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Sechs Jahre sind seit dem letzten Album „Park and Ride“ (City Centre Offices, 2007) von Andi Otto alias Springintgut bereits vergangen. Diese Zeit hat der Pingipung-Mitinhaber genutzt, nicht weni- ger als ein eigenes Instrument zu erfinden: das "Fello", ein Cello mit Bewegungssensoren auf dem Bogen und einer dazu gehörigen Soft- ware. Die Grundlagen dafür entstehen bereits 2007 am STEIM in Amsterdam. In der Folgezeit gelingt es Otto, das Instrument immer weiter zu verfeinern, mit unterschiedlichen Künstlern zu kooperieren und international aufzutreten. Für „Where We Need No Map“ trägt Otto das Fello erstmals ins Hamburger Studio und nimmt unzählige Sessions auf, in denen die Gesten des Bogens direkt den verstärkten Sound des Cellos verändern und neu formen. Diese Fello-Sitzungen werden anschließend editiert und mit anderen Ein- flüssen vermengt, die von Skweee über House bis hin zum Jazz reichen. Der Markenzeichen-Sound von Springintgut, diese ureigene Verspieltheit, ist weiterhin vorhanden, gewinnt durch das live-pro- zessierte Cello aber eine bisher unerreichte Tiefe. Weitere Farbe erhält das Album durch Ottos zahl- reiche Tourneen in ferne Länder. Zwei Stücke ent- stehen in Indien. Die Stimme von „Bangalore Kids“ ist eine Feldaufnahme eines Schuljungen im Cubbon Park in Bangalore. In Japan verbringt Andi Otto drei Monate als „Artist in Residence“ in der Villa Kamogawa in Kyoto. Während dieser kon- zentrierten Zeit entstehen die ruhigeren Tracks des Albums wie “Kamogawa Cycling” und “Western Kyoto”. In Sri Lanka lernt er dann Sasha Perera kennen, die Stimme von Jahcoozi. Sie nehmen zwei Songs zusammen auf. Vor allem in „Bullet“ kann man der faulen Nachmittagshitze nachspü- ren, in der die Stücke entstanden sind. So lassen sich die vielfältigen Entstehungspunk- te von "Where We Need No Map" zwar karto- graphieren, aber der Sound des Albums schickt einen trotzdem in unbekanntes Terrain. „Der Weg ist das Ziel, frag nicht viel, hör mal...“

