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Limited to 100 copies as HHV Exclusive pink colored vinyl edition.

„It's the terror of knowing what this world is about“, sang David Bowie 1981. Ihm gelang das Kunststück, ein Lied mit einer solchen Zeile – und mit Queen als Backing-Band – zu einem Hit zu machen. Von Spars „Under Pressure“ weiß auch, worum es in dieser Welt geht, mit ihren Drohkulissen, verschärftem sozialen Wettbewerb und dem Verdrängungskampf im Übergang zum Überwachungskapitalismus. Vom ersten Beat an spürt man die Dringlichkeit dieser Musik. Trotzdem wirkt sie frei, fast schwebend und schafft Raum für Reflektion und Selbstbefragung.Von Spar verstehen das, was andere „Band“ nennen, als modulares System. Die Kreativgemeinschaft von Sebastian Blume, Jan Philipp Janzen, Christopher Marquez und Phillip Tielsch befindet sich in einem
Zustand konstanter Neukonfiguration. Von Spar sind eine Schnittstelle, ein Interface, das Zugang schafft zum Wieder-Entdecken und Neu-Erleben von nur scheinbar Bekanntem. „Under Pressure“ ist ihr fünftes Album, sofern man in der Zählung die live eingespielte Can-Hommage gemeinsam mit Stephen Malkmus unterschlägt. 15 Jahre sind seit ihrem Debüt „Die uneingeschränkte Freiheit der privaten Initiative“ vergangen, fünf Jahre seit dem Album „Streetlife“. Betrachtet man ihre Diskografie, bekommen Von Spar etwas Chamäleonhaftes. Ihre Platten sind Ergebnisse einer steten Wandlung, sie öffnen Wurmlöcher zu Postpunk, zu Krautrock oder zum Kunstpop der Achtzigerjahre. Die Konstanten: rhythmische Raffinesse und harmonische Quantensprünge, das An- und Abschwellen von Synthesizer-Arpeggi, rückwärts abgespielte Gitarren, die nichts von Rückwärtsgewandtheit haben. Die acht Songs auf „Under Pressure“ wurden in Von Spars Dumbo Studio in Köln aufgenommen. Entscheidende Beiträge stammen von Gästen aus Toronto, Tokio, New York, London und Nashville. Die prägende Stimme ist, wie schon bei „Streetlife“, die von Chris A. Cummings alias Marker Starling. Er legt sein unverkennbares Falsett über die Hälfte der Songs und will wissen: „Is there a cure for this / Unhappiness, happiness?“ Im Eröffnungsstück erkundet Cummings gemeinsam mit Eiko Ishibashi (u.a. Kafka's Ibiki, Jim O'Rourke, Merzbow) in einer japanischen Traumsequenz, wohin die Reise gehen kann, wenn man die Fesseln des Fleisches abstreift. Punk- und Reggae-Professorin Vivien Goldman (The Flying Lizards) greift den Gedanken auf und befreit sich in „Boyfriends (Dead Or Alive)“ von den Gespenstern der Vergangenheit. Lætitia Sadier (Stereolab) singt auf dem Kraut-Pop-Hit des Albums, „Extend The Song“, der mit seinem Motorik-Schwung ewig weiterlaufen könnte: „If someone would ask me / Could I go on?“ Antworten, mehr Fragen – das ist das große Leitmotiv dieser Songs. Eine entscheidende stellt der Low-Fi-Eigenbrötler und 400-Alben-Mann R. Stevie Moore auf „Falsetto Giuseppe“: „Should I Worry?“ Natürlich!
Arno Raffeiner

