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Big Crown Records ist stolz darauf, das Debütalbum von Dave Guy zu präsentieren. Nachdem er seine Talente sowohl auf der Bühne als auch im Studio für Künstler*innen wie Amy Winehouse, Lizzo, Pharrell und Sharon Jones zur Verfügung gestellt hat und derzeit als Mitglied von The Roots jeden Abend in der Tonight Show auftritt, macht sich Dave Guy mit einem sowohl einzigartigen als auch modernen Jazz-Album selbstständig. „Ruby“ mischt seine musikalischen Einflüsse mit der Energie der Stadt, in der er aufgewachsen ist, fängt verschiedene Stimmungen ein und lädt den Hörer in die Welt ein, wie Dave Guy sie sieht und fühlt. Aufgenommen in Queens in der legendären Diamond Mine, wurde das Album von Homer Steinweiss und Nick Movshon produziert und enthält musikalische Beiträge von Leon Michels, Marco Benevento, Claire Cottrill und anderen. „Ruby“ reiht sich sofort in die Riege der Klassiker ein, denn es ist ein vollendetes Album und nicht nur eine Ansammlung von Songs. Die Leadsingle „7th Heaven“ eröffnet das Album mit einer hymnischen Energie, in der Daves Bläsersätze über donnernden Drums, ätherischem Gesang und tanzendem Klavier schweben. Footwork“ ist eine lateinamerikanisch inspirierte Nummer, die mit Sicherheit den Soundtrack zu vielen Tanzveranstaltungen von SoHo bis Harlem liefern wird. Das Synthie-Intro von „Pinky Ring“ bereitet den Stimmungswechsel vor, wenn der Track losgeht. Tiefe Basstöne unterstreichen das tadellose Schlagzeugspiel und Dave vergeudet mühelos keine Noten, wenn sich die Strophen und Refrains abwechseln. Die Platte lehnt sich an spirituelle Jazz-Vibes auf „Diamond Encore“ an, mit einem dunklen und tiefen, fast „Axelrod-artigen“ Rhythmus-Track, um dann mit dem Stomper „Still Standing“ die Energie wieder aufzunehmen. „Dave Wants You“ hat einen ganz eigenen Bop mit einem unorthodoxen Schlagzeugmuster, das Dave mit seinen Trompetenschlägen verankert. Das jenseitige Arrangement von „Drony Boy“ stellt die Produktion auf ein Podest. Das erste Intro wirkt fast wie eine Pause auf dem Album, während das zweite Intro den halsbrecherischen Track einleitet, der gleich folgen wird. Eine bedrohliche Gitarre signalisiert den Aufbau und das Ganze wird durch Daves wunderschöne Trompetenriffs untermalt. „Quesodillas“ und „Green Door“ leiten den Herbst des Albums mit ihrer sanften und intimen Energie ein und „Ruby's Rubies“ ist der perfekte Abschluss der Reise.

Es geht aufwärts für The Harlem Gospel Travelers, die hier mit einem neuen Album, einer neuen Besetzung und einem neuen Lebensgefühl zurückkehren. Look Up!, produziert von Eli Paperboy Reed, ist die erste Veröffentlichung der Gruppe in voller Länge als Trio sowie ihre erste Sammlung von komplett eigenem Material, und es hätte zu keinem wichtigeren Zeitpunkt kommen können. Die Musik ist natürlich immer noch stark von der Tradition des Gospel-Quartetts der 50er und 60er Jahre geprägt, aber die Platte hat auch eine deutlich moderne Note und spiegelt die turbulenten letzten Jahre wider, die von Pandemieangst, politischem Chaos und sozialen Unruhen geprägt waren. Die Songs sind mutig und widerstandsfähig, sie trotzen Zweifeln und Verzweiflung mit Glaube und Ausdauer, und die Auftritte sind explosiv und ekstatisch, angeheizt durch schillernde Gesangsarrangements, unterbrochen von düsteren Gitarrenausbrüchen und knackigen Rhythmuswechseln. The Harlem Gospel Travelers - die Sänger Thomas Gatling, George Marage und Dennis Bailey - sind aus einem von Reed geleiteten gemeinnützigen Musikausbildungsprogramm hervorgegangen und haben 2019 ihr Debütalbum He's On Time veröffentlicht, das von Pop Matters als "musikalische Transzendenz" und von AllMusic als "traumhaft und freudig" gelobt wurde. Das Album landete in den Billboard-Charts, brachte den Travelers hochkarätige Fans wie Elton John ein (der sie einlud, in seiner Rocket Hour-Radioshow auf Apple Music aufzutreten) und verschaffte ihnen Festival-Slots überall von Pilgrimage bis Telluride Jazz.

