Rough Trade 120 Artikel

In den acht Jahren, seit sich Amyl and The Sniffers in Melbournes brodelnder Musikszene zusammengefunden haben, hat es die Band perfektioniert, Verspieltheit und rohe Wucht zu kombinieren. Mit den zwei bisher erschienenen, einhellig gefeierten Alben (dem selbstbetitelten Debüt von 2019 und "Comfort To Me" von 2021), haben Sängerin Amy Taylor, Gitarrist Declan Mehrtens, Bassist Gus Romer und Drummer Bryce Wilson ihren einzigartigen Stil etabliert. Seit dem Release von "Comfort To Me" haben sich die Perspektiven für die Band in jeder Hinsicht exponentiell erweitert. Größer, klarer, smarter, schärfer, das ist es, was nun auch das dritte Album der Band antreibt. "Cartoon Darkness" hat die Band zusammen mit Nick Launay im 606 Studio der Foo Fighters in Los Angeles aufgenommen, am gleichen Pult, an dem schon Fleetwood Macs "Rumours" und Nirvanas "Nevermind" entstanden. Es ist ein überraschend abwechslungsreiches Album und reicht von klassischem Punk über den strotzenden Glam der Single "U Should Not Be Doing That" bis zur ausgelassenen Balladenhaftigkeit von "Big Dreams". Auf "Cartoon Darkness" geht es um Krieg, die Klimakrise und künstliche Intelligenz, um Politik und das Gefühl, online eine Stimme zu haben, während wir am Ende doch einfach nur das Daten-Biest Big Tech speisen, unseren Gott der Gegenwart. Es geht darum, wie unsere Generation mit Informationen vollgestopft wird, wie wir wirken wie Erwachsene und dabei doch für immer Kinder bleiben, abgeschirmt wie in einem Kokon und dabei all die Ablenkungen verschlingend, die uns nicht einmal Wohlbefinden oder Freude bereiten, sondern einfach nur Taubheit. "Cartoon Darkness" rennt mit dem Kopf durch die Wand ins Unbekannte, in die heranziehende Ahnung einer Zukunft, ein kindliches Dunkel, das sich schrecklich anfühlt, aber noch gar nicht existiert - ein großer rauer Spaß.

In den acht Jahren, seit sich Amyl and The Sniffers in Melbournes brodelnder Musikszene zusammengefunden haben, hat es die Band perfektioniert, Verspieltheit und rohe Wucht zu kombinieren. Mit den zwei bisher erschienenen, einhellig gefeierten Alben (dem selbstbetitelten Debüt von 2019 und "Comfort To Me" von 2021), haben Sängerin Amy Taylor, Gitarrist Declan Mehrtens, Bassist Gus Romer und Drummer Bryce Wilson ihren einzigartigen Stil etabliert. Seit dem Release von "Comfort To Me" haben sich die Perspektiven für die Band in jeder Hinsicht exponentiell erweitert. Größer, klarer, smarter, schärfer, das ist es, was nun auch das dritte Album der Band antreibt. "Cartoon Darkness" hat die Band zusammen mit Nick Launay im 606 Studio der Foo Fighters in Los Angeles aufgenommen, am gleichen Pult, an dem schon Fleetwood Macs "Rumours" und Nirvanas "Nevermind" entstanden. Es ist ein überraschend abwechslungsreiches Album und reicht von klassischem Punk über den strotzenden Glam der Single "U Should Not Be Doing That" bis zur ausgelassenen Balladenhaftigkeit von "Big Dreams". Auf "Cartoon Darkness" geht es um Krieg, die Klimakrise und künstliche Intelligenz, um Politik und das Gefühl, online eine Stimme zu haben, während wir am Ende doch einfach nur das Daten-Biest Big Tech speisen, unseren Gott der Gegenwart. Es geht darum, wie unsere Generation mit Informationen vollgestopft wird, wie wir wirken wie Erwachsene und dabei doch für immer Kinder bleiben, abgeschirmt wie in einem Kokon und dabei all die Ablenkungen verschlingend, die uns nicht einmal Wohlbefinden oder Freude bereiten, sondern einfach nur Taubheit. "Cartoon Darkness" rennt mit dem Kopf durch die Wand ins Unbekannte, in die heranziehende Ahnung einer Zukunft, ein kindliches Dunkel, das sich schrecklich anfühlt, aber noch gar nicht existiert - ein großer rauer Spaß.

Black Midi war von Anbeginn der Band ein illustres wie kreatives Tummelbecken für die Mitglieder der britischen Band - nun löst sich Geordie Greep mit seinem am 4. Oktober bei Rough Trade Records erscheinendem Solo-Debüt noch mehr von jeglichen Einschränkungen und Kompromissen! Eines der Hauptthemen von Anthony Powells Roman "A Dance to the Music of Time" ist der Kontrast zwischen jenen Charakteren, die nur von Macht getrieben werden, und jenen, die mehr mit den sinnlichen Freuden des Lebens in Einklang stehen. Unweigerlich holen die Zeit und das Schicksal jeden Protagonisten ein, und der Leser kann darüber nachdenken, ob ihr Schicksal gerechtfertigt ist oder nicht. "The New Sound" wirkt oft wie eine Wiederholung von Powells Thema, untermalt von einem schrägen - und völlig verkabelten - Palm Court Orchestra. Das Album ist mit Sicherheit eines, das den Hörer über die gesamten elf Tracks hinweg voll in seinen Bann zieht. Greep: "Ich war besorgt wegen der Länge, um nicht zu viel zu verraten. Aber ich bin es auch verdammt leid, Musik zu hören und im Voraus zu wissen, was sie bedeutet oder was sie zu tun versucht. Bei all meiner Lieblingsmusik geht es darum, dass der Hörer sich mit dem auseinandersetzt, was vor sich geht. Meine Lieblingssänger, wie Peter Hammill oder Nat King Cole, sind buchstäblich einmalig. Das liebe ich. Vor allem bei Texten, bei denen man nicht genau weiß, worum es geht, aber man weiß, dass es nicht nur abstrakte Gedanken sind."

Black Midi war von Anbeginn der Band ein illustres wie kreatives Tummelbecken für die Mitglieder der britischen Band - nun löst sich Geordie Greep mit seinem am 4. Oktober bei Rough Trade Records erscheinendem Solo-Debüt noch mehr von jeglichen Einschränkungen und Kompromissen! Eines der Hauptthemen von Anthony Powells Roman "A Dance to the Music of Time" ist der Kontrast zwischen jenen Charakteren, die nur von Macht getrieben werden, und jenen, die mehr mit den sinnlichen Freuden des Lebens in Einklang stehen. Unweigerlich holen die Zeit und das Schicksal jeden Protagonisten ein, und der Leser kann darüber nachdenken, ob ihr Schicksal gerechtfertigt ist oder nicht. "The New Sound" wirkt oft wie eine Wiederholung von Powells Thema, untermalt von einem schrägen - und völlig verkabelten - Palm Court Orchestra. Das Album ist mit Sicherheit eines, das den Hörer über die gesamten elf Tracks hinweg voll in seinen Bann zieht. Greep: "Ich war besorgt wegen der Länge, um nicht zu viel zu verraten. Aber ich bin es auch verdammt leid, Musik zu hören und im Voraus zu wissen, was sie bedeutet oder was sie zu tun versucht. Bei all meiner Lieblingsmusik geht es darum, dass der Hörer sich mit dem auseinandersetzt, was vor sich geht. Meine Lieblingssänger, wie Peter Hammill oder Nat King Cole, sind buchstäblich einmalig. Das liebe ich. Vor allem bei Texten, bei denen man nicht genau weiß, worum es geht, aber man weiß, dass es nicht nur abstrakte Gedanken sind."

