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Mit „1989“ (Taylor‘s Version) veröffentlicht Taylor Swift im Oktober bereits die vierte Neuaufnahme ihrer ersten sechs Studioalben. Mit dem Longplayer vollendete der Superstar den Wandel von einer Countrymusikerin hin zu einem der größten Popmusik Phänomene. Dieses mit Spannung erwartete Album enthält die Swift Klassiker „Blank Space“, „Style“ und “Bad Blood“.



Wie schon bei den vorherigen Neuaufnahmen „Fearless“, „Red“ und „Speak Now“, freuen sich die Fans schon jetzt auf die fünf unveröffentlichten „Vault-Tracks“. Diese heißen: „Is It Over Now?“, „Now That We Don’t Talk“, „Say Don‘t Go“, „Suburban Legends“ und “Slut!”.

Über das Album „1989“ sagte der Star: „Um ganz ehrlich zu sein, ist es meine Lieblings-Neuaufnahme, die ich je gemacht habe, weil die fünf „From The Vault“-Tracks wahnsinnig toll sind. Ich kann nicht glauben, dass sie jemals zurückgelassen wurden. Aber nicht mehr lange!“



Das Album „1989“ enthält 21 Lieder, darunter fünf bisher unveröffentlichte Songs (From The Vault). Die CD ist in den Farben Pink, Grün und Gelb erhältlich. Als besonderes Feature, ist zusätzlich noch ein Poster enthalten.

Sales Text – Standard Formate 2LP und CD (crystal skies blue) Mit „1989“ (Taylor‘s Version) veröffentlicht Taylor Swift im Oktober bereits die vierte Neuaufnahme ihrer ersten sechs Studioalben. Mit dem Longplayer vollendete der Superstar den Wandel von einer Countrymusikerin hin zu einem der größten Popmusik Phänomene. Dieses mit Spannung erwartete Album enthält die Swift Klassiker „Blank Space“, „Style“ und “Bad Blood“.



Wie schon bei den vorherigen Neuaufnahmen „Fearless“, „Red“ und „Speak Now“, freuen sich die Fans schon jetzt auf die fünf unveröffentlichten „Vault-Tracks“. Diese heißen: „Is It Over Now?“, „Now That We Don’t Talk“, „Say Don‘t Go“, „Suburban Legends“ und “Slut!”.

Über das Album „1989“ sagte der Star: „Um ganz ehrlich zu sein, ist es meine Lieblings-Neuaufnahme, die ich je gemacht habe, weil die fünf „From The Vault“-Tracks wahnsinnig toll sind. Ich kann nicht glauben, dass sie jemals zurückgelassen wurden. Aber nicht mehr lange!“



Das Album „1989“ enthält 21 Lieder, darunter fünf bisher unveröffentlichte Songs (From The Vault) und ist auf Vinyl und CD erhältlich.

2020 erschien mit "KiCk i" der Grammy nominierte Auftakt zur Serie; auch nominiert bei den Latin Grammy Awards als "Best Alternative Music Album". 2021 setzt Arca mit "KICK ii" bis "IIIII" nun die "KiCk"-Serie auf XL Recordings fort. Jetzt erscheinen diese auch physisch auf CD und Vinyl! Als Künstlerin war Arca schon immer eine Gestaltenwandlerin - äußerlich wie musikalisch. Sie produzierte Musik für Lady Gaga, Frank Ocean, Björk, Kanye West und FKA twigs, komponierte Musik für das MoMA, trat 2020 mit den Labèque Schwestern, zwei fantastischen Pianistinnen, bei der Burberry Fashion-Show auf, schrieb einen Soundtrack-Beitrag für die HBO-Serie "Euphoria", erschuf gewaltige Noise-Skulpturen oder gab sich auf Partys als exaltierte Diva. Arca wurde für einen GLAAD Media Award nominiert und ist die erste nicht-binäre Künstlerin, die schließlich für einen GRAMMY nominiert wurde. Sie hat ihr eigenes Album-Artwork entworfen und gemalt, für Bottega Venetta, Calvin Klein und Loewe gemodelt, Musikinstrumente der nächsten Generation mitentwickelt und auch mit KI experimentiert. Alejandra Ghersi Rodriguez, wie Arca eigentlich heißt, wurde erst vor kurzem von Publikationen wie dem Time Magazine, Guardian, DAZED, Billboard, Pitchfork, Stereogum und der Los Angeles Times zur einer der innovativsten Künstlerinnen des 21. Jahrhundert ernannt. Als nonbinäre Latinx-Transfrau will Doña Arca die Rolle des Popstars für kommende Generation neu definieren - mit "KICK ii bis IIIII" entführt sie uns in diese Zukunft und öffnet die Tür in eine neue und nonbinäre Soundwelt.

Was haben Motörhead, Refused, Rage against the Machine, AC/DC und Green Day gemeinsam?Es mag vielleicht verwundern, aber sie haben allesamt Songs mit Texten, die ziemlich gut im Kontext eines Widerstands gegen eine Epoche funktionieren, die immer mehr durch herzlosen Nationalismus, Rassismus, Faschismus und Egoismus gekennzeichnet ist. Das Leben im Europa des Jahres 2024 kann einem schon den Rest geben: In immer mehr Ländern wühlen Politiker*innen den Dreck auf, der schon längst hätte abgeschafft werden sollen - oder der zumindest kollektiv verachtet gehört.Doch eines muss man sich unbedingt ins Gedächtnis rufen: just because you got the power, heißt nicht, dass man recht hat. Tagtäglich wird einem heute eine neue dumme Idee um die Ohren gehauen. Meistens geht es darum, diejenigen nach unten zu treten, die eh schon am Boden liegen. Für Otto Normalverbraucher, der sich von der Gesellschaft betrogen fühlt, ist das reines TNT. Das Gefühl ist bisweilen nachvollziehbar, doch bitte wann sind die Verbreitung von Angst, das Bauenvon Mauern und die Zerstörung von Bildungssystemen zur Lösung für Alles geworden? Seit wann ist ein menschliches Wesen aufgrund seiner Ethnie, seines Geschlechts, seiner sexuellen Orientierung oder seines Glaubens weniger wert? Unsere Antwort ist kurz und knapp: Wann immer irgendwer versucht, uns hier auf Linie zu bringen, entgegnen wir: fuck you, we won"t do what you tell us.Was also tun? Sind wir die einzigen, die sich in einer Welt, die sich spiralförmig in den Abgrund dreht, wie basket cases, also absolut verloren fühlen? Hoffentlich nicht. Und wenn wir eines gelernt haben, dann, dass im Produzieren, Spielen und Hören von Musik ein mächtiger Zauber liegen kann.Es gibt weniges, was so wirksam für sozialen Kit sorgt. Deshalb sind wir unglaublich stolz und freuen uns extrem, wieder ein neues Hellsongs-Album zu präsentieren. Für uns ist es ein Lichtstrahl in äußerst dunklen Zeiten. Zusätzlich zu den Cover-Versionen gibt es auch vier eigene neue Songs, die mehr oder w...

Was haben Motörhead, Refused, Rage against the Machine, AC/DC und Green Day gemeinsam?Es mag vielleicht verwundern, aber sie haben allesamt Songs mit Texten, die ziemlich gut im Kontext eines Widerstands gegen eine Epoche funktionieren, die immer mehr durch herzlosen Nationalismus, Rassismus, Faschismus und Egoismus gekennzeichnet ist. Das Leben im Europa des Jahres 2024 kann einem schon den Rest geben: In immer mehr Ländern wühlen Politiker*innen den Dreck auf, der schon längst hätte abgeschafft werden sollen - oder der zumindest kollektiv verachtet gehört.Doch eines muss man sich unbedingt ins Gedächtnis rufen: just because you got the power, heißt nicht, dass man recht hat. Tagtäglich wird einem heute eine neue dumme Idee um die Ohren gehauen. Meistens geht es darum, diejenigen nach unten zu treten, die eh schon am Boden liegen. Für Otto Normalverbraucher, der sich von der Gesellschaft betrogen fühlt, ist das reines TNT. Das Gefühl ist bisweilen nachvollziehbar, doch bitte wann sind die Verbreitung von Angst, das Bauenvon Mauern und die Zerstörung von Bildungssystemen zur Lösung für Alles geworden? Seit wann ist ein menschliches Wesen aufgrund seiner Ethnie, seines Geschlechts, seiner sexuellen Orientierung oder seines Glaubens weniger wert? Unsere Antwort ist kurz und knapp: Wann immer irgendwer versucht, uns hier auf Linie zu bringen, entgegnen wir: fuck you, we won"t do what you tell us.Was also tun? Sind wir die einzigen, die sich in einer Welt, die sich spiralförmig in den Abgrund dreht, wie basket cases, also absolut verloren fühlen? Hoffentlich nicht. Und wenn wir eines gelernt haben, dann, dass im Produzieren, Spielen und Hören von Musik ein mächtiger Zauber liegen kann. Es gibt weniges, was so wirksam für sozialen Kit sorgt. Deshalb sind wir unglaublich stolz und freuen uns extrem, wieder ein neues Hellsongs-Album zu präsentieren. Für uns ist es ein Lichtstrahl in äußerst dunklen Zeiten. Zusätzlich zu den Cover-Versionen gibt es auch vier eigene neue Songs, die mehr oder...

Lola Versus Powerman And The Moneygoround, Part One, kurz Lola Versus Powerman oder einfach nur Lola ist das achte Studioalbum von The Kinks. Das im Jahr 1970 aufgenommene und veröffentlichte Konzeptalbum war seiner Zeit voraus; eine satirische Beleuchtung der Musikindustrie mit ihren Musikverlagen, Gewerkschaften, Presse, Buchhaltern, Managern und dem Leben auf Tour. Ein Alltime-Klassiker der Kinks-Alben. Um das 50. Release-Jubiläum standesgemäß einzuläuten, lüften The Kinks nun ihre Pläne zur Wiederveröffentlichung in diversen Formaten: So erscheint Lola Versus Powerman And The Moneygoround, Part One als liebevoll zusammengestelltes Deluxe-Boxset, als Einzel-LP, als Deluxe-Doppel-CD, als Einzel-CD sowie in digitaler Form am 11. Dezember via BMG.

