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Dies ist die reguläre, einfache LP mit 14 Stücken. Bei uns gibt es auch die limitierte Doppel-LP mit 20 Stücken.

Ein Plattentitel mit zwei Ausrufezeichen, der soviel bedeutet wie "was für ein Theater" und den Hörer und die Hörerin einstimmt auf Lieder wie "Cinemascope". Im Breitwandformat werden auf dieser gelegentlich sehr unterhaltsamen Platte Themen wie persönliche Verletzungen ("Ich bin cool"), Verrat ("Mes copines"), Persönlichkeitsdefizite durch Drogenmissbrauch ("Methedrine"), Wut ("Hass-Satellit"), Selbstüberschätzung ("Brezel says"), Selbstmord ("Le Spleen"), Trauer ("Dancing with a memory") und seelische Qual ("Elektroschocktherapie") zu Gehör gebracht.

"Ich bin eine Sprachkünstlerin, die den Humor in Kauf nimmt", soll Françoise Cactus einmal über sich selbst gesagt haben. Dem ist nichts hinzuzufügen, allerdings hat sie den gewohnten Stereo Total-Wortwitz nicht in allen Texten dieser Platte zum Zuge kommen lassen. Viele Stücke erinnern an ernste und verzweifelte Lieder, die sie in der Zeit ihrer ersten Band "Les Lolitas" geschrieben hat. Trotzdem schimmert in "Keine Musik" oder "Einfach" noch der anarchische Humor, der Stereo Total auszeichnet.

Musikalisch orientiert sich diese inzwischen zwölfte Stereo Total-Schallplatte an überhaupt nichts mehr. Konnte man auf früheren Alben noch von Einflüssen (Chanson, Trash, Disco, R'n'R, Punk, NDW) und musikalischen Stilmitteln sprechen, so sind Stereo Total jetzt in einem Universum angekommen, das nur ihnen allein zu gehören scheint und das an nichts Bekanntes mehr erinnert. Die gekonnte Produktion von Françoise Cactus auf 8-Spur-Kassetten-Technik trägt zum außergewöhnlichen Klangerlebnis bei. Brezel Göring spielt wie immer auf Musikinstrumenten, die wohl Kinder in gutbürgerlichen Haushalten niemals zu Gesicht bekommen haben: Plastikbabyorgeln und schauderhafte Mäuseklaviere, dazu Selbstbaugitarren, die von einem handwerklich unbegabten Schreiner zusammengeleimt worden zu sein scheinen.

1. Stereo Total machen nach wie vor elektronische Musik, mit Flohmarkt-Casio-Klängen, die als direkte Kritik an dem was man unter elektronischer Musik versteht gelesen werden kann. Wahrscheinlich läßt sich jedes Musikinstrument in gesellschaftliche Koordinaten übersetzen, und in diesem Sinne sprechen die Arbeitmittel von Stereo Total eine deutliche Sprache.

2. Stereo Total machen weiterhin auch immer noch LoFi-Garage-Rockmusik, die alle männlichen Klischees, die man mit Gitarrenmusik verbindet, lächerlich macht mit einem Gegenentwurf, der in Françoise Cactus' Schlagzeugspiel als Feminismus, Anti-Professionalismus und subversivem Dilettantismus mitschwingt.

Es fällt schwer, Stereo Total irgendwohin einzuordnen, wahrscheinlich muss man einfach mit Flann O'Brien sagen: "Wann wird es je wieder ihresgleichen geben?"

Ach so, für die jüngeren unter euch: Stereo Total haben zu einer Zeit angefangen Musik zu machen, als es noch kein Internet, keinen Euro, kein wiedervereinigtes Deutschland und bevor es überhaupt Bands und Musik gegeben hat, und sie werden vermutlich auch noch spielen, wenn das hier alles bereits Geschichte ist. Die Gruppe besteht aus Françoise Cactus, die sich die Zeit zwischen den Bandproben als Radiomoderatorin, Autorin und bildende Künstlerin vertreibt und Brezel Göring, dem Mann, der schon bei der Wahl seines Künstlernamens versucht hat, von Musikkritikern und Feuilletonisten nicht ernstgenommen zu werden.

Sie haben begonnen gemeinsam Musik zu machen mit dem festen Vorsatz, Regeln und Vorstellungen über den Haufen zu werfen. Zwar haben sie nicht die europäische Funktionsharmonik und die 4/4 Metrik abgeschafft, aber jeden anderen Aspekt bezüglich Texten und musikalischer Umsetzung in Frage gestellt. Mit Texten wie "Du bist schön von hinten", "Liebe zu dritt", "Ich bin nackt", "Ich bin der Stricherjunge mit der Raucherlunge" oder "Komplex mit dem Sex" haben sie versucht, sich bei ernsten Musikfreunden unmöglich zu machen, andererseits mit einer Tontechnik weit unterhalb des Qualitätsstandards Mainstreamhörer zu erschrecken.

Ein Downloadcode ist inklusive.

Die zweite Veröffentlichung auf Michael Mayers IMARA Label - das Debüt von Juliana Martínez aka Servicio al Cliente - beinhaltet genau die richtige Portion an Überraschungs-Potenzial und Rätselhaftigkeit, die man sich von einem Label wünscht, das von einem Gründungsmitglied der Kompakt-Familie betrieben wird. In den sechs wunderschönen Liedern der EP transportiert Martínez sowohl Freude als auch Melancholie. Süße Pop-Melodien untermalt sie mit intimen, sanften wie auch sehr mutigen rhythmischen elektronischen Arrangements.