Krieg, steigende Energiekosten, Inflation. Eine politische Klasse und ein gespaltenes Land. Das Unbehagen nach dem Brexit, Akte nationaler Selbstbeschädigung und verhängnisvolle Realitätsfluchten. Verzweiflung, Wut und Entfremdung. War es jemals schlimmer da draußen? Willkommen bei "UK Grim". Das zwölfte Album der Sleaford Mods baut auf den einzigartigen, aufrührerischen Stärken früherer Alben auf und verfeinert sie gleichzeitig auf eine neue Weise. Es handelt sich um nichts Geringeres als eine Band und eine Stimme ihrer Generation, so wie es The Jam, The Clash oder Public Enemy zuvor waren. Begonnen haben die Arbeiten zum neuen Album in den Lockdowns von 2021. Schließlich setzte man die Arbeit im JT Soars fort, dem Arbeitsraum und der Kreativzelle der Band, und vollendet "UK Grim" dann im Heimstudio des musikalischen Kopfes Andrew Fearn. Das Album präsentiert die Band in ihrer makellosesten Wut, gepaart mit wilder Poesie. Nach "Spare Ribs" von 2021 (ihrem dritten UK-Top-Ten-Album seit 2019 und ihrem bisher erfolgreichsten) ist es, wie alle ihre Platten, eine Diagnose der Krankheiten der Gesellschaft. Obwohl "UK Grim" größtenteils vor den Turbulenzen des Jahres 2022 entstanden ist, nimmt es die Erschütterungen einer Gesellschaft, die den Verstand verliert, auf unheimliche Weise vorweg, erzählt von einem Mann, der entschlossen ist, sich mit Heucheleien auseinanderzusetzen, insbesondere mit seinen eigenen. Die 14 Tracks klingen nach knarzigem Punk, widerspenstiger Elektronik und Elementen von Hip-Hop. Sie beschreiben die Realität in zu brutaler Unverblümtheit, um nur einfache Protestsongs zu sein. Sie sind zu Vinyl gewordene Wut, aufgekocht von den Großmeistern des pointierten Zorns - den Sleaford Mods! Wie bei den "Spare Ribs" Kollaborationen mit Billy Nomates und Amy Taylor helfen auch bei "UK Grim" Freunde aus: Florence Shaw von Dry Cleaning ist auf dem schaurigen "Force 10 From Navarone" zu Gast. Williamson ist ein Fan der Band und sagt: "Sie erinnert mich wirklich an die frühen Sachen, die ich gemacht habe, einfach die Art und Weise, wie sie ein einziges Wort benutzt, um eine ganze Geschichte zu erzählen." Perry Farrell von Jane"s Addiction rappt auf dem bizarren "So Trendy", einem Song, von dem Williamson sagt, er sei "sehr vorsichtig... ein wirklich seltsamer Track". Seit ihrem Durchbruch-Album "Divide and Exit" von 2014 hatten die Sleaford Mods immer mehr Gelegenheit zum offenen Austausch, sowohl im In- als auch im Ausland. Sie sind eine unermüdlich arbeitende Band, die mit ihren minimalistischen Liveshows unter anderem 2021 in der 10.000 Zuschauer fassenden Nottingham Motorpoint Arena auftrat. Zu den weiteren Meilensteinen ihres Erfolgs gehören Auftritte im US-Late-Night-TV, Headliner-Auftritte auf Festivals und Chart-Platzierungen in ganz Europa mit "Spare Ribs". Ein großer Bewunderer ist Iggy Pop, der der Band mit einer persönlichen Version des Drogenrausch-Grand-Guignols "Chop Chop Chop" Tribut gezollt hat.

Das Londoner Duo Jockstrap, bestehend aus Georgia Ellery und Taylor Skye, kündigt heute mit "I<3UQTINVU" eine komplett neu abgemischte Version ihres für den Mercury Prize nominierten Albums "I Love You Jennifer B" aus dem Jahr 2022 an. Produziert wurde es von Taylor Skye selbst. "I<3UQTINVU", eine Abkürzung für I Love You Cutie, I Envy You, wird am 3. November über Rough Trade Records veröffentlicht. Der erste neue Track "Red Eye" (feat. IAN STARR) ist ab sofort erhältlich. "I<3UQTINVU" wird auf schwarzem Standard-Vinyl und in limitierter Auflage auf rotem Vinyl erhältlich sein, mit einem nach Parfüm duftenden Inlay. Das Remix-Album basiert auf der Idee von Skye, der mehrere Versionen des Original-Tracklistings des Albums gemacht hatte, um sich während des Schreibens von "I Love You Jennifer B." inspirieren zu lassen. Die Gastbeiträge auf dem Remix-Album reichen von Ersatz, den beiden britischen Musikern, die Skye vor vielen Jahren zum Musikmachen inspiriert haben, bis hin zu IAN STARR, mit dem er sich erst vor ein paar Monaten via Zoom getroffen hat.

Nachdem sie diesen Sommer als Support für Blur im Wembley-Stadion aufgetreten sind, bereiten sich die Sleaford Mods auf einige ihrer bisher größten Auftritte in Großbritannien und Europa in diesem Herbst vor, wenn am 20. Oktober die neue Sechs-Track-EP More UK Grim veröffentlicht wird. Die neuen Songs, die zur gleichen Zeit wie ihr hochgelobtes Album UK Grim von 2023 aufgenommen wurden, setzen nicht nur die Dominanz von Andrew Fearn und Jason Williamson auf der Tanzfläche fort, sondern kritisieren und feiern mit einer Mischung aus Einsicht und Witz, Empörung und Mitgefühl unsere turbulenten Zeiten. Die Leadsingle Big Pharma teilt mit dem letzten Album der Band den lyrischen Ansatz "Nehmt keine Gefangenen" und wirft einen zweifelnden Blick auf das "Truther"-Wurmloch, auch wenn der Track, der sich um ein schlüpfriges Bassriff rankt, zeigt, dass die beiden Musiker musikalisch am geschicktesten sind. Big Pharma, das den Ton für die More UK Grim EP angibt, wird von einem scharf satirischen Animationsvideo begleitet, bei dem Sean Sears Regie geführt hat. Er hat seine unverwechselbare, stilisierte 2D-Vision angewandt, um die Folgen einer Gesundheitsphilosophie zu untersuchen, die das Trinken von Urin über sorgfältig erforschte medizinische Behandlungen stellt.à "Big Pharma wurde in den ersten Kapiteln des Herbstes 2022 geschrieben, als Covid wieder loslegte. Es hat viel von der üblichen Absurdität der Sleaford Mods, aber es geht auch um die anhaltende Faszination, Wahrheiten in Informationen zu finden, die von sehr fragwürdigen Leuten verbreitet werden", erklärt Jason Williamson. Neben der Leadsingle sind auf der More UK Grim EP auch Under The Rules, Old Nottz, PO Crazeh und My 18hr Girdle zu hören, die bisher nicht erhältlich waren.

