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Foster The People melden sich nach drei Jahren mit neuer Musik zurück. Just in time für den Sommer veröffentlicht die dreifach Grammy-nominierte Multiplatin-Band einen Song, der strahlt wie die Sonne oder wahlweise wie ein glitzerndes Disco-Outfit, denn „Lost In Space“ ist getragen von jeder Menge Late-70s-Großartigkeit. Mit „Lost In Space“ feiern Foster The People ihr Debüt bei Atlantic Records und kündigen gleichzeitig ihr viertes Studioalbum an. Es trägt den Titel „Paradise State of Mind“, erscheint am 16. August und wird sieben Jahre nach dem letzten Longplayer „Sacred Hearts Club“ mit Spannung erwartet. „Das Album begann als Fallstudie über das Crossover von Disco, Funk, Gospel, Jazz und all diesen Sounds der späten 70er-Jahre. Es war eine ganz besondere Zeit, in der sich diese verschiedenen Musikstile gegenseitig zitierten – Künstler wie Nile Rogers und Chic, der Tom Tom Club und Giorgio Moroder", sagt Mark Foster. „Ich wollte in diese Zeit eintauchen und ein Gefühl dafür bekommen, was damals los war. Ich dachte auch darüber nach, welche musikalischen und gesellschaftlichen Parallelen es zu unserer Zeit gibt, mit der massiven Rezession in den Siebzigern, den politischen Unruhen nach Vietnam und anderen großen Spannungen. Und dann hat man im Kontrast dazu eine Musik, in der sich pure Freude ausdrückt. Man kommt nicht umhin, darin eine trotzige Geste des Widerstands zu sehen.“

Deutsche Grammophon präsentiert das aufregende neue Filmprojekt der mehrfach ausgezeichneten (Oscar, 2 Grammys, Golden Globe, Emmy, BAFTA u.a.) isländischen Komponistin und Cellistin Hildur Guðnadóttir (Joker, Chernobyl, Battlefield 2042 u.a.) - ein bahnbrechendes Konzeptalbum für Todd Fields neuen Film TÁR mit Cate Blanchett in der Hauptrolle als Dirigentin Lydia Tár. Das facettenreiche Album präsentiert sowohl Musik aus dem Film wie auch durch den Film inspirierte Musik, darunter eine Reihe von eindringlichen neuen Stücken von Hildur Guðnadóttir, sowie Auszüge aus großen Werken von Elgar und Mahler. Es ergänzt die faszinierende Handlung des Films, indem es vollendete, reale Versionen der Musik präsentiert, an denen die fiktive Protagonistin Lydia Tár bereits im Film arbeitet. Ein Ziel des Albums ist es dabei dem Hörer etwas von der Komplexität des musikalischen Proben- und Aufnahmeprozesses zu vermitteln. "Das Album, wie auch der Film, soll für den Hörer das komplexe Wirrwarr erlebbar werden lassen, wenn Musik gemacht wird.“ Todd Field Unter der Regie des bereits dreifach Oscar-nominierten Todd Field und mit Cate Blanchett in der Titelrolle, erzählt TÁR die Geschichte der erfolgreichen Komponistin und Dirigentin Lydia Tár. Die vielfach ausgezeichnete Cate Blanchett tauchte in jeden Aspekt des Lebens ihrer Figur ein und ist zu sehen - und auch auf dem Album zu hören - wie sie die Proben einer Mahler-Sinfonie mit außerordentlichem Geschick leitet. Neben Cate Blanchett ist auch die talentierte junge britisch-deutsche Cellistin Sophie Kauer sowohl im Film als auch auf dem Album zu hören.

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Deutsche Grammophon presents Hildur Guðnadóttir’s exciting new film project – a groundbreaking concept album for Todd Field’s new movie TÁR, starring Cate Blanchett in the title role. With the soundtracks for Joker, Chernobyl andBattlefield 2042among her credits, the Icelandic composer and cellist’s film, TV and video game work has been recognised with an Oscar, two Grammys, and Golden Globe, Emmy and BAFTA awards, among many others.

The multi-faceted concept album features music from and inspired by the movie, including a series of stunning new tracks by Guðnadóttir, as well as extracts from major works by Elgar and Mahler. It complements the film by presenting completed, real-life versions of the music on which we see the fictional protagonist Lydia Tár working. One of the aims of the album is to reveal something of the complex process that goes on behind orchestral rehearsals and recordings.

