Suche "frank zappa" 149 Artikel

Top-Kollektion mit 16 Klassikern des unsterblichen Frank Sinatra aus den 4 Alben, die er Mitte der 1950er Jahre mit dem Arrangeur Nelson Riddle aufnahm und die den Höhepunkt seiner Karriere darstellen: Songs For Young Lovers, Swing Easy!, In the Wee Small Hours, Songs For Swingin' Lovers. Erhältlich als illustrierter Bildband.

Der Sound von Elis NOA reicht von Pop über zeitgenössischen R'n'B bis hin zu Future Soul. Inspiriert sind die beiden von den Werken von Emilie Nicolas, Jacob Banks, Jordan Rakei, Frank Ocean, Jazmine Sullivan und Oliver Malcolm. Elis NOA's eigener Sound weist Parallelen zu Billie Eilish, Lana Del Rey, Jordan Rakei und Jacob Banks auf. Das neue Album ist ein Konzeptalbum über den Akt des Loslassens. Elis NOA waren seit ihrem Debütalbum 'What Do You Desire?' (2020) auf den verschiedensten Bühnen Europas (Reeperbahn Festival, Waves Festival, Popfest Wien u.a.) zu sehen und haben bereits mit Marco Kleebauer (Leyya und Bilderbuch) sowie Max Walch (Left Boy und Bilderbuch) zusammengearbeitet. Insgesamt haben Elis NOA über 1,1 Millionen Plays auf verschiedenen Plattformen erreicht und wurden von bekannten internationalen Medien wie Tonspion, Nbhap, Glamglare, Music Export sowie Deutschlandfunkkultur, FM4 und Oe1 unterstützt. Elis NOAs Musik ist gefühlvoll, ehrlich, roh und ungeschönt. Sie lässt einen nicht kalt sondern aufhorchen. Musikalisch überlagert wird der Sound des Duos mit sanften Pinseln aus eleganten Tönen und rollenden Beats, die dem Erlebnis unerwartete Tiefe verleihen.

"Narrow" war das zweite Album von der Wiener Künstlerin Anja Plaschg - besser bekannt als Soap&Skin. Das komplett in Eigenregie entstandene Album (sowohl die Produktion als auch alle Aufnahmen stammen von Soap&Skin), erstürmte die österreichischen Charts und verkaufte tausende Tonträger in ganz Europa. Im Rahmen des 40-jährigen Jubiläums von [PIAS] erscheint das Album nun endlich wieder auf Vinyl.

Ein Downloadcode ist inklusive.