Mit ihrem vierten Album, das Gastauftritte der malischen Künstlerin Fatoumata Diawara und der kanadischen Sängerin Charlotte Cardin enthält, liefert die Band eine raffinierte und umfassende Interpretation ihrer einzigartigen Klangvision.
Auf ihrem Independent-Debüt „Living In A Haze“ schreiben Milky Chance tanzbare Alternative-Pop-Songs und bringen ihren unverkennbaren Sound ins Jahr 2023. Aufgenommen in den Jazzanova Recording Studios in Berlin mit namhaften Produzenten wie DECCO, Jonas Holle, Tobias Kuhn und Dennis Neuer transportiert das neue Album die musikalische Neugier des Duos und liefert gleichzeitig meisterhafte Song-Kunst.

Anfang 2021 standen die Bandmitglieder von Lankum hoch über Dublin, den Winden der irischen Ostküste zugewandt, mit einem wundervollen Blick auf die Stadt, in der sie über 10 Jahre lang gemeinsam Musik gemacht hatten und dennoch spürten sie ein Gefühl der Unverbundenheit. Sie hatten die Stadt noch nie aus diesem Blickwinkel betrachtet, da sie immer fest in ihr verwurzelt waren und die Schönheit von Dublin immer aus dem Blickwinkel ihres Alltags sahen. Der kleine Perspektivwechsel half der Band bei den Aufnahmen in den Hellfire-Studios, wo sie nach der langen Stille der Pandemie begierig mit den Aufnahmen zu ihrem vierten Studioalbum "False Lankum" begannen. Wer jemals bei einem Lankum-Gig war, kennt die Energie, die diese Band erzeugen kann. Der unverwechselbare Drone-Sound, der sich durch ihre Arbeit zieht, wie bei ihren bekanntesten Stücken "The Wild Rover" (von "The Livelong Day", 2019) und "What Will We Do When We Have No Money" ("Between the Earth and Sky", 2017) hat die Kraft, einem den Boden unter den Füssen wegzuziehen und erzeugt dabei einen einmaligen Klang. "The Livelong Day" war das Album, mit dem Lankum aus der Schublade der "irisch traditionellen" oder "Folk"-Musik herausbrachen. Es ebnete ihnen den Weg zu medialem wie kommerziellem Erfolg, der ihnen 2019 den RTE Choice Music Prize einbrachte und dazu führte, dass sich ihre Shows in der traditionsreichen Konzerthalle Vicar Street in Dublin in nur 20 Minuten ausverkauften. Die neue Musik bringt auch neue Stimmen und so ist es das erste Mal, dass Cormac Dermody einen kompletten Song auf einem Lankum-Album singt. In Kombination mit seiner besonderen Tonlage erzeugt er eine poetische Kraft, die den Sound von Lankum bereichert. Mit "False Lankum" bewegt sich die Bands ins Unbekannte, ein Album getrieben von der wilden und oftmals seltsamen Schönheit des Schmerzes und der Freude, von Himmel und Hölle. Es ist gleichermaßen ein Album der Widersprüche und des Einklangs und sicherlich eine der spannendsten Produktionen, die in letzter Zeit aus Irland kamen. Nur wer mutig wagt, wird Herzen gewinnen - "False Lankum" ist der Schlüssel dazu.

Krieg, steigende Energiekosten, Inflation. Eine politische Klasse und ein gespaltenes Land. Das Unbehagen nach dem Brexit, Akte nationaler Selbstbeschädigung und verhängnisvolle Realitätsfluchten. Verzweiflung, Wut und Entfremdung. War es jemals schlimmer da draußen? Willkommen bei "UK Grim". Das zwölfte Album der Sleaford Mods baut auf den einzigartigen, aufrührerischen Stärken früherer Alben auf und verfeinert sie gleichzeitig auf eine neue Weise. Es handelt sich um nichts Geringeres als eine Band und eine Stimme ihrer Generation, so wie es The Jam, The Clash oder Public Enemy zuvor waren. Begonnen haben die Arbeiten zum neuen Album in den Lockdowns von 2021. Schließlich setzte man die Arbeit im JT Soars fort, dem Arbeitsraum und der Kreativzelle der Band, und vollendet "UK Grim" dann im Heimstudio des musikalischen Kopfes Andrew Fearn. Das Album präsentiert die Band in ihrer makellosesten Wut, gepaart mit wilder Poesie. Nach "Spare Ribs" von 2021 (ihrem dritten UK-Top-Ten-Album seit 2019 und ihrem bisher erfolgreichsten) ist es, wie alle ihre Platten, eine Diagnose der Krankheiten der Gesellschaft. Obwohl "UK Grim" größtenteils vor den Turbulenzen des Jahres 2022 entstanden ist, nimmt es die Erschütterungen einer Gesellschaft, die den Verstand verliert, auf unheimliche Weise vorweg, erzählt von einem Mann, der entschlossen ist, sich mit Heucheleien auseinanderzusetzen, insbesondere mit seinen eigenen. Die 14 Tracks klingen nach knarzigem Punk, widerspenstiger Elektronik und Elementen von Hip-Hop. Sie beschreiben die Realität in zu brutaler Unverblümtheit, um nur einfache Protestsongs zu sein. Sie sind zu Vinyl gewordene Wut, aufgekocht von den Großmeistern des pointierten Zorns - den Sleaford Mods! Wie bei den "Spare Ribs" Kollaborationen mit Billy Nomates und Amy Taylor helfen auch bei "UK Grim" Freunde aus: Florence Shaw von Dry Cleaning ist auf dem schaurigen "Force 10 From Navarone" zu Gast. Williamson ist ein Fan der Band und sagt: "Sie erinnert mich wirklich an die frühen Sachen, die ich gemacht habe, einfach die Art und Weise, wie sie ein einziges Wort benutzt, um eine ganze Geschichte zu erzählen." Perry Farrell von Jane"s Addiction rappt auf dem bizarren "So Trendy", einem Song, von dem Williamson sagt, er sei "sehr vorsichtig... ein wirklich seltsamer Track". Seit ihrem Durchbruch-Album "Divide and Exit" von 2014 hatten die Sleaford Mods immer mehr Gelegenheit zum offenen Austausch, sowohl im In- als auch im Ausland. Sie sind eine unermüdlich arbeitende Band, die mit ihren minimalistischen Liveshows unter anderem 2021 in der 10.000 Zuschauer fassenden Nottingham Motorpoint Arena auftrat. Zu den weiteren Meilensteinen ihres Erfolgs gehören Auftritte im US-Late-Night-TV, Headliner-Auftritte auf Festivals und Chart-Platzierungen in ganz Europa mit "Spare Ribs". Ein großer Bewunderer ist Iggy Pop, der der Band mit einer persönlichen Version des Drogenrausch-Grand-Guignols "Chop Chop Chop" Tribut gezollt hat.

