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Dies ist die reguläre, einfache LP mit 14 Stücken. Bei uns gibt es auch die limitierte Doppel-LP mit 20 Stücken.

Ein Plattentitel mit zwei Ausrufezeichen, der soviel bedeutet wie "was für ein Theater" und den Hörer und die Hörerin einstimmt auf Lieder wie "Cinemascope". Im Breitwandformat werden auf dieser gelegentlich sehr unterhaltsamen Platte Themen wie persönliche Verletzungen ("Ich bin cool"), Verrat ("Mes copines"), Persönlichkeitsdefizite durch Drogenmissbrauch ("Methedrine"), Wut ("Hass-Satellit"), Selbstüberschätzung ("Brezel says"), Selbstmord ("Le Spleen"), Trauer ("Dancing with a memory") und seelische Qual ("Elektroschocktherapie") zu Gehör gebracht.

"Ich bin eine Sprachkünstlerin, die den Humor in Kauf nimmt", soll Françoise Cactus einmal über sich selbst gesagt haben. Dem ist nichts hinzuzufügen, allerdings hat sie den gewohnten Stereo Total-Wortwitz nicht in allen Texten dieser Platte zum Zuge kommen lassen. Viele Stücke erinnern an ernste und verzweifelte Lieder, die sie in der Zeit ihrer ersten Band "Les Lolitas" geschrieben hat. Trotzdem schimmert in "Keine Musik" oder "Einfach" noch der anarchische Humor, der Stereo Total auszeichnet.

Musikalisch orientiert sich diese inzwischen zwölfte Stereo Total-Schallplatte an überhaupt nichts mehr. Konnte man auf früheren Alben noch von Einflüssen (Chanson, Trash, Disco, R'n'R, Punk, NDW) und musikalischen Stilmitteln sprechen, so sind Stereo Total jetzt in einem Universum angekommen, das nur ihnen allein zu gehören scheint und das an nichts Bekanntes mehr erinnert. Die gekonnte Produktion von Françoise Cactus auf 8-Spur-Kassetten-Technik trägt zum außergewöhnlichen Klangerlebnis bei. Brezel Göring spielt wie immer auf Musikinstrumenten, die wohl Kinder in gutbürgerlichen Haushalten niemals zu Gesicht bekommen haben: Plastikbabyorgeln und schauderhafte Mäuseklaviere, dazu Selbstbaugitarren, die von einem handwerklich unbegabten Schreiner zusammengeleimt worden zu sein scheinen.

1. Stereo Total machen nach wie vor elektronische Musik, mit Flohmarkt-Casio-Klängen, die als direkte Kritik an dem was man unter elektronischer Musik versteht gelesen werden kann. Wahrscheinlich läßt sich jedes Musikinstrument in gesellschaftliche Koordinaten übersetzen, und in diesem Sinne sprechen die Arbeitmittel von Stereo Total eine deutliche Sprache.

2. Stereo Total machen weiterhin auch immer noch LoFi-Garage-Rockmusik, die alle männlichen Klischees, die man mit Gitarrenmusik verbindet, lächerlich macht mit einem Gegenentwurf, der in Françoise Cactus' Schlagzeugspiel als Feminismus, Anti-Professionalismus und subversivem Dilettantismus mitschwingt.

Es fällt schwer, Stereo Total irgendwohin einzuordnen, wahrscheinlich muss man einfach mit Flann O'Brien sagen: "Wann wird es je wieder ihresgleichen geben?"

Ach so, für die jüngeren unter euch: Stereo Total haben zu einer Zeit angefangen Musik zu machen, als es noch kein Internet, keinen Euro, kein wiedervereinigtes Deutschland und bevor es überhaupt Bands und Musik gegeben hat, und sie werden vermutlich auch noch spielen, wenn das hier alles bereits Geschichte ist. Die Gruppe besteht aus Françoise Cactus, die sich die Zeit zwischen den Bandproben als Radiomoderatorin, Autorin und bildende Künstlerin vertreibt und Brezel Göring, dem Mann, der schon bei der Wahl seines Künstlernamens versucht hat, von Musikkritikern und Feuilletonisten nicht ernstgenommen zu werden.

Sie haben begonnen gemeinsam Musik zu machen mit dem festen Vorsatz, Regeln und Vorstellungen über den Haufen zu werfen. Zwar haben sie nicht die europäische Funktionsharmonik und die 4/4 Metrik abgeschafft, aber jeden anderen Aspekt bezüglich Texten und musikalischer Umsetzung in Frage gestellt. Mit Texten wie "Du bist schön von hinten", "Liebe zu dritt", "Ich bin nackt", "Ich bin der Stricherjunge mit der Raucherlunge" oder "Komplex mit dem Sex" haben sie versucht, sich bei ernsten Musikfreunden unmöglich zu machen, andererseits mit einer Tontechnik weit unterhalb des Qualitätsstandards Mainstreamhörer zu erschrecken.