Sampha kündigt mit "lahai" sein mit Spannung erwartetes zweites Album an, das am 20. Oktober auf Young erscheint. Nach dem Namen seines Großvaters väterlicherseits benannt, der gleichzeitig auch Samphas zweiter Vorname ist, fließt die Musik auf "lahai" zwischen der Ehrfurcht vor dem Leben und der Magie der weltlichen Existenz und beschreibt das Chaos, das man erlebt, wenn man sich dem Kreislauf des Lebens und dem Jenseits stellt. Auf den 14 Tracks hat Sampha enge Freunde und Kollegen zusammengerufen - darunter fantastische Künstler wie Yaeji, Léa Sen, Sheila Maurice Grey (Kokoroko), Ibeyi, Morgan Simpson (Black Midi), Yussef Dayes, Laura Groves und Kwake Bass. Im Gegensatz zum Vorgänger "Process" ist "lahai" ein eher kollaboratives Album. Die neueste Single "Only", die von einem Musikvideo von Dexter Navy in Zusammenarbeit mit Sampha begleitet wird und auf dem Vorab Track "Spirit 2.0" folgt, zeigt einen extrem lebendigen Sampha, der melodisch über einen fragmentierten Hip-Hop-Beat mit Co-Produktion von spanischen Musiker El Guincho singt. Im Juni kehrte Sampha zum ersten Mal seit fünf Jahren für seine Satellite Business Residencies in London und New York auf die Bühne zurück. Das einzigartige Setup, bei dem Sampha und seine Band in der Mitte des Raums auftraten, ermöglichte den Fans einen intimen Zugang zu der improvisierten Performance neuer, unveröffentlichter Musik und alternativer Arrangements von Samphas Katalog, die das Publikum "wie gebannt" (Pitchfork) zurückließ. In diesem Herbst wird Sampha eine größere Version der Satellite Business Live-Show auf Tournee mitnehmen. Den Anfang machen mehrere Abende in London in der St. Johns at Hackney Church im Oktober, bevor er nach Nordamerika zurückkehrt, um in großen Städten aufzutreten: Los Angeles, Toronto, New York City, Chicago, San Francisco, Washington D.C., Philadelphia und Atlanta. Anfang Dezember kehrt er nach Europa zurück und spielt in Berlin, Amsterdam und Paris. Wie sein Schöpfer lässt sich auch "lahai" nicht in eine Schublade stecken. Das neue Album ist eine Mischung aus Jazz, Soul, Rap, Dance, Jungle und westafrikanischer Musik, mit der Sampha seine produktionstechnischen und stimmlichen Ambitionen auf ein neues Niveau hebt. Als begnadeter Sänger , Songwriter und Produzent ist es kein Wunder, dass Künstler wie Kendrick Lamar, Stormzy, Travis Scott und früher auch Drake, Solange, Frank Ocean, Beyoncé, Lil Wayne und Alicia Keys ihn für seine unnachahmliche Stimme sowie seine Beiträge zum Songwriting und zur Produktion ihrer Musik um Unterstützung baten. Zu seinen früheren kreativen Partnerschaften gehören die Modedesignerin Grace Wales Bonner, das Shy Light Zine mit Durimel (der auch das Lahai-Artwork gedreht hat), sein Process-Film mit dem Regisseur Kahlil Joseph und kürzlich die Zusammenarbeit mit Jonny Lu, mit dem Sampha das Artwork für sein Lahai-Album und sein neues Logo entwickelt hat. Wenn "Process", Samphas 2017 mit dem Mercury-Preis ausgezeichnetes Debütalbum, einen Künstler zeigte, der seinen eigenen Platz in der Welt suchte und schließlich auch fand, ist "lahai" eine Übung in der radikalen Akzeptanz und Freude am Leben und der Schönheit der Reise bis hierhin. Willkommen zu Samphas nächstem musikalischen Kapitel: Lahai.

2020 erschien mit "KiCk i" der Grammy nominierte Auftakt zur Serie; auch nominiert bei den Latin Grammy Awards als "Best Alternative Music Album". 2021 setzt Arca mit "KICK ii" bis "IIIII" nun die "KiCk"-Serie auf XL Recordings fort. Jetzt erscheinen diese auch physisch auf CD und Vinyl! Als Künstlerin war Arca schon immer eine Gestaltenwandlerin - äußerlich wie musikalisch. Sie produzierte Musik für Lady Gaga, Frank Ocean, Björk, Kanye West und FKA twigs, komponierte Musik für das MoMA, trat 2020 mit den Labèque Schwestern, zwei fantastischen Pianistinnen, bei der Burberry Fashion-Show auf, schrieb einen Soundtrack-Beitrag für die HBO-Serie "Euphoria", erschuf gewaltige Noise-Skulpturen oder gab sich auf Partys als exaltierte Diva. Arca wurde für einen GLAAD Media Award nominiert und ist die erste nicht-binäre Künstlerin, die schließlich für einen GRAMMY nominiert wurde. Sie hat ihr eigenes Album-Artwork entworfen und gemalt, für Bottega Venetta, Calvin Klein und Loewe gemodelt, Musikinstrumente der nächsten Generation mitentwickelt und auch mit KI experimentiert. Alejandra Ghersi Rodriguez, wie Arca eigentlich heißt, wurde erst vor kurzem von Publikationen wie dem Time Magazine, Guardian, DAZED, Billboard, Pitchfork, Stereogum und der Los Angeles Times zur einer der innovativsten Künstlerinnen des 21. Jahrhundert ernannt. Als nonbinäre Latinx-Transfrau will Doña Arca die Rolle des Popstars für kommende Generation neu definieren - mit "KICK ii bis IIIII" entführt sie uns in diese Zukunft und öffnet die Tür in eine neue und nonbinäre Soundwelt.

