Sub Pop Indierock | Alternative 243 Artikel

Sukis Musik klingt wie eine Collage aus ihren Inspirationen, Erfahrungen und Emotionen, die sie mit ihrer honigsüßen Stimme, ihren fröhlichen Melodien und ihrer anregenden Erzählweise zusammenfügt. Sie ist ein Spiegelbild ihres Lebens als vollendete Kreative, Künstlerin, Schauspielerin, Model und Mutter, aber sie zerbricht auch das Glas, um die rohe Wahrheit zu enthüllen. Sie stützt sich auf eine sich ständig verändernde Klangpalette, um ihre Gefühle zu vermitteln - ob es sich nun um folkigen Americana, Alternative aus den Neunzigern, Indie aus der Jahrhundertwende oder handgemachten, überirdischen Pop handelt. Man hört Sukis Sehnsucht in einem schwärmerischen Refrain, ihre Furchtlosigkeit in einem knackigen Akkord, ihr Hochgefühl in einem tanzbaren Walzer und ihr Staunen in einem sanften Gurrton, der zu einem Schlaflied passt.

Auf „Memoir of a Sparklemuffin präsentiert sich die mit Platin ausgezeichnete Sängerin nun als vielseitige, lebendige und vitale Persönlichkeit. Suki hat dieses Werk zusammen mit dem Executive Producer Hirsch sowie Jonathan Rado (Weyes Blood, Father John Misty, Beyonce), Brad Cook (Bon Iver, War on Drugs, Snail Mail), Greg Gonzalez (Cigarettes After Sex), Rick Nowels (James Blake, Lana del Rey) und Natalie Findlay und Jules Apollinaire von der Band Ttrruuces (mit denen sie "Good Looking" und "omg" geschrieben hat) zum Leben erweckt. Sie bindet diese 18 Tracks locker an ein transformatives zentrales Konzept, das durch die Sparklemuffin-Spinne repräsentiert wird. "Ich bin auf die Sparklemuffin-Spinne gestoßen - sie ist wild gefärbt, führt diesen Blitztanz auf und ihre Partnerin kannibalisiert sie, wenn sie mit dem Tanz nicht einverstanden ist. Es ist eine Metapher für den Tanz des Lebens, in dem wir uns alle befinden. Der Titel kam mir urkomisch, lächerlich und wunderbar vor."

Sukis Musik klingt wie eine Collage aus ihren Inspirationen, Erfahrungen und Emotionen, die sie mit ihrer honigsüßen Stimme, ihren fröhlichen Melodien und ihrer anregenden Erzählweise zusammenfügt. Sie ist ein Spiegelbild ihres Lebens als vollendete Kreative, Künstlerin, Schauspielerin, Model und Mutter, aber sie zerbricht auch das Glas, um die rohe Wahrheit zu enthüllen. Sie stützt sich auf eine sich ständig verändernde Klangpalette, um ihre Gefühle zu vermitteln - ob es sich nun um folkigen Americana, Alternative aus den Neunzigern, Indie aus der Jahrhundertwende oder handgemachten, überirdischen Pop handelt. Man hört Sukis Sehnsucht in einem schwärmerischen Refrain, ihre Furchtlosigkeit in einem knackigen Akkord, ihr Hochgefühl in einem tanzbaren Walzer und ihr Staunen in einem sanften Gurrton, der zu einem Schlaflied passt.

Auf „Memoir of a Sparklemuffin präsentiert sich die mit Platin ausgezeichnete Sängerin nun als vielseitige, lebendige und vitale Persönlichkeit. Suki hat dieses Werk zusammen mit dem Executive Producer Hirsch sowie Jonathan Rado (Weyes Blood, Father John Misty, Beyonce), Brad Cook (Bon Iver, War on Drugs, Snail Mail), Greg Gonzalez (Cigarettes After Sex), Rick Nowels (James Blake, Lana del Rey) und Natalie Findlay und Jules Apollinaire von der Band Ttrruuces (mit denen sie "Good Looking" und "omg" geschrieben hat) zum Leben erweckt. Sie bindet diese 18 Tracks locker an ein transformatives zentrales Konzept, das durch die Sparklemuffin-Spinne repräsentiert wird. "Ich bin auf die Sparklemuffin-Spinne gestoßen - sie ist wild gefärbt, führt diesen Blitztanz auf und ihre Partnerin kannibalisiert sie, wenn sie mit dem Tanz nicht einverstanden ist. Es ist eine Metapher für den Tanz des Lebens, in dem wir uns alle befinden. Der Titel kam mir urkomisch, lächerlich und wunderbar vor."