Martínez, die heute in Berlin lebt, wuchs als Tochter einer kolumbianischen Mutter und eines uruguayischen Vaters in Kolumbien auf, beide Psychiater, wodurch sie einiges über die Freuden der Kreativität lernte: "Meine Mutter glaubte vor allem, dass die Wirkung, die Musik auf dein Gehirn und deine Seele haben kann, keine Grenzen kennt. Das ist so ähnlich wie das, was Sport mit deinem Körper macht." Martínez besuchte eine katholische Mädchenschule, nahm aber auch privaten Musikunterricht, von dem sie allerdings verwiesen wurde, "weil ich Melodien komponierte, statt zu proben." Im Nachhinein liest sich diese Erfahrung wie ein Vorzeichen. Nach ihrem Jurastudium und einem Aufbaustudium in Spanien beschloss Martínez, die Dinge selbst in die Hand zu nehmen: Sie hatte bereits in einer Gruppe namens Las Palabras Correctas gespielt und fühlte sich in der freundschaftlichen Gemeinschaft mit anderen Künstlern bestens aufgehoben; Künstler, die "ständig Songs schreiben und Kunst machen und sich untereinander austauschen über das, was wir die 'Botschafter der kolumbianischen Musik' nannten, ein Name, der einer beliebten kolumbianischen Fernsehshow entlehnt ist. Diese Freunde haben dafür gesorgt, dass ich mich intensiver mit meinen Instrumenten und Liedern beschäftigt habe."

Die Songs von Servicio al Cliente kamen über ein unaufgefordert eingereichtetes Demo zu Michael Mayer - "es gab keinen Soundcloud- oder Dropbox-Link", erinnert er sich, "sondern nur eine sehr schön gestaltete Website mit einem integrierten MP3-Player. Das leicht surreale Artwork in Kombination mit der herzerwärmenden, irgendwie naiven Musik von Servicio al Cliente brach mir sofort das Herz." In der Tat strotzen diese Songs nur so von Gefühl, Charme und Rhythmus, umspielt von sanften Orgel und Keyboard-Tönen. Über all dem schwebt Martínez' Stimme, vor allem ihre Sprechstimme ist erfüllt von ungezwungener Zuversicht. "Es klingt wie etwas, das ich schon immer kannte", staunt Mayer, "wie ein alter vergessener Freund oder eine Kindheitserinnerung, die in einem Traum auftaucht." Servicio al Cliente erwischt uns mit voller Wucht, die Komplexität des kolumbianischen Lebens ist tief in die DNA ihrer Musik eingebrannt. Da ist diese oberflächliche Süße, das sinnliche Auf und Ab der Melodien wie in "La Mujer Que Bailó Con El Diablo" oder direkt im ersten Stück "Romántico", – all das verrät eine tiefe Sehnsucht, die den Liedern innewohnt, und verweist auf Martínez' scharfsinniges und kluges Bewusstsein für so etwas wie Erinnerungsarbeit, von der ein irgendwie glücklich-trauriges Strahlen ausgeht. "Meine Musik ist voll südamerikanischer Nostalgie", stimmt Juliana zu, "sie ist ein Versuch, sich an ein umfassenderes Verständnis der Realität zu erinnern, wozu Kolumbien einen zwingt. Eine bittersüße Ironie, wo die meisten Dinge einfach möglich sind. Ich versuche, meine Musik nach diesem Gefühl klingen zu lassen." Tatsächlich war es ein Moment großen Verlustes und großer Traurigkeit, an dem Martínez sich entschloss, ihre Musik mit anderen zu teilen: "Erst als mein Vater starb, zwang ich mich dazu, Michael zu schreiben." "Und Michael hat zurückgeschrieben."

"Kick The Ladder" the anticipated debut album from Icelandic composer and songwriter Kaktus Einarsson, frontman of post-punk outfit Fufanu. It was produced by Kaktus, alongside Swiss electronic composer Kurt Uenala, and finished in New York City.It draws heavily on the concept of how we as a society relate to our surroundings, whether it's environmental or personal.Einarsson (b. 1992) has led a remarkable musical life. Born and raised in Reykjavík, he was playing as part of experimental electronic act Ghostigital at the tender age of ten. In Fufanu, he opened hometown shows for Radiohead and Red Hot Chilli Peppers. The band also supported Blur in Hyde Park, and stormed the festival circuit, appearing at the likes of Primavera Sound, Rock Werchter, Musilac and Down The Rabbit Hole.Now aged 28, Kaktus is beginning a new chapter with "Kick The Ladder". Having honed his understanding of songwriting, recording, and production, the LP is the culmination of his experience in contemporary classical and pop music, and bridges the two sides of his work.Kaktus wrote the album in Iceland, then developed its sound in Copenhagen in collaboration with French prepared piano experimentalist Thibault Gomez. "I was using my knowledge of extended playing techniques and the contemporary repertoire, and getting them into my pop music", he says. "We replaced synths with acoustic sounds that are familiar, but unfamiliar in many ways. It's all organic, there are no artificial effects: we created all the effects with this one instrument, the grand piano. We tried it for every situation. To build up tension and suspension in songs and sounds we would scratch, e-bow and regular bowing the strings inside of the piano for example, and even play with brooms on the belly of the grand piano. Used it even as a drum machine!"The result is a profound, melodic record with an expansive and innovative sound. The album also sees Kaktus evolve as a vocalist and lyricist. "Every song on this album is a love letter to my environment, a...