It's the terror of knowing what this world is about“, sang David Bowie 1981. Ihm gelang das Kunststück, ein Lied mit einer solchen Zeile – und mit Queen als Backing-Band – zu einem Hit zu machen. Von Spars „Under Pressure“ weiß auch, worum es in dieser Welt geht, mit ihren Drohkulissen, verschärftem sozialen Wettbewerb und dem Verdrängungskampf im Übergang zum Überwachungskapitalismus. Vom ersten Beat an spürt man die Dringlichkeit dieser Musik. Trotzdem wirkt sie frei, fast schwebend und schafft Raum für Reflektion und Selbstbefragung.Von Spar verstehen das, was andere „Band“ nennen, als modulares System. Die Kreativgemeinschaft von Sebastian Blume, Jan Philipp Janzen, Christopher Marquez und Phillip Tielsch befindet sich in einem
Zustand konstanter Neukonfiguration. Von Spar sind eine Schnittstelle, ein Interface, das Zugang schafft zum Wieder-Entdecken und Neu-Erleben von nur scheinbar Bekanntem. „Under Pressure“ ist ihr fünftes Album, sofern man in der Zählung die live eingespielte Can-Hommage gemeinsam mit Stephen Malkmus unterschlägt. 15 Jahre sind seit ihrem Debüt „Die uneingeschränkte Freiheit der privaten Initiative“ vergangen, fünf Jahre seit dem Album „Streetlife“. Betrachtet man ihre Diskografie, bekommen Von Spar etwas Chamäleonhaftes. Ihre Platten sind Ergebnisse einer steten Wandlung, sie öffnen Wurmlöcher zu Postpunk, zu Krautrock oder zum Kunstpop der Achtzigerjahre. Die Konstanten: rhythmische Raffinesse und harmonische Quantensprünge, das An- und Abschwellen von Synthesizer-Arpeggi, rückwärts abgespielte Gitarren, die nichts von Rückwärtsgewandtheit haben. Die acht Songs auf „Under Pressure“ wurden in Von Spars Dumbo Studio in Köln aufgenommen. Entscheidende Beiträge stammen von Gästen aus Toronto, Tokio, New York, London und Nashville. Die prägende Stimme ist, wie schon bei „Streetlife“, die von Chris A. Cummings alias Marker Starling. Er legt sein unverkennbares Falsett über die Hälfte der Songs und will wissen: „Is there a cure for this / Unhappiness, happiness?“ Im Eröffnungsstück erkundet Cummings gemeinsam mit Eiko Ishibashi (u.a. Kafka's Ibiki, Jim O'Rourke, Merzbow) in einer japanischen Traumsequenz, wohin die Reise gehen kann, wenn man die Fesseln des Fleisches abstreift. Punk- und Reggae-Professorin Vivien Goldman (The Flying Lizards) greift den Gedanken auf und befreit sich in „Boyfriends (Dead Or Alive)“ von den Gespenstern der Vergangenheit. Lætitia Sadier (Stereolab) singt auf dem Kraut-Pop-Hit des Albums, „Extend The Song“, der mit seinem Motorik-Schwung ewig weiterlaufen könnte: „If someone would ask me / Could I go on?“ Antworten, mehr Fragen – das ist das große Leitmotiv dieser Songs. Eine entscheidende stellt der Low-Fi-Eigenbrötler und 400-Alben-Mann R. Stevie Moore auf „Falsetto Giuseppe“: „Should I Worry?“ Natürlich!
Arno Raffeiner

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The Cinematic Orchestra kündigen eine limitierte Vinyl-Reissue ihres erstmal 2003 veröffentlichten Klassikers 'Man With A Movie Camera’ an. Im Rahmen der Filmfestspiele zur Europäischen Kulturstadt Porto im Jahr 2001 wurde Jason Swinscoe vom Cinematic Orchestra beauftragt, einen Soundtrack zu einem Stummfilm zu komponieren, der einmalig aufgeführt werden sollte. Bei dem Film handelte es sich um Dziga Vertovs Experimentalwerk „Der Mann mit der Kamera“, einen frühen Dokumentarfilm aus der Ukraine von 1929, den viele, darunter das British Film Institute, fast 100 Jahre nach seiner Entstehung als einen der besten Filme aller Zeiten bezeichnen. Die Aufführung fand im historischen Coliseu do Porto statt und endete mit stehenden Ovationen von 3.500 Menschen. The Cinematic Orchestra hat die Show im Laufe der Jahre auf internationalen Tourneen aufgeführt, unter anderem im Barbican in London, im Winter Garden des World Trade Centers in New York und im Sydney Opera House.