Schwarze standard Doppel-LP mit zwei bedruckten Inner Sleeves in eingeschweißtem, gestickertem Outer Sleeve mit 5mm Rücken inklusive MP3-Downloadkarte

60 Jahre, 23 Alben, eine Karriere! Spätestens seit seinem Rekordlbum „Mensch“ dürft Herbert Grönemeyer wohl als der Nordstern der deutschsprachigen Popmusik gelten. Anlässlich seines 60. Geburtstags veröffentlicht Universal jetzt mit „Alles“ Herbert Grönemeyers erste, seine gesamte Karriere umfassende Werkschau alle Studioalben und ausgewählte Live-Alben. Die streng auf 2.000 Exemplare limitierte und nummerierte Vinylausgabe enthält enthält 25 Schallplatten in 180 Gramm Pressungen sowie Download-Codes zu weiterem Bonusmaterial: Eine CD mit Raritäten, ein Remix Album, 2 Soundtracks The Amercian & A Most Wanted Man und dem UK Album I Walk (zusätzlich digitaler Versionen aller in diesem Set vertretenen Alben). Die luxuriös ausgestattete Box wurde von Walter Schönauer, dem legendären Art Direktor der Zeitschrift Tempo, Vanity Fair und Rolling Stone sowie zahlreicher Grönland-Veröffentlichungen gestaltet. Sein Design der POP 2000 Box (Grönland) wurde unter anderem mit dem New Yorker Clio Award ausgezeichnet. Das der Box beiliegende 60 Seiten Buch enthält Texte und Essays von Joachim Hentschel, Frédéric Schwilden, Rainer Schmidt, Michael Lentz, Wolfgang Höbel und Pat Blashill sowie rare Fotografien von u.a. Anton Corbijn, Ellen von Unwerth & Jürgen Teller sowie dem kürzlich verstorbenen Daniel Josefsohn. Nicht nur hat Herbert Grönemeyer alle Autoren und Fotos selbst vorgeschlagen — die gesamte Box, wie auch das Remastering historischer Studioalben wurde von Herbert Grönemeyer persönlich von Anfang bis Ende intensiv begleitet und überwacht. Das macht Alles zu einer autobiografischen Veröffentlichung mit begehrenswertem Objektcharakter

Mit wechselnden Stimmungen und unterschiedlicher Instrumentierung. Vom Beat der Dunkelheit hinein in die schwebenden Gitarrenakkorde eines lichten Morgens. Damit hatten 2raumwohnung den atmosphärischen Rahmen für das erste Doppelalbums ihrer langen Laufbahn abgesteckt. Zehn Songs in jeweils zwei Versionen, die sie weitgehend in den Brunnen International Studios in Berlin konzipiert und eingespielt haben. Beim Gesang wechselt Inga Humpe in der Tradition von Falco und Kraftwerk von deutsch auf englisch (und zurück). Ein für 2raumwohnung ungewöhnlicher Sprachmix, der auch ihre Texte im neuen Licht erscheinen lässt. Musikalische Gäste sind Ingas Schwester Annette Humpe, Achim Hagemann, UMAMI und Dieter Meier von Yello. Mit "Nacht und Tag" schicken 2raumwohnung ihre charakteristischen Electro-Pop-Melodien auf eine Reise durch den Stimmungstunnel.

Seit dem Millenium verbinden 2raumwohnung auf vielfältige Art elektronische Sounds und Popmelodien. Die frühen Singles "Wir trafen uns in einem Garten" (2000) oder "2 von Millionen Sternen" (2001) vermittelten spielerisch das Lebensgefühl des neuen Berlins. Das Duo, bestehend aus Inga Humpe und Tommi Eckart, startete als Studioprojekt und entwickelte sich über acht Albumproduktionen hinweg kontinuierlich weiter. Ein wichtiger Impuls waren dabei Entwicklungen von Techno oder House Music. Ihr Erfolgsalbum "36 Grad" blieb 33 Wochen in den deutschen Albumcharts, auch ihr Bühnenprogramm bauten 2raumwohnung stetig aus.