Limitiert auf 150 Exemplare im Gatefold-Cover, mit Bonus-Instrumental LP.

Das normale Album ist Schwarz, die Instrumentals sind Magenta. Mieke Miamis "Montecarlo Magic", das Nachfolgealbum ihres Debüts "In the Forest", (2016, Sonar Kollektiv) dunkelt nicht mehr durch den Wald, aber es herrscht auch wahrlich kein Lichtzwang. Eher eine besondere, positive Stimmung, die nach Innen und Außen strahlt, einen Zustand beschreibt, der zugleich innere Einkehr und Reise zu sein scheint: Florida, Kalifornien und Brandenburg schmiegen sich hier ganz nah aneinander. Vielleicht klappert noch ein Fluss durch das Bild und sicher spielen irgendwo Zauberer*innen mit Dingen verstecken: berauscht, verträumt und ganz sicher leicht zu finden. Denn in dieser Welt soll niemand gar nichts herumsuchen. Finde, was du willst, sagt Mieke.

Gleich der Opener "Californio" lässt mich an einen Aufenthalt in Los Angeles denken, ein imaginiertes Los Angeles, mehr gedacht als real. Absurd: ich war noch im Februar 2020 dort eingeladen. Silver Lake, im ersten Licht eines neuen Tages. Einen Frühlingsmorgen entlang schreitend, höre ich aus dem Garten einer Hippie-Kommune diesen Chor mit hellem Glocken-Piano, Space-Echos und feinem Refrain herüberwehen. „Californio ...“. Wie nah mir das geht? Sehr. Ich möchte gerne dorthin zurück, wo diese Musik spielt und realisiere, dass das genauso dort, in jenem fernen LA zu einer bestimmten Zeit wie im Jetzt und Hier in mir passiert. Schön verschobene Gleichzeitigkeit. Die Ende 2020 vorab veröffentlichte Single "Horse" erzählt ziemlich viel davon: Bassklarinette und das stete Angerauschte, locker, lässig, gespielt. Eine Atmosphäre aus Stimmen, Instrumenten, Delays und, wenn überhaupt nötig, mehr gemalt als geplant, das Bild einer (in sich) mehrstimmigen Welt.

Unisono anders: Bridges und von vorne nach hinten gerutschte Chöre, die mal Lead mal Back singen. Großzügig überlagern sich Themen, Strophen, Refrains zu Song-Welten. Die du gerne so oder so hören kannst, sagt die Künstlerin. Alle geraten ineinander übereinander, ohne Anstrengung und mit geiler Trübung: Montecarlo Magic.

Ein Bekenntnis: Ich habe ja sofort gedacht: „‘Californio‘ = Los Angeles, Garten, Welt, Musik und diese verborgene und doch fassbare neue Bescheidenheit, Hippie-USA.“ Ich habe das alles gedacht. Doch dann erzählt mir Mieke von Geisterschiffen, von Seelen und Wanderungen und von Gefahr? Nein, passt schon. Jeder Traum ist wahr, Ja und Nein, A und Nicht-A eins: „So many out-of-the-way things had happened lately, that Alice had begun to think that very few things indeed were really impossible.“ '***

Bald folgt dann schon diese Coverversion von den Beatles! Wer macht denn sowas? "Cry Baby Cry" Vielleicht die Fab Four in ihrer Los Angeles Zeit? Wiki sagt Indien. Weißes Album, Lennon auf dem Peak. Angeblich mag er das Stück später nicht mehr, hier passt es. Und Mieke Miami wird sozusagen, für einen ganz kurzen Moment, die bescheidenste John Lennon der Welt und träumt dann weiter, und die Band, die sie eigentlich selber ist, träumt sich neben ihr her.

Eine Platte wie ein Garten: „The king was in the garden Picking flowers for a friend who came to play.“ '**. So schön wieder was von John Lennon zu hören und easy translated. Danke Mieke.

Und wo ich mich gerade noch hörend nach Los Angeles und Indien gedacht habe, und dabei irgendetwas Geheimnisvolles und Einfaches gemacht habe, führt mich die Platte nun - via Autoscooter und Abbey Road - über London nach San Francisco: Swimming Pool. Ein Straßen-von-Franzisko-Feeling, mit Gitarren und Chören – und genauso drückenden wie angenehm-undeutlichen, souligen Grooves. Nix Urban Soul allerdings, sondern Landstraßen-Soul, der gerade (und weit über das Jetzt hinaus) ein irres Fernweh triggert. Und zugleich auflöst, denn wer höret, der staunet - und begreift: Brandenburg, Florida, Kalifornien: It´s all here. Dieses melancholische Fernweh verweht gerne ganz im Blütenstaub der Orte und Gegenden unseres Begehrens. Mehr denn je.

Der letzte Song: „Golden Ships“ ist dann eigentlich mein Lieblings-Titel, denn dann kann ich schon wieder von vorne anfangen mit dieser Zauber-Musik.