“The tracks, like the film, are meant to invite the listener to experience the messiness involved in the making of music.” Todd Field

Written and directed by three-time Oscar-nominated filmmaker Field, TÁR tells the story of high-powered composer-conductor Lydia Tár, played by Cate Blanchett. The two-time Oscar winner immersed herself in every aspect of her character’s life and can be seen – and heard on the DG album – conducting rehearsals of a Mahler symphony with extraordinary skill. Her fellow cast members include talented young British-German cellist Sophie Kauer, whose playing also features on the concept album.

Die »Alehouse Sessions« des norwegischen Geigers Bjarte Eike und seines Ensembles Barokksolistene geben einen Einblick in die wandlungsfähige Musik in englischen Tavernen des 17. Jahrhunderts. Dieses Konzertprogramm erzählt mit einer bunten Mischung aus Purcell-Suiten, Seemannsliedern und einigen skandinavischen Volksliedern als Zugabe von einer turbulenten Epoche der Musikgeschichte. Brillant beschwören Barokksolistene die raue Atmosphäre im Pub einer englischen Hafenstadt um 1690 herauf. »Alehouse Sessions«-Konzerte wurden von The Times als »unwiderstehlich« beschrieben und von The Guardian als »sagenhaft hemmungslos« gefeiert, darüber hinaus hätten sie das traditionelle Konzertformat in eine »nächtliche Jam-Session« (BBC Music Magazine) überführt. Bjarte Eike sieht die Besonderheit seines jüngsten Projekts in der Interaktion zwischen den Musikern auf der Bühne und dem Publikum. Sucht man nach dem historischen Kontext, ist dieser im Theater Shakespeares mit seiner großen Nähe zwischen Zuschauern und Schauspielern zu finden.

4 Hands ist ein intimes Gespräch unter Freunden — geführt mit den Händen auf dem Klavier. Es ist eine surreal anmutende musikalische Konversation zwischen dem deutschen Klangpionier Hans-Joachim Roedelius und dem US-amerikanischen Komponisten Tim Story. Eindrucksvoll belegt dieses Gemeinschaftsprojekt, welch herzerwärmende und zugleich außerweltliche Schönheit entstehen kann, wenn sich zwei Menschen aus unterschiedlichen, sich überschneidenden Richtungen ihrem geliebten Instrument annähern.

Nacheinander auf ein und demselben Flügel aufgenommen, begann die Arbeit an 4 Hands, als Roedelius im Mai 2019 seinen langjährigen Freund Story in den USA besuchte und spontan eine Reihe von Klavieretüden einspielte. Tim setzte sich daraufhin intensiv mit den komplexen Phrasierungen auseinander und nutzte die folgenden Monate, um seine eigenen Ideen dazu in Klangfiguren zu fassen.

„Den Kern dieser Kompositionen schufen wir gemeinsam, wobei wir das Klavier zum Teil mit verschiedenen Gegenständen (oder auch meinen Händen) präparierten und wir zunächst Achims Passagen auf Band festhielten. Ich schrieb in den Monaten danach weiter und verfeinerte meine Parts. Da das gesamte Album auf demselben Flügel aufgenommen wurde, hat es insgesamt einen konsistenten, einheitlichen Klang — wobei unsere individuellen Beiträge hoffentlich zu einer einzigen, ganzheitlichen Stimme verschmelzen“, so Story. 4 Hands vereint minimalistische Klangfiguren, in deren Verlauf sich immer wieder ganz zart ein geisterhaftes Zusammenspiel offenbart und überraschende harmonische Wendungen aufblitzen: Roedelius’ auf Instinkt, Intuition und Improvisation basierender Ansatz geht mit Storys gegenläufiger Herangehensweise Hand in Hand, wenn der US-Amerikaner Ideen über längere Zeiträume herausdestilliert. Es entstehen zwei Seiten, zwei Perspektiven einer fesselnden Konversation, die zum Nachdenken anregt und mit jedem Anhören neue Gestalt annimmt, neue Tiefen aufzeigt.