Coffee Table Book-Edition: 2LP + Bonus-EP 12Inch, 180g, schwarz, 64 Seiten Fotobuch, MP3 Code

Max Herre hat ein neues Album gemacht. Es ist sein erstes seit sieben Jahren. Auf “Hallo Welt” verband 2012 ein wegweisender Musiker und Texter sein eigenes Erbe mit den Zeichen der Zeit. Er stieg auf die Eins ein und bekam Gold, knapp 20 Jahre nach den ersten Sessions im Probekeller des Kumpels um die Ecke. Solche Karrieren sind im Rap eigentlich nicht vorgesehen. Bei Max Herre fühlte es sich natürlich an. Er legte ein (sogar noch erfolgreicheres) “MTV Unplugged”-Album nach. Vor allem aber begab er sich auf die Suche. Auf die Suche nach einem Sound, der ihn selbst überraschen und neu begeistern würde. Auf die Suche nach einem Gefühl der Dringlichkeit. Auf die Suche nach seiner Geschichte. Das Ergebnis dieser Suche ist “Athen”.

“Athen” ist eine Auseinandersetzung mit der Subjektivität des Scheiterns und der Kraft neuer Anfänge. Und auch ebenso ein Sehnsuchtsort.

Premium Edition mit allen Instrumentals und extra Tracks!

Wer in Stille und Abgeschiedenheit einem Album von Kari Bremnes lauscht, wird in einen herrlichen, fast
traumhaften Zustand versetzt. Seit 30 Jahren modelliert die Norwegerin an ihrem einzigartigen
Sounduniversum, dem sie mit ihrer Stimme zwischen den Polen "schneidend kühl" und "warmherzig zärtlich"
Leben, Lust und Leidenschaft verleiht. Und zuweilen ein leises Lächeln. Auch auf ihrem jüngsten Werk "Det vi
har" lassen sich die klare Luft, die weiten Panoramen und die manchmal unwirkliche Stille und unheimliche
Einsamkeit ihrer nordischen Heimat entdecken - übersetzt in flirrende wie gläserne Klänge, kraftvolle Verse
und dann und wann kleine, sympathische Verschrobenheiten. Etwa wenn sie mit "Det må være orden" zum
fast fröhlichen Stakkato der Rhythmen einen Sprechgesang intoniert, der eher an Leonard Cohen als an Hip-
Hop erinnert. Ihre Geschichten trägt sie nach Abstechern ins Englische heute wieder ausschließlich in ihrer
Landessprache vor. Nach eigenem Bekunden entspringen diese aus genauen Beobachtungen und einer
unbedingten Liebe zum Detail. Selten kreisen die Lyrics ums große Ganze, sondern halten sich im Intimen,
weitaus Geheimnisvolleren auf. Auch deshalb umgeben ihre exquisiten Musiker sie weder mit
verschwenderischer Opulenz, noch mit Klängen aus dem Reich der Niedlichkeiten. Dafür besitzt die
Sängerin, und mehr noch ihre Stimme, viel zu viel Grandezza.

Dermot Kennedy ist ein 27-jähriger Singer-Songwriter aus Dublin, dessen Musik zwischen
handgemachten, rustikalen und gefühlvollen Songwriter-Stücken und zeitgenössischen Beats eine
bisher noch nie dagewesene Balance findet. Seine absolut authentischen Texte und seine urbane
Attitüde machen ihn zu einem der gefragtesten Newcomer im Jahr 2019. Auch live überzeugt Dermot
– allein im letzten Jahr verkaufte er über 100.000 Tickets weltweit und spielte über 80 ausverkaufte
Shows in Folge. Und noch bevor überhaupt ein Album von ihm erschien, sammelte er über 600
Millionen Streams weltweit. Mit seinem Debütalbum „Without Fear“, tritt er an, um seine musikalische
Reise fortzusetzen. Und eins ist sicher – die Reise hat gerade erst begonnen.

Milky Chance erzielten mit ihrem Debütalbum "Sadnecessary" einen bemerkenswerten Erfolg, der sie zu internationaler Anerkennung katapultierte. Der 2013 veröffentlichte Hit "Stolen Dance" wurde zu einem globalen Phänomen und zeigte ihre einzigartige Mischung aus Folk, Elektronik und Reggae-Einflüssen. Das Album wurde bei Kritikern und Hörern zugleich sofort zum Klassiker, erreichte in mehreren Ländern Platinstatus und festigte den Status von Milky Chance als bahnbrechenden und genreprägenden Künstler. Auch 10 Jahre später wirkt die Fähigkeit des Albums, eingängige Melodien, poetische Texte und innovative Produktion nahtlos miteinander zu verbinden, so frisch wie eh und je und macht deutlich, warum Milky Chance seither ein fester Bestandteil der Charts geblieben ist.