Isolation Berlin sind Max Bauer (Gitarre/Orgel), David Specht (Bass), Simeon Cöster (Schlagzeug) und eben Tobias Bamborschke (Gesang und Gitarre).
Nach einer EP-Collection und drei Alben ist „ELECTRONIC BABIES“ nun ihr viertes Album und erscheint am 11.10.2024
Seit die Selbstinszenierung des Einzelnen zum Ultimum erklärt wurde, sind Bands aus der Mode gekommen.
Zeitgeistigen Aspekten steht die Band ISOLATION BERLIN jedoch mit Sicherheit gleichgültig gegenüber. Stattdessen kreieren sie ihr eigenes Genre und nennen es treffend Protopop. Tobias Bamborschkes Gesang ist eindringlich, melancholisch, mitunter nihilistisch. Das Spektrum der Band reicht von Pop über Rock bis zum Chanson. Und es ist gewiss kein Zufall, dass Sven Regener von Element of Crime auf dem neuen Album als Trompeter in Erscheinung tritt. Auch die Shoegazing-Anklänge des Plattencovers kommen nicht von ungefähr.
Aber viel wichtiger sind das Leid, die Wut und der Humor in der Musik von ISOLATION BERLIN. So etwas findet sich heutzutage nur noch selten.
Aufgenommen, arrangiert und produziert haben Isolation Berlin „Electronic Babies“ in ihrem eigenen Proto-Pop-Studio.
Für zwei der elf Titel hat sich die Band allerdings Moses Schneider als Co-Produzenten hinzugeholt. Das will was heißen, denn bisher haben ISOLATION BERLIN Produzenten strikt abgelehnt und stets alles komplett selbst gemacht. Dass sie dazu in der Lage sind, haben sie längst bewiesen und beweisen sie auch auf diesem Album wieder.
Danke Isolation Berlin für Eure Musik!

Baxter Dury’s neues und siebtes Studioalbum heißt 'I Thought I Was Better Than You' (über Heavenly Recordings).

Mit ordentlich Selbstironie und Sprachakrobatik malt der Musiker und Schriftsteller eine wilde Collage aus schrägen Träumen und Szenen, in der Baxter mit seinem Erwachsenwerden abrechnet. Doch anstatt nur mit einem Baseballschläger blindlings auf seine Vergangenheit einzuschlagen, spricht er offen über den giftigen Cocktail, in unglückliche Umstände hineingeboren zu werden, ohne richtige Strukturen oder Verantwortungsgefühl, und schwankt dabei zwischen "Fuck you Leon…/ You stole the sunglasses and I got busted" und dem Wunsch nach "Porridge in the morning and be normal".

Mit kaum funktionierenden Maschinen arbeitete Baxter alleine in seinem Wohnzimmer an groben Demos, die er Produzent Paul White (Danny Brown, Obonjayer, Charli XCX) übergab, der sie in wiederum in seinem Wohnzimmer mit etwas besserem Equipment zum Leben erweckte.

Ausgezeichnet mit dem Jahrespreis 2023 der Deutschen Schallplattenkritik.

The Düsseldorf Düsterboys sind Peter Rubel und Pedro Goncalves Crescenti, die inzwischen viele Musikliebhaber*innen in diesem Land als die unverkennbaren Stimmen von International Music kennen dürften. Ihre Alben „Die besten Jahre“ und „Ententraum“ halten nicht wenige für die stärksten deutschsprachigen Platte der letzten Jahre.
Nun folgt mit „Duo Duo“, das zweite Album von The Düsseldorf Düsterboys, die Peter und Pedro als Duo schließlich schon lange vor International Music gegründet haben.

"Es heißt, dass, wenn man zwei Minds zusammenbringt, immer ein dritter Mind entsteht, ein dritter überlegener Mind, ein unsichtbarer Kollaborateur", so haben es einst William S. Burroughs und Brion Gysin zusammen in ihrem Buch "The Third Mind" formuliert und müssen dabei so etwas wie "Duo Duo", das zweite Album von The Düsseldorf Düsterboys im Kopf gehabt haben. Denn wie sich hier Peter Rubel und Pedro Goncalves Crescenti an ihren Klampfen zärtlich die Worte zuspielen, sich im Vortrag ganz selbstverständlich und voller Liebe für die Musik abwechseln, mal in die zweite Stimme wechseln und wieder zurück in den Leadgesang, das klingt eben alles so viel größer als nur zwei Menschen, die zusammen ein paar Lieder für uns spielen.

Wie scheinbar unbeschwert sie uns teilhaben lassen an ihren assoziativen Sprüngen zwischen lässigen Alltagsbeschreibungen und wunderschöner Poesie, zwischen Kopfkissen und Metaphysik, oder um es mit den Düsterboys und dem Album-Opener "Stars/Sternchen" zu sagen: "So viel gesagt, so viele Wolken. In meinem Zimmer vergeht ein halber Tag! Take me higher!"

Die Leichtigkeit - trotz durchaus vorhandener Melancholie – liegt nicht zuletzt an der Vertrautheit der beiden, die sich schließlich schon seit der Jugend kennen, aber auch daran, dass sie sich so hervorragend ergänzen. Während sich Pedro ansonsten eher zur Literatur hingezogen fühlt, beschäftigt sich Peter mit Kompositionsarbeiten für größere Ensembles (einen kleinen Eindruck davon bekommen wir auf diesem Album im großen Finale von "Lavendelreppen") - was andererseits nicht heißen soll, dass der eine vom anderen nichts versteht, ganz im Gegenteil.

"Duo Duo" handelt von einer funktionierenden Partnerschaft. Das macht vor allem die Liebeslieder auf diesem Album so herrlich doppeldeutig, wenn es etwa in der ersten Single "Ab und zu" heißt: "Denn wenn es auch mir gefällt / Und dann auch Dir gefällt / Wenn es uns beiden gut gefällt", ist vollkommen unklar, ob sich hier die beiden Künstler als Paar ansingen, oder ob die Botschaft sich an die Zuhörer*innen wendet, die wiederum an mögliche weitere Personen denken. So kommt es beim Hören mitunter zu interessanten doppelten Dopplungen: Duo Duo in Stereo!

Was die musikalischen Einflüsse angeht, so ist der outernational Folk-Pop auf "Duo Duo" nicht weniger vielschichtig bzw. eindeutig uneindeutig: Es gibt Einflüsse aus der Folk-Musik, aus dem brasilianischen Tropicalismo, manches erinnert an Kirchenchoräle, anderes wiederum an die Anti-Folk-Bewegung der frühen Nullerjahre oder good old Velvet Underground ("Gangster").
Mitunter alles zusammen in einem Song!

So hat man hat beim Hören das Schloss Waldeck und seine quarzenden Barden genauso im Kopf wie das Monterey-Festival und seinen kosmopolitischen Esprit. Bei allem Retro-Verdacht - einige Chorstimmen auf diesem Album stammen tatsächlich aus dem Sampler - ist "Duo Duo" in jedem Fall eine Pop-Musik der Gegenwart!
Sowieso: Was sind schon 500 Jahre Musikgeschichte, wenn man sich im Vortrag so viel Zeit lassen kann wie The Düsseldorf Düsterboys?! Man möchte fast "zeitlos" sagen, aber das sollen die Hörer*innen der Zukunft selbst entscheiden.

Mit "Adieu Adieu" befindet sich on top eine Cover-Version auf dem Album, die vielleicht mehr über den musikalischen Freiraum der Düsterboys aussagt, also weitere tausend Zeichen Info-Text: Das besagte Lied stammt von William Cornish, einem englischen Komponisten aus dem 16. Jahrhundert, dem die Düsterboys in ihrer Version einem Samba-Rhythmus verpasst haben: "Für mich bringt dieses Stück zwei traditionelle Feelings zusammen, Europa und Brasilien", sagt Pedro, der biografisch ebenfalls auf beiden Kontinenten verwurzelt ist, über den Song.

Mit "2016" gibt es zudem eine schöne autobiographische Bestandsaufnahme zu betrachten, in der sie einen hübschen Querverweis zu ihrer zweiten Band International Music und dem Song "Für alles" herstellen: "2016 war ein wunderschönes Jahr / Wir haben ein Haus gebaut / wo früher Wiese war / Du kennst den Monat und verwechselst nur das Jahr / was das bedeutet ist mir immer noch nicht klar!".
So ist "Duo Duo" eine weitere Station in der Karriere dieses außergewöhnlichen Künstlerpaars, immer zwischen zwei Bands und zwei Stühlen, aber in der Musik für immer vereint. Oder wie würden Sie es beschreiben?

re-releaseBrian Eno hat den Begriff Ambient Music geprägt und berühmt gemacht - die Musik aber hat er nicht allein erfunden. Brüder im Geiste waren die deutschen Musiker Hans-Joachim Roedelius und Dieter Moebius (Cluster). Es ist müßig, darüber zu spekulieren, wer wen beeinflusst hat, die Idee der Ambient-Musik lag Mitte der 70er-Jahre einfach in der Luft. Fakt ist, dass Brian Eno 1975 ein Konzert von Cluster in Hamburg besuchte. Er stellte sich strategisch günstig in die erste Reihe, und erwartungsgemäß bat man ihn zu einem Jam auf die Bühne. Nach dem Konzert verabredete man ein Treffen, das dann 1977 stattfand. Drei Wochen lang waren Eno und Cluster im Studio von Conny Plank. Zwei Alben entstanden daraus: "Cluster & Eno" sowie "After The Heat". Ersteres ist ohne Übertreibung das erste in Deutschland produzierte Ambient-Album. "After The Heat" ist jedoch etwas völlig anderes. Während auf "Cluster & Eno" die Handschrift von Cluster zu lesen ist (und Enos Ambient-Konzept die Hand führt), ist "After The Heat" eher ein Eno-Album mit den Stilmerkmalen der Cluster-Musik.

Heiß erwartetes Debütalbum der achtköpfigen Popformation. Superorganism sind in London längst „Talk of the town“ und werden nicht nur von englischen Medien wie NME, Fader, Clash oder eben auch BBC Radio 1 als eine der wichtigsten musikalischen Neuentdeckungen für 2018 angesehen.
Auch in Deutschland ist man längst ins super-abgedrehte Superorganism-Universum eingedrungen. Ihre Single „Something for your M.I.N.D.“ avancierte auch hierzulande zum Indie-Hit und schaffte es auf die wichtigsten Radio- und Spotifyplaylisten. Die stets geschmackssichere 1LIVE Plan B Musikredaktion nahm Superorganism in die Reihe der wichtigsten 1LIVE-Plan B-Newcomer für 2018 auf.

Mit „1989“ (Taylor‘s Version) veröffentlicht Taylor Swift im Oktober bereits die vierte Neuaufnahme ihrer ersten sechs Studioalben. Mit dem Longplayer vollendete der Superstar den Wandel von einer Countrymusikerin hin zu einem der größten Popmusik Phänomene. Dieses mit Spannung erwartete Album enthält die Swift Klassiker „Blank Space“, „Style“ und “Bad Blood“.



Wie schon bei den vorherigen Neuaufnahmen „Fearless“, „Red“ und „Speak Now“, freuen sich die Fans schon jetzt auf die fünf unveröffentlichten „Vault-Tracks“. Diese heißen: „Is It Over Now?“, „Now That We Don’t Talk“, „Say Don‘t Go“, „Suburban Legends“ und “Slut!”.

Über das Album „1989“ sagte der Star: „Um ganz ehrlich zu sein, ist es meine Lieblings-Neuaufnahme, die ich je gemacht habe, weil die fünf „From The Vault“-Tracks wahnsinnig toll sind. Ich kann nicht glauben, dass sie jemals zurückgelassen wurden. Aber nicht mehr lange!“



Das Album „1989“ enthält 21 Lieder, darunter fünf bisher unveröffentlichte Songs (From The Vault). Die CD ist in den Farben Pink, Grün und Gelb erhältlich. Als besonderes Feature, ist zusätzlich noch ein Poster enthalten.