„4 Hands ist mehr als bloß ein neues Album — die logische Fortsetzung einer langjährigen Freundschaft zwischen zwei Komponisten“, ergänzt Roedelius. „Es geht um Achtsamkeit, ums Erhören anstelle von Zuhören, und darum, eine neue Klangsprache zu entwickeln, indem wir uns vor den unendlichen Möglichkeiten verneigen, die das Klavier bietet, das von unseren vier Händen gespielt wird. Für mich drücken diese Kompositionen eine ganz eigene Art von Schönheit aus. Was sie evozieren, ist mehr als die Summe ihrer Teile; sie sind ein wortloser Dialog, eine Brücke über das große Wasser, das unsere Kulturen voneinander trennt. Allons enfants des deux patrie, haha!“

Gut vierzig Jahre Freundschaft bilden das Fundament dieser elf Stücke, die auf hochsensiblem Einfühlungsvermögen basieren, so dass eine Art der Kommunikation entsteht, die keiner Worte bedarf. Vom eröffnenden „Nurzu“ — so unmittelbar, ermutigend und aufmunternd wie im deutschen Titel angedeutet, bis zum abschließenden „Ba“ — im Japanischen der „Ort, an dem etwas stattfindet“: Die Titel weisen allenfalls auf mögliche Assoziationen hin und unterstreichen so auch, welche Rolle Humor und Unbeschwertheit für das befreundete Duo spielen, und wie spielerisch vielfältig und mehrdeutig ihre Kompositionen selbst sind.

Die erste Single „Spirit Clock“ verdankt ihren Titel Robert Raths, dem Gründer von Erased Tapes, nachdem dieser Begriff in einem längeren Gespräch über die Faktoren Zeit und Timing aufgekommen war: „Ich finde, dieser Ausdruck – Spirit Clock – bringt wirklich perfekt auf den Punkt, was hier passiert: Es gibt da so eine unsichtbare Verbindung zwischen Achim und Tim, eine ganz besondere, unglaublich starke Energie, die immer dann frei wird, wenn die beiden zusammen Musik machen — selbst dann, wenn diese Zusammenarbeit in verschiedenen Zeitdimensionen stattfindet. Diese metaphysische Verschränkung ihrer vier Hände auf ein und demselben mechanischen Instrument, aufgenommen zu unterschiedlichen Zeitpunkten, hat etwas Technisches und zugleich etwas zutiefst Spirituelles — das finde ich daran so faszinierend.“

Während das gleichermaßen widersprüchliche „Allegro Estinto“ auf ein lebhaftes und dabei doch möglichst sanftes Tempo verweist — „lebendig-erloschen“, so wörtlich übersetzt aus dem Italienischen, tragen die mitunter zirpenden, auf präpariertem Klavier aufgenommen Stücke so phonetisch treffende Titel wie „Seeweed“, „Crisscrossing“ oder auch „Skitter“. Die persönlichste Komposition des Albums trägt den Titel „Haru“: Sie ist dem gemeinsamen Freund und Wegbegleiter Harold Budd (1936-2020) gewidmet, dem Story dieses Stück kurz vor dessen Tod gezeigt hatte. Bei ihrer ersten Begegnung in Los Angeles vor 25 Jahren, so erinnert sich Tim, hatte Budd zufällig beide Musiker mit den Worten „Go ahead, let’s do it!“ („Nur zu, lass es uns machen!“) verabschiedet.

Seit drei Jahrzehnten für seine wegweisenden Auftritte und Aufnahmen gefeiert, ist der Grammy-nominierte US-Komponist Tim Story für seine einzigartige Mischung aus Komposition und innovativem Sounddesign bekannt. Der in Berlin geborene und heute in Österreich lebende Komponist Hans-Joachim Roedelius hat mit seiner gut fünf Jahrzehnte umspannenden Karriere, in deren Verlauf er solo und in verschiedenen Konstellationen mehr als 100 Alben veröffentlichen sollte, gleich mehrere Generationen von Musiker*innen geprägt. Angefangen beim bahnbrechenden Trioprojekt Kluster (von Conrad Schnitzler ins Leben gerufen), später Cluster (mit Dieter Moebius), bis hin zu genreübergreifenden Soloveröffentlichungen und Aufnahmen mit Größen wie Brian Eno, hat Roedelius die Entwicklungen in den Bereichen Ambient, elektronische und experimentelle Musik entscheidend geprägt — und ist zwischenzeitlich auch immer wieder in schwer definierbare, im Interferenzbereich des Klaviers liegende Klangregionen aufgebrochen.

Seit langer Zeit eng miteinander befreundet, haben Roedelius und Story im Laufe der Jahre bereits an unterschiedlichen Projekten zusammengearbeitet – unter anderem an den gefeierten Alben Lunz (2003), Inlandish (2007), Lazy Arc (2014) und zuletzt Lunz 3 (2019), das vom US-Sender National Public Radio (npr) in die „Best Music of 2019“-Auswahl aufgenommen wurde.

