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Mit "Starz" veröffentlicht Yung Lean, Vorreiter, wenn nicht sogar Begründer seines Genres seine siebte Langspielplatte inkl. der Singles "Violence", "Boylife in EU" und "Pikachu" und damit den Nachfolger auf das 2018 erschienene Mixtape "Poison Ivy".
"Starz" wurde ausschließlich von seinem treuen Weggefährten Whitearmor produziert. Geschrieben haben die beiden das Album in einer altem, entlegenen Ballettsaal im Schwedischen Hinterland. "Starz" ist ein Album, dass so nur ein unbeirrbarer Veteran wie Jonatan Leandoer Håstad veröffentlichen konnte. Ein noch sehr junger Mann, der auf eine beachtliche Karriere zurückblicken kann, der weltweit Eindruck und Spuren hinterlassen hat und dass, obwohl oder gerade weil er doch auf seinen eigenen, abgeschiedenen Planeten zu leben scheint.

When Your Old Droog first entered the Hip-Hop scene a decade ago, he was cloaked in anonymity. The Ukraine-born, Brooklyn bred rap phenomenon was known solely for his sharp, punchy lyrics wrapped in a gruff delivery. He finally came into the light with his eponymous debut release, the catalyst for what has become a prolific career. Since then, Droog has crystallized his place in hip-hop as the erudite rapper who can tackle any beat with precision; a product of the underground, yet designed for the mainstream. With his new project Movie, YOD is in a new era, where his days of being the dark horse in rap are over. He has countless co-signs from some of the greatest to ever touch a mic, and now he’s finally geared to join them. “Movie is everything that's dope about me,” Droog explains. “Every song, every mood. This is my story.” A layered masterpiece, the album features appearances by Method Man, and Denzel Curry, plus production by industry stalwarts like Just Blaze, Harry Fraud, Conductor Williams, and the legendary Madlib.

Nachdem er erst kürzlich die gefeierten Projekte "It Wasn't Even Close" und "Transportation" veröffentlicht hat, kehrt der produktive Your Old Droog bereits mit dem brandneuen Album "Jewelry" zurück. Auf "Jewelry" sind Gastauftritte von Künstlern wie Matisyahu, MF DOOM und Executive Producer Mach-Hommy zu hören. Beats stammen von Quelle Chris, Tha God Fahim, Edan, Preservation und anderen.

38 Spesh hat seinen Namen schon vor der Griselda-Explosion aufgebaut. Tatsächlich war Benny The Butcher bei TCF (Trust Comes First) zunächst unter Vertrag, bevor er offiziell bei Griselda Records aufgenommen wurde. Nun startet er eine Reihe von Kompilationen mit dem Titel Trust Army, um seine TCF-Künstler vorzustellen.Die erste Ausgabe enthält Lieder von Planet Asia, Che Noir, Rom Streetz, Dark Lo, Fred der Patensohn, Rasheed Chappell, Rain910, The Musalini und Black Geez.

Nach einer Reihe von starken Veröffentlichungen zwischen Anfang 2019 und Ende 2020 hat sich The Musalini aus Uptown, NYC, schnell einen Namen im Hardcore-Hip-Hop gemacht. Nachdem er zwei Soloalben bei dem niederländischen Label De Rap Winkel Records veröffentlicht hatte, schloss er sich mit Air Vinyl Records zusammen, um den Fans ein Kollaboalbum mit dem Harlemer Schwergewicht G4 Jag zu präsentieren. Dieses 19-Track Werk etabliert den stimmgewaltigen Mus als einen, den man im Auge behalten sollte. Was die Gäste betrifft, so arbeitet er mit Underground-Champions wie Ransom, Rasheed Chappell und G4 Jag zusammen, sowie mit seinen Kumpels Emilio Craig, O Finess und Izzy Hott.