Sales Text – Standard Formate 2LP und CD (crystal skies blue) Mit „1989“ (Taylor‘s Version) veröffentlicht Taylor Swift im Oktober bereits die vierte Neuaufnahme ihrer ersten sechs Studioalben. Mit dem Longplayer vollendete der Superstar den Wandel von einer Countrymusikerin hin zu einem der größten Popmusik Phänomene. Dieses mit Spannung erwartete Album enthält die Swift Klassiker „Blank Space“, „Style“ und “Bad Blood“.



Wie schon bei den vorherigen Neuaufnahmen „Fearless“, „Red“ und „Speak Now“, freuen sich die Fans schon jetzt auf die fünf unveröffentlichten „Vault-Tracks“. Diese heißen: „Is It Over Now?“, „Now That We Don’t Talk“, „Say Don‘t Go“, „Suburban Legends“ und “Slut!”.

Über das Album „1989“ sagte der Star: „Um ganz ehrlich zu sein, ist es meine Lieblings-Neuaufnahme, die ich je gemacht habe, weil die fünf „From The Vault“-Tracks wahnsinnig toll sind. Ich kann nicht glauben, dass sie jemals zurückgelassen wurden. Aber nicht mehr lange!“



Das Album „1989“ enthält 21 Lieder, darunter fünf bisher unveröffentlichte Songs (From The Vault) und ist auf Vinyl und CD erhältlich.

Mit „1989“ (Taylor‘s Version) veröffentlicht Taylor Swift im Oktober bereits die vierte Neuaufnahme ihrer ersten sechs Studioalben. Mit dem Longplayer vollendete der Superstar den Wandel von einer Countrymusikerin hin zu einem der größten Popmusik Phänomene. Dieses mit Spannung erwartete Album enthält die Swift Klassiker „Blank Space“, „Style“ und “Bad Blood“.



Wie schon bei den vorherigen Neuaufnahmen „Fearless“, „Red“ und „Speak Now“, freuen sich die Fans schon jetzt auf die fünf unveröffentlichten „Vault-Tracks“. Diese heißen: „Is It Over Now?“, „Now That We Don’t Talk“, „Say Don‘t Go“, „Suburban Legends“ und “Slut!” and sogar noch einen Bonus Track.

Über das Album „1989“ sagte der Star: „Um ganz ehrlich zu sein, ist es meine Lieblings-Neuaufnahme, die ich je gemacht habe, weil die fünf „From The Vault“-Tracks wahnsinnig toll sind. Ich kann nicht glauben, dass sie jemals zurückgelassen wurden. Aber nicht mehr lange!“



Das Album „1989“ enthält 21 Lieder, darunter fünf bisher unveröffentlichte Songs (From The Vault) und ist als wunderschöne mandaringelbe Vinyl erhältlich.

Mustafa, einigen vielleicht schon als millionenfach geklickter Spoken-Word-Künstler „Mustafa the Poet“ aus dem Netz bekannt, ist 23 Jahre alt und kommt aus Toronto. Er stammt aus Regent Park, einer wirklich harten Ecke der Stadt, in der Gang-Wars zum Alltag gehören. Früher kämpfte er als Jugendlicher gegen den mitunter gewalttätigen Alltag seines Viertels, heute gegen Rassismus und Stereotypen. Sein beherzter wie entschlossener Kampf brachte ihm schließlich eine Normierung für die „Youth Advisory Council“ des kanadischen Premierministers Justin Trudeau ein, der er beratend zur Seite stand. Während dieser Zeit wurde Mustafa klar, dass seine Botschaften und Erlebnisse besser in Songs aufgehoben sind als in irgendwelchen politischen Gremien und Runden. Das Debüt-Album von Mustafa heißt „When Smoke Rises“ und ist eine Hommage an die MCs des Regent Park – insbesondere an Jahvante „Smoke Dawg“ Smart, der 2018 bei einer Schießerei ums Leben kam. “It just kind of shattered my entire world,” sagt Mustafa über den Mord an Smoke Dawg. “I didn't even realize how much weight we shared until I had to take that weight on for myself.” Verlust ist ein zentrales Thema von „When Smoke Rises“. Mustafa hat viele Freunde an die Straße verloren. Ano, Santana und Ali sind nur einige Namen der tragischen Protagonisten seiner Songs. “All of the deaths that I experienced, I experienced through the time constraints of mourning,” sagt Mustafa. “Specifically, for young black people in inner city communities that die while at war with the state or at war with themselves, I wanted to beautify those departures. Because none of those departures were made beautiful for me.” Mustafa erzählt diese schmerzhaften Geschichten in seinen Liedern, die für ihn gleichsam Bewältigungstherapie wie Wunden heilend sind und seine ureigene Interpretation des Folks liefern. “The first folk singer I was introduced to was Joni Mitchell,” erinnert sich Mustafa. “But Joni Mitchell, Bob Dylan—they were anodizing the White experience. But in hearing them, there was a kind of melancholy or sadness—something I didn't hear in the songs that were representing the nuances of my life.” Am Ende war es der schwarze amerikanische Sänger Richie Havens und dessen legendäre Woodstock-Performance, die ihm klar machte welch unbändige Macht ein Folk-Song haben kann. “When you see someone that looks like you, that feels like you, embodying the emotion that you are familiar with, it gives you the courage to walk in that path,” sagt Mustafa über diesen prägenden Moment. In der Vergangenheit hatte Mustafa schon jede Menge Songwriting-Credits auf Alben von anderen großen Künstlern, nun ist es Zeit seine eigene Geschichte zu schreiben. Produzierte wurde „When Smoke Rises“ u.a. von Jamie xx und Frank Dukes und enthält zudem Beiträge von Sampha und James Blake. Außerdem zu hören sind Freunde und Weggefährten aus Regent Park wie Rax, Puffy L´z oder cityboymoe, die Mustafas Geschichten aus nächster Nähe miterlebt haben. Er selbst sieht sich als Chronist seiner Community: “My entire plight, since I was young, has been in and around protecting and preserving the stories of my community. It's the reason that I began writing poetry. I’m like how am I going to preserve the stories that are not currently being told with any authenticity?” – mit “When Smoke Rises” gibt er nun die Antwort. Schon sehr bald wird die Welt diese Geschichten hören.

Im 20. Jahr seiner Karriere hat sich der musikalische Grenzgänger Clueso ein weiteres mal neu erfunden. Nach ausverkauften Tourneen, Gold- und Platin-Auszeichnungen und über einer Million verkaufter Alben hat Clueso sein musikalisches Spektrum mit insgesamt sechs Single-Veröffentlichungen seit Februar 2020 noch einmal deutlich erweitert und sich dabei für Kooperationen mit Produzenten und Songschreibern aus den verschiedensten Genres geöffnet.



Der vorläufige Höhepunkt dieser Entwicklung ist nun das am 1. Oktober 2021 erscheinende „album“. Richtig gelesen, das neunte Clueso-Album ist nicht nur ein solches, es heißt auch so – durchaus ein Statement für eine Kunstform, die Clueso bei aller Playlisten-Souveränität und Radiohit-Expertise natürlich am Herzen liegt.

“Gott" taucht im Titel der LP und in mehreren der dreizehn Tracks auf, nicht als konkrete religiöse Entität, sondern als Zeichen für ein allgemeines Gefühl des Glaubens (an etwas, irgendetwas), das Giannascoli oder die von ihm verkörperten Figuren in den oft schwierigen Situationen der Lieder stärkt. Giannascoli hat sich in den letzten Jahren zu Musikern wie Gillian Welch und Schriftstellern wie Joy Williams hingezogen gefühlt, zu Künstlern, die das Öffentliche und das Hermetische ausbalancieren und die den Glauben eher als eine gemeinsame soziale Sprache denn als religiöse Doktrin darstellen. Indem er seine Erfahrungen durch Fakten und Fiktion filterte, öffnete Giannascoli die Songs auch durch eine praktischere Methode: Kollaboration. God Save the Animals enthält mehrere individuelle Beiträge von seinen Bandmitgliedern (Gitarrist Samuel Acchione, Schlagzeuger Tom Kelly und Bassist John Heywood) oder seiner langjährigen Kollaborationspartnerin Molly Germer an den Streichern und/oder am Gesang. Wie bei allen Platten, die er seit seiner Jugend aufgenommen hat, schrieb und probierte Giannascoli die Songs von God Save the Animals allein zu Hause aus; aber um neue Töne zu finden und um während der Pandemie "eine Routine außerhalb meiner Wohnung" zu haben, begann er, mehrere Studios im Großraum Philadelphia zu besuchen. God Save the Animals" enthält daher die Arbeit von etwa einem halben Dutzend Toningenieuren, die Giannascoli gebeten hatte, ihm zu helfen, die "beste" Aufnahmequalität zu erzielen, was immer das auch heißen mag. Das Ergebnis ist ein Album, das in seiner Klangpalette und seiner durchgehenden Komplexität dynamischer denn je ist.

2020 erschien mit "KiCk i" der Grammy nominierte Auftakt zur Serie; auch nominiert bei den Latin Grammy Awards als "Best Alternative Music Album". 2021 setzt Arca mit "KICK ii" bis "IIIII" nun die "KiCk"-Serie auf XL Recordings fort. Jetzt erscheinen diese auch physisch auf CD und Vinyl! Als Künstlerin war Arca schon immer eine Gestaltenwandlerin - äußerlich wie musikalisch. Sie produzierte Musik für Lady Gaga, Frank Ocean, Björk, Kanye West und FKA twigs, komponierte Musik für das MoMA, trat 2020 mit den Labèque Schwestern, zwei fantastischen Pianistinnen, bei der Burberry Fashion-Show auf, schrieb einen Soundtrack-Beitrag für die HBO-Serie "Euphoria", erschuf gewaltige Noise-Skulpturen oder gab sich auf Partys als exaltierte Diva. Arca wurde für einen GLAAD Media Award nominiert und ist die erste nicht-binäre Künstlerin, die schließlich für einen GRAMMY nominiert wurde. Sie hat ihr eigenes Album-Artwork entworfen und gemalt, für Bottega Venetta, Calvin Klein und Loewe gemodelt, Musikinstrumente der nächsten Generation mitentwickelt und auch mit KI experimentiert. Alejandra Ghersi Rodriguez, wie Arca eigentlich heißt, wurde erst vor kurzem von Publikationen wie dem Time Magazine, Guardian, DAZED, Billboard, Pitchfork, Stereogum und der Los Angeles Times zur einer der innovativsten Künstlerinnen des 21. Jahrhundert ernannt. Als nonbinäre Latinx-Transfrau will Doña Arca die Rolle des Popstars für kommende Generation neu definieren - mit "KICK ii bis IIIII" entführt sie uns in diese Zukunft und öffnet die Tür in eine neue und nonbinäre Soundwelt.