Vor einigen Wochen saß ich spät abends kurz vor Sonnenuntergang am Chlodwigplatz in Köln. Ein paar Jahre lang saß ich hier fast jeden Abend mit meiner besten Freundin, bis das Café, das wir so mochten, der Gentrifizierung anheim fiel. Am Chlodwigplatz kreuzen fünf sehr alte Römerstraßen, hier steht außerdem die Severinstorburg, ein Überrest der mittelalterlichen Stadtmauer Kölns. Um die Ecke wurde Heinrich Böll geboren. Im November 1992 versammelten sich an diesem Ort mehr als 100.000 Menschen, um gegen Ausländerfeindlichkeit in Deutschland zu protestieren. Der Chlodwigplatz ist das emotionale, soziale und politische Herz dieses Stadtteils, in dem ich seit über 20 Jahren lebe. Manchmal sehe ich Julian vorbei spazieren, irgendwie beschwingt und stets elegant gekleidet; wir grüßen, sprechen kurz, möglicherweise geht er zum Sport oder Musik machen in seine Wohnung, die ein paar Straßen weiter liegt. Bei Julian weiß ich nie so genau, ob er gerade glücklich ist oder sehr traurig. Aber dass er sehr viel fühlt, das sieht man eigentlich sofort. Vermutlich wohnen wir beide aus genau diesem einen Grund hier in dieser Stadt, in diesem Viertel. An diesem Abend ist der Himmel über der Südstadt ein Meer aus Licht und Farben. Das einzigartige meteorologische Schauspiel der Natur erinnert an impressionistische Malerei und es ist so überwältigend schön, dass die sozialen Netzwerke später voller Fotos sind von dieser Orgie aus Orange, Gelb, Blau und Grau. Es sieht aus, als würde der Himmel brennen. An diesen Anblick muss ich zurückdenken, als ich “Sky Without Colours” das erste Mal höre und mir das Cover anschaue. Das Artwork von Frederike Wetzels und Franziska Stetter für Julians erstes Solo-Album sieht aus wie eine minimalistische, reduzierte Abstraktion meiner Erinnerung: eine ruhige Fläche, die ganz allmählich von einem kühlem Blau hin zu warmen rötlichen Farben am unteren Bildrand verläuft. Doch im Gegensatz zu dem beschriebenen, so farbenprächtigen und euphorischen Augenblick, hört sich der Titel des Albums nach einer tiefen Melancholie an, nach Abwesenheit und Verlust. In der Tat wird dieses Album von einer ganz besonderen Emotion getragen, es ist kein Werk, das in grellen Farben und mit lauten Worten mit der Außenwelt kommuniziert. Stattdessen funktioniert es wie ein inverses Bild dieses glühenden, vor Intensität fast berstenden Himmels über der Südstadt: Es ruht gänzlich in sich und trotzdem brennt es lichterloh. Julian Stetter stülpt einfach das Innere nach Außen, aber er tut dies ohne Pathos, ohne Kitsch. Er verschiebt ganz sanft die Linien zwischen Club und Pop, zwischen Song und Track, - wie ein Maler verwischt er die Grenzen (und seine Spuren) und lässt die Übergänge langsam verschwimmen. Aydo Abay ist Julians Stimme, die sich durch ihn und durch das Album hindurch bewegt, und die all das zum Ausdruck bringt, ausformuliert, zur Sprache bringt, wofür dem Produzenten selbst die Worte fehlen. Im wunderschön Titelsong “Sky Without Colours”, im über allen Wolken schwebenden “No Cure” und schließlich im leicht düster-gebrochenen “Mountain Of Geeks” meint man Neil Tennant singen zu hören, so schön, so klar und präzise, androgyn und immer auch ein wenig traurig klingt Abay hier. In den instrumentalen Skizzen greift Julian auf seine lange und erfolgreiche Erfahrung als Komponist von Soundtracks und Musik für Film und Theater zurück. Der Opener “Calm” und vor allem der letzte Track “Sleep”, die das Album von beiden Seiten umarmen, sind solche kleinen Meisterwerke, die zwischen Ambient und dem überaus nuancierten und behutsamen Einsatz von Sounds und Rhythmus das Gehirn zu nächtlichen Spaziergängen einladen. Und immer ist da diese emotionale Ambivalenz, zugleich lachende und weinende Augen, die den Blick nach vorne richten, zuversichtlich betrübt. Kaum eine gerade Bassdrum, keine fetten Beats, – Julian Stetter benötigt überhaupt keine Imperative für ein Album, das musikalisch wie atmosphärisch wie aus einem Guss klingt; es ist reich an Spirit, Intensität und Resilienz, voller Eleganz, Leidenschaft und von exzellentem Timing. Tief drinnen ist es beseelt von einer bemerkenswert selbstbewussten Bescheidenheit. “Sky Without Colours” zu hören und darüber zu schreiben, hat mir tatsächlich geholfen, den Menschen hinter dem Produzenten und DJ Julian Stetter anders wahrzunehmen. Wenn ich ihn nun das nächste Mal am Chlodwigplatz sehe, werde ich mich zwar immer noch fragen, ob er gerade glücklich oder eher traurig ist. Nur den Himmel, den sehe ich jetzt mit anderen Augen.

4 Hands ist ein intimes Gespräch unter Freunden — geführt mit den Händen auf dem Klavier. Es ist eine surreal anmutende musikalische Konversation zwischen dem deutschen Klangpionier Hans-Joachim Roedelius und dem US-amerikanischen Komponisten Tim Story. Eindrucksvoll belegt dieses Gemeinschaftsprojekt, welch herzerwärmende und zugleich außerweltliche Schönheit entstehen kann, wenn sich zwei Menschen aus unterschiedlichen, sich überschneidenden Richtungen ihrem geliebten Instrument annähern.

Nacheinander auf ein und demselben Flügel aufgenommen, begann die Arbeit an 4 Hands, als Roedelius im Mai 2019 seinen langjährigen Freund Story in den USA besuchte und spontan eine Reihe von Klavieretüden einspielte. Tim setzte sich daraufhin intensiv mit den komplexen Phrasierungen auseinander und nutzte die folgenden Monate, um seine eigenen Ideen dazu in Klangfiguren zu fassen.

„Den Kern dieser Kompositionen schufen wir gemeinsam, wobei wir das Klavier zum Teil mit verschiedenen Gegenständen (oder auch meinen Händen) präparierten und wir zunächst Achims Passagen auf Band festhielten. Ich schrieb in den Monaten danach weiter und verfeinerte meine Parts. Da das gesamte Album auf demselben Flügel aufgenommen wurde, hat es insgesamt einen konsistenten, einheitlichen Klang — wobei unsere individuellen Beiträge hoffentlich zu einer einzigen, ganzheitlichen Stimme verschmelzen“, so Story. 4 Hands vereint minimalistische Klangfiguren, in deren Verlauf sich immer wieder ganz zart ein geisterhaftes Zusammenspiel offenbart und überraschende harmonische Wendungen aufblitzen: Roedelius’ auf Instinkt, Intuition und Improvisation basierender Ansatz geht mit Storys gegenläufiger Herangehensweise Hand in Hand, wenn der US-Amerikaner Ideen über längere Zeiträume herausdestilliert. Es entstehen zwei Seiten, zwei Perspektiven einer fesselnden Konversation, die zum Nachdenken anregt und mit jedem Anhören neue Gestalt annimmt, neue Tiefen aufzeigt.