2020 erschien mit "KiCk i" der Grammy nominierte Auftakt zur Serie; auch nominiert bei den Latin Grammy Awards als "Best Alternative Music Album". 2021 setzt Arca mit "KICK ii" bis "IIIII" nun die "KiCk"-Serie auf XL Recordings fort. Jetzt erscheinen diese auch physisch auf CD und Vinyl! Als Künstlerin war Arca schon immer eine Gestaltenwandlerin - äußerlich wie musikalisch. Sie produzierte Musik für Lady Gaga, Frank Ocean, Björk, Kanye West und FKA twigs, komponierte Musik für das MoMA, trat 2020 mit den Labèque Schwestern, zwei fantastischen Pianistinnen, bei der Burberry Fashion-Show auf, schrieb einen Soundtrack-Beitrag für die HBO-Serie "Euphoria", erschuf gewaltige Noise-Skulpturen oder gab sich auf Partys als exaltierte Diva. Arca wurde für einen GLAAD Media Award nominiert und ist die erste nicht-binäre Künstlerin, die schließlich für einen GRAMMY nominiert wurde. Sie hat ihr eigenes Album-Artwork entworfen und gemalt, für Bottega Venetta, Calvin Klein und Loewe gemodelt, Musikinstrumente der nächsten Generation mitentwickelt und auch mit KI experimentiert. Alejandra Ghersi Rodriguez, wie Arca eigentlich heißt, wurde erst vor kurzem von Publikationen wie dem Time Magazine, Guardian, DAZED, Billboard, Pitchfork, Stereogum und der Los Angeles Times zur einer der innovativsten Künstlerinnen des 21. Jahrhundert ernannt. Als nonbinäre Latinx-Transfrau will Doña Arca die Rolle des Popstars für kommende Generation neu definieren - mit "KICK ii bis IIIII" entführt sie uns in diese Zukunft und öffnet die Tür in eine neue und nonbinäre Soundwelt.

2020 erschien mit "KiCk i" der Grammy nominierte Auftakt zur Serie; auch nominiert bei den Latin Grammy Awards als "Best Alternative Music Album". 2021 setzt Arca mit "KICK ii" bis "IIIII" nun die "KiCk"-Serie auf XL Recordings fort. Jetzt erscheinen diese auch physisch auf CD und Vinyl! Als Künstlerin war Arca schon immer eine Gestaltenwandlerin - äußerlich wie musikalisch. Sie produzierte Musik für Lady Gaga, Frank Ocean, Björk, Kanye West und FKA twigs, komponierte Musik für das MoMA, trat 2020 mit den Labèque Schwestern, zwei fantastischen Pianistinnen, bei der Burberry Fashion-Show auf, schrieb einen Soundtrack-Beitrag für die HBO-Serie "Euphoria", erschuf gewaltige Noise-Skulpturen oder gab sich auf Partys als exaltierte Diva. Arca wurde für einen GLAAD Media Award nominiert und ist die erste nicht-binäre Künstlerin, die schließlich für einen GRAMMY nominiert wurde. Sie hat ihr eigenes Album-Artwork entworfen und gemalt, für Bottega Venetta, Calvin Klein und Loewe gemodelt, Musikinstrumente der nächsten Generation mitentwickelt und auch mit KI experimentiert. Alejandra Ghersi Rodriguez, wie Arca eigentlich heißt, wurde erst vor kurzem von Publikationen wie dem Time Magazine, Guardian, DAZED, Billboard, Pitchfork, Stereogum und der Los Angeles Times zur einer der innovativsten Künstlerinnen des 21. Jahrhundert ernannt. Als nonbinäre Latinx-Transfrau will Doña Arca die Rolle des Popstars für kommende Generation neu definieren - mit "KICK ii bis IIIII" entführt sie uns in diese Zukunft und öffnet die Tür in eine neue und nonbinäre Soundwelt.

2020 erschien mit "KiCk i" der Grammy nominierte Auftakt zur Serie; auch nominiert bei den Latin Grammy Awards als "Best Alternative Music Album". 2021 setzt Arca mit "KICK ii" bis "IIIII" nun die "KiCk"-Serie auf XL Recordings fort. Jetzt erscheinen diese auch physisch auf CD und Vinyl! Als Künstlerin war Arca schon immer eine Gestaltenwandlerin - äußerlich wie musikalisch. Sie produzierte Musik für Lady Gaga, Frank Ocean, Björk, Kanye West und FKA twigs, komponierte Musik für das MoMA, trat 2020 mit den Labèque Schwestern, zwei fantastischen Pianistinnen, bei der Burberry Fashion-Show auf, schrieb einen Soundtrack-Beitrag für die HBO-Serie "Euphoria", erschuf gewaltige Noise-Skulpturen oder gab sich auf Partys als exaltierte Diva. Arca wurde für einen GLAAD Media Award nominiert und ist die erste nicht-binäre Künstlerin, die schließlich für einen GRAMMY nominiert wurde. Sie hat ihr eigenes Album-Artwork entworfen und gemalt, für Bottega Venetta, Calvin Klein und Loewe gemodelt, Musikinstrumente der nächsten Generation mitentwickelt und auch mit KI experimentiert. Alejandra Ghersi Rodriguez, wie Arca eigentlich heißt, wurde erst vor kurzem von Publikationen wie dem Time Magazine, Guardian, DAZED, Billboard, Pitchfork, Stereogum und der Los Angeles Times zur einer der innovativsten Künstlerinnen des 21. Jahrhundert ernannt. Als nonbinäre Latinx-Transfrau will Doña Arca die Rolle des Popstars für kommende Generation neu definieren - mit "KICK ii bis IIIII" entführt sie uns in diese Zukunft und öffnet die Tür in eine neue und nonbinäre Soundwelt.