"All This Is Chance" ist das erste Album von Lisa O"Neill auf Rough Trade Records. Der Vorgänger, laut The Guardian das Folk Album of Year 2019, erschien noch beim Imprint River Lea.In ihrer Karriere konnte Lisa bereits fünf BBC Folk Award Nominierungen einheimsen, richtigen Schub erlangte sie aber in diesem Jahr dank eines großartigen Bob Dylan Cover, das im epischen Finale der Serie "Peaky Blinders" zur Geltung kam.Für ihr neues Album beginnt beginnt O"Neill als Erzählerin ihre Reise auf irischem Grund, lässt sich vom Autoren Patrick Kavanagh und dessen Erzählungen über die Große Hungersnot in Irland inspirieren, um daraufhin über die Verbindung zur Natur, zu Vögeln, Beeren, Bienen und Blut zu meditieren. Die Musik dazu ist orchestral, dramatisch, geradezu cinematisch - wie zum Beispiel bei der ersten Single "Old Note", die sich als trauriges Wiegenlied über den Verlust der Verbindung zur Natur entfaltet. Der Song ist dabei eine Reaktion auf ein Interview mit dem traditionellen Musiker Tony McMahon und zwischen den Noten spürt man geradezu die enge Verbindung und Liebe O"Neills zur Tierwelt und der Natur um uns herum.Beim Album wirkten viele etablierter (Folk)-Musiker mit. Angefangen von Joseph Doyle am Bass, Cormac Begley, Colm Mac Con Iomaire, Kate Ellis (Crash Ensemble), der Pianistin Ruth O"Mahony Brady, Lorcan Byrne an den Drums, Produzent Dave Odlum an der Gitarre, Colm O"Hara an der Posaune, Brian Leach am Hackbrett, Mic Geraghty am Harmonium und David Coulter an der Säge. O"Neills Nichte Sadie-Mae O"Neill ist dazu noch als zweite Stimme auf "Old Note" zu hören.

"All This Is Chance" ist das erste Album von Lisa O"Neill auf Rough Trade Records. Der Vorgänger, laut The Guardian das Folk Album of Year 2019, erschien noch beim Imprint River Lea. In ihrer Karriere konnte Lisa bereits fünf BBC Folk Award Nominierungen einheimsen, richtigen Schub erlangte sie aber in diesem Jahr dank eines großartigen Bob Dylan Cover, das im epischen Finale der Serie "Peaky Blinders" zur Geltung kam. Für ihr neues Album beginnt beginnt O"Neill als Erzählerin ihre Reise auf irischem Grund, lässt sich vom Autoren Patrick Kavanagh und dessen Erzählungen über die Große Hungersnot in Irland inspirieren, um daraufhin über die Verbindung zur Natur, zu Vögeln, Beeren, Bienen und Blut zu meditieren. Die Musik dazu ist orchestral, dramatisch, geradezu cinematisch - wie zum Beispiel bei der ersten Single "Old Note", die sich als trauriges Wiegenlied über den Verlust der Verbindung zur Natur entfaltet. Der Song ist dabei eine Reaktion auf ein Interview mit dem traditionellen Musiker Tony McMahon und zwischen den Noten spürt man geradezu die enge Verbindung und Liebe O"Neills zur Tierwelt und der Natur um uns herum. Beim Album wirkten viele etablierter (Folk)-Musiker mit. Angefangen von Joseph Doyle am Bass, Cormac Begley, Colm Mac Con Iomaire, Kate Ellis (Crash Ensemble), der Pianistin Ruth O"Mahony Brady, Lorcan Byrne an den Drums, Produzent Dave Odlum an der Gitarre, Colm O"Hara an der Posaune, Brian Leach am Hackbrett, Mic Geraghty am Harmonium und David Coulter an der Säge. O"Neills Nichte Sadie-Mae O"Neill ist dazu noch als zweite Stimme auf "Old Note" zu hören.

Victoria Bergsman hatte es nicht geplant "Another Year" zu machen. Die Taken By Trees-Sängerin war mit der Arbeit an ihrem eigenen Material beschäftigt, als der Vorschlag aufkam, Coverversionen von Songs des Zombies-Frontmanns Colin Blunstone aufzunehmen. Das Projekt sollte den 50. Jahrestag seines ersten Soloalbums "One Year", eines häufig unterschätzten Klassikers, feiern. Am Ende wurde es einer emotionalen Hommage an einen der Lieblingssänger von Bergsman. Victoria Bergsman ist es nicht fremd, Coversongs aufzunehmen. Ihre einzigartige, bezaubernde Version von Guns N" Roses "Sweet Child O" Mine" wurde 2009 sogar zum Soundtrack der John Lewis-Weihnachtswerbung. Ihre Stimme war schon immer eine der großen im Indie-Pop-Genre. Viele kennen ihren Gesang von Peter, Bjorn and Johns Klassiker "Young Folks" oder als Sängerin der schwedischen Band The Concretes. 2008 begann sie eine Solokarriere unter dem Namen Taken By Trees. Ihre Liebe zu Blunstone ist noch älter. Als sie in den späten 1990er Jahren mit ihren Concretes-Bandkollegen durch die Plattenläden stöberte, entdeckte Bergsman Colin Blunstone erstmals als Künstler. Seitdem hat er ihre Musik beeinflusst und ist seit langem ein fester Bestandteil ihrer privaten Plattensammlung.

Special Interest sind in jeder Hinsicht kompromisslos: in ihrem wilden und aufregenden Sound, ihren energiegeladenen Live-Auftritten und ihren Überzeugungen. Dance-Musik und Punkkultur haben schon früher miteinander geflirtet - Special Interest demontieren das Genre mit ihrer Musik, die von ihrer abolitionistischen Weltanschauung geprägt ist und sich Zwängen, Kategorien und jeglicher Konformität widersetzt. Ihr ungestümer Sound ist ein Soundtrack zur Revolution und defragmentiert damit jeden Club.

Special Interest, die sich in der kreativen DIY-Szene von New Orleans zusammengefunden haben, definieren den Begriff "Rockband" auf neue Art und Weise. Sie sind eine kollektive Einheit, bei der jedes Mitglied Songs schreibt. Ihr Sound ist fließend und entwickelt sich ständig weiter. Special Interest begann eigentlich als Duo bestehend aus Alli Logout und Maria Elena mit Gitarre, Drum Machine und einer Bohrmaschine, bevor Nathan Cassiani und Ruth Mascelli dazustießen.

Das 2018er Album „Spiraling“ und das 2020er Album „The Passion Of“ haben den Stil der Gruppe, der von Dance-Grooves und elektronischen Texturen ebenso angetrieben wird wie von Hardcore-Riffs, weiter ausgeprägt. Mit ihrem neuen Album „Endure“ erweitern Special Interest nun die Vision ihres Sounds. Das Schreiben ihres neuesten Albums wurde nicht nur von der Dunkelheit der Pandemie beeinflusst, sondern auch von der Energie, die aus dem gerechten Zorn der Aufstände im Sommer 2020 entstand. „Endure“ ist das intensive Ergebnis dieser Momente.