Ein neues Album von Helge Schneider auf Vinyl liegt im Handel nie lange rum. Das hat auch einen Grund. Helge Schneiders Alben sind gut. Sehr gut, manchmal. Dieses hier ist bestimmt sehr gut. Textauszüge: "Dance to the music, daaaaaaance to the music, daaaaaaaaaance to the MUSIC! Mooooove your body, mooooove your body!"m, "Nanönönananönaaanönönaaa!", "oh yeah, oh yeahr, ouh yeahr!"

In Wien und in Kroatien haben sie neue Songs geschrieben – genug, um damit zwei Platten zu füllen. Die erste, „mea culpa“, erscheint jetzt wie aus dem Nichts. Wobei: Machen wir uns nichts vor! Wenn Sie diesen Text lesen, ist die Nachricht längst „viral gegangen“, wie es so schön heißt. „mea culpa“ will am Stück gehört werden. Die neun Songs formen eine Erzählung mit ungewöhnlicher Dramaturgie.

Les Trucs, das sind in der Summe zwei Menschroboter und eine Menge elektronischer Gerätschaften. Halb
Fleisch, halb Draht. Halb Experiment, halb Pop. Seit 2008 firmieren Charlotte Simon und Toben Piel unter
dem Namen Les Trucs. Was ursprünglich als reines Bandprojekt begann, entwickelte sich mehr und mehr zu
einer Arbeitsgemeinschaft für Performances, Theaterstücke und Videos. So entstanden zum Beispiel
Klangkonzepte für urbane Räume oder Kompositionen für einen sich bewegenden Zettelchor. Ihre Arbeiten
finden stets in Auseinandersetzung und Bezugnahme der Aufführungsorte statt und werden in DIY- wie
Kunstkontexten präsentiert. Konzerttourneen führten die beiden schon quer durch Europa, Israel und Japan.
Ihre Tonträger veröffentlichten Les Trucs auf internationalen Labels wie Music Airport (Tokio) oder Staatsakt
(Berlin). "Jardin du boeuf" erscheint beim Hamburger Imprint Zeitstrafe. In erprobter Manier, und aus der Mitte
des Raumes heraus agierend, kreiert das Mensch-Maschinen-Kollektiv auf dem Album eine Kulisse aus
Geräusch, Text, Komposition und Dynamik.

COMA haben etwas sehr Seltenes geschafft: sie haben Songs geschrieben, die ein authentische Gefühl von Nähe, Wärme und, ja, auch Emotionalität ausstrahlen.
Die Kölner Elektronik Band verwebt auf ihrem Album Voyage Voyage verschollen geglaubte Ebenen der Erinnerungen in ein vielschichtiges zugleich aber auch irre zugängliches Album zeitgenössischen Elektro Pops.
Musik, die sich freimacht von Zwängen, von Zeitgeist und genau deshalb eine einzigartige Stellung einnimmt. Das Album besticht durch verträumte Leichtigkeit und umarmt gleichzeitig eine melancholische Grundstimmung.

Voyage Voyage klingt voller spannender Sound Ideen – es zischt und rauscht und hallt und klappert – und ruht doch entspannt in sich und vor allem aber jagt es nicht irgendeinem flüchtigen Moment hinterher, dieses Album steht ganz für sich, für COMAs leicht entrückten Pop voller Möglichkeiten.

COMA sind typische Kinder der aufregenden Nullerjahre, Marius und Georg wurden musikalisch aufgezogen mit 80er-Jahre Zuckerwatte, haben dann in zerrissenen Jeans und Indie-Rock der 90er die Adoleszenz durchlebt, wurden erst von den Prinzen der Kölner Clubwelt wachgeküsst und erspielten sich mit diversen EPs und zwei Alben auf Kompakt viel internationales Lob und Anerkennung. Der britische Guardian attestierte ihnen begeistert “playfulness, prettiness and the kind of intense pleasure that results from perfectly interwoven melodies“.

Es ist genau diese vielgelobte unkonventionelle und spielerische Herangehensweise, die sie wohl auch dazu inspirierte, selbst noch während einer Clubnacht im Berghain ihre Gitarre auszupacken. Es liegt also alles in ihrer DNA, doch noch nie waren COMA-Tracks so persönlich und von Vocals und Texten geprägt.

Der King is back! King Rocko Schamon! Mit einem Album vollgepackt mit eigenen Liedern, selbst geschrieben, selbst gesungen. Dabei wollte er das eigentlich nicht mehr machen, Soloalben aufnehmen. Aber das hat auch keinen Spaß gemacht, es sein zu lassen. Neben den Tätigkeiten am Theater, mit Studio Braun, als Autor ("Dorfpunks" u.a.), Keramiker und Schauspieler, ist Rocko nun also auch wieder das, was er schon immer war, womit es doch anfing, Mitte der 80er, ein Barde. Er kann einfach alles! Er ist eben der King!