„‚Heavier‘ war eine Zusammenarbeit, die vor fünf Jahren begann.“, so Harrison Mills & Clayton Knight von ODESZA. „Wir entdeckten Emile/ Yellow House auf Soundcloud und waren sofort von seiner Stimme und seiner Performance angetan! Nachdem wir erfolgreich ein paar Demos produziert hatten, flogen wir ihn aus Südafrika ein, um mit uns in unserem Studio in Seattle zu arbeiten. Die Musik hatte von Anfang an diese unverwechselbare Energie, als hätten wir etwas Besonderes entdeckt. Wir fühlten uns zu einer einzigartigen Mischung aus elektronischer Produktion und Emiles unglaublicher Fähigkeit, nostalgische Melodien und erzählende Texte zu kreieren, hingezogen.“ Emile van Dango/ Yellow House sagte über „Heavier“, dass der Track „die Idee war, die vor fünf Jahren den Anstoß für die gesamte Zusammenarbeit gab. Von Anfang an hatte der Track diese unverwechselbare Energie, etwas Besonderes entdeckt zu haben. Er fängt genau den Moment ein, in dem sich unsere beiden Welten trafen."

Schon seit Jahren ist Dänemark und insbesondere die Hauptstadt Kopenhagen ein guter Ort für junge Künstler. Erika de Casier ist eines von dieser Talente und neu beim traditionsreichen britischen Indielabel 4AD. Als Kind von belgischen und kapverdischen Eltern wurde sie in Portugal geboren und ist im dänischen Ribe aufgewachsenNachdem sie auf Tracks von DJ Central oder Sovereign zu hören war begann sie an ihrem Debütalbum "Essentials" zu arbeiten, das 2019 erschien. Pitchfork, Mixmag, FACT, Crack und Dummy listeten es ihren Jahresbestenlisten.Nun ist der mit Spannung erwartete Nachfolger fertig, heißt "Sensational" und erscheint auf 4AD. Für Erika de Casier ist das neue Album eine Art große Schwester des Vorgängers. Ging es auf "Essentials" noch um die Naivität der ersten Verliebtheit, so handelt "Sensational" vom Drama, das in Beziehung oftmals der ersten Liebe folgt, um toxische Dates mit Unbekannten und um die selbstwusste Haltung, die man im Laufe der Zeit als Frau zu solchen Dingen entwickelt.Erika de Casier gehört zu einer neuen Riege von jungen Produzentinnen wie Dua Lipa, Yaeji, Clairo oder Shygirl, die selbstbewusst ihre eigene Musik produzieren. Auf "Sensational" lässt sie nun Pop und R&B zu einer innigen Beziehung verschmelzen, aus der eine echte Liebe herauswächst und kreiert dabei einen Sound, der kalte Herzen wärmt.

Das neue Album von Die Sterne heißt “Hallo Euphoria”, und da fragt man sich natürlich gleich, ob die noch alle Tassen im Schrank haben. Denn Euphorie ist von allen Gefühlen, die man derzeit so haben kann, das unwahrscheinlichste. Dann hört man die zehn neuen Lieder, und spätestens vierzig Minuten später, wenn die Streicher vom letzten Stück – dem traurigsten Sterne-Song aller Zeiten – verklungen sind, spürt man sie, die Euphorie.

Musikalisch ist “Hallo Euphoria” typisch Die Sterne, aber weitergedacht und freigedreht. Es gibt den Funk, die Licks und Riffs, das sexy Eckige, aber nun auch Streicherharmonien und so was Treibendes auf der Autobahn zwischen Köln und Düsseldorf – Krautpop, Baby. Die Band lässt es konzentriert verspielt und oberlässig laufen, mit Kraut und Funk und kurzen Schlenkern zur Bongo oder zum Schönklang.

“Hallo Euphoria” könnte auch als Debüt durchgehen, so frisch, leicht und relevant wie das Ding um die Ecke biegt.

Mit „1989“ (Taylor‘s Version) veröffentlicht Taylor Swift im Oktober bereits die vierte Neuaufnahme ihrer ersten sechs Studioalben. Mit dem Longplayer vollendete der Superstar den Wandel von einer Countrymusikerin hin zu einem der größten Popmusik Phänomene. Dieses mit Spannung erwartete Album enthält die Swift Klassiker „Blank Space“, „Style“ und “Bad Blood“.

Wie schon bei den vorherigen Neuaufnahmen „Fearless“, „Red“ und „Speak Now“, freuen sich die Fans schon jetzt auf die fünf unveröffentlichten „Vault-Tracks“. Diese heißen: „Is It Over Now?“, „Now That We Don’t Talk“, „Say Don‘t Go“, „Suburban Legends“ und “Slut!” and sogar noch einen Bonus Track.

Über das Album „1989“ sagte der Star: „Um ganz ehrlich zu sein, ist es meine Lieblings-Neuaufnahme, die ich je gemacht habe, weil die fünf „From The Vault“-Tracks wahnsinnig toll sind. Ich kann nicht glauben, dass sie jemals zurückgelassen wurden. Aber nicht mehr lange!“

Das Album „1989“ enthält 21 Lieder, darunter fünf bisher unveröffentlichte Songs (From The Vault) und ist als wunderschöne mandaringelbe Vinyl erhältlich.

Wer in Stille und Abgeschiedenheit einem Album von Kari Bremnes lauscht, wird in einen herrlichen, fast
traumhaften Zustand versetzt. Seit 30 Jahren modelliert die Norwegerin an ihrem einzigartigen
Sounduniversum, dem sie mit ihrer Stimme zwischen den Polen "schneidend kühl" und "warmherzig zärtlich"
Leben, Lust und Leidenschaft verleiht. Und zuweilen ein leises Lächeln. Auch auf ihrem jüngsten Werk "Det vi
har" lassen sich die klare Luft, die weiten Panoramen und die manchmal unwirkliche Stille und unheimliche
Einsamkeit ihrer nordischen Heimat entdecken - übersetzt in flirrende wie gläserne Klänge, kraftvolle Verse
und dann und wann kleine, sympathische Verschrobenheiten. Etwa wenn sie mit "Det må være orden" zum
fast fröhlichen Stakkato der Rhythmen einen Sprechgesang intoniert, der eher an Leonard Cohen als an Hip-
Hop erinnert. Ihre Geschichten trägt sie nach Abstechern ins Englische heute wieder ausschließlich in ihrer
Landessprache vor. Nach eigenem Bekunden entspringen diese aus genauen Beobachtungen und einer
unbedingten Liebe zum Detail. Selten kreisen die Lyrics ums große Ganze, sondern halten sich im Intimen,
weitaus Geheimnisvolleren auf. Auch deshalb umgeben ihre exquisiten Musiker sie weder mit
verschwenderischer Opulenz, noch mit Klängen aus dem Reich der Niedlichkeiten. Dafür besitzt die
Sängerin, und mehr noch ihre Stimme, viel zu viel Grandezza.

Mit ihrem neuen Album „Sad Girl“ schlägt Tsha ein neues Kapitel auf, in dem sie ihren Tracks ihren eigenen stimmlichen Stempel aufdrückt und sich den Genres nähert, die sie schon immer ausprobieren wollte, anstatt die Anerkennung ihrer Kolleg:innen zu suchen. Tsha zeigt nicht nur die euphorischen oder melancholischen Seiten ihres Charakters, sondern stellt sie alle zur Schau. Es ist ein Werk, das zeigt, dass es in Ordnung ist, traurig zu sein, und dass man darin sogar schwelgen kann - schließlich kann man die Höhen nicht ohne die Tiefen haben.

Es ist das zweite Album des aufstrebenden britischen Stars und folgt auf das Debütalbum, „Capricorn Sun“, aus dem Jahr 2022, das auf einem hellen, melodischen House-Fundament aufbaute und britische Garage- und Rave-Einflüsse einbrachte. Das Album wurde vom DJ Mag und BBC Radio1 Dance zu ihrem jeweiligen Album des Jahres gekürt, während das Music Tech Mag Tsha zur Produzentin des Jahres kürte, was für eine weibliche Produzentin, deren Produktionsfähigkeiten oft übersehen werden, sehr viel bedeutet.

Während sie Freude an Hedonismus und Eskapismus findet, ist „Sad Girl“ auch ein Album, das schwierige Gefühle anspricht. Das Zwischenspiel, „Lonely Girl“, erzählt von ihrer isolierten Kindheit in der überwiegend weißen Stadt Fareham in der Nähe von Portsmouth, in der sie sich Märchen im Stil von „Secret Garden“ ausdachte. „Green“ entstand nach einem Streit mit ihrem Partner, wo sie offen über toxische Positivität singt (auf dem Album singt sie zum ersten Mal). Tsha mag in den DJ-Videos, die sie in den sozialen Medien postet, Selbstvertrauen ausstrahlen und von einem Ohr zum anderen grinsen, aber sie hat auch offen über ihre Probleme mit ihrem psychischen Wohlbefinden gesprochen.

Mit dem Albumtitel lässt sie ihre Teenagerjahre Revue passieren. Er ist eine Anspielung auf emo-mäßige MSN-Screennamen und Hotmail-Adressen - und man kann es in den Anflügen von 00er-Jahre-R&B, rauem Elektro und hymnischem Techno hören, die an die Bittersüße und die Angst des frühen Erwachsenseins erinnern. Zwischen den Momenten der Stille und des Nachdenkens ist es im Kern eine Dance-Platte: heiße Club-Stomper reiben sich an hypnotischen Floorfillern und MTV-tauglichem Pop.

Ed Sheeran hat die Veröffentlichung seines neuen Albums „-“ (Subtract) bekannt gegeben. Es erscheint am 5. Mai über Asylum/Atlantic und markiert zugleich den Abschluss der „Mathematical“-Album-Ära. Diese hatte vor gut einem Jahrzehnt 2011 ihren Anfang genommen. Passend dazu kehrt Ed auf seinem neuen Album zu seinen Singer-Songwriter-Wurzeln zurück. Geschrieben vor einem Hintergrund persönlicher Trauer und Hoffnung, erleben wir auf „-“ (Subtract) einen der weltweit größten Stars so verletzlich und wahrhaftig wie selten zuvor.

Ed dazu: „Ich hatte ‚Subtract‘ seit über einem Jahrzehnt in Arbeit. Es sollte das perfekte Akustikalbum werden, ich schrieb Hunderte von Songs und nahm sie auf, geleitet von einer klaren Vision, wohin die Reise gehen sollte. Dann, Anfang 2022, veränderten eine Reihe von Ereignissen mein Leben, meine seelische Gesundheit und letztlich auch meinen Blick auf Musik und die Kunst.

Songs zu schreiben ist für mich wie Therapie. Es hilft mir, meine Gefühle besser zu verstehen. Als ich diese Songs schrieb, verfolgte ich damit kein bestimmtes Ziel, ich habe einfach nur zu Papier gebracht, was in dem Moment rauspurzelte. Und in etwas mehr als einer Woche ersetzte ich die Arbeit von mehr als zehn Jahren mit meinen tiefsten, düstersten Gedanken.