Mustafa, einigen vielleicht schon als millionenfach geklickter Spoken-Word-Künstler „Mustafa the Poet“ aus dem Netz bekannt, ist 23 Jahre alt und kommt aus Toronto. Er stammt aus Regent Park, einer wirklich harten Ecke der Stadt, in der Gang-Wars zum Alltag gehören. Früher kämpfte er als Jugendlicher gegen den mitunter gewalttätigen Alltag seines Viertels, heute gegen Rassismus und Stereotypen. Sein beherzter wie entschlossener Kampf brachte ihm schließlich eine Normierung für die „Youth Advisory Council“ des kanadischen Premierministers Justin Trudeau ein, der er beratend zur Seite stand. Während dieser Zeit wurde Mustafa klar, dass seine Botschaften und Erlebnisse besser in Songs aufgehoben sind als in irgendwelchen politischen Gremien und Runden. Das Debüt-Album von Mustafa heißt „When Smoke Rises“ und ist eine Hommage an die MCs des Regent Park – insbesondere an Jahvante „Smoke Dawg“ Smart, der 2018 bei einer Schießerei ums Leben kam. “It just kind of shattered my entire world,” sagt Mustafa über den Mord an Smoke Dawg. “I didn't even realize how much weight we shared until I had to take that weight on for myself.” Verlust ist ein zentrales Thema von „When Smoke Rises“. Mustafa hat viele Freunde an die Straße verloren. Ano, Santana und Ali sind nur einige Namen der tragischen Protagonisten seiner Songs. “All of the deaths that I experienced, I experienced through the time constraints of mourning,” sagt Mustafa. “Specifically, for young black people in inner city communities that die while at war with the state or at war with themselves, I wanted to beautify those departures. Because none of those departures were made beautiful for me.” Mustafa erzählt diese schmerzhaften Geschichten in seinen Liedern, die für ihn gleichsam Bewältigungstherapie wie Wunden heilend sind und seine ureigene Interpretation des Folks liefern. “The first folk singer I was introduced to was Joni Mitchell,” erinnert sich Mustafa. “But Joni Mitchell, Bob Dylan—they were anodizing the White experience. But in hearing them, there was a kind of melancholy or sadness—something I didn't hear in the songs that were representing the nuances of my life.” Am Ende war es der schwarze amerikanische Sänger Richie Havens und dessen legendäre Woodstock-Performance, die ihm klar machte welch unbändige Macht ein Folk-Song haben kann. “When you see someone that looks like you, that feels like you, embodying the emotion that you are familiar with, it gives you the courage to walk in that path,” sagt Mustafa über diesen prägenden Moment. In der Vergangenheit hatte Mustafa schon jede Menge Songwriting-Credits auf Alben von anderen großen Künstlern, nun ist es Zeit seine eigene Geschichte zu schreiben. Produzierte wurde „When Smoke Rises“ u.a. von Jamie xx und Frank Dukes und enthält zudem Beiträge von Sampha und James Blake. Außerdem zu hören sind Freunde und Weggefährten aus Regent Park wie Rax, Puffy L´z oder cityboymoe, die Mustafas Geschichten aus nächster Nähe miterlebt haben. Er selbst sieht sich als Chronist seiner Community: “My entire plight, since I was young, has been in and around protecting and preserving the stories of my community. It's the reason that I began writing poetry. I’m like how am I going to preserve the stories that are not currently being told with any authenticity?” – mit “When Smoke Rises” gibt er nun die Antwort. Schon sehr bald wird die Welt diese Geschichten hören.