Planet Asia hat eine Reihe von Alben mit einzelnen Produzenten (oder Produktionsteams) in seiner produktive Karriere aufgenommen. Er hat klassisches Material mit DJ Muggs, Apollo Brown und Gensu Dean, DJ Concept, Izznyce und natürlich seinen Dirty Diggs aufgenommen. Allerdings, laut King Medallions selbst, ist sein von 38 Spesh produziertes Album "Trust The Chain" vielleicht sein bisher bestes Single-Produzenten-Album. Als Gäste sind Rasheed Chappell, The Musalini, Fred The Godson und Elcamino dabei.

Lässig hängt der Arm aus dem 96er Kadett, während im Tapedeck das 8. Soloalbum des nimmersatten MC Rene den Hinterhof deiner Vorstadt beschallt. Voll anstrengend, 6Uhr morgens aufzustehen und den Kinderwagen am Vatertag durch die Hood zu schieben, während alle denken, dass dein Rapperlifestyle dich frühestens gen Mittag ausm Bett bittet. Es ist ein schmaler Grat zwischen Familienmensch und Selbstverwirklichung. Dass sich nicht beides im Weg stehen muss, sondern einander high 5 gibt, stellt Rene mit dieser Platte klar. Sein Herz läuft über vor Liebe und er schöpft mit vollen Händen daraus. Der Lebensfreestyler, schreibt jetzt zwar manchmal seine 16er vor, kommt deswegen aber in der Cypher auf den Punkt. Und in die steppt er mit Galv, Sonne Ra und Toni L an der Seite und mit dem Retrogott an den Decks. Der komplette Unterbau stammt von Maniac. Er hat eine Generation geprägt, kurz den Ikarus gemacht, hat die Ehrenrunde mit der Deutschen Bahn gedreht und ist schließlich bei sich selbst angekommen. Ihm brennt so viel auf der Zunge, dass er in die skits reinquatschen und die interludes berappen würde. Also weg damit! Er hat genug zu sagen, genug gesagt!

Madlib veröffentlicht seine seit langem vergriffene Zusammenarbeit mit dem legendären brasilianischen Schlagzeuger Ivan "Mamao" Conti, dem Motor der gefeierten Jazz-Fusion-Urgesteine Azymuth, auf seinem eigenen Label neu. Alternatives Cover-Artwork, Fotografie von B+. Als Madlib 2002 zusammen mit Mochilla nach Brasilien reiste, um an der Produktion des Dokumentarfilms Brazilintime teilzunehmen, bestand seine einzige Mission darin, Ivan "Mamao" Conti zu treffen, den Schlagzeuger des legendären Trios Azymuth. Madlib hatte eine Azymuth-Tribut-Platte aufgenommen, die er für ihn spielen wollte. In einer regnerischen Nacht in Rio gingen Mamao und Madlib ins Studio. Einige Stunden später waren die Rhythmustracks, aus denen Sujinho besteht, fertig und der Prozess begann. Mit der Musik von Madlib, Mamao, Edu Lobo, Chico Buarque de Hollanda, Luiz Eca, Baden Powell, Vinicius De Moraes, Marcos Valle, Joao Donato, Dom Um Romao, Airto Moreira und sogar George Duke... und mit dem Gastgesang von Thalma De Freitas - ist Sujinho eine einzigartige und klassische Platte. Gefüllt mit der Kantigkeit und Schärfe einer Madlib-Produktion und unterlegt mit der Polyrhythmik von Mamao - Sujinho bringt brasilianische Musik an Orte, an denen sie noch nie war, und bringt oft vergessene Klassiker wie "Upa Neguinho" in die Ohren des 21. Jahrhunderts.

Smooth-Jazzige Kollaboration zwischen dem Bremer MC Klaus 90 und dem Basler Produzenten Francois Boulanger. Cover gestaltet, per Risograph bedruckt und von Hand gefaltet durch "Grommas Dietz". Mit beiliegendem Poster.

