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Im Jahre 1960 reisten der Fotograf William Claxton und der renommierte Musikkenner Joachim Berendt auf den Spuren des Jazz durch die Vereinigten Staaten. In Konzertsälen und neben Marschkapellen, in Seitenstraßen und in U-Bahnhöfen versuchten sie dieses lebendige, atmende, pulsierende Musikphänomen zu dokumentieren, das Amerika über alle Klassen- und Rassenschranken hinweg in seinen Bann zog.

Das Ergebnis dieser Zusammenarbeit zwischen Claxton und Berendt war Jazzlife, ein bei Sammlern überaus begehrter Bildband, der fernab klischeehafter Vorstellungen von verrauchten Jazz-Kaschemmen zu ergründen versuchte, was diese originärste aller amerikanischen Kunstformen eigentlich ausmachte. Ob in New Orleans und New York, in St. Louis, Biloxi, Jackson, LA oder Newport – Claxton und Berendt waren zur rechten Zeit am rechten Ort, um der „Kunst des Moments“ Gesichter zu geben.

Mit Bildern von Charlie Parker, Count Basie, Duke Ellington, Muddy Waters, Gabor Szabo, Dave Brubeck, Stan Getz, Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Miles Davis, Charles Mingus, Thelonious Monk, John Coltrane und vielen anderen ist dieses Buch Dokument einer großartigen Epoche und eine liebenswerte persönliche Hommage an eine einzigartige Kunstform – ein Klassiker.

WILL SHEFF von OKKERVIL RIVER ist schon vor längerer Zeit mit seiner Schreiberei aufgefallen: als Schreiber für McSweeney's war Sheff bereits für die Linernotes von ROKY ERICKSONs 2010er Album "True Love Cast Out All Evil" für einen Grammy nominiert und die New York Times lobhudelte, dass Sheff wie ein Romanautor schreibe. Mit großem Vergnügen präsentiert Jagjaguwar nun also "I Am Very Far: The Lyrics", ein gebundenes Buch mit der Blaupause der Vision für Sheffs neuestes und gelungenstes Album mit OKKERVIL RIVER, "I Am Very Far". Gedacht als deutlicher Zugang zum Inhalt der Musik fungiert das Buch auch auf einer Ebene, die über die des bloßen Kompendiums zum Album weit hinausgeht. Die Prosa von Sheff webt subtile und dynamische Geschichten, die den Inhalt seiner Songs mehr als verdeutlichen. Neben den Texten zur Single "Mermaid" und anderen Songs aus den Aufnahmesessions zu "I Am Very Far" ist "I Am Very Far: The Lyrics" ein Werk, dem auch losgelöst vom Album höchste Achtung gebührt.

Ice Cold präsentiert die visuelle Geschichte vom Schmuck der Rapper und ihrer Bling-Kultur. Mit ikonischen Fotos aus 40 Jahren und fesselnden Storys wird die Welt des Hiphop-Adels in den Fokus genommen, in der Megastars wie Jay-Z, Migos, Pharell und Tupac mit funkelnden Klunkern Status zeigen und ihren persönlichen Stil ausdrücken.

Ice Ice Baby
Wie der Hiphop die Welt des Luxus neu definiert und zum Glitzern gebracht hat

Schmuck ist und bleibt eine Säule der Hiphop-Kultur – egal, ob es um diamantenbesetzte „Grillz“, überdimensionale „truck style“-Anhänger, bust down-Rolex- und Patek Phillippe-Uhren, oder eine Tiffany-Halskette geht. Der exzessive Bling ist das glitzernde Statement einer kollektiven Identität – kompromisslos, charismatisch und mit viel Street-Smartness.

Ice Cold. A Hiphop Jewelry History umspannt die gesamte Geschichte des Hiphop-Schmucks von den 1980ern bis heute – es ist die fantastische Verbindung des Hiphop-Narrativs und seiner Visualisierung. Hunderte von ungewöhnlichen Fotos präsentieren alle wichtigen Hip-hopkünstler und feiern „Ice“ als den Ausdruck der Identität und Selbstdarstellung.