Mustafa, einigen vielleicht schon als millionenfach geklickter Spoken-Word-Künstler „Mustafa the Poet“ aus dem Netz bekannt, ist 23 Jahre alt und kommt aus Toronto. Er stammt aus Regent Park, einer wirklich harten Ecke der Stadt, in der Gang-Wars zum Alltag gehören. Früher kämpfte er als Jugendlicher gegen den mitunter gewalttätigen Alltag seines Viertels, heute gegen Rassismus und Stereotypen. Sein beherzter wie entschlossener Kampf brachte ihm schließlich eine Normierung für die „Youth Advisory Council“ des kanadischen Premierministers Justin Trudeau ein, der er beratend zur Seite stand. Während dieser Zeit wurde Mustafa klar, dass seine Botschaften und Erlebnisse besser in Songs aufgehoben sind als in irgendwelchen politischen Gremien und Runden. Das Debüt-Album von Mustafa heißt „When Smoke Rises“ und ist eine Hommage an die MCs des Regent Park – insbesondere an Jahvante „Smoke Dawg“ Smart, der 2018 bei einer Schießerei ums Leben kam. “It just kind of shattered my entire world,” sagt Mustafa über den Mord an Smoke Dawg. “I didn't even realize how much weight we shared until I had to take that weight on for myself.” Verlust ist ein zentrales Thema von „When Smoke Rises“. Mustafa hat viele Freunde an die Straße verloren. Ano, Santana und Ali sind nur einige Namen der tragischen Protagonisten seiner Songs. “All of the deaths that I experienced, I experienced through the time constraints of mourning,” sagt Mustafa. “Specifically, for young black people in inner city communities that die while at war with the state or at war with themselves, I wanted to beautify those departures. Because none of those departures were made beautiful for me.” Mustafa erzählt diese schmerzhaften Geschichten in seinen Liedern, die für ihn gleichsam Bewältigungstherapie wie Wunden heilend sind und seine ureigene Interpretation des Folks liefern. “The first folk singer I was introduced to was Joni Mitchell,” erinnert sich Mustafa. “But Joni Mitchell, Bob Dylan—they were anodizing the White experience. But in hearing them, there was a kind of melancholy or sadness—something I didn't hear in the songs that were representing the nuances of my life.” Am Ende war es der schwarze amerikanische Sänger Richie Havens und dessen legendäre Woodstock-Performance, die ihm klar machte welch unbändige Macht ein Folk-Song haben kann. “When you see someone that looks like you, that feels like you, embodying the emotion that you are familiar with, it gives you the courage to walk in that path,” sagt Mustafa über diesen prägenden Moment. In der Vergangenheit hatte Mustafa schon jede Menge Songwriting-Credits auf Alben von anderen großen Künstlern, nun ist es Zeit seine eigene Geschichte zu schreiben. Produzierte wurde „When Smoke Rises“ u.a. von Jamie xx und Frank Dukes und enthält zudem Beiträge von Sampha und James Blake. Außerdem zu hören sind Freunde und Weggefährten aus Regent Park wie Rax, Puffy L´z oder cityboymoe, die Mustafas Geschichten aus nächster Nähe miterlebt haben. Er selbst sieht sich als Chronist seiner Community: “My entire plight, since I was young, has been in and around protecting and preserving the stories of my community. It's the reason that I began writing poetry. I’m like how am I going to preserve the stories that are not currently being told with any authenticity?” – mit “When Smoke Rises” gibt er nun die Antwort. Schon sehr bald wird die Welt diese Geschichten hören.

1976 - das Jahr von Boney M.'s erstem #1-Hit "Daddy Cool" und die Geburtsstunde einer außergewöhnlichen Musikkarriere, die folgen sollte.
Boney M. können als die Helden der Disco-Ära bezeichnet werden und es ist keine Frage, warum ihre Best-of-Veröffentlichung einst "THE MAGIC OF BONEY M." genannt wurde:
Es war schon immer ein Denkmal für diese Supergruppe, denn es versammelt die Schätze dieser Zeit und hat definitiv ihre eigene Magie!

Man denke an Balladen wie "El Lute" oder die Weihnachtsversion von "Mary's Boy Child", die auf der ganzen Welt berühmt wurde.
Ihr bekanntes Stück "Rivers Of Babylon" aus dem Jahr 1978 bereichert die Trackliste.
Zusammen mit den anderen #1-Tracks "Sunny" oder "Ma Baker"; "Brown Girl in The Ring"; "Rasputin"; aber auch "Belfast" und "Hooray! Hooray! It's A Holi-Holiday" sind enthalten.
Es ist Musik für das ganze Jahr, es ist Musik für das ganze Leben.

