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"Oui Bitte", das elfte Studioalbum von Station 17, wurde in intensiver Arbeit und nicht selten bis spät in die norddeutsche Nacht auf dem Forellenhof in Nordhastedt produziert. Mit müden Augen saß das Musikerkollektiv so für gewöhnlich zu vorgerückter Stunde beisammen und hörte die Takes durch, die das Tagwerk hervorgebracht hatte. Ist der zwingende Rhythmus als Königsdisziplin der 1989 gegründeten Band in ihrem Werk immer schon angelegt, ergab sich spätestens beim housigen "Hausmann" kollektiv der Wunsch: hier muss ein Remix her! Der Wunsch wuchs und legte sich über das gesamte Album ... Remixalben haben dabei in der über 30 Jahre währenden Geschichte des Kollektivs bereits Tradition: 2001 erschien beim legendären Label Mute Records, das nicht nur Depeche Mode zu Ruhm verholfen hatte, das Album "Mikroprofessor" mit Remixen von etwa DJ Koze, Thomas Fehlmann, Justus Köhncke oder To Rococo Rot. Im Jahr 2011 folgten die "Goldstein Variationen Remixes", darunter Versionen von Erobique, Tobias Thomas, aber auch von Ada und Mense Reents, die uns auch hier wiederbegegnen. Zaghaft fing die Band also an, ihre Lieblingsproduzent/innen anzufragen, die ohne Umschweife komplett zusagten. So stand schon bald ein hochkarätiges Remixalbum mit dem Who-is-Who der hiesigen Landschaft elektronischer Musik im Raum. Und auch, wenn die Grundlagen der Stücke wiedererkennbar sind, ist hier ein gänzlich neues Hörerlebnis entstanden, das durch die Versiertheit der Beteiligten und ihre Expertise zu einem eigenständigen Werk gewachsen ist, das sich auch losgelöst vom Ausgangsmaterial genießen lässt. Wie von Zauberhand entsteht ein zugleich stringenter und abwechslungsreicher Vibe, der "Oui Mixe" zu mehr macht als nur eine Ergänzung zu "Oui Bitte".

Das 2019 von Sacred Bones gestartete Mort-Garson-Reissue-Projekt hat dafür gesorgt, dass Mort Garson und seine Moogs in Fernsehsendungen, Dokumentationen, Podcasts, Hip-Hop-Tracks und überall sonst zu hören sind, der Mann ist wieder ein kulturelles Phänomen. Wie eine Staude, die mit jedem neuen Frühling wiederkehrt, haben die Archive von Mort Garson nun eine weitere beeindruckende Blüte hervorgebracht, die noch mehr neue Facetten des Sounds dieses Mannes zeigt: verschiedene faszinierende Aufnahmen aus den frühen 1970ern, darunter ein Blaxploitation-Soundtrack und Werbemusik, aber die Krönung des Sets ist zweifellos Garsons Musik zur Live-Übertragung der Mondlandung von Apollo 11 im Jahr 1969, die damals in den CBS-Nachrichten zu hören war. Ein kleiner Schritt für den Menschen, ein großer Sprung für Moog. In sechs Minuten zaubert Garson ausgedehnte Fantasien, surrende Mooncraft-Sounds, Schwerelosigkeit und glitzernde Etüden: süß, forschend, skurril, ein bisschen kitschig, und alles zu einem glorreichen Ganzen verwoben. Für Fans von Brian Eno, Wendy Carlos, Suzanne Ciani, Tangerine Dream, Giorgio Moroder, Hiroshi Yoshimura.

Auf seinem neuen Album präsentiert der französische DJ/Produzent/Multiinstrumentalist Will Galland aka Quiet Dawn eine Reihe von abwechslungsreichen Broken Beat-Varianten mit Gastvocals von Szenekoryphäen wie der legendären Bembe Segue, LyricL und Oliver Night von der CoOp Presents-Crew. Galland ist seit einer Dekade Mitglied der First-Word-Familie, wo er sein breites musikalisches Spektrum von organischem Ambient-Jazz über Lofi-Instrumentals im Dilla-Stil und Kopfnicker-Hip-Hop bis zu Headz und Broken Beat zelebriert.

