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Das Belfaster Duo Bicep veröffentlicht sein heiß ersehntes zweites Album, „Isles“, auf Ninja Tune!

Zwei Jahre in Arbeit, erweitert „Isles“ die kunstvolle Energie des 2017 erschienenen selbstbetitelten Debütalbums von Bicep und vertieft gleichzeitig die Klänge, Erfahrungen und Emotionen, die ihr Leben und ihre Arbeit beeinflusst haben. Sie beschreiben „Isles“ als „eine Momentaufnahme“ ihrer Arbeit in dieser Zeit, wobei die Stücke so konzipiert sind, dass sie sich in ihren verschiedenen Durchläufen von der Aufnahme bis zur Live-Show und darüber hinaus entwickeln.

Der weltweit beliebte Sound von Bicep entstand, als ihr eigener rasanter Aufstieg im Musikbusiness begann. Nach dem Start ihres legendären FeelMyBicep-Blogs im Jahr 2008 entwickelte sich ihre simple Website, die stets neue Italo-, House- und Disco-Juwelen aus der Musikgeschichte präsentierte, zu einem durchschlagenden Erfolg, der regelmäßig über 100.000 Besucher pro Monat verzeichnete. Nachdem der Blog ein Plattenlabel und eine Clubnacht hervorgebracht hatte, wurde das Duo mit begehrten DJ-Sets, die die musikalische Vielfalt ihres Blogs widerspiegelten, auf die internationale Bühne gehoben. Nach den Erfolgen mit Produktionen für Throne of Blood und Aus Music wurden Bicep 2017 bei Ninja Tune unter Vertrag genommen, wo sie im darauffolgenden Jahr ihr umjubeltes, selbstbetiteltes Debütalbum veröffentlichten, das einen Top-20-Einstieg in die britischen Charts erreichte und in der Groove schaffte, was in der langen Geschichte des Magazins noch kein Release bewerkstelligen konnte: sowohl die Kategorie „Album des Jahres“ als auch mit „Glue“ die Kategorie „Track des Jahres“ zu gewinnen. Titel wie „Opal“ - und der bald folgende Four Tet-Remix - sowie die eben erwähnte Lead-Single "Glue" mit dem von Joe Wilson entwickelten Video wurden 2017 zu Meilensteinen der elektronischen Musik, wobei letzteres vom DJ Mag ebenfalls zum „Track of the Year“ gekürt wurde.

Cameron Morse, audiovisueller Künstler aus Montreal, schlug als Hälfte von Littlebabyangel erste Wellen mit seiner experimentellen Produktion des 2015er Kultreleases 'Gada', einem Mixtape, das per E-Mail-Kettenbrief zirkulierte und bei Pitchfork mit den Worten 'es fühle sich an, als würde man in das Auge eines Hurricanes eintreten' rezensiert wurde. Es folgten ein Remix für Jacques Greene und zwei Tunes für die LUCKYME-Adventskalender-Compilations. Auf 'The Truth Is' verschmelzen die Stems heutiger Schlafzimmerproduzenten - gehackter Poly-Synthesizer, Drum-Machine, E-Gitarre, Stimme - zu Texturen, die sich, in der Luft des Raumes schwebend, ein- und ausschalten lassen. Diese atemberaubende EP drückt den Sinnverlust in der modernen Welt aus und bittet uns, gemeinsam in Richtung unserer möglichen Zukunft zu gehen.