Nichts und niemand sonst hat in den letzten Jahren mehr Eindruck auf die Musikkultur in diesem Land hinterlassen als KitschKrieg. Der reduzierte Sound. Die Bilder in Schwarz und Weiß. Das DIY-Ding. Diese ganze Idee, selten ein Gesicht, dafür umso mehr von sich selbst zu zeigen. KitschKrieg haben nie mehr gesagt, als nötig war, und wahrscheinlich ist genau das der Grund dafür, dass ihnen alle zuhörten. Ihre Songs sind geblieben, fast wie zum Trotz. Es gibt inzwischen ja dieses Ritual, immer wieder donnerstags, wenn man um 23:59 Uhr die neue Musik checkt und dabei alles Mögliche findet, nur keine neue Musik. KitschKrieg haben an dieser zynischen Tombola um Positionen, Plays und Parra nie teilgenommen. Sie haben einfach nur die Musik gemacht, die sie in sich gefunden haben, als es um sie herum so leise war, dass man sie nicht mehr überhören konnte. Damit schafften sie es auf Platz eins der Charts, bekamen Platin und die Preise, die man so bekommen kann. Es war bestimmt nicht ihr Plan. Aber sie haben gezeigt, dass es gehen kann. Sogar dann, wenn wirklich gar nichts mehr geht.
“KitschKrieg” ist in vielerlei Hinsicht, was KitschKrieg immer schon gemacht haben. Aber ist es intensiver, tiefer irgendwie, auch radikaler: der Rausch heftiger, der Blues finsterer. Es gibt ein paar neue Akzente, eine lose Rave-Energie zum Beispiel, die sich durch viele der Song zieht, und ein paar Gastmusiker, die man in ihrem Kosmos eher nicht erwartet hätte: Nena, Bilderbuch, Modeselektor, Jan Delay auf Autotune oder der verdammte World Boss höchstpersönlich. Die essentiellen Fragen aber sind dieselben geblieben, seit der WG, seit “KK1”: Wenn Quincy Jones oder Bob Dylan über die DNS eines guten Songs nachdenken, was heißt das für uns? Und was ist möglich, wenn man sich traut, das wirklich zu Ende zu denken, es zu machen?
Man braucht da nicht drumherumreden. KitschKrieg sind in die Phase eingetreten, in denen typischerweise die Vorschüsse und die Kompromisse reinkicken, die Musik irgendwie besser und gleichzeitig egaler wird. Es ist vielleicht ihr größter Verdienst, dass sie sich dieser Dynamik einfach verweigert haben. Freiheit hat auch damit zu tun, die vermeintlich vernünftigen Entscheidungen nicht zu treffen und stattdessen ein bisschen genauer hinzugucken. Musik und die Arbeit daran hatten immer eine therapeutische Wirkung für KitschKrieg, in einem sehr handfesten Sinn: die täglichen Abläufe im Studio, das Definieren und Justieren von Prozessen, die ständige Auseinandersetzung mit dem eigenen Schaffen. Was ist das eigentlich, was wir hier machen? Und was soll es werden, wenn es fertig ist? Es hat in Deutschrap-Deutschland schon viele Produzentenalben gegeben. Ein paar waren ganz gut, viele eher schlecht, die allermeisten einfach komplett egal: ein paar Beats und ein paar Freunde, die halt gerade Zeit und ein paar Reime übrig hatten. Auf “KitschKrieg” dagegen ist jeder Song im wahrsten Sinne des Wortes essentiell: der Wesenskern eines Moments, eines Genres, einer Idee. Geiler Rapscheiß unter den Vorzeichen von Grime und Trap. Das Gipfeltreffen von Peter Fox und seinem Statthalter im Streamingjetzt, Trettmann. Der perfekte Popsong über das Ungeheuer unter deinem Bett, vor dem du nur so lange Angst hast, bis du es umarmst. Das Feature, das Drake nicht bekommen hat. Asoziale Gangstamucke, die noch asozialer ist als all die andere asoziale Gangstamucke da draußen. Ein utopisches Liebeslied, das alles Komplizierte aus der kompliziertesten Sache der Welt nimmt. Die helle Seite der Macht. Die dunkle Seite der Nacht. All das klingt leicht und heavy und so selbstverständlich wie wenig sonst in diesem Land, das immer schon gerne kopiert und in all der Formtreue das eigentliche Thema verfehlt hat. “KitschKrieg” ist Musik über die Welt und ein bisschen auch über KitschKrieg selbst: in vielen, vielen Runden verdichtet, auseinandergenommen und so rekonstruiert, dass es neuen Sinn stiftet.