Dies ist die Standard-Version des Albums. Wir haben auch eine exklusive Doppel-LP-Version im Angebot!

Nach zwölf Jahren ohne Plattenveröffentlichung unter eigenem Namen und mit eigenen Songs (also abgesehen von dem Tribute-Machwerk "Die Vergessenen" und einigen Fraktus-Tonträgern) veröffentlicht Rocko Schamoni im Herbst 2019 sein achtes reguläres Album: Musik für Jugendliche. Übrigens gerade rechtzeitig zu seinem 35-jährigen Bühnenjubiläum, denn im Jahr 1984 begann seine lange, schlingernde und Haken schlagende Bühnenkarriere. Zwar schwor Schamoni bei seinem letzten regulären und titellosen Album im Jahr 2007 der Musikproduktion und dem ewigen ermüdenden Veröffentlichungsreigen ab, aber nach zwölf Jahren hat der Delinquent schlichtweg vergessen, warum er eigentlich im Gefängnis sitzt. Dieser Abschied sollte übrigens nie ein Abschied von der Musik sein, im Gegenteil, er sollte die Musik von ihrer Zweckorientiertheit in Schamonis Leben befreien, was - nach eigenem Bekunden - durchaus gelungen ist. Nun hat sich allerdings wieder genug angesammelt: Töne, Noten, Stimmungen, Akkorde, Worte, Melodien, Sentimentalitäten, Liebesbekundungen, Referenzen, schlicht: Musik.
Aus hunderten von auralen Skizzen und Fragmenten entstanden neun Songs und eine Reprise, die sich stimmungsvoll aufgespannt wissen wollen zwischen dem 70er-Jahre-Italo-Pop eines Lucio Battisti, Filmscore-Zitaten des Schamoni-Idols Morricone oder aber der soulesken Trockenheit eines Michael Kiwanuka. Die Produktion der Platte ging einher mit der Krankheit und dem Tod von Schamonis Vater und so finden sich in der Musik und in den Texten immer wieder Versatzstücke dieses Verlustes, vom Abschiednehmen von geliebten Menschen (Wiederholung: Schamonis Mutter starb kurz vor der Veröffentlichung seines letzten regulären Albums), gewohnten Lebenssituationen oder gleich ganzen Kulturzusammenhängen; Texte, in denen Schamoni das Ende der menschlichen Welt trocken und abgeklärt berechnet.
Mit dem Vorrücken in die direkte Todeszone - denn nach dem Tod der Eltern ist die nächste Generation, die gehen muss, immer die eigene - mit den aufgewirbelten Erinnerungen, die so ein Abschied auslöst, erscheint die eigene Jugend wieder stärker im Fokus. Ein Prozess des Reflektierens und Abgleichens, des Verstehens für Entscheidungen der Vorangegangenen und für das eigene Werden und Vergehen beginnt. Irgendwann begreift man: die eigene Jugend vergeht nie. Sie steht für immer in ihrem ganzen Glanz fest in der Zeit und der Erinnerung. Und man kann sie doch nie wieder berühren.

Tahliah Barnett, alias FKA twigs, hat eine harte Zeit durchgemacht seit der Veröffentlichung ihres erfolgreichen, Mercury-nominierten Debütalbums „LP1“. Trennungen, Operationen, Herzschmerz; Barnett verarbeitet ihre traumatischen Erlebnisse in ihrer Musik und steigt so mit ihrer zweiten Studio-LP wie Phoenix aus der Asche auf, hörbar verletzt aber stärker als je. Das Album wurde wie der Vorgänger von FKA twigs selbst produziert und lotet ihr Sound-Universum vollkommen neu aus. Es entstand im Lauf der letzten 3 Jahre in London, New York und Los Angeles u.a. in Zusammenarbeit mit Nicolas Jaar.
Die Beats und Arrangements des Albums spiegeln die turbulenten Zeiten von FKA twigs wider. Einige der Tracks klingen absichtlich verwaschen, fast erschöpft, in einer Art und Weise, die einen an Nick Cave & The Bad Seeds' Skeleton Tree erinnern mag. Neben Songs, die auf „LP1“s barocke Beat-Odyssee zurückgehen - zum Beispiel der Song „holy terrain“, der Future featured - gibt es hier auch mehrere Tracks, bei denen Drums in den Äther übergehen und traditionelle Songstrukturen einem impressionistischen, kunstvollen Sound-Design weichen. In diesen Fällen ist Nicolas Jaars Beteiligung an MAGDALENE am stärksten zu spüren.