Die Chronologie von Schnitzlers Solo-Veröffentlichungen in den 70er und vor allem in den 80er Jahren gleicht einem Buch mit sieben Siegeln. In zeitweise sehr kurzen Abständen brachte Schnitzler seine Musik teils auf analogen Kassetten, teils auf LPs heraus, nicht selten als "private releases", das heißt in eigener Regie und ohne Hilfe eines Labels oder professioneller Vertriebe. Das gelbe Album beispielsweise erschien 1981 als LP auf dem Label der Kunstgalerie von René Block in Berlin, nachdem Schnitzler bereits eine Reihe anderer Tonträger auf diversen Labels herausgebracht hatte. Tatsächlich ist die Musik des gelben Albums aber bereits 1974 als "The Black Cassette" in wahrscheinlich sehr geringer Stückzahl von Schnitzler selbst vertrieben worden. Das gelbe Album hat den Untertitel "12 Stücke aus dem Jahr 1974". Schon das deutet auf etwas Neues hin, denn bis dahin gingen Schnitzlers Stücke grundsätzlich über die ganze Platten- bzw. Kassettenseite. Hier versucht er sich nun erstmals an einer kürzeren Form. Außerdem neu: Schnitzler lässt auf mehreren Stücken nicht mehr nur automatische Klangprozesse ablaufen, sondern benutzt seine Keyboards offensichtlich auch, um "mit der Hand" gespielte melodie- ähnliche Improvisationen in seinen musikalischen Kosmos zu integrieren. Die eigentlich so kristalline, anorganische Kunstwelt Schnitz- lers wird damit um ein organisches, fast menschliches Element berei- chert. Durch die Musik des gelben Albums weht ein durchaus laues, freundliches Lüftchen, zum Glück meilenweit entfernt von den senti- mentalen Plattitüden der gebrauchsfertigen Ambient-Musik der 80er. Das gelbe Album ist nicht nur durch und durch freundlich, sondern es dokumentiert auch einen wichtigen Schritt in Schnitzlers musikalischer Entwicklung. Das späte Erscheinen als LP (1981) und die fehlenden diskografischen Angaben ließen diesen Gesichtspunkt etwas in den Hintergrund rücken. Aufmerksamen Hörern und Schnitzler-Kennern war jedoch sofort klar, dass das Album eine besondere Wegmarke darstellte, die einen deutlichen Weg in die Zukunft wies. Schnitzler hatte begonnen, sich aus dem Korsett der orthodoxen Konzeptkunst zu befreien, um in lichte Weiten unentdeckter musikalischer Gebiete vorzustoßen.

Begleiten Sie Thievery Corporation-Mitbegründer Eric Hilton auf eine gechillte Reise durch den Weltraum mit seinem neuen Album Ceremony: 13 Tracks voller gefühlvoller, interstellarer Psychedelia. Zu den kosmischen Ereignissen gehören die ersten beiden Singles 'Forming Star' und 'Who Are You?' sowie das sternenklare Finale 'Fade Into Forever'. Treten Sie ein in den Groove-Nebel mit Eric Hiltons neuem Solowerk 'Ceremony'.

Parallel zu seinem neuen Album 'Sound Vagabond' veröffentlicht Thievery Corporation-Mitbegründer Eric Hilton drei farbige 7inch-Vinyle mit je einem Albumtrack plus je einer unveröffentlichten und exklusiven B-Seite, die sich nicht auf dem Album befindet.

7inch Mint Green Vinyl: A. Midnight Milan B. Brooklyn Sicilians
7inch White Vinyl: A. Closer B. The Easy Underground
7inch Blue Vinyl: A. Poppy Fields B. French Bird

Parallel zu seinem neuen Album 'Sound Vagabond' veröffentlicht Thievery Corporation-Mitbegründer Eric Hilton drei farbige 7inch-Vinyle mit je einem Albumtrack plus je einer unveröffentlichten und exklusiven B-Seite, die sich nicht auf dem Album befindet.

7inch Mint Green Vinyl: A. Midnight Milan B. Brooklyn Sicilians
7inch White Vinyl: A. Closer B. The Easy Underground
7inch Blue Vinyl: A. Poppy Fields B. French Bird

Parallel zu seinem neuen Album 'Sound Vagabond' veröffentlicht Thievery Corporation-Mitbegründer Eric Hilton drei farbige 7inch-Vinyle mit je einem Albumtrack plus je einer unveröffentlichten und exklusiven B-Seite, die sich nicht auf dem Album befindet.