Nach den Anfängen mit Run-DMCs goldenen adidas-Anhängern und Eric B. & Rakims pompösen Dookie-Ketten und Mercedes-Medaillons entwickelt sich der Hiphop-Schmuck vom Street-Accessoire zu einer boomenden Designkultur. Die Tradition des Schaulaufens erreicht neue Höhepunkte mit Künstlern wie Pharrell Williams, Jay-Z, Gucci Mane, und Cardi B, deren immer exklusiveren Schmuckstücke Motive aus der Popkultur integrieren, unkonventionelle Materialien verwenden und wiederholt auch Kollaborationen mit Künstlern wie Takashi Murakami eingehen.

Die Autorin Vikki Tobak zeigt mit vielen Beispielen die Arbeiten von Schmuckpionieren wie Tito Caicedo of Manny’s, Eddie Plein, und Jacob the Jeweler bis hin zu neueren Künstlern wie Avianne & Co., Ben Baller/IF & Co., Greg Yuna, Johnny Dang, Eliantte und vielen mehr.

Ice Cold ist die umfassende Schau eines schillernden, inspirierenden Stils, zu der die führenden zeitgenössischen Fotografen beitragen: Wolfgang Tillmans, Janette Beckman, Jamel Shabazz, Timothy White, Gillian Laub, David LaChapelle, Danny Clinch, Phil Knott, Raven B. Varona, Al Pereira, Albert Watson und viele andere.

Das Vorwort von Slick Rick und Essays von A$AP Ferg, LL COOL J, Kevin „Coach K“ Lee und Pierre „P“ Thomas von Quality Control Music nehmen uns auf eine sehr persönliche Reise in ihr Schmuck-Universum mit.

Ice Cold geht dabei weit über den ostentativen Bling hinaus, um dessen transformative Geschichte zu enthüllen, die sowohl laut als auch stolz ist.

Die Autorin
Vikki Tobak schreibt für Magazine und Zeitungen wie Complex, Rolling Stone, The FADER, Mass Appeal, Paper, Vibe, i-D, und die Detroit News. Sie ist die Autorin von Contact High: A Visual History Of Hip-Hop und die Kuratorin der gleichnamigen Wanderausstellung. Für CBS, CNN und Bloomberg News hat sie als Producerin und Kolumnistin gearbeitet. Sie begann als Kulturredakteurin beim Paper magazine bevor sie bei Payday Records/Empire Management mit Gruppen wie Gang Starr, Jay-Z, Mos Def, Show and AG, Jeru and other Hiphop-Legenden zusammenarbeitete.

Clubs und subkulturelle Freiräume prägen Berlin seit Jahrzehnten und machen die Stadt zu einem Sehnsuchtsort für Menschen aus aller Welt. Legendär sind zum Beispiel die Treffpunkte des Punk- und New-Wave-Untergrunds der 1980er Jahre oder die Technoclubs aus den 1990ern. Die Party- und Konzertlocations sind dabei oftmals auch Zeugen der bewegten Geschichte der Stadt, erzählen vom Kalten Krieg oder dem Fall der Berliner Mauer. Dieses Buch ist ihnen gewidmet, darunter berühmte Diskotheken, geheime Treffpunkte der DDR-Opposition und subkulturelle Abenteuerspielplätze verschiedenster Couleur. Viele dieser Orte existieren heute nicht mehr oder haben eine ungewisse Zukunft. Sie berichten von einem Berlin, das es nicht mehr gibt, und davon, wie stark die Club- und Subkultur von Verdrängung betroffen ist.Tine Fetz hat 60 dieser "Places" in Illustrationen verewigt, ihre Geschichten hat Daniel Schneider aufgeschrieben. Die Texte sind sowohl auf Deutsch als auch auf Englisch abgedruckt.