Innerhalb eines Monats erfuhr meine schwangere Frau, dass sie einen Tumor hat, der erst nach der Geburt behandelt werden kann. Mein bester Freund Jamal, der wie ein Bruder für mich war, starb plötzlich. Und ich selbst fand ich mich vor Gericht wieder, um meine Integrität und Karriere als Songwriter zu verteidigen. Es war eine Spirale aus Angst, Depression und Beklemmung.

Es fühlte sich an, als würde ich ertrinken, als wäre mein Kopf gerade so weit unter Wasser, dass ich zwar beim Blick nach oben die Oberfläche sehen, aber nicht nach Luft schnappen konnte.

Als Künstler sah ich für mich nur einen Weg, in dieser Situation glaubwürdig ein Werk zu veröffentlichen: es musste unverfälscht zeigen, wo ich gerade stehe und wie ich mir an diesem Punkt meines Lebens Ausdruck verschaffen muss. Und genau das tut dieses Album. Es öffnet die Falltür zu meiner Seele. Zum ersten Mal versuche ich nicht, ein Album zu machen, das den Leuten gefällt, sondern bringe einfach nur etwas heraus, das ehrlich ist und zeigt, wo ich in meinem Erwachsenenleben stehe.

Das hier ist der Tagebucheintrag zu den Geschehnissen im Februar letzten Jahres und mein Weg, mir auf all das einen Reim zu machen. Das hier ist ‚Subtract‘".

Ed Sheerans Liebe zum Beruf des Singer-Songwriters begann, als er im Alter von 12 Jahren zum ersten Mal „Layla“ von Eric Clapton auf der Gitarre lernte. Die Lieblingskünstler seines Vaters John – Damien Rice, Bruce Springsteen, Bob Dylan – liefen in Eds Elternhaus praktisch in Dauerschleife. Wenig verwunderlich, dass Ed seit jeher klar war, dass alle Wege schließlich zum Album „-“ führen mussten. Auch nachdem die Songs und der Schreibprozess nach einer Reihe einschneidender Ereignisse in Eds Welt 2022 eine ganz neue Bedeutung und Richtung annahmen, blieb eine Sache davon unberührt: sein starker Wunsch, ein Album zu machen, das in seiner Liebe zu Singer/Songwriter-Kompositionen verankert ist. Nun, da Ed im Begriff ist, „-“ zu veröffentlichen, ruft uns sein bisher persönlichstes Werk in Erinnerung, wieso er einer der besten Songwriter seiner Generation ist, ein Künstler, der seine eigenen Erfahrungen in Songs übersetzen kann, die Trost und ein Gefühl von Zugehörigkeit vermitteln.

Auf „-“ erleben wir einen Ed Sheeran, der die volle Bandbreite seines Könnens abruft, der sich selbst zu neuen Höhen antreibt und in der Konsequenz das tiefgründigste Songwriting seiner Karriere vorlegt. Als Co-Songwriter und -Produzent dabei an seiner Seite: Aaron Dessner (The National). Die beiden wurden durch ihre gemeinsame Freundin Taylor Swift einander vorgestellt, begaben sich im Februar letzten Jahres an die Arbeit und schrieben in den darauffolgenden vier Wochen über 30 Songs. Am Ende stand ein Album, dessen 14 Tracks dank der exzellenten Produktion nahtlos miteinander verbunden sind und von zurückgenommenen, Folk-gefärbten Klangbildern bis hin zu satteren Arrangements in voller Band-/ Orchesterbegleitung reichen.

Ed Sheeran machte in der UK-Musikszene erstmals 2011 von sich reden, als er sein Debütalbum „+“ veröffentlichte. Es folgten „x“, „÷“, „No.6 Collaborations Project“, „=“ und damit einhergehend der Aufstieg zu einem Künstler, der Geschichte schrieb. Heute blickt Ed Sheeran auf einen Katalog, der ihn zu einer der größten musikalischen Erfolgsgeschichten macht, die das 21. Jahrhundert hervorgebracht hat.

: »Fine Line« heißt der Nachfolger seines nach sich selbst benannten Solodebüts »Harry Styles« von 2017, das im UK und in den USA auf Platz eins der Charts landete.
12 neue Songs hat der britische Sänger, Songwriter und Boygroup-Star dafür aufgenommen, darunter die erste Singleauskopplung »Lights Up«.
Und die zeigt einmal mehr, dass Harry Styles weit mehr macht als den üblichen Einheitspop. Stattdessen erwartet die Hörer Rock, Soul, Singer-Songwriter und ein gewisser Retro-Faktor.

Noga Erez hat die Veröffentlichung ihres neuen Studioalbums „The Vandalist” angekündigt. Der dritte Longplayer der Alternative-Pop-Sängerin erscheint am 20. September 2024 über Neon Gold/Atlantic Records, schon heute kann man sich über die neue Single „PC People (Ft. ROUSSO“ freuen. Der Track, in dem sich Erez und ihr Producer/Kreativpartner ROUSSO mit Menschen auseinandersetzen, die zu „PC“ (politcally correct) sind, wird von einem Musikvideo begleitet. HIER kann man den Clip ansehen, bei dem Indy Hait Regie führte. Wie man es von Noga Erez kennt, unterstreicht das Musikvideo mit ausdrucksstarken Bildern das Storytelling ihrer Songs.

Über die neue Single, in der es unter anderem heißt: „I’m pissing on your PC, cancel me or diss me / PC people piss me off”, sagt Noga Erez: „’PC People‘ stellt unbequeme Fragen über das Abdriften der ‚Woke‘-Kultur in Richtung Heuchelei. So konfrontativ der Song an sich ist, so nuanciert, spielerisch und augenzwinkernd geht er mit dem Thema um. „What you gonna say when you can’t say anything you wanna say?” – die Frage gegen Ende bringt es vielleicht ganz gut auf den Punkt.“ Egez, die sich selbst eine liberale Einstellung zuschreibt, setzt sich in dem Song kritisch mit der Kultur auseinander, der sie sich als Teil der progressiven Gesellschaft ansonsten ganz selbstverständlich zugehörig fühlt. „Hat das Phänomen eine Grenze überschritten, so dass Künstlerinnen und Künstler bestimmte Dinge nicht mehr sagen können, weil zum Beispiel ein Wort nicht mehr als politisch korrekt gilt? Kann die Woke-Kultur instrumentalisiert oder missbraucht werden, um andere zu verletzen? Schränken wir unsere Fähigkeit ein, Ideen auszutauschen, einen konstruktiven Dialog zu führen, Kunst zu schaffen und Humor zu verwenden?

Über das Video ihres „talentierten Freundes und regelmäßigen Kreativpartners“ Indy Hait zu „PC People“ sagt Erez: „Mit seinem einzigartigen und genialen Stil hat er Ori und mir geholfen, unsere Gefühle als Menschen zu erforschen, die sich unter ständiger Beobachtung ihren Weg durch die Welt der politischen Korrektheit bahnen. Wir wählten eine Bildsprache, die uns zum Lachen brachte. Außerdem haben wir einige Verweise auf Filme eingebaut, die wir mögen und die ähnliche Themen behandeln.“

10 Jahre sind vergangen seit der walisische Künstler Koreless mit der EP „4d“ seine erste Musik veröffentlichte. Dass zehn Jahre verstreichen sollten, bis er mit „Agor“ sein Debütalbum veröffentlicht, war da noch nicht abzusehen. In der Zwischenzeit erschienen von ihm mit der „Yugen“-Ep weitere Songs auf Young, er arbeitete mit Sampha und anderen Künstlern im Studio zusammen oder inszenierte mit anderen elektronischen Musikern im Londoner Barbican eine Hommage an Terry Riley, einem Pionier der minimalistischen Musik. Außerdem arbeitete er 18 Monate mit FKA twigs an ihrem Album „Magdalene“, kuratierte diverse Kunstprojekte wie die audiovisuelle Show „The Well“ mit Emmanuel Biard und fertigte zuletzt Remixe für Perfume Genius und Caribou an. Am 09.07. erscheint nun endlich auf Young sein langerwartetes Debütalbum „Agor“, was im Walisischen für das Wort “offen" steht. Koreless, der eigentlich Lewis Roberts heißt, stammt aus Bangor, im Nordwesten von Wales. Er studierte Schiffsmaschinenbau an der örtlichen Universität und begann schon früh an einem alten Desktop-PC mit elektronischer Musik zu experimentieren. Die eher ländliche Gegend in Wales liegt fernab von einer wirklich existierenden Musikszene und ist noch viel weiter vom musikalischen Schmelztiegel London entfernt. Lewis Roberts war also auf sich alleine gestellt, was am Ende dazu führte, dass er einen außergewöhnlichen Sound kreierte, den man so noch nie gehört hatte. Nicht nur deshalb klingt „Agor“ anders als alles andere, was man in diesem Jahr noch hören wird. Koreless hat eine einzigartige Signatur in seinem Sound, die seine Musik so besonders macht. Dabei ist sein musikalischer Kosmos so offen, wie es der Albumtitel vermuten lässt und schwebt in seiner Komplexität zwischen Riley, Stockhausen und zeitlosen Minimal-Techno. Das Warten auf “Agor” hat sich mehr als gelohnt. Tracks wie die Singles „Joy Squad” und “White Picket Fence” sind fließende elektronische Symphonien, die Ambient, Techno und zeitgenössische klassische Musik in sich vereinen und die so klingen, als würde ein Cyberpunk ein Ensemble in einem klassischen Konzertsaal orchestrieren. “Agor” klingt schon jetzt wie ein zukünftiger Klassiker der elektronischen Musik, der sehr bald die Räume von kleinen Clubs und großen Konzerthäuser mit seinen sphärischen und unwiderstehlichen Sounds fluten wird.

Benvenuti in Italia, Amore e Musica - Musik, die unsere große Liebe zu Italien feiert und nach Sommer, Disco, Eis und, ja!, Europa klingt.



Geboren wurde die Idee in Berlin, irgendwann nach dem Besuch eines Bob-Dylan-Konzerts, beim gemeinsamen Biertrinken von Francesco Wilking (Die Höchste Eisenbahn, Tele) und Sven Regener (Element Of Crime): Deutschsprachige Musiker und Musikerinnen singen ihre eigenen Songs auf Italienisch und daraus wird eine Platte!



Und nun? Willkommen bei der „Crucchi Gang“!



Die Crucchi Gang sind alle Beteiligten, die „Crucchis“ eben, eigentlich eine abwertende Bezeichnung für die Deutschen, die hier gekapert und positiv angeeignet wird. Die Initiatoren gehören dazu und natürlich viele befreundete Künstler und Künstlerinnen, die einige ihrer schönsten Lieder beigesteuert haben. Die Crucchi Gang will mit dieser Platte einen musikalischen Alpenpass eröffnen, eine direkte Verbindung ans Mittelmeer. Hier wird gehuldigt, dass es kracht, einer Sprache, einem Land, einer Kultur! Es geht um „Musik kennt keine Grenzen“ und „Europa ist kein Quatsch“. Es geht um Liebe und Stil und darum, ein paar von den schönen, deutschen Bildern in die italienische Sprache zu transportieren.