7inch Mint Green Vinyl: A. Midnight Milan B. Brooklyn Sicilians
7inch White Vinyl: A. Closer B. The Easy Underground
7inch Blue Vinyl: A. Poppy Fields B. French Bird

Nur wenige Wochen nach seinem Kollaborationsalbum mit der langjährigen Thievery Corporation-Sängerin Natalia Clavier liefert Thievery-Mitbegründer Eric Hilton mit dem neuen Solowerk 'Sound Vagabond' eine atemberaubende 14-Track-Klangreise ab. Für Hilton, der Jahrzehnte damit verbracht hat, verschiedene globale Genres zu einer einzigartigen Musikvision zu verschmelzen, ist 'Sound Vagabond' die ultimative Umsetzung dieses Ethos, bei der jeder Titel eine Audio-Fotopostkarte eines realen oder imaginären Ortes ist.

Eric Hilton, eine Hälfte des Washingtoner Downtempo-Duos Thievery Corporation, ist auf den Geschmack gekommen und veröffentlicht ein halbes Jahr nach seinem Solodebüt "Infinite Everywhere" schon den Nachfolger. "The Impossible Silence" ist ein elegantes Electronic-Werk, inspiriert von 1960er und 1970er Vintage-Soundtracks, dessen 13 atmosphärische Tracks einen imaginären Film in der Fantasie des Hörers ablaufen lassen. Das Finale bestreitet Hilton mit der brasilianischen Sängerin Elin Melgarejo, bekannt durch ihre Vocalperformance auf dem Thievery Corporation-Klassiker "Lebanese Blond".

Nackte Füße im warmen Sand, eine leichte Brise im Haar, der Geschmack von Schokolade auf der Zunge - der Moment vor dem heiß ersehnten Sprung ins klare Wasser. JPattersson holt aus den dubbigen Tiefen seines Repertoirs acht schillernde Perlen herauf und fädelt sie auf genau diese Assoziationskette. Mood bringt musikalisches Reisefieber und Reife zum Ausdruck. Obwohl die unverwechselbare Seele der Titel weiterhin zwischen den Frequenzen seiner Trompete und seiner Stimme schwebt, klingt das dritte JPattersson Album dabei erfrischend anders. Neben Songs mit cleveren Texten ist auf der Bandbreite von tropischer Beschwipstheit bis hin zu hypnotischem Tiefgang vor allem musikalische Liebe zum Detail zu hören. Ein wunderbares Durchhör-Erlebnis und gehaltvolles Dancefloor-Futter gleichermaßen.

Das Schaffen von Kasper Bjørke hat sich im Laufe seiner Karriere ständig weiterentwickelt. Nach dem Debüt Album In Gumbo (2007) veröffentlichte er regelmäßig weitere Alben und EPs, beeinflusst von Post-Punk, Krautrock, Italo-Disco, Techno, House und Elektro sowie neuerdings auch Neoklassik und Ambient. Kasper hat mehr als 50 Künstler geremixt - als DJ ist er ausgiebig getourt und trat in einigen der legendärsten Clubs und Festivals auf. Nach The Fifty Eleven Project auf Kompakt (2018) und Nothing Gold Can Stay (2019) ist das neue Album Sprinkles das achte Studioalbum von Kasper Bjørke.