Designer Wulf Mohrmann macht jetzt Musik

„Ballroom“ lautet der Name eines Objekts, das aus gelben Säulen von einem schwarzen Gitter ummantelt wird, oben ragt ein rotes Geweih heraus. Ein anderes Objekt mit blauem Noppenmantel und rosa Kern wirkt wie ein Gegenstand aus dem Science-Fiction-Film „Ghost In The Shell“ von Rupert Sanders. Die untypischen Formen und Farben geben einen starken Hinweis darauf, wohin die Reise beim Betrachten der Möbel von Wulf Mohrmann gehen wird. Es ist eine Bewusstseinserweiterung im Nutzungsbereich. In den vergangenen 15 Jahren war Mohrmann in Berlin, Hannover und Leipzig beruflich unterwegs, plante Büros und Arbeitsplätze. Zu seinen Kunden gehörten Designagenturen, Büromöbelhersteller, die Polizei Hessen aber auch die Stadt Haldensleben. Weniger mit seiner Tätigkeit als Designer, hat seine aktuelle Arbeit zu tun: Zusammen mit Christoph Bouet und Sebastian Symanowski wird die LP „grounded“ am 23. Mai auf dem Label 1301Media veröffentlicht. Das Projekt heißt „Jerichow“, eben genau so wie der Landstrich in dem die beiden Kreativen, Bouet und Mohrmann, aufgewachsen sind. Die mehrdeutige Bedeutung des Albumtitels ist bewusst der gedankliche Anker der Platte. Grounded - Gestrandet, fixiert, geerdet sind Attribute, die sich textlich widerspiegeln. Mohrmanns Texte sind ein Blick auf und in die Gesellschaft. Sie sind immer Lösungsansätze, entschlossen und somit ein schöner anziehender Widerspruch zum melancholischen Gesang. Die Musik von Jerichow drückt und pulsiert von unten. Getrieben vom verzerrten Gitarren-Röhren-Sounds mit Elementen aus Blues, Rock und Techno. Pop-Musik mit: „wir machen das so“-Attitüde. Die Platte ist ohne Versprechen, aber mit Ansage. Rough und selbstbewusst kommt der Sound daher. Sichtbar auch am aufwendig gestalteten Artwork der Platte, dass mit drei Editionen aufwartet, die ausschließlich auf Vinyl erhältlich sind. Das Mastering und der Folien-Schnitt erfolgte durch Tonmeister Rainer Maillard in den Berliner Emil Studios (besser bekannt als Hansa Studios, wo David Bowie, U2 und auch Depeche Mode tätig waren). Den Mix übernahm Hannes Bieger, der mit Künstlern wie Ellen Allien oder mit Robert Görl von DAF arbeitet. Material für einen Nachfolger gibt es schon, Ambitionen für Live-Gigs jedoch nicht. Designer, Tischler, Musiker und Künstler: Es scheint, als seien Mohrmann die Werkzeuge egal, mit denen er Aussagen trifft.

Die Sängerin Mine und der Rapper Fatoni haben gemeinsam ein Album aufgenommen. Es heißt „Alle Liebe nachträglich“. Das Album enthält wunderbare Pop-Texte über die vermeintliche Unvereinbarkeit zweier Menschen.

„Alle Liebe nachträglich“ ist das definitive Beziehungsalbum für die Generation Y und alle anderen geworden. Auf sehr unaufgeregte, beinahe alltägliche Weise singen und rappen Mine und Fatoni hier dialogisch über die Liebe, das tägliche Verzweifeln an ihr – und die Unmöglichkeit, mit ihr oder ohne sie zu leben. Und sie tun das mit genau jenem Mix aus Charme, Sprachwitz und kluger Beobachtungsgabe, der in der Debatte viel zu oft zu kurz kommt.

Das Album ist allerdings auch musikalisch ein facettenreiches Werk, das von den Gegensätzen der Protagonisten ebenso lebt wie von ihren Gemeinsamkeiten. Mit Anklängen an NDW, Pop Noir und HipHop gelingt Mine und Fatoni so ein modernes, tiefgründiges, hochgradig mitreißendes Pop-Album, das die Unvereinbarkeiten in banalen und großen Fragen des Lebens auf eine Weise illustriert, von deren Aufrichtigkeit sich die Beziehungsratgeberzyniker dieser Welt eine dicke Scheibe abschneiden könnten.

Die Info liegt nur auf Französisch vor. Die Suchmaschine übersetzt so und vermutlich wird schon etwas dran sein:

"Dies ist der schlimmste Wahnsinn, der in einer verrückten Welt weise ist.", sagt Hyperculte auf seinem zweiten Album "Massif Occidental", ein wahrer Schrei musikalischer Freiheit, wild und freudig (wird Ende April 2019 auf dem Label Bongo Joe Records veröffentlicht).