Francesco Wilking hat alle Lieder übersetzt und dabei viele Probleme und großen Spaß gehabt, immer wissend, dass man in Italien sagt, der traduttore (Übersetzer) sei immer auch ein traditore (Verräter).



Die Crucchi Gang eint, dass sie Italien liebt, die harte Realität genauso wie auch das kitschige Klischee. Sie möchte ein Stückchen von dem zurückgeben, was ihre Leute oft als Kinder schon im Bagno an der Adria, an den steinigen Stränden Liguriens, im Schilf des Gardasees, in den Wäldern der Toscana oder wo auch immer kennengelernt und bestaunt haben: Wildheit, Freiheit, Romantik, Wärme, Schönheit, Eis, Pizza und das Dolce Far Niente. Nicht umsonst heißt die Autobahn, die durch ganz Italien führt, „Strada del Sole“.

A1 KALTER FUNK
Feldforschung: Do You Know The Funk?
„Letzte Warnung an die Deutsche Bank“ nannte Joseph Beuys eine Postkartenserie, die zum Teil von der Deutsche Bank Kunstsammlung aufgekauft wurde. Produziert von Ronnie Alien, Saxophon Torben Wesche und Perkussion Tillamanda.

A2 DIE MIETEN SIND ZU HOCH
Für Biz Markie. Produziert von Mittekill. Hier verschlingen sich DJ Patex‘ und Knarfs Stimmen zu höchster Empörung. Will ich auf jeder Demo gegen Mietenexplosion hören.

A3 STARING AT THE RUDE GIRLS
„Ruf das Alien, Torben!“ Das Stück ist natürlich eine Verbeugung vor The Ruts und der Kunst des King Tubby.

A4 SAY IT LOUD, DU HAST SCHEISS GEBAUT
„Was ist denn mit den Spießern los? Wieso wollen die alternativ sein? Ich erinnere mich noch genau, wie angekotzt und voller Wut die waren, gegen alles was alternativ war: Alternativer Lebensstil, Grünalternative Liste, Alternative Ernährung. Und jetzt wollen DIE alternativ sein? Eine Alternative für Deutschland?“
Ohne James Brown, Boogie Down Prod. und Dexy’s Midnight Runners geht hier nichts.

A5 DIE KÄNGURUH THEORIE
„Und wenn es keinen Unterschied zwischen Phantasie und Realität gibt, dann gibt es auch keinen zwischen Kunst und Wissenschaft.“ Kongenial produziert von Mittekill. Der Bass!!!!!

B1 ODYSSEUS, FAUST, AHAB UND QUASIMODO
Eine Rockband auf Acid fällt über eine Kleinstadt her. Ein Text, den ich noch zu Zeiten meiner Band HUAH! geschrieben habe und für den MitteKill a.k.a. Freedarich jetzt die adäquate musikalische Lösung gefunden hat: Acid!

B2 WENN SPRACHE EINEN RHYTHMUS HAT „Keine Diskussion. Perkussion!“
Last Night a Dub saved my Life. Achtung! Jetzt eine Formulierungshilfe für Musikjournalisten: Marshall McLuhan und Heiner Müller schreiben zusammen mit Kraftwerk einen Song und lassen ihn von King Tubby mischen.

B3 KAFFEE
Dr. Vaust nennt sich der junge Produzent dieser Nummer, Keyboard von Jeff Özdemir. Ich denke, das Stück wäre gut aufgehoben zwischen Kosmonautentraum, Syph und Der Plan.

B4 MEIN LEBEN: EIN ROMAN NAMENS SOUL PUNK
sollte zuerst „Dieser Knarf Rellöm interessiert mich einfach nicht“ heißen. „Ich traf mich mit Individualisten, wir versammelten uns in Massen.“
Die 57.ste Übung im Schreiben von Autobiographien. Für Laura Nyro.

B5 LEVIATHAN CHILL OUT
Eine Esoterik ohne Irrationalität, eine politische Esoterik.

wieder lieferbarSo wie es nach einem glanzvollen Heimsieg des HSV auf die Frage "Was machst Du gleich?" nur die Antwort gibt "Ab zu Eis-Gerd. Und dann: Wasser Marsch", so muß die Antwort auf eine Frage nach der neuen Superpunk-LP wie zum Beispiel "Und, wie ist die neue?" eindeutig heißen: "Alter, ich sage nur: Wasser Marsch!"Nach dem Debüt-Album der fünf jungen Männer aus Hamburg und München - "A bisserl was geht immer" - das 1999 noch mit einem zaghaften Understatement im Titel daherkam, geben sich Superpunk nun selbstbewußt und energisch. Ganz so wie der melancholische Held aus ihrem aktuellen Album-Opener, der die Lebensphilosophie aller unkaputtbaren Charaktermenschen auf den Punkt bringt : "Denn man kann einen ehrlichen Mann nicht auf seine Knie zwingen." In diesem Sinne: "Da wiehert der Amtsschimmel!" oder auch: "Der Wahnsinn hat Methode" oder eben: "Wasser Marsch!".Superpunk sind:Lars Bulnheim (ex-Sand 11, ex-Boy Division, ex-Die Fünf Freunde) - GitarreCarsten Friedrichs (ex-Die Fünf Freunde) - Gesang und GitarreTim Jürgens (ex-The Subway Surfers, ex-Boy Division) - Bass und GesangThies Mynther (ex- Die Regierung, ex-Allwissende Billardkugel, Stella) - TasteninstrumenteThorsten Wegner (ex-Huah, ex-3000 Yen, ex-Dammbruch) - Schlagzeug

Darren Hayes, Sänger der legendären Popband Savage Garden, veröffentlicht sein erstes neues Album seit über 10 Jahren, vollständig aufgenommen in L.A. 'Homosexual' ist eine musikalische Anspielung auf die Sicherheit der Tanzflächen und der queeren Subkulturen vor den 2000er Jahren, die den Soundtrack seiner persönlichen, nicht immer leichten Coming-Out-Geschichte bildeten. Ein zutiefst persönlicher Einblick vor einer musikalischen Kulisse aus Synthwave und Post-Disco. Inspiriert von Alben wie 'Faith'/George Michael oder 'Sign O The Times'/Prince, die ihn in schwierigen Teenagerjahren begleiteten, will Hayes mit 'Homosexual' dieselbe Intimität, rebellische Emanzipation und vollständige künstlerische Kontrolle und Freiheit vermitteln.

2020 erschien mit "KiCk i" der Grammy nominierte Auftakt zur Serie; auch nominiert bei den Latin Grammy Awards als "Best Alternative Music Album". 2021 setzt Arca mit "KICK ii" bis "IIIII" nun die "KiCk"-Serie auf XL Recordings fort. Jetzt erscheinen diese auch physisch auf CD und Vinyl! Als Künstlerin war Arca schon immer eine Gestaltenwandlerin - äußerlich wie musikalisch. Sie produzierte Musik für Lady Gaga, Frank Ocean, Björk, Kanye West und FKA twigs, komponierte Musik für das MoMA, trat 2020 mit den Labèque Schwestern, zwei fantastischen Pianistinnen, bei der Burberry Fashion-Show auf, schrieb einen Soundtrack-Beitrag für die HBO-Serie "Euphoria", erschuf gewaltige Noise-Skulpturen oder gab sich auf Partys als exaltierte Diva. Arca wurde für einen GLAAD Media Award nominiert und ist die erste nicht-binäre Künstlerin, die schließlich für einen GRAMMY nominiert wurde. Sie hat ihr eigenes Album-Artwork entworfen und gemalt, für Bottega Venetta, Calvin Klein und Loewe gemodelt, Musikinstrumente der nächsten Generation mitentwickelt und auch mit KI experimentiert. Alejandra Ghersi Rodriguez, wie Arca eigentlich heißt, wurde erst vor kurzem von Publikationen wie dem Time Magazine, Guardian, DAZED, Billboard, Pitchfork, Stereogum und der Los Angeles Times zur einer der innovativsten Künstlerinnen des 21. Jahrhundert ernannt. Als nonbinäre Latinx-Transfrau will Doña Arca die Rolle des Popstars für kommende Generation neu definieren - mit "KICK ii bis IIIII" entführt sie uns in diese Zukunft und öffnet die Tür in eine neue und nonbinäre Soundwelt.

2020 erschien mit "KiCk i" der Grammy nominierte Auftakt zur Serie; auch nominiert bei den Latin Grammy Awards als "Best Alternative Music Album". 2021 setzt Arca mit "KICK ii" bis "IIIII" nun die "KiCk"-Serie auf XL Recordings fort. Jetzt erscheinen diese auch physisch auf CD und Vinyl! Als Künstlerin war Arca schon immer eine Gestaltenwandlerin - äußerlich wie musikalisch. Sie produzierte Musik für Lady Gaga, Frank Ocean, Björk, Kanye West und FKA twigs, komponierte Musik für das MoMA, trat 2020 mit den Labèque Schwestern, zwei fantastischen Pianistinnen, bei der Burberry Fashion-Show auf, schrieb einen Soundtrack-Beitrag für die HBO-Serie "Euphoria", erschuf gewaltige Noise-Skulpturen oder gab sich auf Partys als exaltierte Diva. Arca wurde für einen GLAAD Media Award nominiert und ist die erste nicht-binäre Künstlerin, die schließlich für einen GRAMMY nominiert wurde. Sie hat ihr eigenes Album-Artwork entworfen und gemalt, für Bottega Venetta, Calvin Klein und Loewe gemodelt, Musikinstrumente der nächsten Generation mitentwickelt und auch mit KI experimentiert. Alejandra Ghersi Rodriguez, wie Arca eigentlich heißt, wurde erst vor kurzem von Publikationen wie dem Time Magazine, Guardian, DAZED, Billboard, Pitchfork, Stereogum und der Los Angeles Times zur einer der innovativsten Künstlerinnen des 21. Jahrhundert ernannt. Als nonbinäre Latinx-Transfrau will Doña Arca die Rolle des Popstars für kommende Generation neu definieren - mit "KICK ii bis IIIII" entführt sie uns in diese Zukunft und öffnet die Tür in eine neue und nonbinäre Soundwelt.

Nichts macht Sinn“, aber das hier macht ganz viel Sinn. MELE veröffentlicht im Spätsommer ihr Debütalbum. Es heißt „Nichts macht Sinn“ und erscheint in einer unfassbar coolen Vinyl-Version in transparentem Orange. Handsigniert von MELE. Und jetzt frage ich dich: Macht es Sinn, diese Vinyl-Version zu kaufen und am besten schon jetzt vorzubestellen? Wir beide kennen die Antwort.