Während "Sunny" in seiner Mousse T. Remix-Version bereits gefeiert wurde, finden sich hier zwei weitere neue Remixe auf der Kopplung:

- Zum einen der frische Remix von "Daddy Cool" von LIZOT

- Und eine weitere Besonderheit, die ebenfalls erst 2021 erschienen ist: Die Majestic-Remix-Version von "Rasputin" Sie bringen die Disco-Ära auf eine neue Bühne!

+ BISLANG UNVERÖFFENTLICHTES MATERIAL

Aber das ist noch nicht alles:

- Frank Farian lieferte auch "By the Rivers of Babylon" in einer bisher unveröffentlichten spanischen Version.

Die Band, oder eher der Zusammenschluss “Far Corporation“ reiht sich in die Liste der viel zitierten Supergroups ein. Hat doch Erfolgsproduzent Frank Farian (Boney M., Milli Vanilli, No Mercy) hier einige klingende Namen im losen Verbund für eine kurze, lockere, aber intensive und vor allen überaus erfolgreiche Zusammenarbeit versammeln können.
Herausragend und im kollektiven Gedächtnis eingebracht ist dabei sicher die Coverversion des "Stairway to Heaven" Klassikers. Die Single aus dem Album „Division One“ konnte weltweit die Charts erobern. Mit Bobby Kimballs Stimme und dem phrasierten Spiel von Keyboarder David Paich und Steve Lukater an der Gitarre, die Farian für dieses Projekt alle von Toto ausgeliehen hatte, bekam der Song ganz neues Pop Potential. Entgegen der öffentlichen Wahrnehmung war Far Corporation damit tatsächlich die erste Gruppe, die mit "Stairway to Heaven" einen echten Single-Hit in den Charts verbuchte, da die ursprünglichen Urheber Led Zeppelin nie eine Single Veröffentlichung mit dem Titel herausbrachten. So erfolgreich FAR Corporation mit Single und Album auch waren, wurde die Zusammenarbeit doch als Projekt und nicht als Band betrachtet. Die wechselnde Besetzung bestand dann neben den erwähnten Toto Musikern auch aus bekannten Mitgliedern anderer Bands wie etwa Barclay James Harvest oder Thin Lizzy. Auch die deutsche Schlagzeug-Legende Curt Cress und Multi Talent Leslie Mandoki hatten ihren Part. Während das 9 ½ Minuten Opus "Stairway to Heaven" der wichtigste Track und der Auftakt zu "Division One" Album ist, kann das Nachfolge-Album "Solitude" unter anderem mit einer Reihe selbst komponierter neuer Songs und einer fantastischen Version von Cockney Rebels "Sebastian" überzeugen.

Knappe 10 Jahre liegen zwischen den beiden Alben, weshalb „Division One“ in seinerzeit noch ein LP Erfolg war, während „Solitude“ nur auf CD erhältlich war. Vergriffen sind beide Alben seit langen und so freuen sich die Fans hier genauso über die LP Premiere von „Solitude“ wie über das Wiedererscheinen von „Division One“ auf Vinyl

Mit "Die Kleinen Und Die Bösen", dem zweiten Album der Deutsch-Amerikanischen Freundschaft aka DAF, im Original erschienen im Juni 1980 auf Mute Records, feierte die Band ihren internationalen Durchbruch. DAF bestanden zu der Zeit aus vier Musikern: Chrislo Haas (Synths, Tape, Saxofon), später Mitglied bei Liaisons Dangereuses und Crime & The City Solution, Wolfgang Spelmanns (Gitarre, Synths), Robert Görl (Drums, Vocals) und Gabi Delgado (Lead-Vocals). Die ersten 8 Tracks des Albums wurden von Conny Plank in dessen legendärem Studio bei Köln produziert, die weiteren 11 Tracks wurden alle live im Londoner Electric Ballroom aufgenommen und später von Conny Plank neu abgemischt. "Die Kleinen Und Die Bösen" enthält die Klassiker "Osten Währt Am Längsten", "Co Co Pino" und "Nacht Arbeit", während die Liveaufnahmen allesamt purer, stilbildender Electro-Punk waren. Das Coverartwork entwarfen Robert Görl, Frank Fenstermacher (Der Plan) und Simone Grant, die Typografie der Innentasche stammt von Christina Schnekenburger.