Sprinkles klingt wie eine utopische Postkarte - abgeschickt in der Vergangenheit und mit Hoffnungen für die Zukunft. Verwurzelt in einem farbenfrohen Sound - gefüllt mit Licht und Wärme - verschmelzen die balearischen Vibes und Dream-House-Grooves mit Synth-Chören Gitarren, Fretless- und Acid-Basslinien und verflechten sich spielerisch zu einem klanglichen Bewusstseinsstrom; eine Fata Morgana der Vergangenheit und dessen, was sein wird. Die hypnotisierende Arbeit "Sprinkles" des bildenden Künstlers Luca Bjørnsten zeigt einen leeren, üppigen und bunten Garten mit einem großen, romantischen Springbrunnen und verkörpert perfekt das surreale Szenario, mit dem wir alle viel zu vertraut geworden sind. Das 13-Track-Instrumentalalbum folgt auf eine Reihe von Singles in diesem Frühjahr und Sommer und ist wie ein Hauch frischer Luft und ein dringend benötigter, warmer Sonnenstrahl.

Matthew Dear ist ein Gestaltwandler, der nahtlos zwischen DJ,
Dance Music Produzent und experimentellem Pop Auteur
oszilliert. Er ist Mitbegründer von Ghostly International und dem
dazugehörigen Dance Unterlabel Spectral Sound. Er schreibt,
produziert und mixt seine Songs. Er spreizt mehrere musikalische
Welten und gehört zu keiner. Jetzt schaut seine kaleidoskopische
Karriere auf fast 20 Jahre mit fünf Alben und zwei Dutzend EPs
plus Millionen von Reise-Meilen in der Rückansicht seiner
Biographie. ,Bunny" heißt das fünfte Album von Matthew Dear. Es
ist sein erstes seit 2012 und kündigte sich 2017 mit zwei Singles
an: das launische, dringende "Modafinil Blues" und das fröhliche
,Bad Ones" mit Tegan & Sara. ,Bunny" folgt neben diesen beiden
Stimmungen auch jeglichen anderen, indem Dear einen
Kaninchenbau mit verwirrenden Phrasierungen, Träumen und
Zwischenmusiken erschafft. Matthew Dear schlendert im
Schatten; er steht hell im Mondlicht. ,Bunny" ist eine doppelte
Vision von Avant-Pop; eine künstlerische Abrechnung eines
Universalgelehrten des 21. Jahrhunderts; mit splittriger Persona,
paradox paraphrasiert, ein gerendertes Rätsel.

Matthew Dear ist ein Gestaltwandler, der nahtlos zwischen DJ,
Dance Music Produzent und experimentellem Pop Auteur
oszilliert. Er ist Mitbegründer von Ghostly International und dem
dazugehörigen Dance Unterlabel Spectral Sound. Er schreibt,
produziert und mixt seine Songs. Er spreizt mehrere musikalische
Welten und gehört zu keiner. Jetzt schaut seine kaleidoskopische
Karriere auf fast 20 Jahre mit fünf Alben und zwei Dutzend EPs
plus Millionen von Reise-Meilen in der Rückansicht seiner
Biographie. ,Bunny" heißt das fünfte Album von Matthew Dear. Es
ist sein erstes seit 2012 und kündigte sich 2017 mit zwei Singles
an: das launische, dringende "Modafinil Blues" und das fröhliche
,Bad Ones" mit Tegan & Sara. ,Bunny" folgt neben diesen beiden
Stimmungen auch jeglichen anderen, indem Dear einen
Kaninchenbau mit verwirrenden Phrasierungen, Träumen und
Zwischenmusiken erschafft. Matthew Dear schlendert im
Schatten; er steht hell im Mondlicht. ,Bunny" ist eine doppelte
Vision von Avant-Pop; eine künstlerische Abrechnung eines
Universalgelehrten des 21. Jahrhunderts; mit splittriger Persona,
paradox paraphrasiert, ein gerendertes Rätsel.