Das lange vergriffene Debütalbum der beliebten Indie-Rock-Band Velocity Girl aus dem Jahr 1993 ist wieder erhältlich, mit einem neuen, von der Band genehmigten Mix und einem kompletten Album mit Bonustracks, das Singles, Outtakes und die Peel Session der Band von 1993 enthält. Velocity Girl gründeten sich etwa 1989 an der Universität von Maryland außerhalb von Washington DC und setzten sich kurz darauf aus Gitarrist Archie Moore (Black Tambourine), Gitarrist Brian Nelson (Black Tambourine), Schlagzeuger Jim Spellman (Starry Eyes, Foxhall Stacks, High Back Chairs, Julie Ocean, Piper Club), Bassist Kelly Riles (Starry Eyes) und Sängerin Sarah Shannon (Starry Eyes, The Not Its) zusammen. Die Band kombinierte englisch inspirierten lärmenden Shoegaze-Fuzz mit rauem US-Indie-Rock und klassischem 60er-Jahre-Pop-Songwriting. Eine Killer-Single auf Slumberland und pausenloses Touren erregten die Aufmerksamkeit der damaligen Indie-Rock-Kenner, und nach einem hitzigen Werben, das sowohl Abendessen als auch Nachtisch beinhaltete, unterzeichneten Velocity Girl in Hoboken, New Jersey einen Vertrag auf einer Motorhaube, und machten Sub Pop zu ihrer Heimat. 1992 begann die Band mit der Arbeit an ihrem Debütalbum „Copacetic“ in den Easley Studios in Memphis - einst Heimat der Bar-Kays und anderer klassischer Soul-Bands - unter der Leitung von Bob Weston (Volcano Suns, Shellac), und mischte das Album anschließend mit Weston in Chicago. Obwohl das Album starke Songs enthielt - Popsongs wie „Audrey's Eyes“, „Pop Loser“ und „Living Well“ neben ehrgeizigen Erkundungen wie „Pretty Sister“ und „Here Comes“ - hatte die Band wenig Erfahrung mit der Produktion und es fehlte ihr an den Fähigkeiten, im Studio „das Boot zu steuern“. Infolgedessen war das Album eine eher schlichte Angelegenheit, der es an der Üppigkeit der früheren Aufnahmen mangelte. In den Ohren der Band war das ein Schock, und sie merkten bald, dass dies nicht die Platte war, die sie zu machen hofften. Bob Weston hatte genau das getan, was von ihm verlangt wurde, und die Klänge eingefangen, aber die Band hatte nicht ihren Teil dazu beigetragen, eine klare Vision zu formulieren. Aber die Zeit der Band im Studio war vorbei, und Polvo war gerade aufgetaucht, um an ihrem Album zu arbeiten, also machten sich Velocity Girl auf, um das Video zu Audrey's Eyes“ zu drehen. „Copacetic“ kam 1993 auf den Markt und die Leute schienen es zu mögen, aber innerhalb der Band gab es ein Gefühl der Enttäuschung bis zu dem Punkt, an dem die meisten Mitglieder es nicht mehr ertragen konnten, die Platte zu hören.

Am 26. April 2024 werden Iron And Wine ihr siebtes Album Light Verse bei Sub Pop veröffentlichen. Die zehn Tracks umfassende Sammlung wurde von Sam Beam, dem Hauptsänger und Songwriter der Band, produziert und von Dave Way in den Waystation und Silent Zoo Studios in Los Angeles aufgenommen und abgemischt. „Light Verse“ ist das erste neue Iron And Wine Studioalbum seit über sieben Jahren und folgt auf die beiden Grammy-nominierten Veröffentlichungen „Beast Epic“ (2017 ) und „Weed Garden EP“ (2018).

Beams Texte schöpfen erneut aus einer Reihe von fiktionalen und persönlichen Einblicken, gefüllt mit verzweifelten Charakteren und weitsichtigen Optimisten, die Versprechen und eine Dosis Herzschmerz, Tränen und Lachen, Leben und Liebe bieten. Es ist das spielerischste Album von Iron And Wine, dessen Titel widerspiegelt, wie die Lieder nach der Schwere und Angst der Pandemie mit Freude geboren wurden. Wo „Beast Epic“ und „Weed Garden“ der Beunruhigung über die Gebrechlichkeit und Zerbrochenheit des mittleren Alters Luft machten, tauschen die Songs von „Light Verse“ dies gegen den Fokus, den Akzeptanz bringen kann. Moment für Moment erfreuen sie sich daran, pointiert oder albern (oder beides) zu sein und versuchen, Schönheit über Hübschheit zu stellen.

Musikalisch wurde „Light Verse“ von einer Reihe profunder Musiker geprägt, die Beams Vision ihren eigenen Stempel der Authentizität aufdrückten. Mit dabei waren Tyler Chester (Keyboards), Sebastian Steinberg (Bass), David Garza (Gitarre), Griffin Goldsmith, Beth Goodfellow, Kyle Crane (alle Schlagzeug/Percussion) und Paul Cartwright (Streicher). Ein 24-köpfiges Orchester ist auf vier Stücken zu hören, und Fiona Apple leiht ihre Stimme für das Duett „All In Good Time“.

