Genre zuzuordnen. Der Versuch war vergeblich. Sie konnten nicht herausfinden, was es war. Rock? Jazz? Sie mussten akzeptieren, dass man nicht immer alles benennen kann. Takesi Inomata & Sound Limited machen Musik, die nichts mit stereotypen Genres zu tun hat; sie spielen, um einen Ausdruck moderner Sensibilität zum Leben zu erwecken. Der Titel des Albums, "Innocent Canon" (Unschuldiger Kanon), ist in Bezug auf dieses Konzept der Fließfähigkeit von Musik besonders interessant zu analysieren. Das Gleiche gilt für Kano Tenmei, einen talentierten Fotografen und DJ, der bei den Sessions die Rolle eines Erzählers übernahm, der laut improvisiert. Es macht nichts, wenn du nicht alles verstehst, was er sagt; was zählt, ist, dass du dich in diese komplexe emotionale Suche einfügen kannst. Sound Limited besteht aus 10 Mitgliedern, aber diese Zahl variiert oft; Inomata lässt die Tür immer für jeden offen, der sich der Band anschließen möchte, die auf einer sehr lockeren Philosophie basiert. Der Aufnahmeprozess dauerte nur 24 Stunden. Inomata erklärte schließlich: "Wir haben es geschafft, etwas Spannendes und Interessantes (in so kurzer Zeit) zu schaffen." Das Album beginnt mit einer säuerlichen "Introduction", die mit Orgel, Gitarre, Bass und Schlagzeug gespielt wird. Es folgt "Funeral", ein von Flöten dominiertes Stück über einem Orgelteppich; es ist Janis Joplin gewidmet. In einem Triumphzug aus Blechbläser-Riffs, Gitarren-, Saxophon- und Schlagzeug-Soli schreit Kano Tenmei in "Rebellion" "Nein, Nein..."; ein psychedelischer Funk-Shake von über 7 Minuten Länge. "Toy" erinnert an Samba, mit markanten Bläsern und einem E-Piano-Solo. "Melancholy" folgt einem kranken Gitarrenriff über einem Cha-Cha-Rhythmus, mit Piccolo-, Saxophon- und Orgelsoli. Darauf folgt das lange "Lonesome", das von einer Sitar eingeleitet wird. Der Anfang und das Ende des Songs sind atemberaubend, ebenso wie der schizophrene Mittelteil. Den Abschluss bildet das kurze "Return", eine Folk-Ballade mit akustischer Gitarre, Pfeifen, Klavier und Blockflöten. Man kann mit Fug und Recht behaupten, dass diese Improvisationssession hervorragende Ergebnisse hervorgebracht hat. Das Artwork ist originell und enthält einige sehr seltsame erotische Skizzen.

Diese 52 Tracks umfassende Anthologie von Sam Gendel, die zunächst im Stillen veröffentlicht und dann über die von der Pandemie verdeckte Fresh Bread-Website gelöscht wurde, enthält unveröffentlichte Tracks aus Gendels persönlichem Archiv mit privaten Aufnahmen und öffentlichen Auftritten aus den Jahren 2012-2020. Zu den Musikern, die an ausgewählten Titeln mitwirken, gehören Carlos Niño, Jamire Williams, Daniel Aged, Gabe Noel und Philippe Melanson.

Der Saxofonist Phillip Dornbusch hat sich mit seiner Band Projektor vorgenommen, die Aufmerksamkeit des Publikums auf Musik zu lenken, die in Momenten entstand, in denen sich Menschen in Vergangenheit und Gegenwart nicht in einer Demokratie, nicht in Freiheit befanden. Die meisten Stücke auf dem dritten Projektor-Album, das den Titel Revolt trägt, speisen sich aus Liedern, die in Iran und Estland entstanden sind und während der Aufstände gegen das sowjetische Regime beziehungsweise die Islamische Republik gesungen wurden. Das Zusammenspiel der fünf Musiker:innen hatte schon auf den beiden Alben "Reflex" (2021), sowie auf "Re|Construct" (2023) etwas traumwandlerisch-sicheres. Johanna Summer, Johannes Mann, Roger Kintopf und Philip Adrian Dornbusch organisieren sich um meist vom Saxophon Dornbuschs getragene Melodien und Themen, weichen ab und kehren wieder zurück, um ein anderes Instrument, eine andere Idee, eine andere Klangfarbe in den Vordergrund treten zu lassen. Dieses Zusammenspiel hat auf Revolt das nächste Level erreicht.