Special Interest beschreiben die Erfahrung der Aufnahme von „Endure“ als invertiert. Die Band konnte während der Pandemie keine Livekonzerte spielen konnte, was zu neuen klanglichen Experimenten führte und wodurch die alten Regeln über Bord geworfen wurden. Die Basis ist ihrer Musik ist zumeist ein knallharter Drum-Machine-Beat. Ruth Mascellis Arbeit an Drumcomputern und Synthesizern bildet das Fundament, während die variierenden Beats die Gruppe in verschiedene Richtungen führen. Rave-tauglicher Drum and Bass trifft auf House, der sich wiederum an No Wave anschmiegt – ein wahrer Schmelztiegel von Genres. Neue Songs wie "(Herman's) House" erinnern an den Art-Rock der Sparks oder The B-52s ebenso wie an klassischen Punk. Die Band spielt mit Dissonanzen und entwickelt so ihren ganzen eigenen Signature-Sound. Ihre im Kollektiv entstehenden Songs sind lebende Organismen, offen für Experimente und Interpretationen sind und Grenzen ausloten.

Special Interest sind in jeder Hinsicht kompromisslos: in ihrem wilden und aufregenden Sound, ihren energiegeladenen Live-Auftritten und ihren Überzeugungen. Dance-Musik und Punkkultur haben schon früher miteinander geflirtet - Special Interest demontieren das Genre mit ihrer Musik, die von ihrer abolitionistischen Weltanschauung geprägt ist und sich Zwängen, Kategorien und jeglicher Konformität widersetzt. Ihr ungestümer Sound ist ein Soundtrack zur Revolution und defragmentiert damit jeden Club.

Special Interest, die sich in der kreativen DIY-Szene von New Orleans zusammengefunden haben, definieren den Begriff "Rockband" auf neue Art und Weise. Sie sind eine kollektive Einheit, bei der jedes Mitglied Songs schreibt. Ihr Sound ist fließend und entwickelt sich ständig weiter. Special Interest begann eigentlich als Duo bestehend aus Alli Logout und Maria Elena mit Gitarre, Drum Machine und einer Bohrmaschine, bevor Nathan Cassiani und Ruth Mascelli dazustießen.

Das 2018er Album „Spiraling“ und das 2020er Album „The Passion Of“ haben den Stil der Gruppe, der von Dance-Grooves und elektronischen Texturen ebenso angetrieben wird wie von Hardcore-Riffs, weiter ausgeprägt. Mit ihrem neuen Album „Endure“ erweitern Special Interest nun die Vision ihres Sounds. Das Schreiben ihres neuesten Albums wurde nicht nur von der Dunkelheit der Pandemie beeinflusst, sondern auch von der Energie, die aus dem gerechten Zorn der Aufstände im Sommer 2020 entstand. „Endure“ ist das intensive Ergebnis dieser Momente.

Special Interest beschreiben die Erfahrung der Aufnahme von „Endure“ als invertiert. Die Band konnte während der Pandemie keine Livekonzerte spielen konnte, was zu neuen klanglichen Experimenten führte und wodurch die alten Regeln über Bord geworfen wurden. Die Basis ist ihrer Musik ist zumeist ein knallharter Drum-Machine-Beat. Ruth Mascellis Arbeit an Drumcomputern und Synthesizern bildet das Fundament, während die variierenden Beats die Gruppe in verschiedene Richtungen führen. Rave-tauglicher Drum and Bass trifft auf House, der sich wiederum an No Wave anschmiegt – ein wahrer Schmelztiegel von Genres. Neue Songs wie "(Herman's) House" erinnern an den Art-Rock der Sparks oder The B-52s ebenso wie an klassischen Punk. Die Band spielt mit Dissonanzen und entwickelt so ihren ganzen eigenen Signature-Sound. Ihre im Kollektiv entstehenden Songs sind lebende Organismen, offen für Experimente und Interpretationen sind und Grenzen ausloten.

Das Londoner Duo Jockstrap (Georgia Ellery und Taylor Skye) wird sein lange erwartetes Debütalbum "I Love You Jennifer B" am 9. September via Rough Trade Records veröffentlichen. Jockstrap haben die bevorstehende Veröffentlichung bereits mit ihren Singles "50/50" und "Concrete Over Water" angedeutet. Beide wurden von BBC Radio 6 Music auf Rotation genommen und von der nationalen und internationalen Presse hoch gelobt. Das kosmische Begleitvideo zu "Concrete Over Water" wurde bei einer exklusiven Vorführung im The Castle Cinema, Hackney, uraufgeführt, gefolgt von einer weiteren von Jockstraps kultigen Partys im The Glove That Fits. Georgia Ellery und Taylor Skye von Jockstrap kommentierten die Albumveröffentlichung wie folgt: "I Love You Jennifer B ist eine Sammlung von Jockstrap-Tracks, die seit 3 Jahren in der Mache sind. Alles darauf klingt ziemlich einzigartig, also hoffen wir, dass für jeden ein Track dabei ist; also etwas, das dich anspricht und sagt 'Ich bin ein Banger'." Skye fügte über 'Glasgow' (ihre neue Single) hinzu: "'Glasgow' ist unser coming of age, moving forward, long-distance, travelling, beautiful bosk, wonderful thicket song." Und Ellery sagte über das Thema des Songs: "Glasgow ist eine tolle Stadt, vielleicht meine Lieblingsstadt in Großbritannien! Der einzige Nachteil ist, dass es die ganze Zeit so verdammt kalt ist." Wenn Georgia Ellery und Taylor Skye als Jockstrap Musik machen, gibt es für den Prozess und das Ergebnis nur eine Definition: pure moderne Pop-Alchemie. Mit ihrem Debütalbum"I Love You Jennifer B" werden sich Jockstrap als eine der vitalsten jungen Gruppen etablieren, die seit Jahren aus Londons Schmelztiegel der Musikkulturen hervorgegangen sind.

Das Londoner Duo Jockstrap (Georgia Ellery und Taylor Skye) wird sein lange erwartetes Debütalbum "I Love You Jennifer B" am 9. September via Rough Trade Records veröffentlichen.Jockstrap haben die bevorstehende Veröffentlichung bereits mit ihren Singles "50/50" und "Concrete Over Water" angedeutet. Beide wurden von BBC Radio 6 Music auf Rotation genommen und von der nationalen und internationalen Presse hoch gelobt. Das kosmische Begleitvideo zu "Concrete Over Water" wurde bei einer exklusiven Vorführung im The Castle Cinema, Hackney, uraufgeführt, gefolgt von einer weiteren von Jockstraps kultigen Partys im The Glove That Fits. Georgia Ellery und Taylor Skye von Jockstrap kommentierten die Albumveröffentlichung wie folgt: "I Love You Jennifer B ist eine Sammlung von Jockstrap-Tracks, die seit 3 Jahren in der Mache sind. Alles darauf klingt ziemlich einzigartig, also hoffen wir, dass für jeden ein Track dabei ist; also etwas, das dich anspricht und sagt "Ich bin ein Banger"." Skye fügte über "Glasgow" (ihre neue Single) hinzu: ""Glasgow" ist unser coming of age, moving forward, long-distance, travelling, beautiful bosk, wonderful thicket song." Und Ellery sagte über das Thema des Songs: "Glasgow ist eine tolle Stadt, vielleicht meine Lieblingsstadt in Großbritannien! Der einzige Nachteil ist, dass es die ganze Zeit so verdammt kalt ist." Wenn Georgia Ellery und Taylor Skye als Jockstrap Musik machen, gibt es für den Prozess und das Ergebnis nur eine Definition: pure moderne Pop-Alchemie. Mit ihrem Debütalbum"I Love You Jennifer B" werden sich Jockstrap als eine der vitalsten jungen Gruppen etablieren, die seit Jahren aus Londons Schmelztiegel der Musikkulturen hervorgegangen sind.