MELE schreibt Texte, die klingen wie irgendwo aufgeschnappt zwischen alkoholgeschwängerten WG-Party-Gesprächen, nächtlichen Eskapaden in den Straßen der Großstadt und tagebuchartigen Gedankensplittern, in denen man auch seine intimsten Sorgen und Sehnsüchte nicht verstecken muss. Dazu singt sie mit einer Stimme, die klangvoll und angenehm unaufgeregt ist, lässig und seltsam mühelos – eben so, wie ein Gegenüber sprechen würde, mit dem man sich gerade unterhält. Denn exakt so fühlen sich ihre Songs an: Sie werden einem nicht vorgesetzt, sondern holen einen da ab, wo man gerade steht. Mit Lyrics, die ebenso lebensnah wie humorvoll sind, extrem lässig und doch nie abgehoben, geradeheraus und dabei immer mit einer guten Portion Selbstironie, gelingt es MELE, den Zeitgeist einzufangen, dieses flüchtige Ding. Das gilt auch für die Produktionen: Angesiedelt an der Schnittstelle zwischen Leftfield- und Deutschpop, clubbig-elektronischen Einflüssen und einem klaren Faible für Rap, entfalten ihre Tracks praktisch sofort Suchtpotenzial.

„Nichts macht Sinn“ enthält auch die bereits veröffentlichten Singles „Bitterlemon“, „Speedbumps (ganz normal)“ feat. OTPendia x Cany75, „Alle schauen“ und „Nichts macht Sinn“.

Das Album „KNEF“ erschien im Februar 1970. Aufgenommen wurde das Album im Dezember 1969 in den Teldec Studios in Berlin Lichterfelde. Produktion: David Cameron Palastanga (1962 – 1976 mit Hildegard Knef verheiratet. Die Texte der 12 Songs stammen von Hildegard Knef. Komponist, Arrangeur und Dirigent der Studioproduktion: Hans Hammerschmidt. Single-Auskopplung: „Tapetenwechsel“ - der sich zum bekanntesten des Albums entwickelte. 2005 wurde das Album erstmalig als CD veröffentlicht. Hammerschmids Arrangements waren zunächst vor allem vom französischen Chanson und vom Jazz beeinflusst. Mit dem Album KNEF wollte das Autorenteam dann „etwas Neues machen. […] Schlager, das kam für uns nicht infrage, das wäre zu platt gewesen. Also haben wir versucht, etwas von den anderen Dingen aufzunehmen, die damals in der Luft lagen“ (Hans Hammerschmid im Begleittext der CD KNEF, 2005). Neben nur wenigen klassischen Chansons entstanden die meisten der zwölf Titel unter dem Einfluss seinerzeit aktueller Popmusik, wie Jazz, Beat und Folk.
Weder die Langspielplatte noch die Single wurden in den damaligen Hitparaden notiert. Langfristig verbuchte das Album dennoch einen gewissen Achtungserfolg und erreichte sowohl bei Verehrern der Künstlerin als auch in der Clubszene der 1990er und 2000er Jahre Kultstatus. Hildegard Knef bezeichnete das Album nachträglich als ihr „bestes“.
Am 18.03.2022 erscheint das Album erstmalig auf orangefarbenem Vinyl

Wer ist eigentlich Dean Blunt? Man weiß nicht viel über den Mann, der früher eine Hälfte des Londoner Produzentenduos Hype Williams war. In Wirklichkeit sei das gar nicht sein Name, sagt man. Er lebe in London und Atlanta, heißt es. Dort habe er auch an seinem zweiten Soloalbum "Black Metal" gearbeitet. Dem voraus ging sein Solodebüt "The Redeemer", mit dem Blunt 2013 für Furore sorgte, war es für manche doch das beste Album des Jahres und für andere ein undurchsichtiges Album über eine chaotische Trennung. Blunts neue Odyssee "Black Metal" bewegt sich sprunghaft zwischen Distanziertheit und Gefühlsausbrüchen, zwischen gedanklichem Tiefgang und greifbarer Intimität, zwischen Low-Fi, R&B, Electronic und Pop. Und über all dem steht Dean Blunts durchdringliche Stimme. er verbindet genrefreie Musik, visuelle Kunst und Identitätsspiele. Und bildet ein Flechtwerk, das genauso bizarr und undurchsichtig ist wie seine Person.

Rocko Schamoni ist Schriftsteller, Musiker, Regisseur, Künstler und Impresario. Letztes Jahr veröffentlichte er mit „Der Jaeger und sein Meister“ sein neuntes Buch, dieses Jahr erscheint mit „All Ein“ sein zwölftes Solo-Album. Es als Corona-Platte zu bezeichnen, würde ihm Unrecht tun, immerhin müsste man einen Großteil der Alben, die augenblicklich erscheinen, auf die eine oder andere Art als Pandemie-Produkt bezeichnen. Allerdings wäre Rocko Schamonis neues Album ohne die Beschränkungen der letzten zwei Jahre zumindest auf gänzlich andere Weise entstanden:

Wen die Umstände zwingen, mit dem Wenigen zu haushalten, was der Laptop hergibt, statt wie gewohnt mit hervorragenden Musikern zu arbeiten, der produziert eben selbst und spielt alles eigenhändig ein.

Aber „All Ein“ – darauf verweist bereits der Titel – wurde nicht nur durch den Mangel an Mitteln und Möglichkeiten, sondern vor allem durch den Mangel an Begegnungen geprägt. (Und die Befürchtung, dass dieser Verlust, womöglich bleibend sein könnte. Eine berechtigte Angst, wie sich für viele Bühnenkünstler abseits von Hype oder Mainstream gerade herausstellt. Sie warten noch immer auf die Rückkehr ihres Publikums.)

Wie Rockos Gesamtwerk, in dem Theater, Film, Musik, Literatur und alles andere gleich Teilen einer großen Collage funktionieren, in der sich alles im Austausch befindet, fügen sich auch die einzelnen Tracks auf „All Ein“ zu einer Geschichte. Mal mehr, mal weniger allegorisch verhandelt „All Ein“ das Ende der direkten Kommunikation und erzählt vom Ringen um Nähe und Austausch.

Doch Rocko wäre nicht Rocko, wenn er nicht alles tun würde, um den abgerissenen Faden wieder aufzunehmen, und all denen, die wie er aufs stille Wasser hinausgetrieben sind, ein Signal zu geben. Ihnen über den Graben hinweg die Hand zu reichen. „All Ein“ ist das Licht am Ende des Tunnels, der von der nahen Küste kündende Vogel.

Ein Album, das Soundtrack-artige Instrumentals mit tanzbaren Electro-Tunes, funkigen Disco-Tracks, und Texten verknüpft, wie sie entstehen, wenn die Selbstbetrachtung an die Stelle der zwischenmenschlichen Auseinandersetzung rückt. Das Resultat ist Rock Schamonis bislang persönlichstes Platte. Besonders deutlich wird das in der ersten Single „Das bin nicht ich“:

Beim Blick in den Spiegel unangenehm berührt zu fremdeln, ist ein Phänomen, das jungen Menschen weitestgehend unbekannt sein dürfte. Wenn überhaupt, dann erleben sie es vielleicht nach einem eher unglücklich verlaufenen Friseurbesuch, nach einem durchgefeierten Wochenende oder noch am ehesten nach einer Schlägerei. Rare Erfahrungen, die nur unzureichend auf das vorbereiten, was die gnadenlose Zukunft für sie bereithält. Denn wer die Vierzig überschreitet, wird anfangs noch erstaunt und irgendwann vermutlich mehr oder weniger frustriert, aber definitiv von Jahr zu öfter feststellen: „Das bin nicht ich.“ Schlussendlich findet man sich resigniert damit ab, dass einem jene vertraute Gestalt, mit der man sich nach der Pubertät irgendwann arrangiert hatte, nur noch auf alten Fotos begegnet – das Bild, das man von sich selbst hat, wird dennoch nie wieder deckungsgleich mit dem eigenen Anblick, der munter weitermutiert.

Glaubt es, oder nicht, liebe Millennials: So viel Self-Love, dass es dabei Schritt hält, kann ein normal-großes Ego unmöglich aufbringen.

Doch wie heißt es so schön: Geteiltes Leid ist halbes Leid. Also hat Rocko Schamoni ein Lied geschrieben, in dem er das eigene Ringen und Hadern mit der fatalen Inkongruenz zwischen Selbstbild und Abbild in Worte kleidet. Und Rocko weiß, wie man Songs über die Schlechtigkeiten dieser Welt in Balsam für geschundene Seelen verwandelt: Man orientiert sich am Soul, der erquicklichsten Leidensmusik im Pop, und gönnt ihnen jubilierende Chöre, Handclaps, schnieke Drumbreaks, einen satten Basslauf und große Refrains.

Wenn jemand mental von der Rolle ist, dann bemüht man häufig die Floskel: Er hat einen neben sich gehen. Oder man sagt: Er hat einen Schatten. Über genau diesen Schatten singt Rocko in „Ich und mein Schatten“. Und auch dieser Text hat durchaus autobiografische Züge: „Das ist ein Song über Depression und Narzissmus. Es geht um Leute, die ihre Depressionen pflegen, weil sie in die eigene Depression narzisstisch verliebt sind, und sie nicht loslassen können. Wenn man so will, habe ich da auch aus eigener Erkenntnis geschrieben.“

Die Instrumentierung mit 80er-Synthiesounds erlaubt sich einen dezenten Hofknicks vor Giorgio Moroders vergessenem Projekt Einzelgänger, in dessen artifiziellen, minimalistischen Grooves der Tiroler 1975 und damit lange vor der Geburt von Detroit-Techno Kraftwerk und Disco zusammenführte. Eine Hommage an die Experimentierfreudigkeit von Munich-Disco, die sich mit den anderen Teilen dieses Album ganz wundervoll zusammenfügt, ergibt sie doch eine Soundcollage, die trotz oder gerade wegen ihrer Heterogenität, stark an Filmmusik der späten 1970er und frühen 1980er Jahre erinnert.

An cineastischen Referenzen mangelt es jedenfalls nicht: Mit der orchestralen Instrumentalnummer „Tod eines Bestatters“, dem Opener „Liebe ist das Licht der Erde“, oder dem weltumarmenden „Inseln des Lichts“ versucht sich Rocko in den Fußstapfen von ihm verehrter Soundtrack-Komponisten wie François De Roubaix, Nino Rota und Ennio Morricone.

Vor allem Letzteres mit seinem warmen Fretless-Bass, der Morricone-Gedächtnis Maultrommel, dem mitreißenden Zusammenspiel von Bläsern und Percussion ist im wahrsten Sinne des Wortes „ganz großes Kino“.

Fast noch mehr, wenn auch auf völlig andere Weise, gilt das für „Romy & Rocko“ – einer Art collagierter Matroschka, einer Montage innerhalb der Montage: Als großer Romy-Schneider-Fan begann Rocko irgendwann einzelne Sätze aus den Dialogen ihrer Filme mit dem Handy vom Fernseher zu aufzunehmen. „Mir fiel auf, dass da wahnsinnig viele gute Sätze dabei sind. So viele, dass ich mir alle Filme mal vorgenommen, alle mitgeschnitten habe. Okay, nicht alle, aber sehr viele.“ So entstand eine regelrechte Datenbank an Romy-Quotes, die er kurzerhand neu zusammensetzte, um sie dann mit selbst eingesprochenen Dialogzeilen zu kontern und derart eine ganz eigene Geschichte zu erzählen, in der das Drama, die Melancholie und der Glamour der großen Diva auf die Profanität des Hamburger Speckgürtels treffen: Reibung pur, und damit natürlich reinstes Dynamit, dass in einer von schwülstigen Streichern und einer jaulenden Gitarre verkörperten Sexszene explodiert.