Im vergangenen Herbst hat Kat Frankie das Publikum mit ihrem Projekt B O D I E S überrascht, erstaunt, zu Tränen gerührt und begeistert. Auf ihrer Tournee hat sie unter anderem die Elbphilharmonie und die Berliner Philharmonie ausverkauft. Die Show hat mit ihrem A-capella Ensemble die Zuschauer*innen zu Standing Ovations hingerissen. Der Klang von B O D I E S ist in der Tat ein ganz Besonderer: Ohne Instrumente auf der Bühne liefert das achtköpfige Ensemble eine erstaunliche Bandbreite menschlicher Emotionen ab. Manchmal unglaublich kraftvoll, manchmal zärtlich und nachdenklich, reichen Frankies Kompositionen hierbei von leidenschaftlich bis verspielt. Und dann ist da natürlich noch die schiere körperliche Kraft von acht Frauenstimmen in Harmonie.

Auf dem Album B O D I E S erkundet Frankie die Möglichkeiten des mehrstimmigen Gesangs noch weiter. Während einige Lieder dem Publikum bereits bekannt sein werden, sind neue Werke wie „Wonder“ und „Petrichor“ reine A-Capella Kompositionen. Frankie hat dabei auf eine Hauptstimme verzichtet, um sich stattdessen auf satte Harmonien und die Erzeugung einer wohlige Wärme zu konzentrieren. Kat Frankies Gesang auf „All of It“ ist ebenfalls minimalistisch, doch er sprüht nur so vor Sehnsucht und erhebt sich über den mantraartigen Hintergrund des Ensembles. In „Joan Didion“ geht es – das gilt es zu beachten – nicht um die Autorin, sondern um die Entfremdung und den Kummer ihrer Protagonistin. Das Epos „Versailles“ ist inspiriert von der Geschichte des Frauenmarsches in Versailles im Jahr 1789, einem Protest von Pariser Marktfrauen, die über den Brotmangel verärgert waren. Schließlich schlossen sich den Frauen Tausende von Menschen an und daraus entstand eines der bedeutendsten Ereignisse der Französischen Revolution.

Philipp Poisels Traum von Amerika begann schon in seinen Kindheitstagen als er sich regelmäßig mit den „Drei Fragezeichen“ auf Abenteuer zum Rocky Beach begab, für ihn eine Coca-Cola die beste Erfrischung war, und er mit Bruce Springsteen auf MTV die Straßen Philadelphias entlanggelaufen ist. Der Traum von diesem Amerika, der Sehnsucht nach Abenteuer, Freiheit und Weite bleibt für Poisel lebendig und findet sich auf der neuen Platte wieder, für die er sich mit Band und Produzent Frank Pils auf eine sehr persönliche Reise und Spurensuche in die USA begab. „Mein Amerika“ entstand auf einer Analog-Bandmaschine in den legendären Blackbird Studios in Nashville/Tennessee. Das Album lässt eine deutliche Entwicklung hörbar werden, Poisel hat seinen Songwriter-Stil in einen Bandsound verpackt, der reichlich Hallraum für seine Stimme bietet. Der leise Gesang der frühen Tage macht einem Sänger Platz, der die großen Bühnen als Arena sucht.

Das vierte Album von Washed Out - das erste, das in Europa bei Sub Pop erscheint. Genres: Chillwave, Synthie Pop, Dream Pop und Electronica.