Ausgehend von der Idee, die Klangsprache von Ambient, Minimal Music und Avant-pop in ein orchestrales Format zu übertragen, gründete der Leipziger Pianist, Komponist und Sound Designer Philipp Rumsch 2015 ein Ensemble unter eigenem Namen. Die zwölfköpfige Besetzung besteht aus Musiker*innen aus Leipzig, Berlin, Dresden und Weimar - alle selbst in unterschiedlichsten Kontexten arbeitend. Unter der Ägide von Michael Wollny und Richie Beirach studierte Philipp Rumsch zwischen 2013 und 2020 Jazz Piano an der Hochschule für Musik und Theater Felix Mendelssohn Bartholdy in Leipzig. In den Jahren 2016 und 2017 verfeinerte er am Rytmisk Musikkonservatorium in Kopenhagen, unter anderem bei Niels-Lyhne Lokkegard und August Rosenbaum, seine Fertigkeiten in den Bereichen Sound-Design und Komposition. Nach dem 2018 erschienenen Album "reflections" widmet sich Philipp Rumsch auf seinem dritten Denovali-Release "?: of anxiety x discernment" programmatisch dem Thema Angst. Basierend auf Recherchen, Beobachtungen und selbstgeführten Interviews entwirft er ein multiperspektivisches Bild dieses Gefühlskomplexes. Dabei wird die individuelle Erfahrung aufgelöst und stattdessen der Versuch unternommen, sich eine kollektive Wahrnehmung dieses Phänomens zu erschließen. Auf "?: of anxiety x discernment" verwendet Philipp Rumsch erstmals sowohl eigene Texte, als auch solche, die er explizit für das Album schreiben ließ. Die Musik der Suite, welche aus zwei spiegelbildlich angeordneten Teilen besteht, nimmt unterschiedlichste Form an, die von Songs über komplexe Kompositionen bis hin zu Konzeptimprovisationen reichen. Für die Aufnahmen wurde das Ensemble um zahlreiche Gastmusiker*innen erweitert. Die Sessions fanden in den renommierten Jazzanova Recording Studios in Berlin statt. Um ein außergewöhnliches, intensives Hörerlebnis zu erreichen, wurden mithilfe von speziellen Kunstköpfen binaurale Stereo-Aufnahmen angefertigt. Das Artwork entstand erneut in Zusammenarbeit mit dem Berliner Gestalter Andi Rueckel. F...