Auch der Diskoteer – zuletzt 2002 auf dem Album "Der schwere Duft von Anarchie“ in Erscheinung getreten – ist kein Mann der kleinen Geste. Aber schon damals war er mehr Ritter von der traurigen Gestalt als strahlender Superheld. Heute, im fortgeschrittenen Alter, wird der funky Retter aus dem Weltraum offenbar trotzdem dringender gebraucht denn je. Die Disco-Funk-Tracks „Return of the Diskoteer“ und „Only Beer Can Stop Us Now“ sind die einzigen Nummern des Albums, die Rocko nicht im Alleingang gespielt und produziert hat, sondern gehen auf einen Jam mit Flo Mega zurück. Herausgekommen sind zwei Songs, die dennoch nicht allein dastehen, sondern den Soundtrack-Charakter des Albums sogar noch unterstreichen, indem sie das Spektrum Richtung „Saturday Night Fever“ und „Thank God It’s Friday“ erweitern.
(Stephan Glietsch)

In Wien und in Kroatien haben sie neue Songs geschrieben – genug, um damit zwei Platten zu füllen. Die erste, „mea culpa“, erscheint jetzt wie aus dem Nichts. Wobei: Machen wir uns nichts vor! Wenn Sie diesen Text lesen, ist die Nachricht längst „viral gegangen“, wie es so schön heißt. „mea culpa“ will am Stück gehört werden. Die neun Songs formen eine Erzählung mit ungewöhnlicher Dramaturgie.

Mustafa, einigen vielleicht schon als millionenfach geklickter Spoken-Word-Künstler „Mustafa the Poet“ aus dem Netz bekannt, ist 23 Jahre alt und kommt aus Toronto. Er stammt aus Regent Park, einer wirklich harten Ecke der Stadt, in der Gang-Wars zum Alltag gehören. Früher kämpfte er als Jugendlicher gegen den mitunter gewalttätigen Alltag seines Viertels, heute gegen Rassismus und Stereotypen. Sein beherzter wie entschlossener Kampf brachte ihm schließlich eine Normierung für die „Youth Advisory Council“ des kanadischen Premierministers Justin Trudeau ein, der er beratend zur Seite stand. Während dieser Zeit wurde Mustafa klar, dass seine Botschaften und Erlebnisse besser in Songs aufgehoben sind als in irgendwelchen politischen Gremien und Runden. Das Debüt-Album von Mustafa heißt „When Smoke Rises“ und ist eine Hommage an die MCs des Regent Park – insbesondere an Jahvante „Smoke Dawg“ Smart, der 2018 bei einer Schießerei ums Leben kam. “It just kind of shattered my entire world,” sagt Mustafa über den Mord an Smoke Dawg. “I didn't even realize how much weight we shared until I had to take that weight on for myself.” Verlust ist ein zentrales Thema von „When Smoke Rises“. Mustafa hat viele Freunde an die Straße verloren. Ano, Santana und Ali sind nur einige Namen der tragischen Protagonisten seiner Songs. “All of the deaths that I experienced, I experienced through the time constraints of mourning,” sagt Mustafa. “Specifically, for young black people in inner city communities that die while at war with the state or at war with themselves, I wanted to beautify those departures. Because none of those departures were made beautiful for me.” Mustafa erzählt diese schmerzhaften Geschichten in seinen Liedern, die für ihn gleichsam Bewältigungstherapie wie Wunden heilend sind und seine ureigene Interpretation des Folks liefern. “The first folk singer I was introduced to was Joni Mitchell,” erinnert sich Mustafa. “But Joni Mitchell, Bob Dylan—they were anodizing the White experience. But in hearing them, there was a kind of melancholy or sadness—something I didn't hear in the songs that were representing the nuances of my life.” Am Ende war es der schwarze amerikanische Sänger Richie Havens und dessen legendäre Woodstock-Performance, die ihm klar machte welch unbändige Macht ein Folk-Song haben kann. “When you see someone that looks like you, that feels like you, embodying the emotion that you are familiar with, it gives you the courage to walk in that path,” sagt Mustafa über diesen prägenden Moment. In der Vergangenheit hatte Mustafa schon jede Menge Songwriting-Credits auf Alben von anderen großen Künstlern, nun ist es Zeit seine eigene Geschichte zu schreiben. Produzierte wurde „When Smoke Rises“ u.a. von Jamie xx und Frank Dukes und enthält zudem Beiträge von Sampha und James Blake. Außerdem zu hören sind Freunde und Weggefährten aus Regent Park wie Rax, Puffy L´z oder cityboymoe, die Mustafas Geschichten aus nächster Nähe miterlebt haben. Er selbst sieht sich als Chronist seiner Community: “My entire plight, since I was young, has been in and around protecting and preserving the stories of my community. It's the reason that I began writing poetry. I’m like how am I going to preserve the stories that are not currently being told with any authenticity?” – mit “When Smoke Rises” gibt er nun die Antwort. Schon sehr bald wird die Welt diese Geschichten hören.

Limitiert auf 600 Stück als Coke Bottle colored vinyl. Auf der Rückseite ist eine Limitierung von 700 angeben. Da wurden diese 600 und die 100 in clear für HHV zusammengezählt.

"Freunde kommt alle und bringt eure grauen Wolken mit!" PeterLicht Beton UND Ibuprofen - das neunte Album von PeterLicht Er hat das Ende des Kapitalismus besungen, sein iphone an der Biegung des Flusses begraben und das absolute Glück gesucht. Er hat Worte geworfen und das Geworfene gelesen. Er hat die Gegenwart umkreist, beschworen, geatmet und intoniert. Seit acht Alben sucht und findet PeterLicht Worte und Klänge. Worte und Klänge für uns. Für unser Taumeln zwischen Wachstum und Erschöpfung, zwischen Systemkritik und Schnäppchenmarkt. Jetzt und hier, Ende 2020, hat der Zustand der Welt PeterLicht eingeholt: " ... yeah yeah yeah, mmhh, je mehr ich daru¦êber nachdenke, merke ich: ich habe eine schlechte Zeit und ich habe den Eindruck, dass auch die Gesellschaft eine schlechte Zeit hat. Oder die Welt. Sie ist erkrankt an einer Krankheit, mit dem Namen Krankheit. Und es ist einerlei, ob diese Krankheit "Depression" heißt oder "Leistungsgesellschaft" oder "Erschöpfung" oder "Klima" oder "Rassismus" oder "Nationalismus" oder "Mauer". " Melancholie ist nicht länger privat, Melancholie ist der Zustand der Welt. Der Prophet ist zum Zeitdiagnostiker geworden. In "Beton UND Ibuprofen" reicht er uns zärtlich die Hand und zeigt uns die Wege durch seine Realität, die nun die unsere ist: "Wenn Du was hast, muss du was nehmen." "Wenn die Dämonen kommen, ist jeder der ein Mensch ist ein Freund." Beton UND Ibuprofen: Ein Album, das um den dunklen Grund kreist, die Katastrophe besingt. Und das mit jedem Song die Welt rettet. Und sich selbst. Und uns. Weil PeterLicht davon singt. Von den Zuständen, in denen wir leben. Mit seinem Gesang drehen wir uns hinaus und schweben. Und wenn es nur fu¦êr einen Song ist. Fu¦êr die Dauer eines Songs rettet uns das Vinyl. Oder Spotify. Oder die Liebe. Oder PeterLicht. Tapete Records proudly presents: "Peterlicht - Beton UND Ibuprofen", ein dunkelschillerndes Meisterwerk

Nina Hagen, die schönste und schrillste Brandstifterin zwischen Punk und Pop, Ost und West und Outta Space, die Deutschland je hervorgebracht hat, ist endlich zurück - mit ihrem neuen Album 'UNITY' auf Grönland Records.

Die zwölf Songs auf 'UNITY' sind ein wilder Trip durch einen dicht gewebten musikalischen Dschungel, in dem es zirpt und surrt und zwitschert, Western Twang auf spacige Synthie-Flächen und Rock-Pop auf Dub und sexy Slow Funk. Manche Songs erzählen von biblischen Wundern, andere sind flammende politische Kampfreden, und wieder andere sind Cover: von einem Country-Klassiker, einem Sheryl-Crow-Hit, oder sogar von einem Bob-Dylan-Song mit deutschem Text ('Die Antwort weiß ganz allein der Wind', was man sich wirklich nur als eine der ganz großen Liederkünstlerinnen erlauben darf). Vielförmig ist das Spiel mit Texturen, Sample und Alltagsgeräuschen auf 'UNITY'. Und inmitten dieses satten Sound- und Themen-Blattwerks ist da natürlich diese Stimme, die in einem Wimpernschlag von opernhaft zu dämonisch umschwenken kann, von wahnsinnigen Höhen in furchteinflößende Tiefen, als wolle sie die Geschlechter miteinander kurzschließen. Nina Hagen schreit und zischt, schmettert und sprechsingt, reibt und überschlägt sich in elektronischen Verzerrungen. Sie führt musikalische Zwiegespräche. Mit uns und mit sich selbst. Wie aus einer anderen Welt hallt ihre Stimme hinüber in unsere Gegenwart. Kurzum: 'UNITY' ist ein grelles, warmherziges und vielfältiges Nina-Hagen-Spektakel, das belegt, dass sie mit 67 Jahren so produktiv wie eh und je ist.

Am 11.2 erscheint das neue Album 'Autonome Zone' von Mono & Nikitaman. Nachdem sie den Vorgänger auf Platz 13 der deutschen Albumcharts platzieren konnten, legen sie nun mit ihrem 7. Studioalbum nach. Der Albumtitel ist eine Hommage an 'Temporäre Autonome Zone', ein Buch von Hakim Bey. 'Wir brauchen eine neue Musik«, heißt es darin, total verrückt, aber lebensbejahend, rhythmisch subtil, aber kraftvoll und wir brauchen sie jetzt'. 'Autonome Zone' ist im Prinzip genau das: Ein Ausbruchs-Momentum, ein Soundtrack für Räume der Eigengesetzlichkeit, in denen Menschen anders sein können, als sie es sonst sein müssen. 'Autonome Zone' ist auch musikalisch eine bunte Mischung, vielleicht sogar ein eigenes Genre. Das Soundbild der 15 Tracks ist auffällig modern gehalten - und das, obwohl sich neben Mono & Nikitaman ausschließlich alte Bekannte des Duos dafür verantwortlich zeichnen: die Jugglerz, Hägi, Syrix, House of Riddim, DJ Densen und Chriz Falk von Grossstadtgeflüster. Auch das macht das Album zu einem Beweisstück für die selbstgewählte Independenz - alles bleibt in der Familie. Diesmal stammt sogar das farbenfrohe Albumcover, das ein Konglomerat aus Mensch, Tier und Blume abbildet, aus Monos eigener Feder.