Mit insgesamt sechs Alben, einer GRAMMY-Auszeichnung und Kollaborationen mit Künstlern wie Prince, Spoon und Los Lobos, sind Grupo Fantasma bereit, die Menschen mit "American Music: Vol. VII" zu verzücken. Mittlerweile ist es fünf Jahre her, seit sie im Studio waren! Diesmal angelten sie sich mit dem Multitalent Carlos "El Loco" Bedoya, ein hoch angesehenen Kolumbianischen und in Miami lebenden Produzenten, Toningenieur, Musiker und Songwriter. Seine Referenzen sind umfangreich, gearbeitet hat er unter anderem mit Künstlern wie Beyoncé, Weezer und ChocQuibTown. Gemäß der Band brachte Bedoya “viel Wissen und Erfahrung als Mixer und Ingenieur sowie Fähigkeiten als Musiker und Liedermacher mit". Darüber hinaus veränderten Grupo Fantasma ihre Aufnahmegewohnheiten und arbeiteten nun öfter und intensiver mit ausgewählten Gästen zusammen. Die Band hat ihre Musik auf dem neuen Album nicht radikal verändert, es gibt jedoch definitiv Unterschiede und neue Einflüsse.

Smoove & Turrell bringen auf ihrem siebten Album einmal mehr ihr Engagement für hochwertige Songs und bedeutungsvolle Lyrics zum Ausdruck. Der Albumtitel ist der britischen Sozialpolitikerin Ellen Wilkinson gewidmet und spiegelt Sozialbewusstsein und nordische Herkunft des Duos wider. Größen wie Blue Note-Legende Ronnie Foster und Labelkollegin Izo FitzRoy und ihr Chor verleihen der meisterlichen Produktion von Smoove und den ausdrucksvollen Texten von Leadsänger John Turrell weitere Tiefe, Herzlichkeit und Inspiration.

Unter dem Pseudonym "Olivier Daysoul" arbeitete Olivier St. Louis bereits mit einer illustren Runde aus Produzenten wie Hudson Mowhake & Bibio (beide Warp Records) auf deren Veröffentlichungen zusammen. Nach einer Phase der Reflexion und von Blues, Soul & Rock inspiriert, beginnt er mit der Arbeit an seinem neuen Sound und der dazugehörigen EP "Black Music" für Jakarta Records, welche er unter seinem Geburtsnamen Olivier St. Louis veröffentlichen wird. Auf dieser ersten EP als Olivier St. Louis geht er keine Kompromisse mehr ein.

Das im australischen Melbourne ansässige Trio um Gründungsmitglied Rajan Silva entstand durch das Wiederaufleben von Kindheitserinnerungen an seinen Vater, der in den späten 1970er Jahren aus Indien nach Melbourne ausgewandert war. Silva erinnerte sich daran, dass er mit seinem Vater immer wieder eine DVD anschaute: „Concert For George“, die mit Stars besetzte Hommage an das verstorbene Beatles-Mitglied, George Harrison, die 2002 in der Londoner Royal Albert Hall aufgeführt wurde und bei der der legendäre indische Sitarspieler, Ravi Shankar, mit seiner Tochter Anoushka neben westlichen Ikonen wie Eric Clapton, seinem früheren Bandkollegen Paul McCartney und Jeff Lynne von Electric Light Orchestra auftrat, mit dem Harrison bis kurz vor seinem Ableben in der „Supergroup“ schlechthin, den Traveling Wilburys, spielte. Diese Überschneidung der Musikstile spiegelte sich auch in der Plattensammlung von Silvas Vater wider, in der die Klänge der legendären Bollywood-Sängerin Asha Bhosle und der Mangeshkar-Linie neben der Musik von Blues-Legenden wie B.B. King und Muddy Waters zu finden waren. Besonders angetan war Silva von der Verschmelzung westlicher Musikstile mit traditioneller indischer Musik; ein Konzept, das von indischen Künstlern wie R.D. Burman, Ananda Shankar und dem Duo Kalyanji-Anandji vorangetrieben wurde. Diese gegenseitige Befruchtung von Ost und West, von alt und neu, ist ein Gefühl, das die Band in ihren selbst produzierten Werken versucht hat, einzufangen. In ihrem Output präsentieren Glass Beams eine zeitlose Verschmelzung von Kulturen und Klängen, die durch ein Prisma aus Live-Instrumentierung und DIY-Electronica strahlen, verpackt in einer hypnotischen und mystischen visuellen Welt, die sie selbst geschaffen haben.

Zwei monumentale Full-Side-Tracks von zwei Orchestre Poly-Rythmo Alben aus den späten Siebzigerjahren. Das mitreißende Afro-Latin Titelstück wurde erstmals 1977 veröffentlicht. Aufgenommen in den EMI Studios im nigerianischen Lagos. Mede Ma Gnin Messe stammt von dem 1978 erschienenen Album Special 30 Novembre. Ein 16-Minuten langes Afro-Funk Stück.

Das nächste Album in einer Reihe von Acid Jazz-Reissues aus dem Albarika Store Fundus stellt eine direkte Reproduktion des unglaublich schwer zu findenden Poly-Rythmo 'Vol. 4'-Albums dar, ursprünglich von 1978.
Inkl. des Afrobeat-Tracks Aiha Ni Kpe We, ein Garant für gefüllte Tanzflächen.