„Light Verse“ ist ein Album, das als Ganzes betrachtet werden sollte. Track für Track ist es zu gleichen Teilen Elegie, Kaleidoskop, Wahrheit und Wagnis.

What Do We Do Now ist das fünfte Solo-Studioalbum, das J Mascis seit 1996 aufgenommen hat. Das ist natürlich kein besonders aggressiver Veröffentlichungsrhythmus, aber wenn man die Live-Alben, Gastauftritte und Aufnahmen mit seinen verschiedenen anderen Bands (Dinosaur Jr., The Fog, Heavy Blanket, Witch, Sweet Apple usw.) mit einbezieht, kann man mit den Worten von Lou Reed sagen: "J's week beats your year". What Do We Do Now begann in den letzten Tagen der Pandemie zu entstehen. In seinem eigenen Bisquiteen Studio begann J damit, eine Reihe von akustischen Stücken zu schreiben, die eine andere Dynamik haben als die Stücke, die er für Dino schreibt. "Wenn ich für die Band schreibe", sagt er, "versuche ich immer, an Dinge zu denken, in die Lou und Murph hineinpassen würden. Bei mir selbst denke ich mehr darüber nach, was ich mit einer Akustikgitarre machen kann, sogar bei den Leads. Dieses Mal habe ich natürlich ein Schlagzeug und elektrische Leads hinzugefügt, obwohl die Rhythmus-Parts immer noch akustisch sind. Normalerweise versuche ich, die Solosachen einfacher zu machen, damit ich sie selbst spielen kann, aber ich wollte unbedingt das Schlagzeug hinzufügen. Als ich damit angefangen habe, hat sich alles andere von selbst ergeben. So klang es am Ende viel mehr wie eine Bandplatte. Ich weiß nicht genau, warum ich das gemacht habe, aber es ist einfach so passiert." Diesmal sind zwei Gastmusiker mit von der Partie: Ken Mauri (von den B52s) aus Western Mass spielt bei einigen Stücken Klavier. Da J selbst einige Erfahrung mit den Tasten hat, sagt er auf die Frage, warum er einen Gastmusiker brauchte: "Ken ist großartig und er spielt alle Tasten. Ich habe versucht, auf dem ersten Fog-Album ein paar Keyboards zu spielen, aber ich fühle mich nur wohl, wenn ich die weißen Noten spiele, also ist das irgendwie einschränkend. (lacht) Heutzutage könnte ich einfach die Tonhöhe auf einem Mini-Mellotron ändern, um verschiedene Sounds zu spielen, aber schwarze Tasten sind einfach schwierig. Warum auch immer, ich haue lieber auf die weißen Tasten. Es scheint schwieriger zu sein, herauszufinden, wie man seine Finger um die anderen Tasten herum streckt." Mauri hat keine solchen Skrupel und spielt alle Tasten verdammt gut. Besonders toll klingt er bei "I Can't Find You", wo er als Jack Nitzsche zu Neil Young von J. eine der schönsten Melodien des Albums schafft. Der andere Gastmusiker, Matthew "Doc" Dunn, ist ebenfalls auf diesem Stück zu hören. Dunns Steel-Guitar macht die Musik sowohl breiter als auch weicher und verleiht ihr ein ganz klassisches Profil. Dunn ist ein vielseitiger Musiker aus Ontario, den J durch Matt Valentine kennengelernt hat. Nachdem J auf Docs großartiger Sub Pop-Single "Your Feel" aus dem Jahr 2022 mitgespielt hatte, fand er, dass es Zeit für eine Revanche war. Sowohl Dunn als auch Mauri tragen dazu bei, die Songs von akustischen Skizzen in ausgewachsene Post-Core-Power-Balladen zu verwandeln. What Do We Do Now ist das beste Soloprogramm, das J bisher geschrieben hat, und die Art und Weise, wie es präsentiert wird, ist einfach perfekt. Auf die Frage, ob er auf Tour gehen wird, um das Album zu unterstützen, sagt J, dass er einige Wochenendtermine wahrnehmen wird, aber wahrscheinlich keine Band zusammenstellen wird. Ich bin mir sicher, dass die Songs auch solo und akustisch großartig klingen werden, aber die Arrangements auf diesem Album sind wirklich großartig und geben Mascis' sofort erkennbarem Ansatz, Musik zu machen, einen coolen, anderen Dreh. Und was machen wir jetzt? Ich weiß es nicht. Aber anscheinend macht J. eine seiner besten Platten überhaupt. Hut ab vor ihm. - Byron Coley