Das 2019 von Sacred Bones gestartete Mort-Garson-Reissue-Projekt hat dafür gesorgt, dass Mort Garson und seine Moogs in Fernsehsendungen, Dokumentationen, Podcasts, Hip-Hop-Tracks und überall sonst zu hören sind, der Mann ist wieder ein kulturelles Phänomen. Wie eine Staude, die mit jedem neuen Frühling wiederkehrt, haben die Archive von Mort Garson nun eine weitere beeindruckende Blüte hervorgebracht, die noch mehr neue Facetten des Sounds dieses Mannes zeigt: verschiedene faszinierende Aufnahmen aus den frühen 1970ern, darunter ein Blaxploitation-Soundtrack und Werbemusik, aber die Krönung des Sets ist zweifellos Garsons Musik zur Live-Übertragung der Mondlandung von Apollo 11 im Jahr 1969, die damals in den CBS-Nachrichten zu hören war. Ein kleiner Schritt für den Menschen, ein großer Sprung für Moog. In sechs Minuten zaubert Garson ausgedehnte Fantasien, surrende Mooncraft-Sounds, Schwerelosigkeit und glitzernde Etüden: süß, forschend, skurril, ein bisschen kitschig, und alles zu einem glorreichen Ganzen verwoben. Für Fans von Brian Eno, Wendy Carlos, Suzanne Ciani, Tangerine Dream, Giorgio Moroder, Hiroshi Yoshimura.

Juno ist ein Eingang in eine Welt, die multikulturell und voller Vielfalt ist, aber auch ein ruhiger und friedlicher Ort. In Anbetracht des aktuellen Jahres könnte man dieses Album auch als eine Flucht aus unserer gegenwärtigen begrenzten und zuweilen polarisierten Realität sehen. Juno ist eine meditative und verträumte Reise, die den Hörer immer wieder mit subtilen Wendungen herausfordert, die den hypnotischen Groove unterbrechen.

Lapre war das gemeinsame Projekt von Rudolf Langer (ehemals Tyndal) und Peter Preuß, die sich 1983 in West-Berlin zusammenschlossen, um ihre Klangexperimente - Langer am Synthesizer, Preuß an der Gitarre - in nächtlichen Proberaumsessions auf Tonband zu bannen. Neben einer einzigen Single und einigen, in Kleinstauflagen herausgebrachten Kassetten, gab es zur aktiven Zeit von Lapre keine weiteren Tonträgerveröffentlichung. Erst 2018 erschien auf Bureau B mit "Auferstehung" eine Werkschau, die Material aus den Jahren 1983 und 1984 versammelte und erstmalig einer breiten Hörerschaft zugänglich machte. Mit "Banzai" folgt nun die zweite Lapre-Kollektion, auf der sich Aufnahmen aus dem Schaffenszeitraum zwischen 1985 und 1987 wiederfinden. War diese Musik zum Zeitpunkt ihrer Entstehung kaum mehr als ein Geheimtipp, der über die Grenzen der Berliner Untergrundszene hinaus nur wenig Aufmerksamkeit erlangen konnte, freuen wir uns umso mehr, diese Stücke nach über 30 Jahren endlich wieder verfügbar zu machen.

Jubg, eine noch junge Kölner Galerie für zeitgenössische Kunst, hat sich seit ihrer Eröffnung im Frühjahr 2021 auf das weite Feld von Künstler:innen und Kollaborationen spezialisiert, die entlang künstlerischer Schnittstellen tätig sind, insbesondere an denen zwischen bildender Kunst und experimenteller und/oder elektronischer Musik. So hat Jubg bereits Ausstellungen von Markus Oehlen, Kim Gordon, Wolfgang Voigt, Matthias und Aksel "Superpitcher" Schaufler, Sven-Åke Johansson und Emil Schult gezeigt. Auch Albert Oehlen, der eine Art Mentor und stiller Unterstützer der Galerie ist, war im Sommer dieses Jahres zu Gast in der Albertusstraße, wo er zusammen mit Michael Wertmüller, Thomas Stammer und dem Dichter Rainald Goetz die Ausstellung D•i•e Orpheusmaschine präsentierte.