Mieke Miami - Montecarlo Magic erscheint im zweiten Corona-Sommer auf Fun in the Church. Dit passt

Nicholas Krgovich is a songwriter and multi-instrumentalist from Vancouver, Canada. Described by the legendary Robert Wyatt as "quitebeautiful, very touching... human" he has been releasing records and playing shows since 2002.He formed his first band P:ANO while still in high school, they made a string of acclaimed chamber pop albums, which led to recordings with the girl groupinspired GIGI, the icy displacement of the R&B informed NO KIDS, and most recently (and consistently) the singular pop dreams released under his own name.Even though the material is often wildly diverse, there is an unmistakable sense of Krgovich's deep commitment to exploring the endless possibilities of pop, his discerning ear for sonic detail, and an ambition that occasionally borders on the absurd.

Ed Sheeran hat die Veröffentlichung seines neuen Albums „-“ (Subtract) bekannt gegeben. Es erscheint am 5. Mai über Asylum/Atlantic und markiert zugleich den Abschluss der „Mathematical“-Album-Ära. Diese hatte vor gut einem Jahrzehnt 2011 ihren Anfang genommen. Passend dazu kehrt Ed auf seinem neuen Album zu seinen Singer-Songwriter-Wurzeln zurück. Geschrieben vor einem Hintergrund persönlicher Trauer und Hoffnung, erleben wir auf „-“ (Subtract) einen der weltweit größten Stars so verletzlich und wahrhaftig wie selten zuvor.

Ed dazu: „Ich hatte ‚Subtract‘ seit über einem Jahrzehnt in Arbeit. Es sollte das perfekte Akustikalbum werden, ich schrieb Hunderte von Songs und nahm sie auf, geleitet von einer klaren Vision, wohin die Reise gehen sollte. Dann, Anfang 2022, veränderten eine Reihe von Ereignissen mein Leben, meine seelische Gesundheit und letztlich auch meinen Blick auf Musik und die Kunst.

Songs zu schreiben ist für mich wie Therapie. Es hilft mir, meine Gefühle besser zu verstehen. Als ich diese Songs schrieb, verfolgte ich damit kein bestimmtes Ziel, ich habe einfach nur zu Papier gebracht, was in dem Moment rauspurzelte. Und in etwas mehr als einer Woche ersetzte ich die Arbeit von mehr als zehn Jahren mit meinen tiefsten, düstersten Gedanken.

Innerhalb eines Monats erfuhr meine schwangere Frau, dass sie einen Tumor hat, der erst nach der Geburt behandelt werden kann. Mein bester Freund Jamal, der wie ein Bruder für mich war, starb plötzlich. Und ich selbst fand ich mich vor Gericht wieder, um meine Integrität und Karriere als Songwriter zu verteidigen. Es war eine Spirale aus Angst, Depression und Beklemmung.

Es fühlte sich an, als würde ich ertrinken, als wäre mein Kopf gerade so weit unter Wasser, dass ich zwar beim Blick nach oben die Oberfläche sehen, aber nicht nach Luft schnappen konnte.

Als Künstler sah ich für mich nur einen Weg, in dieser Situation glaubwürdig ein Werk zu veröffentlichen: es musste unverfälscht zeigen, wo ich gerade stehe und wie ich mir an diesem Punkt meines Lebens Ausdruck verschaffen muss. Und genau das tut dieses Album. Es öffnet die Falltür zu meiner Seele. Zum ersten Mal versuche ich nicht, ein Album zu machen, das den Leuten gefällt, sondern bringe einfach nur etwas heraus, das ehrlich ist und zeigt, wo ich in meinem Erwachsenenleben stehe.

Das hier ist der Tagebucheintrag zu den Geschehnissen im Februar letzten Jahres und mein Weg, mir auf all das einen Reim zu machen. Das hier ist ‚Subtract‘".

Ed Sheerans Liebe zum Beruf des Singer-Songwriters begann, als er im Alter von 12 Jahren zum ersten Mal „Layla“ von Eric Clapton auf der Gitarre lernte. Die Lieblingskünstler seines Vaters John – Damien Rice, Bruce Springsteen, Bob Dylan – liefen in Eds Elternhaus praktisch in Dauerschleife. Wenig verwunderlich, dass Ed seit jeher klar war, dass alle Wege schließlich zum Album „-“ führen mussten. Auch nachdem die Songs und der Schreibprozess nach einer Reihe einschneidender Ereignisse in Eds Welt 2022 eine ganz neue Bedeutung und Richtung annahmen, blieb eine Sache davon unberührt: sein starker Wunsch, ein Album zu machen, das in seiner Liebe zu Singer/Songwriter-Kompositionen verankert ist. Nun, da Ed im Begriff ist, „-“ zu veröffentlichen, ruft uns sein bisher persönlichstes Werk in Erinnerung, wieso er einer der besten Songwriter seiner Generation ist, ein Künstler, der seine eigenen Erfahrungen in Songs übersetzen kann, die Trost und ein Gefühl von Zugehörigkeit vermitteln.

Auf „-“ erleben wir einen Ed Sheeran, der die volle Bandbreite seines Könnens abruft, der sich selbst zu neuen Höhen antreibt und in der Konsequenz das tiefgründigste Songwriting seiner Karriere vorlegt. Als Co-Songwriter und -Produzent dabei an seiner Seite: Aaron Dessner (The National). Die beiden wurden durch ihre gemeinsame Freundin Taylor Swift einander vorgestellt, begaben sich im Februar letzten Jahres an die Arbeit und schrieben in den darauffolgenden vier Wochen über 30 Songs. Am Ende stand ein Album, dessen 14 Tracks dank der exzellenten Produktion nahtlos miteinander verbunden sind und von zurückgenommenen, Folk-gefärbten Klangbildern bis hin zu satteren Arrangements in voller Band-/ Orchesterbegleitung reichen.