Das Duett, bestehend aus der besten experimentellen Rock-Szene von Genf - Simone Aubert (Massicot, Tout Bleu) an Schlagzeug, Gitarre und Gesang und Vincent Bertholet (Marcel Duchamps Orchester Tout Puissant) an Kontrabass und Gesang - setzt seine Cavalcade fort verrückt in einer Welt im Chaos, um besser in ihrer Trance zu trainieren, die Disco, Pop, Kraut, Punk und Post Rock mischt.

Scharfe Rhythmen, Erfindungsreichtum der Komposition, poetische und engagierte Texte, die acht Tracks des Albums, bestehend aus musikalischen Improvisationen, Fragmenten literarischer Texte und politischer Slogans, zeugen vom scharfen und scharfen Blick der beiden Musiker auf unsere zeit Die Instrumente und Stimmen - ein weibliches Lied funktionierte, und ein männlicher Skandal - eher roh und gesprochen - voller Effekte und Verzerrungen aller Art, Dialoge, Spielen und Antworten.

Aufgenommen in Hamburg, im Atelier von Felix Kubin, To Rococo Rot, Faust usw., was dem Ensemble einen Hauch gibtscharfer Electro-Pop, dieses neue Album schwingt wie ein Baroud d'honneur, ein poetischer Aufruf zum Widerstand für eine "Armee der Träumer". Zwischen Idealismus und Pessimismus, Freude und Dringlichkeit bestätigt Hyperculte den Bruch mit ihren Anfängen und zeigt seinen eigenen Wahnsinn mit einem entschlossenen unbesiegbaren westlichen Massiv.

Aufgenommen und abgemischt von Tobias Levin und Hannes Plattmeier im Electric Avenue Studio, Hamburg. Sept-Dez 2018

Ein Album "Caruso" zu nennen ist für einen Sänger nicht ganz unbescheiden. Nils Koppruch ist Sänger, aberauch Songwriter, Dichter und Geschichtenerzähler, und so darf man sicher sein, dass sich bei ihm hinter der Opernlegende Caruso etwas ganz anderes verbirgt. Das zweite Soloalbum des ehemaligen Frontmanns der Hamburger Band Fink wirkt wie ein großes Luftholen nach dem sehr introvertiert wirkenden Solodebüt ("Den
Teufel tun") von 2007. "Caruso" hat alles, was die Songs von Koppruch und Fink so einzigartig und
wundervoll machte. Da ist die Musik, die ihren Ursprung in Nordamerika hat, im Blues, Country, Folk und Swing, aber niemals folkloristisch wirkt. Es ist eher Pop, der sich aus anderen Quellen speist, als es Popgewöhnlich tut. Und da sind diese Texte, in denen mit wenigen Worten große Geschichten erzählt werden voller Weisheit, Witz und Lebensliebe. Selten wurde Optimismus schöner vertont. Auch wenn gleich hinter der nächsten Ecke der Teufel lauert - "Caruso hätt’ sich aufgehängt." Mit dabei u. a.: Gisbert zu Knyphausen, Christoph Kähler und Almut Klotz.