black midi, das sind Geordie Greep (Gitarre, Gesang), Cameron Picton (Bass, Gesang) und Morgan Simpson (Schlagzeug), ihr 3. Album „Hellfire“ erscheint am 15. Juli auf Rough Trade Records.

Die erste Single daraus hat den wohligen Titel "Welcome To Hell". "Hellfire" wurde nach der Veröffentlichung des Vorgängers „Cavalcade“ in London in Abgeschiedenheit geschrieben und baut auf den melodischen und harmonischen Elementen des Vorgängers auf, während es die Brutalität und Intensität des Debüts „Schlagenheim“ ausbaut. Wie Greep es beschreibt: "Wenn Cavalcade ein Drama war, ist „Hellfire“ wie ein epischer Action-Film", der sich mit überlappenden Themen wie Schmerz, Verlust und Angst beschäftigt. Es ist ihr bisher thematisch kohärentestes und durchdachtestes Album“.

Während die Geschichten von „Cavalcade“ in der dritten Person geschildert wurden, erzählt „Hellfire“ seine Geschichten aus der Ich-Perspektive eines moralisch fragwürdigen Charakters. Es gibt direkte dramatische Monologe, die an unser verkommenes Gefühl für Recht und Unrecht appellieren. Man ist sich nie so ganz sicher, ob man lachen oder entsetzt sein soll. "Welcome To Hell" erzählt die Geschichte der Exzesse eines ausschweifenden Soldaten und seiner Entlassung aus dem Militärdienst, untermalt von funkigen Gitarrensätzen, treibenden Bläsern und einem knorrigen Gesang. Das Video wurde von Gustaf Holtenäs gedreht, der auch schon beim Video zu "Slow" Regie führte.

Die Entstehung von „Hellfire“ dauerte nur sechs Monate und begann mit einem Riff bei einem Jam der Gruppe, das sich zu dem futuristischen Boxdrama „Sugar/Tzu" entwickelte. Die Bandbreite und die Kraft sowie die starke Produktion der Musik von black midi war noch nie so groß wie auf dem neuen Album, was zum Teil der Produzentin Marta Salogni zu verdanken ist, die mit der Band bereits am „Cavalcade“-Opener "John L" gearbeitet hat. Aber wie immer ist die Art der Musik, die black midi spielen, nicht so wichtig wie ihre Qualität. Und was auch immer du über die Musik von black midi denkst, ist es wichtig, was du dabei fühlst, wenn du sie wirklich hörst.

black midi, das sind Geordie Greep (Gitarre, Gesang), Cameron Picton (Bass, Gesang) und Morgan Simpson (Schlagzeug), ihr 3. Album „Hellfire“ erscheint am 15. Juli auf Rough Trade Records.

Die erste Single daraus hat den wohligen Titel "Welcome To Hell". "Hellfire" wurde nach der Veröffentlichung des Vorgängers „Cavalcade“ in London in Abgeschiedenheit geschrieben und baut auf den melodischen und harmonischen Elementen des Vorgängers auf, während es die Brutalität und Intensität des Debüts „Schlagenheim“ ausbaut. Wie Greep es beschreibt: "Wenn Cavalcade ein Drama war, ist „Hellfire“ wie ein epischer Action-Film", der sich mit überlappenden Themen wie Schmerz, Verlust und Angst beschäftigt. Es ist ihr bisher thematisch kohärentestes und durchdachtestes Album“.

Während die Geschichten von „Cavalcade“ in der dritten Person geschildert wurden, erzählt „Hellfire“ seine Geschichten aus der Ich-Perspektive eines moralisch fragwürdigen Charakters. Es gibt direkte dramatische Monologe, die an unser verkommenes Gefühl für Recht und Unrecht appellieren. Man ist sich nie so ganz sicher, ob man lachen oder entsetzt sein soll. "Welcome To Hell" erzählt die Geschichte der Exzesse eines ausschweifenden Soldaten und seiner Entlassung aus dem Militärdienst, untermalt von funkigen Gitarrensätzen, treibenden Bläsern und einem knorrigen Gesang. Das Video wurde von Gustaf Holtenäs gedreht, der auch schon beim Video zu "Slow" Regie führte.

Die Entstehung von „Hellfire“ dauerte nur sechs Monate und begann mit einem Riff bei einem Jam der Gruppe, das sich zu dem futuristischen Boxdrama „Sugar/Tzu" entwickelte. Die Bandbreite und die Kraft sowie die starke Produktion der Musik von black midi war noch nie so groß wie auf dem neuen Album, was zum Teil der Produzentin Marta Salogni zu verdanken ist, die mit der Band bereits am „Cavalcade“-Opener "John L" gearbeitet hat. Aber wie immer ist die Art der Musik, die black midi spielen, nicht so wichtig wie ihre Qualität. Und was auch immer du über die Musik von black midi denkst, ist es wichtig, was du dabei fühlst, wenn du sie wirklich hörst.

Schon seit Jugendjahren ist es eine wachsende Leidenschaft von Bridie Monds-Watson, aka Soak, ihr Leben in Fotos und Videos zu dokumentieren. "I hate the idea of getting older and forgetting, or having a family and not being able to perfectly explain a memory or a feeling. I always want to remember exactly how I felt at a certain moment," erklärt Bridie. Und in diesem Zuge steht auch der ihr aktuelles Album, der Nachfolger des Mercury Prize-nominierten Debüts "Before We Forgot How to Dream" (2015), sowie des 2019er "Grim Town", den Soak als "song-memories" beschreibt. So hielt Bridie die Erlebnisse und jedes neue private Kapitel während der Pandemie fest, als sich die Zeit ellenlang zog und sich jeder Tag zu gleichen drohte. Den Schreibprozess meisterte Bridie mit dem langjährigen kreativen Partner Tommy McLaughlin, während sie Indie-Rock-Bands wie Broken Social Scene, Pavement oder den Radiohead Klassiker "The Bends" hörten. Dann kamen erstmals alle Mitglieder der Soak-Live-Band zu den Aufnahmen in den Attica Studios in Donegal hinzu - nach all der Zeit in einsamer Isolation, hört man die Euphorie, die sich aufgrund des Zusammentreffens im Studio breit machte in jedem Song.