Nach seinem bahnbrechenden Buch »Retromania« legt der wohl bedeutendste Poptheoretiker der Gegenwart mit »Glam« nun das Standardwerk zu diesem faszinierenden Musikstil vor. Eine Kulturgeschichte der eigenwilligen Mode und schrägen Stars, die bis heute maßgeblichen Einfluss auf die Popkultur haben. David Bowie, T. Rex, Alice Cooper und Roxy Music feierten mit Glam das Künstliche und das Spektakel und grenzten sich so von den immer gleichen Rockbands ihrer Zeit ab. Glam war also mehr als nur ein buntes Spiel, er war das erste kulturelle Auflehnen gegen die in Langeweile erstarrte Rockmusik Jahre vor Punk. Simon Reynolds lädt die Leser zu einer Bildungsreise durch die frühen Siebziger ein, in die Zeit der Glitzerkostüme, des Make-ups und der aufregenden Musik. Dabei bettet das Buch Glam in den größeren kulturellen und politischen Kontext ein, in eine Zeit des sozialen Umbruchs und der politischen Desillusionierung. Und es erzählt die Geschichte eines Bruches, den Künstler wie Lou Reed, die New York Dolls, Queen oder die Sparks mit der Hippie-Generation vollzogen haben, indem sie das Künstliche über das Authentische und das Wahre stellten. Abschließend verfolgt Reynolds die Spuren von Glam bis in die Gegenwart und findet bei Künstlerinnen wie Lady Gaga ähnliche Strategien, etwa der Androgynität oder Dekadenz. Glam zeigt, dass der Art Pop der Siebziger auch heute noch die Popkultur prägt.

Weiterführung des Klassikers "Retromania" mit Fokus auf elektronische Musik. Dieses Buch versammelt Texte über Musik, die zu der Zeit ihrer Veröffentlichung die Zukunft scheinbar vorhersagen konnte - egal, ob diese Zukunft nun als Utopie oder als Dystopie verstanden wurde. Musik also, die ähnlich wie das literarische Genre der Science-Fiction eine Prognose künftiger Gegebenheiten wagte und bewusst auf das Andere als auf das Gegenwärtige, sattsam Bekannte setzte. Demgemäß rücken in "Futuromania" die elektronischen Soundpionier:innen von Kraftwerk und Giorgio Moroder bis Missy Elliot, Migos und Daft Punk mit ihren neuartigen Erzählungen in den Fokus; (vormals) vorwärtsgewandte Spielarten des Pop wie Electronic Body Music, Detroit Techno, Synthpop und New Age werden als Soundtrack für unsere Vorstellungen von einem ungewissen Morgen in Erinnerung gebracht. "Futuromania" ist Simon Reynolds" ganz bewusste Referenz auf seinen eigenen Popkultur-Klassiker "Retromania"; nur eben als eine "positive Umkehrung" des von ihm entwickelten Begriffs verstanden. Reynolds analysiert hier also nicht das Recyceln und die Wiederkehr des Gestern, sondern vielmehr die nahezu "fantastische" Ungeduld und Vitalität, die Musik, die bestens über ihre eigene Historie Bescheid weiß, auch bedeuten kann.

Am 31. Dezember 2020 ging ein Schock durch die Musikwelt, als sie vom Tod der Hip-Hop-Legende MF Doom erfuhr. Daniel Dumile Jr. wurde in London geboren und wuchs in der Vorort-Enklave von Long Beach, New York auf. Seine Liebe zu Cartoons und Comics machte ihn zu einer der einflussreichsten, rätselhaftesten und produktivsten Figuren der Hip-Hop-Geschichte.

„MF Doom: Chroniken einer Hip-Hop-Ikone“ erzählt vom Aufstieg und Fall, vom Comeback und dem viel zu frühen Niedergang von MF Doom. Der Journalist S. H. Fernando (auch bekannt als Skiz) unterteilt das Drama in fünf Akte: „Der Mann“, „Der Mythos“, „Die Maske“, „Die Musik“ und „Die Legende“. Von hier geht die Reise von Daniels Elternhaus in Long Beach zu seinem Frühwerk mit der Band KMD, über die ersten Doom-Shows mit Maske bis hin zu seinen zahllosen Kollaborationen und den vielen Städten, in denen Daniel ein Heim fand. Mit klarem Fokus auf die Musik verwebt Skiz die Historie des East-Coast-Rap mit Dooms Lebensgeschichte und durchleuchtet die Personen, Projekte, Songs und Lyrics, die Doom unsterblich machten.

Dank exklusiver Interviews mit Dooms engsten Wegbegleitern entsteht so ein ungeahnter, intimer Blick hinter die Kulissen. Dies ist Dooms definitive Biografie: die Geschichte eines Hip-Hop-Superschurken auf der Bühne, und eines wahren Helden für alle, die genauer hinschauen.

Es geht auch ohne Rap.