Nichts und niemand sonst hat in den letzten Jahren mehr Eindruck auf die Musikkultur in diesem Land hinterlassen als KitschKrieg. Der reduzierte Sound. Die Bilder in Schwarz und Weiß. Das DIY-Ding. Diese ganze Idee, selten ein Gesicht, dafür umso mehr von sich selbst zu zeigen. KitschKrieg haben nie mehr gesagt, als nötig war, und wahrscheinlich ist genau das der Grund dafür, dass ihnen alle zuhörten. Ihre Songs sind geblieben, fast wie zum Trotz. Es gibt inzwischen ja dieses Ritual, immer wieder donnerstags, wenn man um 23:59 Uhr die neue Musik checkt und dabei alles Mögliche findet, nur keine neue Musik. KitschKrieg haben an dieser zynischen Tombola um Positionen, Plays und Parra nie teilgenommen. Sie haben einfach nur die Musik gemacht, die sie in sich gefunden haben, als es um sie herum so leise war, dass man sie nicht mehr überhören konnte. Damit schafften sie es auf Platz eins der Charts, bekamen Platin und die Preise, die man so bekommen kann. Es war bestimmt nicht ihr Plan. Aber sie haben gezeigt, dass es gehen kann. Sogar dann, wenn wirklich gar nichts mehr geht.
“KitschKrieg” ist in vielerlei Hinsicht, was KitschKrieg immer schon gemacht haben. Aber ist es intensiver, tiefer irgendwie, auch radikaler: der Rausch heftiger, der Blues finsterer. Es gibt ein paar neue Akzente, eine lose Rave-Energie zum Beispiel, die sich durch viele der Song zieht, und ein paar Gastmusiker, die man in ihrem Kosmos eher nicht erwartet hätte: Nena, Bilderbuch, Modeselektor, Jan Delay auf Autotune oder der verdammte World Boss höchstpersönlich. Die essentiellen Fragen aber sind dieselben geblieben, seit der WG, seit “KK1”: Wenn Quincy Jones oder Bob Dylan über die DNS eines guten Songs nachdenken, was heißt das für uns? Und was ist möglich, wenn man sich traut, das wirklich zu Ende zu denken, es zu machen?
Man braucht da nicht drumherumreden. KitschKrieg sind in die Phase eingetreten, in denen typischerweise die Vorschüsse und die Kompromisse reinkicken, die Musik irgendwie besser und gleichzeitig egaler wird. Es ist vielleicht ihr größter Verdienst, dass sie sich dieser Dynamik einfach verweigert haben. Freiheit hat auch damit zu tun, die vermeintlich vernünftigen Entscheidungen nicht zu treffen und stattdessen ein bisschen genauer hinzugucken. Musik und die Arbeit daran hatten immer eine therapeutische Wirkung für KitschKrieg, in einem sehr handfesten Sinn: die täglichen Abläufe im Studio, das Definieren und Justieren von Prozessen, die ständige Auseinandersetzung mit dem eigenen Schaffen. Was ist das eigentlich, was wir hier machen? Und was soll es werden, wenn es fertig ist? Es hat in Deutschrap-Deutschland schon viele Produzentenalben gegeben. Ein paar waren ganz gut, viele eher schlecht, die allermeisten einfach komplett egal: ein paar Beats und ein paar Freunde, die halt gerade Zeit und ein paar Reime übrig hatten. Auf “KitschKrieg” dagegen ist jeder Song im wahrsten Sinne des Wortes essentiell: der Wesenskern eines Moments, eines Genres, einer Idee. Geiler Rapscheiß unter den Vorzeichen von Grime und Trap. Das Gipfeltreffen von Peter Fox und seinem Statthalter im Streamingjetzt, Trettmann. Der perfekte Popsong über das Ungeheuer unter deinem Bett, vor dem du nur so lange Angst hast, bis du es umarmst. Das Feature, das Drake nicht bekommen hat. Asoziale Gangstamucke, die noch asozialer ist als all die andere asoziale Gangstamucke da draußen. Ein utopisches Liebeslied, das alles Komplizierte aus der kompliziertesten Sache der Welt nimmt. Die helle Seite der Macht. Die dunkle Seite der Nacht. All das klingt leicht und heavy und so selbstverständlich wie wenig sonst in diesem Land, das immer schon gerne kopiert und in all der Formtreue das eigentliche Thema verfehlt hat. “KitschKrieg” ist Musik über die Welt und ein bisschen auch über KitschKrieg selbst: in vielen, vielen Runden verdichtet, auseinandergenommen und so rekonstruiert, dass es neuen Sinn stiftet.