Ausgehend von der Idee, die Klangsprache von Ambient, Minimal Music und Avant-pop in ein orchestrales Format zu übertragen, gründete der Leipziger Pianist, Komponist und Sound Designer Philipp Rumsch 2015 ein Ensemble unter eigenem Namen. Die zwölfköpfige Besetzung besteht aus Musiker*innen aus Leipzig, Berlin, Dresden und Weimar - alle selbst in unterschiedlichsten Kontexten arbeitend. Unter der Ägide von Michael Wollny und Richie Beirach studierte Philipp Rumsch zwischen 2013 und 2020 Jazz Piano an der Hochschule für Musik und Theater Felix Mendelssohn Bartholdy in Leipzig. In den Jahren 2016 und 2017 verfeinerte er am Rytmisk Musikkonservatorium in Kopenhagen, unter anderem bei Niels-Lyhne Lokkegard und August Rosenbaum, seine Fertigkeiten in den Bereichen Sound-Design und Komposition. Nach dem 2018 erschienenen Album "reflections" widmet sich Philipp Rumsch auf seinem dritten Denovali-Release "?: of anxiety x discernment" programmatisch dem Thema Angst. Basierend auf Recherchen, Beobachtungen und selbstgeführten Interviews entwirft er ein multiperspektivisches Bild dieses Gefühlskomplexes. Dabei wird die individuelle Erfahrung aufgelöst und stattdessen der Versuch unternommen, sich eine kollektive Wahrnehmung dieses Phänomens zu erschließen. Auf "?: of anxiety x discernment" verwendet Philipp Rumsch erstmals sowohl eigene Texte, als auch solche, die er explizit für das Album schreiben ließ. Die Musik der Suite, welche aus zwei spiegelbildlich angeordneten Teilen besteht, nimmt unterschiedlichste Form an, die von Songs über komplexe Kompositionen bis hin zu Konzeptimprovisationen reichen. Für die Aufnahmen wurde das Ensemble um zahlreiche Gastmusiker*innen erweitert. Die Sessions fanden in den renommierten Jazzanova Recording Studios in Berlin statt. Um ein außergewöhnliches, intensives Hörerlebnis zu erreichen, wurden mithilfe von speziellen Kunstköpfen binaurale Stereo-Aufnahmen angefertigt. Das Artwork entstand erneut in Zusammenarbeit mit dem Berliner Gestalter Andi Rueckel. F...

25 umwerfende Library-Musikstücke des deutschen Filmmusik-Maestros in audiophiler Pressung als limitierte Deluxe-2x10". Extrem seltenes und bisher unveröffentlichtes Material aus den Jahren 1968-1976, aus Peter Thomas' persönlichem Tonbandarchiv. Von Bigband-Funk, Space Jazz, Kraut-Synth-Experimenten bis zu Proto-Hip-Hop, kosmischen Schlagern, heavy Easy-Listening, gefühlvollen Soundtrack-Moods und absurd verträumten LSD-Balladen umfasst diese Zusammenstellung die obskursten und doch transzendentesten Werke von Deutschlands einfallsreichstem Filmmusikkomponisten der 1960-70er Jahre ("Jerry Cotton", "Edgar Wallace", "Playgirl", Bruce Lees "The Big Boss", "Extraterrestrial Space Patrol", "Chariot Of The Gods".

Peter Thomas' beste Library-Cues aus den Katalogen von Golden Ring Records, KPM und DeWolfe, von denen viele zum ersten Mal öffentlich werden - plus vier kürzlich entdeckte "verlorene" Tracks aus Warner Chappells CPM-Archivserie, die noch nie zuvor auf Vinyl erschienen. Die gesamte Musik wurde sorgfältig von Peter Thomas' privaten Masterbändern übertragen und in voller Dynamik geschnitten, untergebracht in einem wunderschönen Gatefold-Cover mit Linernotes und privaten Bildern. Die Zusammenstellung wurde in Zusammenarbeit mit Peter Thomas' Sohn Philip realisiert, der sich nach dem Tod seines Vaters im Jahr 2020 um den Katalog des Peter Thomas Sound Orchesters kümmert.