Diese Erfahrung machte um 2008 eine Generation von Beatmakern in Deutschland, deren HipHop-Beats für sich stehen konnten und wollten – ohne Vocals und mit einem völlig neuen Selbstbewusstsein für instrumentale Musik. Dazu gehörten Künstler wie Suff Daddy, Dexter, Brenk Sinatra, Twit One, Shuko, Hulk Hodn, Hubert Daviz, Bluestaeb, S. Fidelity, Flofilz und viele, viele mehr…

Aus ihren Beattapes wurden komplette Alben, die in immer größeren Auflagen auf Vinyl gepresst wurden, in immer weiteren Kreisen Beachtung fanden und ihre Urheber zum Teil einer internationalen Bewegung werden ließen. Diese Beatmaker-Generation trat mit MPC und Computer aus dem langen Schatten von Rap und stand plötzlich selbst in der ersten Reihe, auf dem Cover, auf der Bühne.

(Prod. by) ist das Buch dieser Szene, ein Bildband mit Fotos aus dem Beatmaker-Jahrzehnt: ikonische Plattencover, private Momente und unveröffentlichtes Material aus dem Archiv des Fotografen Robert Winter.

Das finale Layout des Buches kann von den gezeigten Bildern abweichen!

Der Swing der frühen Jahre

Big city, big bands: Eine illustrierte Geschichte des New Yorker Jazz der 1920er Jahre

Wir schreiben die wilden Zwanziger, und in New York grassiert das Jazz-Fieber. Die Menschen strömen in die Nachtclubs und Tanzsäle von Harlem, um Größen wie Louis Armstrong zu sehen, der mit dem Fletcher Henderson Orchestra im Kentucky Club spielt, oder Duke Ellington, der im Roseland Ballroom oder dem weltberühmten Cotton Club auftritt.

Entworfen, illustriert und herausgegeben von Robert Nippoldt, huldigt dieses preisgekrönte Werk einer glanzvollen Ära mit einer spannenden Mischung aus virtuoser Zeichenkunst, historischen Fakten und amüsanten Anekdoten. Das Buch stellt 24 herausragende Persönlichkeiten der New Yorker Jazz-Szene in den Roaring Twenties vor. Autor Hans-Jürgen Schaal schildert in seinen Texten eindrücklich die Clubszene, die Bandwettbewerbe sowie legendäre Aufnahmesessions. Eine packende Lektüre mit wunderbaren Musikempfehlungen – nicht nur für bekennende Jazz-Fans!

Als nostalgischer Trip ins goldene Zeitalter des New Yorker Jazz ist dieses preisgekrönte Buch schlicht unersetzlich. Der von Robert Nippoldt entworfene, bebilderte und herausgegebene Band mit Texten von Hans-Jürgen Schaal enthält neben Nippoldts fesselnden Illustrationen von Szenen und Protagonisten rund um den Jazz viele interessante Fakten und unterhaltsame Anekdoten – ein überwältigendes Porträt des Sounds, der Amerika veränderte.

Der Autor Robert Nippoldt ist Illustrator und Buchgestalter. Einem größeren Publikum bekannt wurde er durch verschiedene Publikationen und Bühnenprogramme zu den 1920er-Jahren sowie Zeichnungen für den New Yorker und das Time Magazine. Ihm wurden mehr als zwei Dutzend Preise verliehen, darunter der des Art Directors Club in New York und der International Design Award in Los Angeles.

Sinfonie einer Großstadt

Schein und Sein: Berlin in den 1920ern

Das Berlin der Goldenen 1920er ist eine Erfolgsstory, die das 20. Jahrhundert seinen Kindern und jetzt auch Kindeskindern immer wieder gerne erzählt: so viel Rasanz, Theatralik, Drama, Lichter der Großstadt, Verkehrschaos, Leben, das laut auf sich aufmerksam macht, will es nicht in Hinterhöfen und Mietskasernen verkümmern, Cabaret, Theater, Funk, Film, Reklame, Bubikopf und Monokel, queere Kieze, Charleston und der „Onkel Bumba aus Kalumba“; alles rennt, rast und schwoft, jeden Tag breaking news, Sensationen und Spektakel. An dieser Geschichte, deren Strahlkraft heller leuchtet als fünf Millionen Osram-Birnen (Werk Berlin-Friedrichshain), haben viele mitgestrickt: Kunstschaffende, City Girls, Gigolos, Bohemiens, Intellektuelle, Koksbarone, Ringvereine und Politgangster, Wissenschaftler, Sportskanonen und Spekulanten, Dr. Mabuse, Mackie Messer, Maria, der schöne Maschinenmensch und eine endlose Parade von tanzwütigen Nachtschwärmern.