Ed Sheeran machte in der UK-Musikszene erstmals 2011 von sich reden, als er sein Debütalbum „+“ veröffentlichte. Es folgten „x“, „÷“, „No.6 Collaborations Project“, „=“ und damit einhergehend der Aufstieg zu einem Künstler, der Geschichte schrieb. Heute blickt Ed Sheeran auf einen Katalog, der ihn zu einer der größten musikalischen Erfolgsgeschichten macht, die das 21. Jahrhundert hervorgebracht hat.

Ed Sheeran hat die Veröffentlichung seines neuen Albums „-“ (Subtract) bekannt gegeben. Es erscheint am 5. Mai über Asylum/Atlantic und markiert zugleich den Abschluss der „Mathematical“-Album-Ära. Diese hatte vor gut einem Jahrzehnt 2011 ihren Anfang genommen. Passend dazu kehrt Ed auf seinem neuen Album zu seinen Singer-Songwriter-Wurzeln zurück. Geschrieben vor einem Hintergrund persönlicher Trauer und Hoffnung, erleben wir auf „-“ (Subtract) einen der weltweit größten Stars so verletzlich und wahrhaftig wie selten zuvor.

Ed dazu: „Ich hatte ‚Subtract‘ seit über einem Jahrzehnt in Arbeit. Es sollte das perfekte Akustikalbum werden, ich schrieb Hunderte von Songs und nahm sie auf, geleitet von einer klaren Vision, wohin die Reise gehen sollte. Dann, Anfang 2022, veränderten eine Reihe von Ereignissen mein Leben, meine seelische Gesundheit und letztlich auch meinen Blick auf Musik und die Kunst.

Songs zu schreiben ist für mich wie Therapie. Es hilft mir, meine Gefühle besser zu verstehen. Als ich diese Songs schrieb, verfolgte ich damit kein bestimmtes Ziel, ich habe einfach nur zu Papier gebracht, was in dem Moment rauspurzelte. Und in etwas mehr als einer Woche ersetzte ich die Arbeit von mehr als zehn Jahren mit meinen tiefsten, düstersten Gedanken.

Innerhalb eines Monats erfuhr meine schwangere Frau, dass sie einen Tumor hat, der erst nach der Geburt behandelt werden kann. Mein bester Freund Jamal, der wie ein Bruder für mich war, starb plötzlich. Und ich selbst fand ich mich vor Gericht wieder, um meine Integrität und Karriere als Songwriter zu verteidigen. Es war eine Spirale aus Angst, Depression und Beklemmung.

Es fühlte sich an, als würde ich ertrinken, als wäre mein Kopf gerade so weit unter Wasser, dass ich zwar beim Blick nach oben die Oberfläche sehen, aber nicht nach Luft schnappen konnte.

Als Künstler sah ich für mich nur einen Weg, in dieser Situation glaubwürdig ein Werk zu veröffentlichen: es musste unverfälscht zeigen, wo ich gerade stehe und wie ich mir an diesem Punkt meines Lebens Ausdruck verschaffen muss. Und genau das tut dieses Album. Es öffnet die Falltür zu meiner Seele. Zum ersten Mal versuche ich nicht, ein Album zu machen, das den Leuten gefällt, sondern bringe einfach nur etwas heraus, das ehrlich ist und zeigt, wo ich in meinem Erwachsenenleben stehe.

Das hier ist der Tagebucheintrag zu den Geschehnissen im Februar letzten Jahres und mein Weg, mir auf all das einen Reim zu machen. Das hier ist ‚Subtract‘".

Ed Sheerans Liebe zum Beruf des Singer-Songwriters begann, als er im Alter von 12 Jahren zum ersten Mal „Layla“ von Eric Clapton auf der Gitarre lernte. Die Lieblingskünstler seines Vaters John – Damien Rice, Bruce Springsteen, Bob Dylan – liefen in Eds Elternhaus praktisch in Dauerschleife. Wenig verwunderlich, dass Ed seit jeher klar war, dass alle Wege schließlich zum Album „-“ führen mussten. Auch nachdem die Songs und der Schreibprozess nach einer Reihe einschneidender Ereignisse in Eds Welt 2022 eine ganz neue Bedeutung und Richtung annahmen, blieb eine Sache davon unberührt: sein starker Wunsch, ein Album zu machen, das in seiner Liebe zu Singer/Songwriter-Kompositionen verankert ist. Nun, da Ed im Begriff ist, „-“ zu veröffentlichen, ruft uns sein bisher persönlichstes Werk in Erinnerung, wieso er einer der besten Songwriter seiner Generation ist, ein Künstler, der seine eigenen Erfahrungen in Songs übersetzen kann, die Trost und ein Gefühl von Zugehörigkeit vermitteln.