Sie servieren ungewohnte Sprache auf hervorragender Popmusik. Gerade deshalb auch was für Leute ohne Dialekt: Pam Pam Ida veröffentlichen am 11.01.19 ihr zweites Album Sauber bei F.A.M.E. Recordings. Aus dem beschaulichen Örtchen Sandersdorf mitten in der bayerischen Pampa kommt nun der zweite große Aufschlag des Überraschungserfolgs Pam Pam Ida. Mit ihrem 2017 erschienenen Erstling Optimist begeisterten sie Radiostationen, Kritiker und Fans. Nun kommt das zweite Werk keine ganz einfach Aufgabe. Zweite Alben werden schließlich generell in Frage gestellt. Ihre Antwort liefern Pam Pam Ida in 13 Songs und einem kurzen Interlude. Sie machen Pop, der an die avantgardistische Tradition der 80er anknüpft: Unterhaltend, aber mit künstlerischem Auftrag. Treibende Nummern fürs Feeling und das Tanzbein, ausladende Albumtracks zum Reinlegen und Gespanntsein. Das Album erzählt vom Loslassen und Zusammengehören. Zumindest vom Zusammengehören-Wollen. Es besingt krankhaften Konsum, das Hadern mit der Realität und den Tod einer Katze. Wie schon auf Optimist verzuckert Sänger Andreas Eckert dem Zuhörer manch bittere Wahrheit mit süßer Ironie. So gut kann Katharsis schmecken. Pam Pam Ida bedienen beides: Musiknerds, die anhand von Gated-Reverb-Drums Parallelen zu Prince ziehen und Easy-Listeners, die sich einfach dem Gefühl hingeben wollen. Jeder Song auf Sauber ist mit diesen Ebenen ausgestattet. Mächtige four-on-the-floor-Songs wie Anna machen das deutlich. Da wird einerseits etwas ganz Grunlegendes getriggert. Eine Stimmung, eine Identifizierung mit Textinhalten. Das, was Popmusik eben ausmacht. Andererseits bestechen die Arrangements und Kompositionen durch Überlegtheit, reiche Ideen und einer kräftigen Portion Mut. Zu echtem Pop gehört dieser Mut, die strengen Grenzen des Populären auszuweiten. Pam Pam Ida liefern mit Sauber ein zweites Album ab, das den Titel Nachfolger verdient hat. In Songs wie Kumm her! knüpfen sie an den Stil des Vorgängers an, legen aber noch mehr Gewicht auf ihre Mission: Der Popmusik ihr progressives Element zurückzugeben. Die komplexen Arrangements und vielfältigen Soundwelten genügen dem künstlerischen Anspruch genauso wie der Leichtigkeit von Pop. Zwischen stylischen 80er-Drums, neuentdeckter Liebe für Saxophonsoli und feinstem Streichereinsatz bietet Sauber treibende Unterhaltung genauso wie elegische Tiefe. Dass es sich dabei um bairische Texte handelt, ist vor allem als musikalischer Ausdruck zu verstehen. Die Sprache fügt den Werken ihren ganz eigenen Klang hinzu. Pam Pam Ida kann man nämlich beides: Fühlen und verstehen.

Endlich das erste Soloalbum des bayrischen Experimental-Volksmusikers und Frontmanns der hochgelobten "Kofelgschroa".Maxi Pongratz - der bayrische Texter und Liederschreiber der Band "Kofelgschroa" - ist mit diesem Album nun endlich auch solo unterwegs. Nach den drei erfolgreichen Alben mit seiner 4-köpfige Kapelle und ihrer ganz eigenen Version traditioneller Blasmusik, geht Maxi Pongratz nun eine Zeitlang eigener Wege: Mit seinem ureigenen Akkordeonspiel und Liedern, die uns laut auflachen lassen, solange, bis uns das Lachen auch mal gehörig im Halse stecken bleibt, die mehr als nur zwei Ebenen haben, in der die heile Welt Risse kriegt und die, das ist entscheidend, dem Schmunzeln und Augenzwinkern, der leisen und auch der lauten Ironie ihren Raum geben. Kaum ein anderes Bundesland hat eine so starke Tradition der anarchistisch gegen den Strich gebürsteten Volksmusik hervorgebracht wie Bayern; wo sonst wird so kritisch, politisch, witzig und laut geschrammelt, gestampft und gesungen? Ganz in dieser Traditionslinie der Zick-Zack-Gänger und Querschläger stehend, hatte es nicht umsonst bereits über die Texte von "Kofelgschroa" geheißen, sie seien dadaistisch-valentinesk. Das setzt Maxi Pongratz auf seiner ersten Soloplatte nun noch eins drauf. Mit seinem Akkordeon oder dem Klavier lässt er diese Texte in schnellen Schritten springen, plötzlich stocken oder schleppt und schuppst sie hinter und vor sich her. Das ist authentisch und rau, laut und lustig und nicht zuletzt auch ziemlich schlau."..Das Maxi-Pongratz- Akkordeon leiert ergreifend und die akustische Gitarre scheppert ein bisschen. Und plötzlich entwickelt das eine Schönheit, die's nicht nur ums Herz ganz warm werden lässt, sondern auch ums Hirn." Süddeutsche Zeitung

Sänger, Pianist und Liedermacher Til Heene aus Bochum, komponiert und programmiert
seine Lieder als Sauhund (Klang von Sooouuund) mit analogen und digitalen Synthesizern.
Die Musik wird von Drums, Percussion, einem Hardwaresequencer erzeugt.
Alte Transistororgeln, ein akustisches Klavier oder Gitarren kommen auch zum Einsatz.
Sauhund vermischt geisterhaft tanzbare elektronische Klängwürfel, eingängige Melodien
und deutsche Texte zu seinem ganz eigenen ‘Soouund‘.
Sauhund gegründet 2004 in Bochum.
Einflüsse: Foyer des Arts / Depeche Mode / Blumfeld / Brian Eno / Electro.
Musik: Wave / Retro Disco / NDW / Electro.
Til Heene: beats / vocals / synth / piano / guitar.