Nach den Bestsellern Hollywood in the 30s und Jazz: New York in the Roaring Twenties hat sich Illustrator Robert Nippoldt diesmal mit dem Schriftsteller Boris Pofalla zusammengetan, um den Geist dieses Jahrzehnts in einem atmosphärisch dichten Album einzufangen.

Nippoldt stellt nicht nur bekannte Figuren wie Lotte Reiniger, Christopher Isherwood, Albert Einstein, Kurt Weill, Marlene Dietrich und George Grosz vor, sondern auch Thea Alba, „die Frau mit zehn Gehirnen“, Magnus Hirschfeld, den „Einstein des Sex“, und den berühmt-berüchtigten Ganoven Adolf Leib. Bevor Weltwirtschaftskrise und Naziherrschaft Berlin das Licht ausknipsen, zeigt uns Nippoldt noch einmal alles: die grellen Lichter der Großstadt und das Grau der Fabriken, Hinterhöfe und Mietskasernen, das Geschrei der Sporthallen und die Stille der Theatersäle, den Gesang der Comedian Harmonists und Marlene Dietrich, die sich zylinderbehütet eine Zigarette anzündet und dann – kluge Frau – ein Dampferticket nach Hollywood kauft.

Die Autoren Boris Pofalla studierte Kunstgeschichte und Allgemeine und Vergleichende Literaturwissenschaft an der Freien Universität Berlin. Er ist Autor und Kunstkritiker der Welt. 2015 erschien sein Debütroman Low. Er lebt in Berlin.

Robert Nippoldt ist Illustrator und Buchgestalter. Einem größeren Publikum bekannt wurde er durch verschiedene Publikationen und Bühnenprogramme zu den 1920er-Jahren sowie Zeichnungen für den New Yorker und das Time Magazine. Ihm wurden mehr als zwei Dutzend Preise verliehen, darunter der des Art Directors Club in New York und der International Design Award in Los Angeles.

It’s Just a Shot Away

Die ultimative illustrierte Geschichte der Rolling Stones

Der Berühmtheitsgrad, den die Rolling Stones im Laufe ihrer fast 60-jährigen Karriere erreicht haben, ist beispiellos; ihre bekanntesten Riffs und eingängigsten Textzeilen haben sich unauslöschlich in unser kollektives Gedächtnis eingegraben. Mit ihrer hypnotisierenden Präsenz auf und jenseits der Bühne setzten die Stones Maßstäbe dafür, wie eine Rockband klingen und sich in Szene setzen sollte. Sie waren die ersten, die instinktiv verstanden, dass das Image einer Band, ihr Aussehen, ihr Style, mindestens so wichtig ist wie die Musik, und dass die Fotografie dabei eine entscheidende Rolle spielt. „Kleidung und Frisuren sind stets tadellos“, schreibt der Autor Luc Sante. „Sie spielten immer nur sich selbst, aber mit so außergewöhnlicher Finesse, da sie die Präsenz der Kamera spürten und wussten wie gut sie auf den Fotos aussehen werden." So ist es wenig überraschend, dass viele der größten Fotografen in der Geschichte des Mediums sie fotografieren wollten.f

In enger Zusammenarbeit mit den Stones entstanden, zeichnet diese aktualisierte Ausgabe auf über 450 Seiten anhand von zahllosen Fotos und Zeitdokumenten die erstaunliche Historie der Band und ihren unverschämt lässigen Lifestyle nach. Viele der aus Archiven weltweit zusammengetragenen Bilder wurden hier zum ersten Mal veröffentlicht. Zum ersten Mal konnte man auf die privaten Archive der Rolling Stones in New York und London zugreifen, was manche Überraschung bereithält. Für Mick, Keith, Charlie und Ronnie ist dieses Buch das offizielle fotografische Archiv der Rolling Stones.

