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Lubomyr Melnyk ist einer der außergewöhnlichsten Pianisten unserer Zeit. Seine Musik gleicht mit Klangketten wie Wasserfällen und Tonfolgen, die nach reißenden Klangströmen klingen, einer erhabenen Naturgewalt. Auch "Fallen Trees" wurzelt auf dieser besonderen Bindung zur Umwelt, denn die zentrale Inspirationsquelle war eine lange Zugreise durch Europa. Als der Fernzug schließlich einen düsteren Wald durchquerte, sah der 1948 in der Ukraine geborene Melnyk vor seinem Fenster eine Reihe kürzlich gefällter Bäume: "Und sie sahen glorreich aus", berichtete der Komponist. "Auch wenn man sie getötet hatte, waren
sie noch längst nicht tot. Der Anblick hatte etwas Trauriges - aber zugleich war da auch Hoffnung." Dieses Gefühl von Traurigkeit, in dem auch Zuversicht mitschwingt, zieht sich durch das nach den Bäumen benannte Album. Genau genommen hat Melnyk selten Musik aufgenommen, die dermaßen von Melancholie und Bedauern gezeichnet ist, und dabei doch so hingerissen und strahlend anmutet. Wie gehabt stammen sämtliche Kompositionen aus Melnyks Feder. Bei der Umsetzung gingen ihm befreundete Erased-Tapes-Kolleginnen wie die in Berlin lebende Cellistin Anne Müller und die japanische Gesangskünstlerin Hatis Noit
zur Hand.

Tahliah Barnett, alias FKA twigs, hat eine harte Zeit durchgemacht seit der Veröffentlichung ihres erfolgreichen, Mercury-nominierten Debütalbums „LP1“. Trennungen, Operationen, Herzschmerz; Barnett verarbeitet ihre traumatischen Erlebnisse in ihrer Musik und steigt so mit ihrer zweiten Studio-LP wie Phoenix aus der Asche auf, hörbar verletzt aber stärker als je. Das Album wurde wie der Vorgänger von FKA twigs selbst produziert und lotet ihr Sound-Universum vollkommen neu aus. Es entstand im Lauf der letzten 3 Jahre in London, New York und Los Angeles u.a. in Zusammenarbeit mit Nicolas Jaar.
Die Beats und Arrangements des Albums spiegeln die turbulenten Zeiten von FKA twigs wider. Einige der Tracks klingen absichtlich verwaschen, fast erschöpft, in einer Art und Weise, die einen an Nick Cave & The Bad Seeds' Skeleton Tree erinnern mag. Neben Songs, die auf „LP1“s barocke Beat-Odyssee zurückgehen - zum Beispiel der Song „holy terrain“, der Future featured - gibt es hier auch mehrere Tracks, bei denen Drums in den Äther übergehen und traditionelle Songstrukturen einem impressionistischen, kunstvollen Sound-Design weichen. In diesen Fällen ist Nicolas Jaars Beteiligung an MAGDALENE am stärksten zu spüren.

"The first and titular song on my latest record, performed on solo alto saxophone, The love it took to leave you is a love letter to self and to solitude and to tall old trees that sway and creak in the wind and rain." - Colin Stetson

The love it took to leave you, is the title track to Colin Stetson’s first solo recording since 2017. It features new ways of capturing his music and instrumentation, intensifying his practice and to continue challenging the historical canon of the bass saxophone while crafting emotive, haunting and harmonically innovative music. Recorded over a week in early 2023 at The Darling Foundry, a 144-year old former metalworks facility in Montreal now transformed into a 3500m3 contemporary art complex, with a voluminous main room that still maintains its raw architecture of brick, concrete and steel. Colin says “We were using the same live setup as I normally would to amplify—a full PA in the building’s spaces—so we were really able to move the kind of air that I can move—really saturating the room, hitting the walls hard. And then we further fleshed it out.”

Another chapter in a larger odyssey inscribed through every solo recording, The love it took to leave you is a story told through the singular melding of Colin’s breath and body, with an arsenal of saxophones and clarinet. Resembling a yet to be published graphic novel, each track plots a course in an overarching tale that spins through a range of scenarios, moods, visions and landscapes.This is the art of storytelling wrought instrumentally. His masterful catalog of film scores illustrate his profound knack for cracking the codes of music as narrative support—and as narrative embodied in his solo releases. Following last year’s award winning album When we were that what wept from the sea, a sort of sunset parable to the trilogy of albums he launched with New History of Warfare Vol. 1 in 2007—this one acts as a prequel, the origin story in his ongoing world-building dramaturgy. Fully conceived, but not formally written, he describes his elaborate storyline as a “scaffolding to write around, offering a set of images, scenes and an overall story arc, it gives the music shape and emotional contour. It’s not simply just offering up an aesthetic.”