Das deutsche Jazz/Beat-Duo Pachakuti & young.vishnu erreichen mit ihrem gemeinsamen Projekt neue Höhen. Indem Sie instrumentalen Hip-Hop organisch in orchestralischen Jazz verwandeln, kreieren sie eine aufregende Fusion aus mannigfaltigen Traditionen der Weltmusik. Pachakuti ist Musiker und Produzent mit Familienwurzeln in Kulumbien. Er spielt verschiedene Tasteninstrumente, Tenorsaxophon und Klarinette. In Berlin wohnend und arbeitend, lässt er sich inspirieren von der Welt der Natur, Erkundungsreisen und Traditionen seiner lateinamerikanischen Vorfahren. Seine ausdruckvoll-rhythmische Spielweise und seine affektiven Kompositionen sind an den Kern des menschlichen Fühlens gerichtet. Auch wenn sie sich nicht auf eine Richtung festlegen, erweckt ihr Stil stets einen Sinn von Belebtheit und Tiefe. young.vishnu ist ein Produzent und DJ. Er hat Philosophie und Musik in Hildesheim studiert, was seine Ansichten bezüglich der Bedeutsamkeit und Mythologie prägnant beinflusst hat. In seinen DJ-Sets selektiert finden sowohl klassicher als auch zeitgenössischer Funk, Soul sowie Afrobeat Anklang. Seine Tätigkeit als DJ bereichert seine Künste hinter dem Mischpult unmittelbar, da neben organischem Groove auch ein breiteres Spektrum an musikalischen Richtungen in seine ohnehin schon Hip-Hop-versierte Produktion miteinfließt. Müsste man sich für eine genrebasierte Kategorisierung ihres Albums „Dédalo“ entscheiden, wäre die beste Wahl „Jazz“. Nichtsdestotrotz lassen sich die Klangbilder besser in Pachakutis und young.vishnus eigenen Worten erklären: „Wir machen einfach Musik und versuchen, darin das zu verwirklichen, was wir an ihr lieben.“ Sie sind musikalische Freidenker mit gemeinsamen Interessen in Philosophie und Botanik, die Hip-Hop, Latin und Funk mit Storytelling und Weltmythologie verbinden. Als ihr bis dato ambitioniertestes Projekt zeigt das zweite Album „Dedalo“ zweifelsohne ihren Einfallsreichtum. Wo ihr Debutalbum „Semilla“ sich auf das Bild des Samens fokussiert, pflanzt „Dédalo“ einen ganzen Garten. Neben ihren selbsteingespielten Instrumenten, luden Pachakuti & young.vishnu eine wachsende Gruppe aus befreundeten Musikern ins Studio, darunter den Maestro unter den Perkussionisten Eric Owusu (Pat Thomas, Ebo Taylor, Jembaa Groove), Schlagzeuger Leon Raum (Bokoya, Wyl), als auch die brasilianische Newcomerin Laíz sowie Mitglieder ihres ehemeligen Band Projekts Soularkestra. Die 16 aufgenommenen Songs, welche von 1:19 bis zu 14:85 Minuten reichen, begleiten durch eine emotional ehrliche, metaphorische Reise durch das Labyrinth der menschlichen Existenz, der modernen Gesellschaft und mythischer Poesie. Die meist instrumentalen Tracks bauen auf ausdrucksstarken Melodien, mannigfaltigen Rhythmen und einer breitgefächerten Auswahl an Musikinstrumenten auf, wobei sie simultan den Sound von Jazz mit der klassichen Welt von Orchester und Chören verbinden. Urbane Klangbilder werden gepaart mit traditionellen Instrumenten wie der andeanischen Kena und Charango, der kolumbianischen Gaita und Marimba de Chonta und dem indischen Harmonium. Damit verknüpft „Dédalo“ Vergangenheit und Zukunft in einem Prozess kultureller Wertschätzung und globaler Gewissenhaftigkeit.

Liebe zum Detail, Raum für Improvisationen, keinerlei Genregrenzen. Das ist die musikalische Philosophie hinter Orbit Kid Society. Kreativer Kopf des Ensembles ist die Berliner Sängerin und Komponistin Sophie Lindmüller. Statt in musikalische Beliebigkeit abzugleiten, präsentiert Lindmüller mit ihren hochkarätigen Bandkolleginnen und-Kollegen ein dramaturgisch geschlossenes, in jeder Hinsicht fesselndes Album. In ihrem Klanguniversum treffen freischwebende, im Moment entstehende Klänge auf auskomponierte Linien, blechernen Grooves und elektronische Samples.