Der Band enthält: über 450 Seiten mit fantastischen Bildern von einigen der berühmtesten Fotografen unserer Zeit, darunter David Bailey, Annie Leibovitz, Cecil Beaton, Anton Corbijn, Herb Ritts, Albert Watson, Andy Warhol, David LaChapelle, Peter Beard, Helmut Newton, Bent Rej, Gered Mankowitz und Norman Parkinson. Essays der preisgekrönten Autoren David Dalton, Waldemar Januszczak und Luc Sante einen ausführlichen Anhang mit einer Chronologie der Bandgeschichte und ihrer medialen Rezeption, einer Diskografie und Kurzbiografien der Fotografen.

Diese Ausgabe entstand in enger Zusammenarbeit mit der Band, die dafür beispiellosen Zugang zu ihren Archiven gewährte. Mehr als 450 reich bebilderte Seiten dokumentieren die 60-jährige Geschichte der Stones – mit Werken legendärer Fotografen wie David Bailey, Herb Ritts, Peter Beard, Andy Warhol, David LaChapelle, Albert Watson, Annie Leibovitz, Cecil Beaton und Anton Corbijn. Satisfaction guaranteed!

Der Herausgeber Reuel Golden, ehemaliger Chefredakteur des British Journal of Photography, ist Editor für Fotografie bei Taschen. Für Taschen hat er unter anderem die Titel Mick Rock: The Rise of David Bowie, die Bände zu London und New York aus der Reihe Porträt einer Stadt, The Rolling Stones, Her Majesty, die Bildbände zu National Geographic, den David Bailey Sumo sowie Andy Warhol, Polaroids, herausgegeben.

Rick Ridgeway schätzt, dass er mehr als fünf Jahre seines Lebens im Zelt geschlafen hat: "In kleinen Zelten in den entlegensten Winkeln der Welt." Ob im Gebirge oder mit der Familie auf Meereshöhe, diese Jahre lehrten ihn Wesentliches von Unwesentlichem zu unterscheiden. Einige seiner Abenteuer haben Schlagzeilen gemacht: die erste Besteigung des K2 durch Amerikaner, die erste Durchquerung von Borneo, der erste Fußmarsch durch einen Teil Tibets, den noch kein Ausländer vor ihm betreten hatte. Doch so lang diese Reisen auch waren, so hatte er dabei stets ein offenes Auge für die kleinen Überraschungen wie die Schmetterlinge, denen er auf 7000 m Höhe am K2 begegnete, oder die scheuen Ohrenfasane, die in Tibet noch frei leben. Was in seinem, von Patagonie verlegtem Buch "Life Lived Wild" besonders lebendig wird, ist das Verhältnis zu seinen Mitreisenden wie dem Patagonia-Gründer Yvon Chouinard, dem The North Face-Gründer Doug Tompkins und dem Filmemacher Jimmy Chin. Einige seiner Gefährten sind nicht zurückgekehrt. Rick behandelt sie alle mit Offenheit und aufrichtiger Sympathie. Und ihr Engagement für die ursprüngliche Natur, die sie gemeinsam erlebt haben, übertrug sich auch auf ihn.

Patagonia Life Lived Wild - Details:

• Hardcover-Einband
• 424 durchgehend farbige Seiten mit über 150 Fotos und Karten
• herausgegeben von Patagonia
• Format: 15 x 23 cm
• gedruckt in Kanada auf 100% recyceltem Papier

Das bei Patagonia erschienene Buch Closer to the Ground ist der ganz persönliche Bericht eines Vaters, der seine Liebe zur Natur an seine Kinder weitergibt – nicht im Haus mit Büchern und Bildern, sondern direkt in der Praxis, indem sie gemeinsam im Wald und an der Küste nach Nahrung suchen und sie zubereiten. Closer to the Ground zeigt wie schön und voller Wunder die Welt ist und wie sie uns zu leben lehrt – mit Humor, Dankbarkeit und einem Sinn fürs Abenteuer wie ihn Kinder haben. Ein Buch voller Atmosphäre, Naturkunde und leckerer Rezepte. Der frühere Angelführer Dylan Tomine ist heute Schriftsteller, Naturschützer, Blaubeer-Züchter und Vater – aber nicht unbedingt in dieser Reihenfolge. Seine Beiträge erschienen in The Flyfish Journal, Drake, Golfweek, in der New York Times und in zahlreichen anderen Publikationen. Er lebt mit seiner Familie auf einer Insel im Puget Sound, Washington State.