Auf „-“ erleben wir einen Ed Sheeran, der die volle Bandbreite seines Könnens abruft, der sich selbst zu neuen Höhen antreibt und in der Konsequenz das tiefgründigste Songwriting seiner Karriere vorlegt. Als Co-Songwriter und -Produzent dabei an seiner Seite: Aaron Dessner (The National). Die beiden wurden durch ihre gemeinsame Freundin Taylor Swift einander vorgestellt, begaben sich im Februar letzten Jahres an die Arbeit und schrieben in den darauffolgenden vier Wochen über 30 Songs. Am Ende stand ein Album, dessen 14 Tracks dank der exzellenten Produktion nahtlos miteinander verbunden sind und von zurückgenommenen, Folk-gefärbten Klangbildern bis hin zu satteren Arrangements in voller Band-/ Orchesterbegleitung reichen.

Ed Sheeran machte in der UK-Musikszene erstmals 2011 von sich reden, als er sein Debütalbum „+“ veröffentlichte. Es folgten „x“, „÷“, „No.6 Collaborations Project“, „=“ und damit einhergehend der Aufstieg zu einem Künstler, der Geschichte schrieb. Heute blickt Ed Sheeran auf einen Katalog, der ihn zu einer der größten musikalischen Erfolgsgeschichten macht, die das 21. Jahrhundert hervorgebracht hat.

Diese auf eintausend Stück limitierte Edition gibt es nur für HHV Kundschaft.

Urlaub. Nicht nur in Italien.

Ein Rucksacktrip durch Australien, ein Lagerfeuer im Schrebergarten.

Im Auto mit den FreundInnen durch die Lüneburger Heide oder einfach kurz Ferien im Kopf, in der verregneten Mittagspause oder mit einem Glas Schorle auf dem Balkon.

Und dazu gehört Musik, Musik, Musik!

Grooves, die rollen wie ein Intercity in die Ferne, Rhodes-Akkorde weich wie der Sand am Strand und Synthesizer, die funkeln wie die Reflexionen auf dem Ozean.

Musik, so bunt wie ein Hawaiihemd und so wärmend wie die Morgensonne.

Herzlich willkommen auf Erobiques zweitem Album: „Erobique No.2“

Hier sind sogar die Songtitel in Urlaubsstimmung:

„Ahoj!“ grüßt der junge „Springinsfeld“. Die „Mantas“ gleiten elegant um die „Acquamarina“. „Salut les Copines!“ rufen wir ins Nachbarboot. „Kommt doch mit auf den ‚Ravedave!‘“ schallt es fröhlich zurück. „Riding Low“ heißt die Devise, und der „Arpeggiator“ verdichtet auf wundervolle Art und Weise die „Synaesthesie“ der vernebelten Sinne. Das „Italotape“ im Kassettendeck spielt den „Hitsong von uns Beiden“. Das ist alles so schön „Verkackt“, das klingt doch wie „Zukunftsmusik“!

Carsten Meyer brachte 1998 unter dem Namen „Erobique“ sein Debut „Erosound“ heraus. Genau 25 Jahre später veröffentlicht der nun 50-jährige sein zweites Erobique-Album auf seinem eigenen Label A-sexy.

Dreizehn abwechslungsreiche Tracks und Songs zwischen Feriendisco und Rhythmusbox-Rave, aufgenommen und produziert mit vielen seiner FreundInnen und WegbegleiterInnen.

25 Jahre, das ist ziemlich genau die Zeit, die Disco von den legendären Loftparties des Pioniers David Mancuso zu den beeindruckenden Massenspektakeln der Auftritte von Daft Punk gebraucht hat.

Oder aber von Meyers Geburt bis zu seiner ersten Langspielplatte. Warum also erst jetzt ein zweites Album als „Erobique“? Auftritte improvisiert Meyer seit Jahren vor tanzendem Publikum. Selbst seine Hits „Easy Mobeasy“ und „Urlaub in Italien“ sind keine Popsongs im eigentlichen Sinne, sondern entstanden aus spontanen Eingebungen, im Adrenalinrausch, mitten auf der Party, mitten im Moment! Mitgesungen und wieder verklungen. Live mitgeschnitten und raus damit. Bloß nicht wiederholen! Jedes Erobique-Konzert ist ein Versuch, Unvorhergesehenes, Ungeahntes und Unfälle zu einem einzigartigen Dabeisein-Moment zu bauen. „Fehler ist King“ sagte der geistreiche Knarf Rellöm einmal - und Carsten Meyer ist der King der Fehler!

Wie soll man solche Momente denn bitteschön im Studio hervorzaubern, so ganz ohne Fete, ohne die Energie, die auf so einem Kindergeburtstag für Erwachsene auf die Bühne zurückschwappt?

Meyer entsann sich eines anderen Erobique-Hits, und wandelte seinen Titel entsprechend ab:

Er kollaborierte mit einer Überdosis Freude!

Schlagzeuger Lucas Kochbeck (The KBCs, Bacao Rhythm & Steel Band), der Carsten mittlerweile auch bei seinen Live-Gigs unterstützt, sowie Nachbar und Kumpel Christoph M. Kaiser, (ehemals Bassist bei den Jeremy Days, mittlerweile Filmmusik- und Popstratege) legten das Groove-Fundament mit leuchtenden Kacheln, wie einst im Trinity, Hamburgs legendärer 80er-Disko.

Sophia Kennedy kam zum Singen aus dem Nachbarstudio vorbei und Lieven Brunckhorst schleppte gleich den ganzen Bläsersatz von Jan Delays Big-Band Disco No1 mit vors Mikrofon.