Es ist eine pechschwarze Nacht, der Sturm tost, der Regen schlägt auf das Pflaster der Straßen. Es
dampft über den surrenden Neon-Reklamen, die diese Stadt in ein schummriges Licht tauchen. An
den Fenstern drücken sich Kinder die Nasen platt, aufgeregt schauen sie in den Himmel, in die
aufgetürmten Wolken. Eltern scheuchen sie verärgert davon, werfen selbst noch einen besorgten
Blick hinaus in das Unwetter und ziehen dann die Vorhänge zu. Sie fürchten keinen Godzilla und
keine Ufos, aber sie wissen, dass es so eine laute Nacht wird, wenn Juicy Gay aus den Wolken steigt
und sein Album veröffentlicht, mit Pauken und Trompeten.
Und mit Blitz & Donner.
Auf „Blitz & Donner“, dem zweiten Album von Juicy Gay, dass am 29.04.2022 erscheint, lässt der
26-jährige Wahlberliner ein Gewitter auf seine HörerInnen niedergehen, wirbelt durch 10 Tracks und
zeigt sein außergewöhnliches Facettenreichtum: Auf dem energetischen „Fresher denn
je“ (VÖ:18.03.2022) erklärt Juicy Gay selbstbewusst seinen Status Quo, verteilt ein paar
Mittelfinger an die AfD und brennt die Brücken zu Lohnarbeit und Langeweile nieder, „Ich wollte
nie ein Alman sein/ Doch bald hab ich ein Eigenheim/ Papa stolz auf jeden lila Schein/ muss nicht
mehr schuften in der Weberei/ Ich habe kein Abitur/ Dafür habe ich zwei Uhren“. Doch auch trotz
des überbordenden Selbstbewusstseins braucht Juicy Gay Regenerationsphasen, so auf der DeckeÜber-Den-Kopf-Hymne „Allein manchmal“, (VÖ: 08.04.2022) in der er depressive Verstimmtheit in
Selfcare und Innehalten verwandelt, „Stehe auf und bin dann komplett down/ Die Stimme sagt mir,
Dreh dein Swag doch auf!/ Bin nicht wie anderen, gut gelaunt/Ich löse mich auf – in Rauch!“. Diese
ungewohnten Innenansichten scheinen auf „Blitz & Donner“ immer wieder durch und sorgen für ein
komplexes Bild von Juicy Gay, in dem sich neben knalligen Moshpit-Ausrastern immer wieder
persönliche Nuancen auftun, so auch auf dem entwaffnend ehrlich-verliebten Duett „Ohne dich ist
alles Doof“ (VÖ: 29.04.2022) auf dem sich Juicy Gay und sein Feature Futurebae gegenseitig ihre
Herzen ausschütten, „Jedes Hindernis zu Groß/ jedes Ampel Rot – Ohne Dich ist alles doof“ und
Futurebae steuert die selbstbewusste weibliche Perspektive dazu, „Es ist passiert - Ich hätte nicht
gedacht, dass ich mich mal verliebe/ alles nur ein Spiel, war sonst der Heartbreak Hitta/ Jetzt will
ich zu dir, du hast den Funken entzündet/ Baby, bitte ruf mich an, dann kann ich dir endlich sagen/
dass du was verändert hast und ich Sekunden ohne dich nicht ertrage!“
Musikalisch wandert „Blitz & Donner“ zwischen unterschiedlichen Welten, zwischen brachialen
Trap und futuristischen Hyperpop, zwischen eleganter Reduziertheit und Bombast. Diesen Spagat
verdankt das Album MOSA, der die Klangwelten des Albums als Executive Producer erschaffen hat.
Sonst irgendwo zwischen Filmmusik und Untergrundrap mit Memphis-Anleihen beheimatet,
schneidert er hier ein Soundbild, in das sich Juicy’s farbenfrohe und knallige Texte perfekt einfügen.
Und so ist diese Platte ein außergewöhnlich abwechslungsreiches und experimentierfreudiges Juicy
Gay-Album, auf dem Kreativität und Unbeschwertheit gepaart wird ernsten Zwischentönen, mit
Wildheit und Melancholie, mit Leben und Spaß.
Mit Blitz & mit Donner