Viele kennen und lieben sie als bezaubernde Frontfrau der von der Kritik gefeierten Band Rilo Kiley aus L.A.. Seit die Band im Jahr 2000 ihr Debüt veröffentlichte, haben sich Jennys Talente als Sängerin und Songwriterin in raschem Tempo weiter entfaltet. Rilo Kileys drittes und neuestes Album "More Adventurous" hat in der Presse und bei anderen Musikern gleichermaßen für geradezu überschwängliche Reaktionen gesorgt. Auch wenn "Rabbit Fur Coat" ihr Solodebüt ist, hat es nichts jungfräuliches an sich. Vom ersten Track "Run Devil Run" bis zur Reprise von "Happy" ist Jennys unwiderstehlich gefühlvolle Stimme tief, sinnlich und verführerisch; manchmal voll sprühender Heiterkeit, manchmal traurig und der Welt überdrüssig. Talentierte Freunde wurden zu den Aufnahmesessions zwischen Touren und Aufnahmesessions im Laufe des Jahres 2004 hinzugezogen. Einer der herausragenden Tracks - eine Coverversion des Titels "Handle With Care" von den Traveling Wilburys - mit seinem phänomenalen Crescendo zum Mitsingen vereint die Stimmen von Jenny, M.Ward, Conor Oberst (von Bright Eyes) und Ben Gibbard (von Postal Service & Death Cab For Cutie). Songs wie "Happy" und "Melt Your Heart" scheinen wie für eine Verandaschaukel in den Südstaaten gemacht und belegen Jennys viel gerühmte Fähigkeit, mit wunderbaren Melodien und ausgefeilten Texten zu überraschen. Der Titeltrack "Rabbit Fur Coat" ist eine epische Erzählung nach Art eines Bobbie Gentry Klassikers und bringt Jennys Gabe, lebendig zu erzählen perfekt zur Geltung, während "Rise Up With Fists", mit einem anschwellenden Gospelchorus und einem Text, der vor dem geistigen Auge eine Unmenge Bilder der Verzweiflung und Erlösung hervorruft, eine soulige Glanzleistung Jennys darstellt. Die großartigen Backing Vocals sind den Gospelsängerinnen Chandra und Leigh Watson (The Watson Twins) zu verdanken.

Pinegroves neues Album "11:11" ist ein uneingeschränkter Triumph, ein Album, das die Zuhörer mit Songs fesselt, die Gefühle von Wärme, Dringlichkeit und poetischer Schönheit vermitteln, auch wenn sie einige der großen und schwierigen Fragen des Lebens stellen. Bei früheren Pinegrove-Aufnahmen war Bandmitglied Sam Skinner meist der Mann am Mischpult; jetzt hat der bekannte Produzent und ehemalige Death Cab for Cutie-Musiker Chris Walla die Rolle übernommen. Walla, der "11:11" mit Sam zusammen produzierte, drängte nun auf einen dreckig-chaotischeren Sound für die neuen Songs. "11:11" bietet üppige Klanglandschaften, Orgeln, Megan Benaventes melodisches und abenteuerliches Bassspiel, Josh Marres charakteristische Gitarrenarbeit und einen besonderen Gast - Doug Hall, Evans Vater - der auf vielen Tracks Klavier spielt. Die Platte klingt intim und doch expansiv. "Es gibt Wut, Liebe, Hoffnung und Trauer. Die Platte hat all das", sagt Sänger Evan Stephens Hall. Der Eröffnungssong "Habitat" z.Bsp. ist ein episches Meisterwerk, randvoll mit robusten, perkussiven Gitarren und angetrieben von beunruhigenden Verschiebungen. "Alaska" besticht dann durch dichten, belebenden Gitarrenrock, der mit tektonischer Kraft aus dem Tor schlingert und an jeder Ecke mit Haken prahlt. Später glitzert das luftige, pastorale Folk-gefärbte "Iodine" mit exquisiten Gesangsharmonien, und "Flora" ist eine wunderschön arrangierte Entschuldigung an die Natur, und erinnert an Bands wie Flying Burrito Brothers oder Wilco.

Pinegroves neues Album "11:11" ist ein uneingeschränkter Triumph, ein Album, das die Zuhörer mit Songs fesselt, die Gefühle von Wärme, Dringlichkeit und poetischer Schönheit vermitteln, auch wenn sie einige der großen und schwierigen Fragen des Lebens stellen. Bei früheren Pinegrove-Aufnahmen war Bandmitglied Sam Skinner meist der Mann am Mischpult; jetzt hat der bekannte Produzent und ehemalige Death Cab for Cutie-Musiker Chris Walla die Rolle übernommen. Walla, der "11:11" mit Sam zusammen produzierte, drängte nun auf einen dreckig-chaotischeren Sound für die neuen Songs. "11:11" bietet üppige Klanglandschaften, Orgeln, Megan Benaventes melodisches und abenteuerliches Bassspiel, Josh Marres charakteristische Gitarrenarbeit und einen besonderen Gast - Doug Hall, Evans Vater - der auf vielen Tracks Klavier spielt. Die Platte klingt intim und doch expansiv. "Es gibt Wut, Liebe, Hoffnung und Trauer. Die Platte hat all das", sagt Sänger Evan Stephens Hall. Der Eröffnungssong "Habitat" z.Bsp. ist ein episches Meisterwerk, randvoll mit robusten, perkussiven Gitarren und angetrieben von beunruhigenden Verschiebungen. "Alaska" besticht dann durch dichten, belebenden Gitarrenrock, der mit tektonischer Kraft aus dem Tor schlingert und an jeder Ecke mit Haken prahlt. Später glitzert das luftige, pastorale Folk-gefärbte "Iodine" mit exquisiten Gesangsharmonien, und "Flora" ist eine wunderschön arrangierte Entschuldigung an die Natur, und erinnert an Bands wie Flying Burrito Brothers oder Wilco.

Der Londoner Dean Blunt veröffentlicht am 22.10. sein neues Album "BLACK METAL 2". Es ist der spirituelle Nachfolger zu seinem 2014 erschienenen Werk "BLACK METAL".