Harfen, Xylophone und Violinen nahm Meyer in seinem Musikraum beim Hamburger Fischmarkt oder bei Tobias Levin, in dessen Electric-Avenue Studio mit Fleetblick, auf.

Es ging nach Berlin, wo Carsten sich endlich mit seinem Held Siriusmo traf, um einige Ideen durch den elektronischen Wolf zu drehen. Nicola Rost von Laing schaute vorbei und hinterließ unfassbar dichte Chöre und herrliche Gesänge.

Zum Schluß wurden alle Spuren ins schwäbische Ludwigsburg gebracht, wo Freundeskreis-DJ und Discoexperte Martin Welzer alias DJ Friction dem ganzen Wahnsinn einen unglaublich warmen und dancefloor-freundlichen Gesamtklang verschraubt hat.

Zurück zum Zeichenbrett: Das Coverartwork ist, wie alle A-sexy Veröffentlichungen,

von Meyer höchstpersönlich gemalt und gestaltet, schließlich war sein ursprünglicher Berufswunsch ja Schulbuchillustrator.

So entstand im Laufe eines Sommers eine musikalische Pralinenschachtel, die nicht nur die Holiday-Playlist seiner Fans und HörerInnen bereichern wird, sondern auch sein mehrere Quantenbyte tiefes Archiv von Ideen und Skizzen ein kleines bisschen dünner werden ließ.

Denn außerhalb seiner Diskomessen, landauf-landabwärts, ist Meyer im letzten Vierteljahrhundert ja nicht untätig geblieben:

In den Jahren von 1998 bis 2006 entwickelte er mit DJ Koze und Cosmic DJ als International-Pony hypermodernen Elektronik-Soul.

Er betreute zusammen mit Jacques Palminger und Chris Dietermann beim Projekt „Songs for Joy“ am Maxim-Gorki-Theater Berlin Hobby-SongtexterInnen beim Popmusizieren, so entstand 2007 der heimliche Hit „Wann Strahlst Du?“ mit dem tollen Text von Barbara Stützel.

Überhaupt, Theater: Für den Theaterregisseur Herbert Fritsch arrangierte er die Hits von Gino Paoli und Hugo Wolff für überdrehte Abende am Schauspielhaus Zürich (2016) und am Residenztheater München (2015), für Stefan Pucher drehte er die Märchen Hans Christian Andersens durch den Heimorgelwolf (2010).

Für die Kollegen von Studio Braun brachte er die „Dorfpunks“ am Schauspielhaus Hamburg zum Klingen, direkt danach entwickelte er mit ihnen den authentischen Neue-Welle Sound für deren Mockumentary „Fraktus“, die 2012 in die Kinos kam.

Da wären wir also bei Film-und Fernsehmusiken. Auch hier gab es in den vergangenen Jahren für Meyer einiges zu tun. Am schönsten gelang ihm der Soundtrack für die beliebte Fernsehserie „Der Tatortreiniger“ mit Bjarne Mädel in der Titelrolle.

Ganz nebenbei brachte der „Tausendsassa“ (Zitat Peter Bursch) auch einige Alben auf seinem eigenen Label A-sexy heraus: Rumpel-Funk als „Babyman“, feinsten Chanson-Pop mit Palminger und Yvon Janssen für „Yvon im Kreis der Liebe“ und warmen, modernen Hammond-Jazz mit den „Hamburg Spinners“.

Und jetzt endlich sein Jubiläumsalbum, die Silberhochzeit mit sich selbst.

25 Jahre Carsten und Erobique, together forever und glücklich wie noch nie!

Auf die nächsten…Halt nein. So lange wollen wir nicht warten!

Thundercat hat sich für seine brandneue Single „No More Lies“ mit Tame Impala zusammengetan.. Dies ist der erste neue Thundercat-Song seit über drei Jahren und erscheint vor einer ganzen Reihe von Tourdaten für den Bassisten, der unter anderem mit den Red Hot Chili Peppers und The Strokes auftritt, bevor er im Sommer nach Australien, Asien und UK reist.

Das Duo Bruner (Thundercat) und Parker (Tame Impala) ist musikalisch wie geschaffen füreinander und elektrisiert die Zuhörer. Mit „No More Lies“ trifft das Duo den sweet spot zwischen ihren beiden individuellen, sich ergänzenden Stilen mit unheimlicher Präzision. Ihre melodische Synchronität täuscht über die Liebesklage hinweg, in der Thundercat über eine zum Scheitern verurteilte Beziehung sinniert, für die er die Verantwortung übernimmt. Die neue Single folgt auf einen kometenhaften Aufstieg Thundercats in das öffentliche Bewusstsein, der das Jahr mit einem Auftritt mit Steve Lacy bei der 65. Grammy Verleihung begann und bei den 63. Grammys (2021) für „It Is What It Is“ in der Kategorie „Best Progressive R&B-Album“ ausgezeichnet wurde. 2022 befand er sich auf einer Stadion-Welttournee mit den Rocklegenden Red Hot Chili Peppers, wobei Flea Thundercat anschließend als „den besten Bassisten des Planeten“ bezeichnete. Sein Gesang und sein Bassspiel sind auf der aktuellen Single und dem Titeltrack von „Cracker Island“ von Gorillaz zu hören und er trat mit der Band letztes Wochenende beim Coachella sowie bei der Verleihung der MTV European Music Awards 2022 auf. Ebenfalls 2022 coverte Thundercat „Fly Like An Eagle“ von der Steve Miller Band für den Soundtrack von „Minions: The Rise of Gru“, produziert von Jack Antonoff, und gab sein Schauspieldebüt in „Star Wars: The Book Of Boba Fett“ auf Disney+.