„4 Hands ist mehr als bloß ein neues Album — die logische Fortsetzung einer langjährigen Freundschaft zwischen zwei Komponisten“, ergänzt Roedelius. „Es geht um Achtsamkeit, ums Erhören anstelle von Zuhören, und darum, eine neue Klangsprache zu entwickeln, indem wir uns vor den unendlichen Möglichkeiten verneigen, die das Klavier bietet, das von unseren vier Händen gespielt wird. Für mich drücken diese Kompositionen eine ganz eigene Art von Schönheit aus. Was sie evozieren, ist mehr als die Summe ihrer Teile; sie sind ein wortloser Dialog, eine Brücke über das große Wasser, das unsere Kulturen voneinander trennt. Allons enfants des deux patrie, haha!“

Gut vierzig Jahre Freundschaft bilden das Fundament dieser elf Stücke, die auf hochsensiblem Einfühlungsvermögen basieren, so dass eine Art der Kommunikation entsteht, die keiner Worte bedarf. Vom eröffnenden „Nurzu“ — so unmittelbar, ermutigend und aufmunternd wie im deutschen Titel angedeutet, bis zum abschließenden „Ba“ — im Japanischen der „Ort, an dem etwas stattfindet“: Die Titel weisen allenfalls auf mögliche Assoziationen hin und unterstreichen so auch, welche Rolle Humor und Unbeschwertheit für das befreundete Duo spielen, und wie spielerisch vielfältig und mehrdeutig ihre Kompositionen selbst sind.

Die erste Single „Spirit Clock“ verdankt ihren Titel Robert Raths, dem Gründer von Erased Tapes, nachdem dieser Begriff in einem längeren Gespräch über die Faktoren Zeit und Timing aufgekommen war: „Ich finde, dieser Ausdruck – Spirit Clock – bringt wirklich perfekt auf den Punkt, was hier passiert: Es gibt da so eine unsichtbare Verbindung zwischen Achim und Tim, eine ganz besondere, unglaublich starke Energie, die immer dann frei wird, wenn die beiden zusammen Musik machen — selbst dann, wenn diese Zusammenarbeit in verschiedenen Zeitdimensionen stattfindet. Diese metaphysische Verschränkung ihrer vier Hände auf ein und demselben mechanischen Instrument, aufgenommen zu unterschiedlichen Zeitpunkten, hat etwas Technisches und zugleich etwas zutiefst Spirituelles — das finde ich daran so faszinierend.“

Während das gleichermaßen widersprüchliche „Allegro Estinto“ auf ein lebhaftes und dabei doch möglichst sanftes Tempo verweist — „lebendig-erloschen“, so wörtlich übersetzt aus dem Italienischen, tragen die mitunter zirpenden, auf präpariertem Klavier aufgenommen Stücke so phonetisch treffende Titel wie „Seeweed“, „Crisscrossing“ oder auch „Skitter“. Die persönlichste Komposition des Albums trägt den Titel „Haru“: Sie ist dem gemeinsamen Freund und Wegbegleiter Harold Budd (1936-2020) gewidmet, dem Story dieses Stück kurz vor dessen Tod gezeigt hatte. Bei ihrer ersten Begegnung in Los Angeles vor 25 Jahren, so erinnert sich Tim, hatte Budd zufällig beide Musiker mit den Worten „Go ahead, let’s do it!“ („Nur zu, lass es uns machen!“) verabschiedet.

Seit drei Jahrzehnten für seine wegweisenden Auftritte und Aufnahmen gefeiert, ist der Grammy-nominierte US-Komponist Tim Story für seine einzigartige Mischung aus Komposition und innovativem Sounddesign bekannt. Der in Berlin geborene und heute in Österreich lebende Komponist Hans-Joachim Roedelius hat mit seiner gut fünf Jahrzehnte umspannenden Karriere, in deren Verlauf er solo und in verschiedenen Konstellationen mehr als 100 Alben veröffentlichen sollte, gleich mehrere Generationen von Musiker*innen geprägt. Angefangen beim bahnbrechenden Trioprojekt Kluster (von Conrad Schnitzler ins Leben gerufen), später Cluster (mit Dieter Moebius), bis hin zu genreübergreifenden Soloveröffentlichungen und Aufnahmen mit Größen wie Brian Eno, hat Roedelius die Entwicklungen in den Bereichen Ambient, elektronische und experimentelle Musik entscheidend geprägt — und ist zwischenzeitlich auch immer wieder in schwer definierbare, im Interferenzbereich des Klaviers liegende Klangregionen aufgebrochen.

Seit langer Zeit eng miteinander befreundet, haben Roedelius und Story im Laufe der Jahre bereits an unterschiedlichen Projekten zusammengearbeitet – unter anderem an den gefeierten Alben Lunz (2003), Inlandish (2007), Lazy Arc (2014) und zuletzt Lunz 3 (2019), das vom US-Sender National Public Radio (npr) in die „Best Music of 2019“-Auswahl aufgenommen wurde.