"Forever Jan” packt 25 (!) Jahre in die derbstmögliche Compilation – und macht, bei aller stilistischen Diversität, dabei vor allem den roten Faden dieser in jeder Hinsicht außergewöhnlichen Karriere erkennbar. Jan Delay ist selbst zu einer Ikone des deutschen Pop geworden: Er hat geprägt, wie Musik in diesem Land klingt, und er hat ganze Generationen dazu inspiriert, auf ihr Raveheart zu hören und konsequent ihr Ding zu machen.

Vor allem aber ist er immer Fan geblieben. Wer einmal morgens um fünf Uhr einen Dancefloor mit Jan geteilt oder mit ihm über die letzte Platte von Soundso diskutiert hat, ja wer ihn auch nur einmal auf der Bühne erlebt hat, weiß, was ihm Musik bedeutet, wie sie ihn antreibt, wie sie sein Wirken definiert. Die Beats, der Bass, der ganze Bumms, das ist sein Element. Und er hat diese Leidenschaft stets sehr direkt in seine eigenen Projekte überführt. Wer “Forever Jan” hört, weiß: Dieses Feuer wird für immer brennen.

"Forever Jan" kommt inkl. 2 neuen Tracks, Klassikern, Raritäten und Floorfillern.

Limitiertes Hardcover Book im Vinyl-Format inkl. 2 neuen Tracks: 5-fach Vinyl (farbig, 180g) und 2 CDs mit eingeklebten 20-seitigem Booklet und signiertem DIN-A5-Foto

“Forever Jan” packt 25 Jahre in die derbstmögliche Compilation – und macht, bei aller stilistischen Diversität, dabei vor allem den roten Faden dieser in jeder Hinsicht außergewöhnlichen Karriere erkennbar. Jan Delay ist selbst zu einer Ikone des deutschen Pop geworden: Er hat geprägt, wie Musik in diesem Land klingt, und er hat ganze Generationen dazu inspiriert, auf ihr Raveheart zu hören und konsequent ihr Ding zu machen.

Vor allem aber ist er immer Fan geblieben. Wer einmal morgens um fünf Uhr einen Dancefloor mit Jan geteilt oder mit ihm über die letzte Platte von Soundso diskutiert hat, ja wer ihn auch nur einmal auf der Bühne erlebt hat, weiß, was ihm Musik bedeutet, wie sie ihn antreibt, wie sie sein Wirken definiert. Die Beats, der Bass, der ganze Bumms, das ist sein Element. Und er hat diese Leidenschaft stets sehr direkt in seine eigenen Projekte überführt. Wer “Forever Jan” hört, weiß: Dieses Feuer wird für immer brennen.

"Forever Jan" kommt inkl. 2 neuen Tracks, Klassikern und Floorfillern.