Veröffentlichung der EP mit 6 Live Tracks als exklusive yellow-purple Splatter Vinyl zum Black Friday

Dies ist die reguläre, einfache LP mit 14 Stücken. Bei uns gibt es auch die limitierte Doppel-LP mit 20 Stücken.

Ein Plattentitel mit zwei Ausrufezeichen, der soviel bedeutet wie "was für ein Theater" und den Hörer und die Hörerin einstimmt auf Lieder wie "Cinemascope". Im Breitwandformat werden auf dieser gelegentlich sehr unterhaltsamen Platte Themen wie persönliche Verletzungen ("Ich bin cool"), Verrat ("Mes copines"), Persönlichkeitsdefizite durch Drogenmissbrauch ("Methedrine"), Wut ("Hass-Satellit"), Selbstüberschätzung ("Brezel says"), Selbstmord ("Le Spleen"), Trauer ("Dancing with a memory") und seelische Qual ("Elektroschocktherapie") zu Gehör gebracht.

"Ich bin eine Sprachkünstlerin, die den Humor in Kauf nimmt", soll Françoise Cactus einmal über sich selbst gesagt haben. Dem ist nichts hinzuzufügen, allerdings hat sie den gewohnten Stereo Total-Wortwitz nicht in allen Texten dieser Platte zum Zuge kommen lassen. Viele Stücke erinnern an ernste und verzweifelte Lieder, die sie in der Zeit ihrer ersten Band "Les Lolitas" geschrieben hat. Trotzdem schimmert in "Keine Musik" oder "Einfach" noch der anarchische Humor, der Stereo Total auszeichnet.

Musikalisch orientiert sich diese inzwischen zwölfte Stereo Total-Schallplatte an überhaupt nichts mehr. Konnte man auf früheren Alben noch von Einflüssen (Chanson, Trash, Disco, R'n'R, Punk, NDW) und musikalischen Stilmitteln sprechen, so sind Stereo Total jetzt in einem Universum angekommen, das nur ihnen allein zu gehören scheint und das an nichts Bekanntes mehr erinnert. Die gekonnte Produktion von Françoise Cactus auf 8-Spur-Kassetten-Technik trägt zum außergewöhnlichen Klangerlebnis bei. Brezel Göring spielt wie immer auf Musikinstrumenten, die wohl Kinder in gutbürgerlichen Haushalten niemals zu Gesicht bekommen haben: Plastikbabyorgeln und schauderhafte Mäuseklaviere, dazu Selbstbaugitarren, die von einem handwerklich unbegabten Schreiner zusammengeleimt worden zu sein scheinen.

1. Stereo Total machen nach wie vor elektronische Musik, mit Flohmarkt-Casio-Klängen, die als direkte Kritik an dem was man unter elektronischer Musik versteht gelesen werden kann. Wahrscheinlich läßt sich jedes Musikinstrument in gesellschaftliche Koordinaten übersetzen, und in diesem Sinne sprechen die Arbeitmittel von Stereo Total eine deutliche Sprache.

2. Stereo Total machen weiterhin auch immer noch LoFi-Garage-Rockmusik, die alle männlichen Klischees, die man mit Gitarrenmusik verbindet, lächerlich macht mit einem Gegenentwurf, der in Françoise Cactus' Schlagzeugspiel als Feminismus, Anti-Professionalismus und subversivem Dilettantismus mitschwingt.

Es fällt schwer, Stereo Total irgendwohin einzuordnen, wahrscheinlich muss man einfach mit Flann O'Brien sagen: "Wann wird es je wieder ihresgleichen geben?"

Ach so, für die jüngeren unter euch: Stereo Total haben zu einer Zeit angefangen Musik zu machen, als es noch kein Internet, keinen Euro, kein wiedervereinigtes Deutschland und bevor es überhaupt Bands und Musik gegeben hat, und sie werden vermutlich auch noch spielen, wenn das hier alles bereits Geschichte ist. Die Gruppe besteht aus Françoise Cactus, die sich die Zeit zwischen den Bandproben als Radiomoderatorin, Autorin und bildende Künstlerin vertreibt und Brezel Göring, dem Mann, der schon bei der Wahl seines Künstlernamens versucht hat, von Musikkritikern und Feuilletonisten nicht ernstgenommen zu werden.