4 Hands ist ein intimes Gespräch unter Freunden — geführt mit den Händen auf dem Klavier. Es ist eine surreal anmutende musikalische Konversation zwischen dem deutschen Klangpionier Hans-Joachim Roedelius und dem US-amerikanischen Komponisten Tim Story. Eindrucksvoll belegt dieses Gemeinschaftsprojekt, welch herzerwärmende und zugleich außerweltliche Schönheit entstehen kann, wenn sich zwei Menschen aus unterschiedlichen, sich überschneidenden Richtungen ihrem geliebten Instrument annähern.

Nacheinander auf ein und demselben Flügel aufgenommen, begann die Arbeit an 4 Hands, als Roedelius im Mai 2019 seinen langjährigen Freund Story in den USA besuchte und spontan eine Reihe von Klavieretüden einspielte. Tim setzte sich daraufhin intensiv mit den komplexen Phrasierungen auseinander und nutzte die folgenden Monate, um seine eigenen Ideen dazu in Klangfiguren zu fassen.

„Den Kern dieser Kompositionen schufen wir gemeinsam, wobei wir das Klavier zum Teil mit verschiedenen Gegenständen (oder auch meinen Händen) präparierten und wir zunächst Achims Passagen auf Band festhielten. Ich schrieb in den Monaten danach weiter und verfeinerte meine Parts. Da das gesamte Album auf demselben Flügel aufgenommen wurde, hat es insgesamt einen konsistenten, einheitlichen Klang — wobei unsere individuellen Beiträge hoffentlich zu einer einzigen, ganzheitlichen Stimme verschmelzen“, so Story. 4 Hands vereint minimalistische Klangfiguren, in deren Verlauf sich immer wieder ganz zart ein geisterhaftes Zusammenspiel offenbart und überraschende harmonische Wendungen aufblitzen: Roedelius’ auf Instinkt, Intuition und Improvisation basierender Ansatz geht mit Storys gegenläufiger Herangehensweise Hand in Hand, wenn der US-Amerikaner Ideen über längere Zeiträume herausdestilliert. Es entstehen zwei Seiten, zwei Perspektiven einer fesselnden Konversation, die zum Nachdenken anregt und mit jedem Anhören neue Gestalt annimmt, neue Tiefen aufzeigt.

„4 Hands ist mehr als bloß ein neues Album — die logische Fortsetzung einer langjährigen Freundschaft zwischen zwei Komponisten“, ergänzt Roedelius. „Es geht um Achtsamkeit, ums Erhören anstelle von Zuhören, und darum, eine neue Klangsprache zu entwickeln, indem wir uns vor den unendlichen Möglichkeiten verneigen, die das Klavier bietet, das von unseren vier Händen gespielt wird. Für mich drücken diese Kompositionen eine ganz eigene Art von Schönheit aus. Was sie evozieren, ist mehr als die Summe ihrer Teile; sie sind ein wortloser Dialog, eine Brücke über das große Wasser, das unsere Kulturen voneinander trennt. Allons enfants des deux patrie, haha!“

Gut vierzig Jahre Freundschaft bilden das Fundament dieser elf Stücke, die auf hochsensiblem Einfühlungsvermögen basieren, so dass eine Art der Kommunikation entsteht, die keiner Worte bedarf. Vom eröffnenden „Nurzu“ — so unmittelbar, ermutigend und aufmunternd wie im deutschen Titel angedeutet, bis zum abschließenden „Ba“ — im Japanischen der „Ort, an dem etwas stattfindet“: Die Titel weisen allenfalls auf mögliche Assoziationen hin und unterstreichen so auch, welche Rolle Humor und Unbeschwertheit für das befreundete Duo spielen, und wie spielerisch vielfältig und mehrdeutig ihre Kompositionen selbst sind.