Es ist nur logisch und folgerichtig, dass die Galerie ihren Wirkungskreis nun um ein eigenes Label erweitert, auf dem Musik erscheint, die aus ähnlichen Zusammenhängen und Sphären stammt, wie es die oben aufgezählten Künstler:innen bereits vermuten lassen.

Als Katalog-Nummer 1 veröffentlicht Jubg nun den offiziellen Soundtrack zu "The Painter" aus dem Jahr 2021. Der Film, deutscher Titel “Der Maler”, ist eine Mischung aus Spiel- und Dokumentarfilm und eine Zusammenarbeit zwischen dem deutschen Regisseur Oliver Hirschbiegel, vor allem bekannt für seinen Oscar-nominierten Film "Der Untergang", und Albert Oehlen, mit dem Hirschbiegel eine lange Freundschaft verbindet, studierten sie doch beide zusammen einst an der Hochschule der Bildenden Künste in Hamburg.

Die Doku-Fiktion zeigt Oehlen, wie er mit einem Gemälde kämpft und über die Bedeutung seines Werks nachdenkt. Oehlen wird vom deutschen Schauspieler und Musiker Ben Becker gespielt und von der Stimme von Charlotte Rampling aus dem Off begleitet. Im Film erstellt Becker ein Gemälde, das Oehlen selbst hinter der Kamera Schritt für Schritt anfertigt, während der Schauspieler den Prozess wiederum vor der Kamera improvisiert.

Die wunderbare Musik zu diesem Film kommt von gleich zwei herausragenden Persönlichkeiten, die mit ihren individuellen Biographien und musikalischen Handschriften kaum besser zu diesem Projekt passen könnten. Auf der A-Seite ist dies Gudrun Gut, Ikone nicht nur der deutschen elektronischen Musikszene seit mindestens den 90er Jahren, Sängerin, Komponistin, DJ, Label-Betreiberin (Monika Enterprise) und natürlich Gründungsmitglied der legendären 80er Jahre New Wave-Band Malaria, auf der B-Seite der weltberühmte und Preisgekrönte US-amerikanische Avantgarde-Trompeter und Improvisationsmusiker Nathan “Nate” Wooley, der u.a. mit Fred Frith und John Zorn zusammengespielt hat.

Gudrun Gut’s Tracks tragen so schöne Titeln wie “Bewegung”, “Küste” oder “Weinen” und sie zieht hier einmal alle Register ihres großen Könnens und ihrer jahrzehntelangen Erfahrung als Produzentin der verschiedensten elektronischen Musikspielarten. Es sind ungewöhnliche und sehr viel experimentellere musikalische Gemälde, die sie hier entwirft als auf ihren jüngsten Solo-Werken. Kantig, eckig, roh und ungeschliffen und dabei immer elegant und schlau, unterläuft sie den im Film ausgiebig dargestellten männlichen Künstlerwahnsinn auf ihre ganz eigene Art und Weise.

Nathan Wooley antwortet mit dem ihm seit Kindesbeinen vertrauten Instrument, der Trompete, mit der er in der Lage ist, einen hinreißend virtuosen Lärm zu erzeugen. Seine Stücke sind eher Skizzen, oft nur 90 Sekunden oder ein paar wenige Minuten lang, die in all ihrer Abstraktheit das Narrativ des Films nahezu perfekt untermalen.

Luca ist die jüngste Aufnahmekünstlerin der Geschichte. Aufgenommen im Mutterleib mit einem Bio-Sonic-MIDI-Gerät, während Liz von Psychic Ills mit Baby Luca schwanger war. Ein High-Concept-Ambient-Album, genau das richtige für die Earth-Mama/Hippie/Wellness-Community und ernsthaft interessant für Fans experimenteller/elektronischer Klangforschung.