Sie haben begonnen gemeinsam Musik zu machen mit dem festen Vorsatz, Regeln und Vorstellungen über den Haufen zu werfen. Zwar haben sie nicht die europäische Funktionsharmonik und die 4/4 Metrik abgeschafft, aber jeden anderen Aspekt bezüglich Texten und musikalischer Umsetzung in Frage gestellt. Mit Texten wie "Du bist schön von hinten", "Liebe zu dritt", "Ich bin nackt", "Ich bin der Stricherjunge mit der Raucherlunge" oder "Komplex mit dem Sex" haben sie versucht, sich bei ernsten Musikfreunden unmöglich zu machen, andererseits mit einer Tontechnik weit unterhalb des Qualitätsstandards Mainstreamhörer zu erschrecken.

Wer die aktuelle Single der Songwriterin aus New York hört, wähnt sich auch im grausten Winter plötzlich in dem Land, deren Namen der Song trägt: Mexico . Austers rauchig laszive Stimme, eine Geschichte von Sonne, Staub und gefährlichen Liebschaften, eine nostalgische Film-Noir-Stimmung und dazu diese unwiderstehlichen Mariachi-Bläser man kann sich gar nicht dagegen wehren, direkt in Austers Welt zu tauchen und mit ihr in einem alten Cabrio über den Grenzübergang zu rasen. Diese Liebeserklärung an ihre Kunst ist übrigens ausdrücklich nötig, damit nicht wieder alle nur schreiben: Paul Austers Tochter macht auch Musik. Denn klar ist sie die Tochter des sehr guten Schriftstellers und der noch viel besseren Schriftstellerin Siri Hustvedt, aber Sophie Auster ist eben auch eine faszinierende Schauspielerin und Songwriterin, die schon im Teenageralter Jazz-Standards performte. Next Time führt diesen Entdeckerdrang weiter und schlägt völlig selbstverständlich einen Bogen von Mexico zu hypnotischem Crooning auf Tom C , und verrauchtem traurigen Jazz wie in Black Water.

Es ist eigentlich unglaublich was der 27-jährige Kölner in den letzten zwei Jahren geschafft hat. Am 19.08.2016 erschien das Debütalbum namens “Roosevelt”, landete auf Anhieb in den Top 100 der offiziellen deutschen Album-Charts und gilt als eines der wichtigsten neuen Pop-Alben der deutschen Musikszene und eines der wenigen hiesigen Alben, das auch international für Aufsehen sorgte. "Er hat das Potenzial, um die Welt zu gehen“ attestierte ihm der Spiegel und das tat er dann auch.
Mit seinem Debütalbum gelang es Roosevelt auch den schweren US-Markt zu knacken, ebenso wie UK, Frankreich, Holland und Italien - selbst Mexiko liegt ihm zu Füßen. Festivals weltweit reißen sich um ihn: Primavera Sound, The Governors Ball Music Festival (New York), Sónar Festival, Montreux Jazz Festival, Sziget Festival, Lollapalooza Festival, etc. Radiostationen im In- und Ausland spielen noch immer “Fever” und “Moving On” hoch und runter. Seine Hörer treiben ihn bei Spotify auf knapp 80 Millionen Streams. Alle wollen von ihm geremixt werden (Chvrches, Glass Animals, RHYE, Who Made Who, Blossoms und Sinkane) Und was macht er? Nimmt eine Coverversion von “Teardrops” auf und wird nachtraeglich von der Womack & Womack Familie zum Ehrenmitglied gemacht.

Nach dem düsteren Konzeptalbum Good Morning Dystopia schlägt die Band mit The Isle of Dogs neue Wege ein. Das neue Album ist im Vergleich zum Debüt eher songorientiert und entfernt sich vom 70er Jahre Progressive Rock Sound hin zu einer vielschichtigen Verflechtung unterschiedlicher musikalischer Traditionen, ohne dass dabei die stilistische Herkunft verleugnet würde. Trotz der Konzentration auf den einzelnen Song legen Osta Love Wert auf die Behandlung des Albums als stimmiges Ganzes. So bildet der schweifende Blick über die Natur-Imagerie einer fiktiven 'Isle of Dogs' das einheitsstiftende Zentrum der Platte, während die stilistische Vielfältigkeit der Songs sich den einzelnen 'Szenen' anpasst. Die 'B-Seite' des Albums wendet mit dem 16-Minuten-Stück Translucent Engineering den Blick von Außen nach Innen, auf das Seelenleben eines kreativ blockierten Literaten. Das surreal anmutende Cover stammt vom japanischen Fotografen Toshihiro Oshima.