Die erste Single „Spirit Clock“ verdankt ihren Titel Robert Raths, dem Gründer von Erased Tapes, nachdem dieser Begriff in einem längeren Gespräch über die Faktoren Zeit und Timing aufgekommen war: „Ich finde, dieser Ausdruck – Spirit Clock – bringt wirklich perfekt auf den Punkt, was hier passiert: Es gibt da so eine unsichtbare Verbindung zwischen Achim und Tim, eine ganz besondere, unglaublich starke Energie, die immer dann frei wird, wenn die beiden zusammen Musik machen — selbst dann, wenn diese Zusammenarbeit in verschiedenen Zeitdimensionen stattfindet. Diese metaphysische Verschränkung ihrer vier Hände auf ein und demselben mechanischen Instrument, aufgenommen zu unterschiedlichen Zeitpunkten, hat etwas Technisches und zugleich etwas zutiefst Spirituelles — das finde ich daran so faszinierend.“

Während das gleichermaßen widersprüchliche „Allegro Estinto“ auf ein lebhaftes und dabei doch möglichst sanftes Tempo verweist — „lebendig-erloschen“, so wörtlich übersetzt aus dem Italienischen, tragen die mitunter zirpenden, auf präpariertem Klavier aufgenommen Stücke so phonetisch treffende Titel wie „Seeweed“, „Crisscrossing“ oder auch „Skitter“. Die persönlichste Komposition des Albums trägt den Titel „Haru“: Sie ist dem gemeinsamen Freund und Wegbegleiter Harold Budd (1936-2020) gewidmet, dem Story dieses Stück kurz vor dessen Tod gezeigt hatte. Bei ihrer ersten Begegnung in Los Angeles vor 25 Jahren, so erinnert sich Tim, hatte Budd zufällig beide Musiker mit den Worten „Go ahead, let’s do it!“ („Nur zu, lass es uns machen!“) verabschiedet.

Seit drei Jahrzehnten für seine wegweisenden Auftritte und Aufnahmen gefeiert, ist der Grammy-nominierte US-Komponist Tim Story für seine einzigartige Mischung aus Komposition und innovativem Sounddesign bekannt. Der in Berlin geborene und heute in Österreich lebende Komponist Hans-Joachim Roedelius hat mit seiner gut fünf Jahrzehnte umspannenden Karriere, in deren Verlauf er solo und in verschiedenen Konstellationen mehr als 100 Alben veröffentlichen sollte, gleich mehrere Generationen von Musiker*innen geprägt. Angefangen beim bahnbrechenden Trioprojekt Kluster (von Conrad Schnitzler ins Leben gerufen), später Cluster (mit Dieter Moebius), bis hin zu genreübergreifenden Soloveröffentlichungen und Aufnahmen mit Größen wie Brian Eno, hat Roedelius die Entwicklungen in den Bereichen Ambient, elektronische und experimentelle Musik entscheidend geprägt — und ist zwischenzeitlich auch immer wieder in schwer definierbare, im Interferenzbereich des Klaviers liegende Klangregionen aufgebrochen.

Seit langer Zeit eng miteinander befreundet, haben Roedelius und Story im Laufe der Jahre bereits an unterschiedlichen Projekten zusammengearbeitet – unter anderem an den gefeierten Alben Lunz (2003), Inlandish (2007), Lazy Arc (2014) und zuletzt Lunz 3 (2019), das vom US-Sender National Public Radio (npr) in die „Best Music of 2019“-Auswahl aufgenommen wurde.

„Zwei Generationen von Ausnahmemusikern haben sich zusammengetan: Der mehrfach mit Platin ausgezeichnete DJ und Produzent Alan Walker veröffentlicht eine neue Version des Kult-Titels »Time« von seinem großen Idol, dem Starkomponisten Hans Zimmer.

Die exklusive, limitierte 180-Gramm 12-Inch Vinyl enthält die reguläre Version von „TIME (ALAN WALKER REMIX)“ als A-Seite und „TIME (ALAN WALKER REMIX) – EXTENDED VERSION“ auf der B-Seite. Die Laufgeschwindigkeit ist 45 RPM – für ein klares, extrem kraftvolles Klangergebnis. Die Innenhülle ist bedruckt mit zwei Abbildungen, die direkt zur Welt des Cover-Artworks gehören, das sich auf der Rückseite der äußeren Hülle fortsetzt. Die Abbildungen greifen eine zentrale Szene der zusammenhängenden Geschichte auf, die Alan Walker in allen seinen Videos erzählt. Mit dieser Ausstattung und der Audio-Qualität ist diese limitierte Vinyl-Ausgabe der einmaligen Kollaboration zwischen Alan Walker und Hans Zimmer nicht nur ein Sammlerstück für Alan Walker Fans, sondern auch Fans von epischen, audiophilen Klangerlebnissen.“