re-release.
In den letzten beiden Jahren war Nils Frahm damit beschäftigt, hinter den majestätischen Wänden des historischen Berliner Funkhauses ein neues Studio zu bauen: den Saal 3. Damit erfüllte sich Frahm einen Kindheitstraum, den er hegte, seit er das erste Mal das beeindruckende Tonstudio eines Familienfreundes erleben durfte. Bei der Renovierung wurden nicht nur sämtliche Kabel, Leitungen und Vertäfelungen neu montiert. Auch eine Orgel und ein komplettes Mischpult, die er in Eigenregie mit Hilfe von Freunden konstruiert hatte, fanden im Saal 3 ihren Platz. So entstand ein Ort, an dem Musik wachsen kann und wo Ideen kultiviert werden können. Das heißt ein Raum, in dem Frahm seine Musik so gestalten und präsentieren kann, dass sie seinen eigenen Vorstellungen so nah wie möglich kommt. In diesem Kreativreich an der Spree entstand aus den immensen Freiräumen und Möglichkeiten heraus "All Melody", Frahms siebtes Studioalbum. Es ist der wohlklingende Beweis dafür, dass Musik wirklich keine Grenzen kennt. Dass sie zeitlos ist. Und dass Frahm einen sehr langen Weg zurückgelegt hat - vom staunenden Kind bis zu einem Künstler, der die Parameter der Musik im eigenen Studio komplett selbst steuern kann.

Alvin Toffler war überwältigt. Als er am Morgen des 4. Oktober 1988 – es war sein 60. Geburtstag – mit noch etwas abwesendem Blick in eine Schale Cornflakes starrte, glaubte er, in der Oberflächenstruktur der gelblich schimmernden Milch, die mit Ahornsirup eine Emulsion bildete und die Knusperkristalle der Maisflocken langsam, aber unumkehrbar immer weiter zersetzte, wie durch ein Fenster in eine zeitlose Dimension schauen zu können.
Toffler, zu jener Zeit auf dem Zenit seines Ruhms als Zukunftsforscher angelangt, war von dem Blick ins extratemporäre Guckloch nachhaltig verstört. In keinem seiner Bücher – „Future Shock“ war soeben in einer weiteren Auflage mit dem stolzen Zusatz „more than 5 million copies in print“ auf dem Buchtitel erschienen – sollte er das Erlebnis jemals erwähnen. Auch nach seinem Tod Ende Juni 2016 konnten im Nachlass bisher keine Ausführungen zu dem Vorfall gefunden werden. Die von Toffler in später geschredderten Notizen so getaufte „flake dimension“ bleibt ein Geheimnis von opaker, schwer zu fassender Strahlkraft.
Macht man es sich zu leicht, „Pneumatics“ als ein Werk aus dieser Cornflake-Welt zu beschreiben? Zweifellos. Gibt es präzisere Begriffe und Instrumente, um die Vielschichtigkeit und Außerzeitlichkeit der „Pneumatics“-Klangwelt zu erfassen? Bisher sind keine bekannt.
„Pneumatics“ ist, nach Veröffentlichungen unter anderem bei Innervisions, Die Orakel und seinem eigenen Label Sound Mirror, das Debütalbum von Orson Wells. (Sofern man von „Jupiter“ absieht, Wells' erster LP, die 2014 in einer Auflage von 48 Stück auf Kassette erschien – viel Spaß bei der Raritäten- und Schnäppchenjagd!) Vielleicht ist Wells, in Frankfurt unter dem bürgerlichen Namen Lennard Poschmann bekannt, sowie als Mitarbeiter des Plattenladens Tactile, nur ein Bote. Oder ein Medium. Das Sound-Manifest, das er allem Anschein nach aus Tofflers Geheimdimension übermittelt, kündet von einer Stadt der kopfstehenden Pyramiden („Trianon“), von Passierscheinen ins Land der fünf Elemente („Multipass“) und schnurgeraden Four-To-The-Floor-Linien, die in der sphärischen Dimension gekrümmt erscheinen („Geodesic“). Die Beats sind einigen der Interstellar Fugitives manchmal hart auf den Fersen; die Strings klingen, als könnte jeden Moment ein von Moodymann zurechtgestutztes Stimmsample aus dem Cornflake-Wurmloch herüberwarpen.
Pneumatik ist die Lehre aller technischen Anwendungen, die mit verdichteter und oft durchaus heißer Luft angetrieben werden. Es geht um: Mechanik, Kompression, Presslufthämmer, Geschwafel, hohe Druckniveaus, Ventile zum Dampf-Ablassen. Auf „Pneumatics“ geht es um all das. Und um mehr. In zwölf Tracks bringt das Album von Orson Wells den post-retrofuturistischen Zustand auf den Tanzflächen der House- und Techno-Clubs dieses Planeten auf den Punkt. Es ist wie ein Blick in eine andere Dimension, auf den goldenen Schnitt der Raumzeitgeometrie.