Limitierte Edition, 100 Stück. exklusiv bei HHV

Mehr als fünf Jahre nach "Unschuld & Verwüstung" kehrt Barbara Morgenstern im Januar 2024 mit einem neuen Album zurück. Es heißt "In anderem Licht" und wurde von Guy Sternberg in den legendären Hansa-Studios in Berlin aufgenommen.

Das kammermusikalische Doppel-Album erzählt von der drohenden Klima-Katastrophe, der Notwendigkeit gesellschaftlicher Transformations-Prozesse und der Hoffnung auf Befreiung aus dem Zustand der allgemeinen Paralyse: "Alles kann anders sein", heißt es im Album-Opener "Die Wand" oder auch im titelgebenden Song: "Alles wird hoffentlich wie immer sein, nur in anderem Licht" und schließlich: "Nur die alte Welt nicht!". Was sich hier auf dem Papier etwas didaktisch liest, wird auf „In anderem Licht“ in meist kleine Miniaturen übersetzt, aus denen Barbara Morgenstern und ihr Ensemble dramatische Spannungsbögen und überraschende Wendungen entstehen lassen. In beeindruckender Schwarmintelligenz folgen Streicher, Saxofon, Kontrabass und Schlagzeug auf Morgensterns Flügel-Spiel. "Ich schau' mich um nach Allianzen", singt sie und stellt – nach den richtigen Metaphern ringend - fest: "Die Zeit heilt mehr als tausend Worte". So lässt sie sich in ihrer Musik alle Zeit der Welt, obwohl sie unüberhörbar um die Dringlichkeit der aufgeworfenen Fragen und Paradoxien in ihren Liedern weiß.

In Zeiten hart umkämpfter, im Sekundentakt vergehender und neu entstehender Aufmerksamkeits-Ökonomien und Clickbait-Logiken, die sich durch alle Lebensbereiche zu ziehen scheinen, wirkt diese auf 11 Stücke verteilte gute Stunde Musik wie Balsam. Ein zartes Manifest der Veränderung.

"Denn ich erzähl den Witz nicht mir selbst, sondern dir und mir und dann sind wir hier", singt sie in "Der Witz" und im Loop kreist die Musik,wie eine Biene, die sich zärtlich auf einer Blüte niederlassen möchte, um einen angenehmeren Jetzt-Zustand der Welt, einen Möglichkeitsraum. Bevor uns der ganze Laden am Ende doch um die Ohren fliegt und ihr Ensemble dabei die melancholischen Melodiebögen mit jeder Umrundung größer und größer wirken lässt bis sie uns wieder in einem gänzlich anderen Licht erscheinen! Wenn Barbara Morgenstern in "Dein Name" "This place will stay when we go, this place will never be the same again" singt, dann klingt das so, als würde sie die Welt für uns beschwören wollen. Oder von einem Fluch befreien. „Ich dachte immer, Verbindung zählt, die Liebe zur Sache, zum Rest der Welt!" singt sie schließlich in "Die Liebe zur Sache", und fragt sich, ob das so überhaupt noch zählt, in der Welt da draußen. Berechtigte Frage! Barbara Morgenstern gehört seit über 20 Jahren zu den eigenständigsten Musiker*innen dieser Republik. Von der Berliner Wohnzimmer-Szene der 90er Jahre bis zu den jüngsten, preisgekrönten Theater-Produktionen mit Rimini-Protokoll, folgt sie stets ihrer inneren Stimme im ungebrochenen Glauben an die Magie der Musik. John Cale, Mark Hollis, Hans Unstern, Robert Wyatt oder Björk kommen einem beim Hören als mögliche Seelenverwandte in den Sinn: Eine gewisse Kauzigkeit, gepaart mit einer großen Virtuosität und einem Faible für einen gewissen Minimalismus, der aber immer gerne auch groß und episch werden darf. Für den Moment. Es bleibt Barbara Morgenstern und ihrem mutigen Ensemble mit diesem wundervoll entrückten, somnambulen Album nur zu wünschen, dass sie damit die großen Bühnen bespielen werden. Denn wie heißt es so schön im Song "Zwischen den Stühlen": "Lass mich in Frieden, nützt mir nichts. Ich will hier weg, zwischen den Stühlen!". Ein Dokumentarfilm der Berliner Filmemacherin Sabine Herpich, die Barbara Morgenstern über die letzten Jahre begleitet hat, und der die Entstehungsgeschichte dieses außergewöhnlichen Albums nachzeichnet, kommt ebenfalls 2024 ins Kino. Das Video zur ersten Auskopplung „In anderem Licht“ zeigt bereits Material daraus, sodass wir hier eher einen Filmtrailer als ein Video vorliegen haben. Das Cover-Motiv des Albums stammt übrigens aus dem Jahre 1829 und wurde von Barbara Morgensterns Ur-Ur-Ur-Großvater Friedrich Preller dem Älteren gemalt.

„In anderem Licht“ erscheint am 26.01.2024 via Staatsakt auf LP/CD/Digital.