Suuns Sänger und Gitarrist, Ben Shemie: ,This record is definitely
looser than our last one [2016's ,Hold/Still"]. It's not as clinical. There's
more swagger." Diese Ungezwungenheit kann man hören und sie fließt
durch alle 11 Tracks auf ,Felt". Es ist sowohl eine Fortführung als auch
eine Wiedergeburt. Das Quartett aus Montreal kehrte zu dem geliebten
lokalen Breakglass Studios zurück; in dem sie auch schon die ersten
beiden Alben ,Zeroes QC" und ,Images Du Futur" mit Jace Lasek von
The Besnard Lakes aufgenommen hatten. Diesmal aber nahmen sie sich
selbst in ihrem eigenen Tempo in fünf ergiebigen Sessions über den
Zeitraum von einigen Monaten auf. Zeitgleich wurden die Aufnahmen
von St Vincents Produzenten John Congleton (saß auch schon bei
,Hold/Still" am Steuer) feingeschliffen und zur audiophilen Perfektion
abgemischt. Congleton flog extra aus Dallas rüber, um seine von Awards
gekrönten Fähigkeiten vor Ort entfalten zu können. Die erste Single von
Felt, ,Watch You, Watch Me" verfügt über ein organisch/synthetisches
Tempo, das sich über dem Rhythmus von Drummer Liam O'Neill immer
mehr aufbaut. O'Neill erklärt: ,It was different and exciting. In the past,
there was a more concerted effort on my part to drum in a controlled
and genre-specific way. Self-consciously approaching things stylistically.
Us doing it ourselves, that process was like a very receptive, limitless
workshop to just try out ideas." In perfekter Ergänzung zu O'Neill gibt es
die ekstatischen Harmonia-meets-Game Boy-Muster, die von ElektronikMastermind
Max Henry entfesselt wurden. Vorprogrammierte
Einstellungen vermeidend entwickelte Henry für jeden Song auf "Felt"
frische Sounds und wurde gleichzeitig zum Musikdirektor. Begeistert von
"freaky Post-Techno" und der Art und Weise wie Frank Ocean bei
seinen Produktionen Raum nutzt, gehört er zu den bescheideneren
Studio Desk Jockeys: ""Yeah, I sat in the control room while the others
played - hitting 'record' and 'stop'. It also gave me the flexibility to move
parts around and play with effects. I do have a sweet tooth for pop
music."

Auf der Bühne mit 7 brillanten Sängerinnen und ganz frei von Musikinstrumenten präsentiert Kat Frankie eine A-cappella-Show über die Bedeutung von Körperlichkeit. Dieses genreübergreifende und dynamische Konzert bietet neue Arrangements älterer Songs sowie eigens für diesen Anlass komponiertes Material. Elemente aus Gospel, R&B, mittelalterlichen Balladen und modernem Pop lassen eine dramatische und freudvolle Performance entstehen. Sie erkundet die Unabhängigkeit im physischen Sinne sowie das Weltall, in dem Himmelskörper zwar autonom sind, und doch auf Umlaufbahnen liegen, die durch dieselben Kräfte entstanden sind.

Das Frank Popp Ensemble, Mr. Popps musikalisches Projekt, wurde zwischen 2001 und 2003 mit dem Top-20-Hit »Hip Teens Don't Wear Blue Jeans« bekannt und veröffentlichte drei großartige Alben.

Jetzt meldet er sich mit seinem neuen Album »Shifting« zurück, das im Januar 2023 erscheinen wird! Mit Hilfe vieler wunderbarer Gastsängerinnen und -sänger wie Jesper Munk, Aydo Abay, Lucy Kruger, Kat Ott von 24 / 7 Diva Heaven, Anna Glahn und dem FPE-Klassiker Sam Leigh-Brown hat Mr. Popp »Shifting« zwischen Januar und März 2021 in Spanien geschrieben, aufgenommen, produziert und abgemischt, begleitet von Jascha Kreft (Odd Couple) bei den Songwriting-Sessions.

Das 16-Song-Schwergewicht nimmt uns mit auf eine farbenfrohe Reise durch Vintage-Soul-Scorer, psychedelische Soundtrack-Scapes, Spector-esque Soundwalls, Bootboy-Glamrock und sogar ein Riviera-Space-Disco-Tune ist auf dem neuen Longplayer zu finden. Natürlich hat sich in den vielen Jahren eine Menge geändert. Viele Texte stammen aus Popps eigener Feder, die hier und da mit frechen Formulierungen für Ärger sorgen.

Die seit 2004 in Berlin lebende, 43-jährige Australierin scheint einen sorgenvollen Blick auf die Verflechtungen des menschlichen Handelns zu richten. Schon im titelgebenden Opener 'Shiny Things', einer stimmgewaltigen, dicht orchestrierten Abhandlung über das untrennbare Verhältnis von Schönheit und Verfall, ist es deutlich erkennbar. Mehr denn je fragt sich die Künstlerin, was Kunst verändern kann. Eine Reflexion, die dafür gesorgt hat, zum ersten Mal in ihrer Laufbahn die Texte abzudrucken. Man könnte Kat Frankies neue Songs auch als Protestmusik beschreiben, als eine Art melancholische Protestmusik: das vielstimmige, feinsinnig orchestrierte Betrauern von etwas, das nicht sein kann und doch existiert. Und da sind sie schon wieder: die Geister der Revolutionen, die durch dieses Album steigen, denen diese Musik gewidmet ist. Kat Frankie hat sie für sie geschrieben. Sie sind voller Würde und Schönheit.