"Duangkamol" heißt das Debütalbum von Pimao, das am 22. März 2024 erscheint. Der in Berlin lebende Produzent, DJ und Plattensammler mischt darauf Beats mit thailändischen, chinesischen, japanischen, indonesischen Samples und Soundscapes und umrahmt das Ganze mit einem zeitgemäßen, cineastischen Sounddesign."Duangkamol" ist thailändisch und bedeutet so viel wie "direkt aus dem Herzen kommend". Und das trifft es genau. Denn das Album ist das Ergebnis einer langen Reise, einer intensiven Beschäftigung mit Musik, mit Klängen, mit anderen Kulturen, mit anderen Menschen, mit sich selbst - viele lose Fäden, die Pimao hier zusammenführt. Und siehe da: Sie haben ein Zentrum, ein Herz. Von hier aus pumpen die Beats, durch die Adern fließen fein verästelt die unterschiedlichsten Klänge: die eindrucksvollen Melodien Südostasiens, die Echos von Gesängen, die der Mekong von weit her an
seine Ufer trägt, der Flügelschlag der Schmetterlinge, die das Naturparadies Khao Sok durchstreifen, aber auch jazzig züngelnde Snares, der Feinstaub auf den Straßen von Berlin-Friedrichshain, druckvolle Bässe, die einem die Hose bis kurz unter die Kimme rutschen lassen. "Duangkamol" klingt frisch wie ein Ninja Tune-Release Ende der Neunziger, auffällig wie die Franzosen Onra oder Mo Kolours, kickend wie Stones Throw Anfang der 2000er. "Duangkamol" von Pimao erscheint am 22. März 2024. Mix und Mastering wurden in Zusammenarbeit mit Blanka im Kasablanka Mastering Studio in Frankreich fertiggestellt. Das Artwork stammt von Subwway. Es zeigt den riesigen Dämonenwächter "Yaksha", der vor bösen Geistern schützen soll und viele weitere Details aus der asiatischen Tradition.