Patagonie Closer to the Ground (Hardcover) - Features:

• 264 Seiten mit Original Schwarzweiß-Illustrationen von Nikki McClure
• Format: 15 x 23 cm
• herausgegeben von Patagonia
• gedruckt auf FSC-zertifiziertes Recyclingpapier
• Hardcover-Einband
• englische Ausgabe
• 482 g
• hergestellt in den USA

Schon Schriftsteller vergangener Zeiten beobachteten, dass die Wälder immer zurückgehen, wenn sich die Zivilisationen entwickeln und wachsen. Der große römische Dichter Ovid schrieb, dass vor Beginn der Zivilisation sogar die Kiefer auf ihren eigenen Hügeln stand, aber als die Zivilisation die Oberhand gewann, wurden die Bergeiche und die Kiefer gefällt.
Dies geschah aus einem einfachen Grund: Bäume waren über die Jahrtausende hinweg das wichtigste Brenn- und Baumaterial jeder Gesellschaft, von der Besiedlung städtischer Gebiete bis zur Mitte des neunzehnten Jahrhunderts. Auch heute noch erfüllen Bäume diese Aufgaben für einen Großteil der Weltbevölkerung.

Das von Patagonia verlegte Buch "The Forest Journey" wurde ursprünglich 1989 veröffentlicht und 2005 aktualisiert. Die umfassende Darstellung der bedeutenden Rolle, die Wälder im Leben der Menschen gespielt haben - erzählt mit Anmut, Geläufigkeit, Phantasie und Humor - brachte dem Buch die Anerkennung als Harvard-Klassiker in Wissenschaft und Weltgeschichte und als eines der "Hundert großen Bücher" von Harvard ein. Dies ist eine grundlegende Geschichte des Naturschutzes, die nicht in den Archiven verloren gehen sollte. Diese neue, aktualisierte und überarbeitete Ausgabe unterstreicht die Bedeutung der Wälder im Kampf gegen die globale Erwärmung und die Dringlichkeit, das zu schützen, was von den großen Bäumen und Wäldern der Welt noch übrig ist.

Patagonia A Forest Journey - Details:

• Hardcover-Einband
• 520 Seiten, englisch
• herausgegeben von Patagonia
• Maße: 18,4 x 3,8 x 22,2 cm
• gedruckt auf 100% recyceltem Papier

Autorisierte englische Originalausgabe. 240 Seiten mit über 150 Fotos in Farbe und s/w. Hardcover im Format 27,5 × 21,5 cm

Nur wenige Bands haben mehr Platten verkauft als Fleetwood Mac. Und nur wenige Bands haben eine so beeindruckende und turbulente Historie vorzuweisen. 1967 noch ganz blues-orientiert gegründet als Peter Green’s Fleetwood Mac, gelang der Band bis 1970 durch die genialen Songs «Albatross» (Nummer 1 in den britischen Charts), «Black Magic Women» (später gecovert von Santana) «Oh Well» und der LP «Then Play on» erste Erfolge.

Doch der tragische Ausfall von Peter Green war der Anfang mehrerer personeller Katastrophen, das Ende einer Band schien besiegelt. Der Umzug nach Kalifornien und der Einstieg des Duos Lindsay Buckingham und Stevie Nicks 1974 sollte zum grossen Durchbruch als Superstars der 70er und 80er Jahre führen. Die LP’s «Rumour» und «Tusk» waren Mega-Seller und fanden sich in fast jedem Haushalt. Seit den 90er Jahren gab es einige Wiedervereinigungen, stets waren John McVie und Mick Fleetwood von den ersten Schritten bis heute die personelle Konstante. 1998 erfolgte die Aufnahme in die Rock’n’Roll Hall of Fame, am 30. November 2023 starb Christine McVie und eine weitere Reunion der Band scheint kaum noch möglich zu sein.

Mike Evans hatte bereits reichlich Erfahrung im berühmten Cavern Club in der Heimatstadt der Beatles gesammelt und auch schon zwei Singles bei Decca vorzuweisen, als er sich mit dem Dichter Adrian Henri und dem zukünftigen Pink-Floyd-Gitarristen Andy Roberts zusammen tat. Sie traten als The Liverpool Scene auf und spielten 1969 bei Led Zeppelin und Bob Dylan im Vorprogramm.