Auf der Suche nach ihren Wurzeln und aus Ehrerbietung für ihre Vorfahren reiste die in Kanada lebende
Singer/Songwriterin und Gitarristin Mélissa Laveaux im April 2016 nach Haiti. Im Alter von zwölf Jahren war
sie mit ihren Eltern, die als Studenten vor dem Regime von Diktator François Duvalier geflohen waren, zum
letzten Mal auf der Insel. Dort fühlte sie sich zunächst wie eine Fremde, gleichzeitig erlebte sie aber auch die
freudige Erregung des nach Hause zurückkehrenden Exilanten: Haiti war, ist und bleibt ein unauslöschlicher
Teil ihrer Identität. Laveaux kehrte mit einem Kopf voller Klänge, Melodien, Stimmungen und Geschichten aus
fernen Tagen nach Kanada zurück. Diese Melange entwickelte sie zu einer Songsammlung, die von
haitianischer Geschichte und Kultur durchdrungen ist, aber dennoch sehr persönlich und intim ausfällt.
"Radyo Siwel" wurde in nur fünf Tagen eingespielt. Mit grandioser Stimme und geschmeidigem Gitarrenspiel
drückte Laveaux dem Dutzend Stücke einen unverwechselbaren Stempel auf. Unterstützung erhielt die
Musikerin von Kobo-Town-Bandleader Drew Gonsalves aus Trinidad an der Gitarre und Cuatro. Das
französische Produktionsteam A.L.B.E.R.T. sorgte dafür, dass sich der Sound wie live eingespielt anhört.

Mark Reeder kehrt nach dem Erfolg seines bisherigen
Surround-Sound-Albums zurück, mit einer
weiteren Kollektion von Kollaborationen die er mit neuen und
zugleich etablierten Künstlern geschaffen hat. Queen of
Hearts, Maja Pierro, KVB, Ekkoes, MFU, The Inspiral Carpets
und New Order.
Der Titel Mauerstadt ist eine Reflexion über die umgemauerte
Stadt West-Berlin, wie diese politische Situation eine ganze
Stadt beschränkte und eine Nation teilte, aber zugleich
befreite sie auch viele von denen, die innen lebten Seine
wände Das ummauerte war die schöpferische Kraft hinter
dem Berlin der 80er Jahre. Unter dem aktuellen Klima spiegelt
das Album die Zeit, in der wir Heute leben, wie es noch
deutlicher geworden ist, dass Nationen und Menschen Mauern
bauen, vielleicht auch keine physischen Wände, sondern auch
geistige Barrieren, die Menschen, Geschlecht, Nationen und
Religionen teilen.

Auf dem 19. Studioalbum von Marianne Faithfull, das von ihrem langjährigen Partner Hal Willner produziert wurde, greift die 60s Ikone und großartige Sängerin nach 'Easy Come Easy Go' aus dem Jahr 2009 auf ihrem zweiten Cover-Album in Folge acht klassische Songs auf. Zu den insgesamt 13 Titeln gehören Neubearbeitungen von 'Past, Present And Future' (Shangri-Las), 'Love Song' (Lesley Duncan), 'Goin' Back' (Dusty Springfield) sowie mehrere Neu-Kompositionen. Dazu Gastauftritte von Lou Reed, Dr. John und Wayne Kramer (ehemals MC5). Gatefold 180Gr. Doppel-LP (Yellow Vinyl)!

RELEASED: 2011
RECORDED: Piety Street Recording, New Orleans
PRODUCERS: Hal Willner
MIXING: Mark Bingham
MASTERING: John Fischbach
PAINTING: Jim Warren
LABEL: Naïve