"route 1 heißt roland schapperts debütalbum, auf dem er lange zurückreichende erfahrungen und aktuelle realisierungen erstmals kompakt gebündelt hat. er nutzt dabei ein breites elektronisches spektrum, das zwischen verschiedenen stilarten zu mäandern scheint und dabei sämtlichen erwartungshaltungen von club-kausalitäten oder einem abdriften in esoterische ecken trotzt. alle stücke entstanden juni bis oktober 2021. es ist roland schapperts persönlicher weg der klänge, die konturen aus elektronischer musik, pop und klassischen strukturen miteinander verschmelzen lässt. uneindeutig. reichhaltig. stetig variierend. nie kopflastig, sondern mit einer angenehm anmutenden wärme emotional berührend. letzteres ist hier ein sehr charakteristisches wesensmerkmal. unwillkürlich entstehen bilder, die im kontext zu den songtiteln, die jeweils orte bezeichnen, persönliche erinnerungen aufblitzen lassen. aber auch imstande sind, gänzlich andere gedanken diesem klanglichen niveau anzupassen, die zunächst mehr gefühlsbetont als begrifflich gestimmt sind. bildlichkeit ist im gesamten schaffen von roland schappert immens wichtig - seien es eigenartig verschlungene bildwerdungen der schrift auf dem gebiet der bildenden kunst, die freie entfaltung persönlich gefärbter verknüpfungen in seinen schriftstellerischen arbeiten oder die intime suggestionskraft seiner musikalischen werke. roland schappert selbst definiert die spezifische bildlichkeit seiner musikalischen prozesse so: "die mittel werden überwiegend digital erstellt. kompositionen mit virtuellen synthesizern stehen im dialog mit sparsamen field recordings und lyrischen versatzstücken. naturhafte prozesse der tonfindung ergänzt mit rhythmischen elementen und minimaler elektronik. emotionen, organische digitalität." konkret sieht das so aus, dass in jedem der vier bis zehn minuten langen stücke mehrere elektronische segmente miteinander wetteifern, die aber durch plötzlich auftretende breaks entgleiten können, um dann erneut sich wieder zusammenzufügen. die field recordings - geräusche während einer autofahrt, regen, etliches anderes naturhaftes, auch menschliches atmen - sind wohltuend in den digitalen klangkosmos eingebettet. von disharmonie keine spur. doch damit nicht genug. wenn man sich erst mal in diesem strudel musikalischer materie eingerichtet hat, erklingt urplötzlich wie aus dem hellen nichts eines plötzlich geöffneten fensters eine klare männliche sprechstimme - es ist schapperts eigene - mit sowohl kurzen verlautbarungen als auch zaghaften lyrischen passagen. so etwas wäre in songorientierter elektronischer popmusik gemeinhin nicht anzutreffen, eher erinnert das an einen der populärsten vertreter der klassischen avantgarde - an karlheinz stockhausen. in vielen seiner werke, etwa im chorstück stimmung und in seinem umgang mit intuitiver musik, beispielsweise in aus den sieben tagen, platzen immer mal unverhofft persönliche statements hinein - artikuliert aus his master's voice himself. selbst sein gigantischer licht-zyklus, bei dem in dem kompletten durcheinander aus mannigfachen handlungssträngen die größtmögliche glückseligkeit - die liebe - das maß aller dinge ist, bleibt von derlei störaktionen nicht verschont. bei roland schappert wäre so etwas ausuferndes eher als feinsinnige anspielung eingesponnen. und darüber hinaus ist in den sechs stücken von route 1 noch ein weiterer aspekt von belang. an manchen stellen ertönen völlig losgelöst von den zumeist eng verwobenen elektronischen soundflächen melodiöse keyboard-figurationen, die geradewegs auf das glorreiche zeitalter des barock zu verweisen scheinen, hier jedoch mit hilfe zeitgenössischer algorithmen programmiert. einmal mehr wird die vielschichtigkeit von roland schapperts musikalischem wirken offenkundig." joachim ody, januar 2022

Die klingt genau so, wie sie heißt: farbenprächtig, schwurbelig, episodenhaft und manchmal richtig schön beknackt. Siriusmo nistet sich auch mit seinem dritten Album wieder an seinem ganz eigenen Plätzchen in der elektronischen Musik ein, indem er alle möglichen Stile und Vorlieben durch seinen persönlichen Filter schickt, notorisch tiefstapelt, maßlos übertreibt und immer auf dem Punkt landet. Siriusmo ist der Vordenker, der gar keiner sein will. "Comic" ist ein perfekt unperfektes Selbstportrait und enthält – in des Meisters eigenen Worten – "14 bunte Geschichten zum Selbstausmalen. Aber keine Bange, diese Geschichten erwachen von ganz allein zum Leben. Vergleiche sind überflüssig, nur einer drängt sich auf: Sowohl melodische Vintage-Electro-Romanzen wie "Dagoberta" als auch fuchsteufelswilde Arrangements wie "Bleat" ziehen Parallelen zu alten Squarepusher-Platten. Statt Jazz und Jungle bestimmt bei Moritz eben die Berliner Sozialisation den Sound.