Wenn eine Band in den letzten 10 Jahren von ihrer immensen Kreativität und ihrer Rastlosigkeit getrieben war, dann ja wohl die Parquet Courts! Die Discographie des Brooklyner Quartetts ist so vielseitig, wie hochkarätig – und dem steht auch ihr neues, am 22. Oktober via Rough Trade Records erscheinendes Album „Sympathy For Life“ in Nichts nach! Denn hier tanzt der sich immer im Wandel befindliche Rock-Bastard zu einem neuen Beat! Das Album entstand dabei hauptsächlich durch improvisierte Jam-Sessions, die wiederum von der New Yorker-Club-Szene, Primal Scream wie Pink Floyd inspiriert wurden und dann mit den beiden Produzenten-Schwergewichten Rodaidh MacDonald (The xx, Hot Chip, David Byrne) und John Parish (PJ Harvey, Aldous Harding, Dry Cleaning) in die finale Form geschliffen wurde. Im Gegensatz zum international gefeierten (und von Danger Mouse produzierten) Vorgänger „Wide Awake!“ (2018) fokussierte sich die Band beim neuen Album eher auf die Grooves als auf den Rhythmus. “Wide Awake! was a record you could put on at a party,” sagt Co-Frontmann Austin Brown darüber. “Sympathy For Life is influenced by the party itself. Historically, some amazing rock records have been made from mingling in dance music culture – from Talking Heads to Screamadelica. Our goal was to bring that into our own music. Each of us, in our personal lives, has been going to more dance parties. Or rather, we were pre-pandemic, which is when this record was made.” Mit dem neuen Album kündigen die Parquet Courts mit „The Power of Eleven“ auch ganze 11 globale Happenings um die Veröffentlichung von „Sympathy For Life“ an – jedes Event ist dazu auch noch mit einem exklusiven Merch-Produkt verbunden, das es nur bei dem jeweiligen Event gibt. Beispiel gefällig? Letzte Woche zog die Gay & Lesbian Big Apple Corp Marching Band durch Downtown Manhatten und präsentierte die erste Single „Walking At A Downtown Pace“ – vor Ort konnten Fans exklusive Parquet Courts Drum Sticks erstehen. Zur Single „Walking At A Downtown Place” erscheint gleichzeitig ein Video vom renommierten New Yorker Straßen-Fotografen Daniel Arnold – Co-Frontmann A Savage sagt darüber: „We see New York City from the vantage point of someone busily hurrying through it… That’s what life can be like here; a world of constant motion surrounds you while you’re just walking toward where you need to be. There’s a lot of beauty that can be missed, and it wasn’t until the streets were virtually empty that I did miss it. The song was written before all quarantine, but eerily enough the lyrics echo that longing. Now the city is back and, so it seems, are Parquet Courts."

Wenn eine Band in den letzten 10 Jahren von ihrer immensen Kreativität und ihrer Rastlosigkeit getrieben war, dann ja wohl die Parquet Courts! Die Discographie des Brooklyner Quartetts ist so vielseitig, wie hochkarätig – und dem steht auch ihr neues, am 22. Oktober via Rough Trade Records erscheinendes Album „Sympathy For Life“ in Nichts nach! Denn hier tanzt der sich immer im Wandel befindliche Rock-Bastard zu einem neuen Beat! Das Album entstand dabei hauptsächlich durch improvisierte Jam-Sessions, die wiederum von der New Yorker-Club-Szene, Primal Scream wie Pink Floyd inspiriert wurden und dann mit den beiden Produzenten-Schwergewichten Rodaidh MacDonald (The xx, Hot Chip, David Byrne) und John Parish (PJ Harvey, Aldous Harding, Dry Cleaning) in die finale Form geschliffen wurde. Im Gegensatz zum international gefeierten (und von Danger Mouse produzierten) Vorgänger „Wide Awake!“ (2018) fokussierte sich die Band beim neuen Album eher auf die Grooves als auf den Rhythmus. “Wide Awake! was a record you could put on at a party,” sagt Co-Frontmann Austin Brown darüber. “Sympathy For Life is influenced by the party itself. Historically, some amazing rock records have been made from mingling in dance music culture – from Talking Heads to Screamadelica. Our goal was to bring that into our own music. Each of us, in our personal lives, has been going to more dance parties. Or rather, we were pre-pandemic, which is when this record was made.” Mit dem neuen Album kündigen die Parquet Courts mit „The Power of Eleven“ auch ganze 11 globale Happenings um die Veröffentlichung von „Sympathy For Life“ an – jedes Event ist dazu auch noch mit einem exklusiven Merch-Produkt verbunden, das es nur bei dem jeweiligen Event gibt. Beispiel gefällig? Letzte Woche zog die Gay & Lesbian Big Apple Corp Marching Band durch Downtown Manhatten und präsentierte die erste Single „Walking At A Downtown Pace“ – vor Ort konnten Fans exklusive Parquet Courts Drum Sticks erstehen. Zur Single „Walking At A Downtown Place” erscheint gleichzeitig ein Video vom renommierten New Yorker Straßen-Fotografen Daniel Arnold – Co-Frontmann A Savage sagt darüber: „We see New York City from the vantage point of someone busily hurrying through it… That’s what life can be like here; a world of constant motion surrounds you while you’re just walking toward where you need to be. There’s a lot of beauty that can be missed, and it wasn’t until the streets were virtually empty that I did miss it. The song was written before all quarantine, but eerily enough the lyrics echo that longing. Now the city is back and, so it seems, are Parquet Courts."

Wen es schon mal auf einem der verschwitzt-hitzigen Shows von Amyl And The Sniffers durch den Moshpit getrieben hat, hat eine Vorstellung davon, wieviel Energie sich bei der australischen Band um den Derwisch Amy Taylor in einem Corona-Jahr ohne Konzerte aufgestaut hat. Diese geballte Ladung Rock'n Rock entlädt sich nun auf ihrem neuen Album "Comfort to Me"Ende 2020 zog es Amyl And The Sniffers mit dem Produzenten Dan Luscombe ins Studio, wo sie das zuvor über ein Jahr zuhause entwickelte Album aufnahmen. Die Einflüsse sind dabei weitreichend: angefangen von Old-School Rock'n'Roll (AC/DC, Rose Tattoo, Motörhead und Wendy O Williams), über modernen Hardcore (Warthog und Power Trip) bis hin zu den lokalen Helden (Coloured Balls und Cosmic Psychos). Für die Lyrics ließ sich Frontfrau Taylor hingegen von ihren Rap Idolen und unzähligen Garage Bands inspirieren. Aus 17 aufgenommenen Songs, fanden letztlich 13 ihren Weg auf das Album, das von Nick Launay (Nick Cave, IDLES, Yeah Yeah Yeahs) gemixt und von Bernie Grundman (Michael Jackson, Prince, Dr. Der) gemastert wurde.Amy Taylor sagt über das Album: "If you have to explain what this record is like, I reckon it's like watching an episode of The Nanny but the setting is an Australian car show and the Nanny cares about social issues and she's read a couple of books, and Mr Sheffield is drinking beer in the sun. It's a Mitsubishi Lancer going slightly over the speed limit in a school zone. It's realising how good it is to wear track pants in bed. It's having someone who wants to cook you dinner when you're really shattered. It's me shadow-boxing on stage, covered in sweat, instead of sitting quietly in the corner"

'Cupid & Psyche '85', released in the summer of 1985, was both a pop masterpiece and landmark in music production. Terrifyingly complex technology, embarrassingly expensive studio time and months of intensive work resulted in a brilliant, immaculate sound, described today by singer Green Gartside as "pyrotechnics of pointillist syncopation". Overseen by legendary producer Arif Mardin and featuring some of New York's finest session musicians, Cupid & Psyche 85 took Scritti's acute pop sensibility to new, glittering heights. It spawned five singles, all hits on one side of the Atlantic or the other: 'Wood Beez', 'The Word Girl', 'Absolute', 'Perfect Way' and 'Hypnotize'.

Album über einen Berg vom Meister des eigenwilligen Pop. Gruff Rhys liebt Konzeptalben. Vor drei Jahren veröffentlichte er ein solches unter dem Namen "Babelsberg" inspiriert von dem Ortsschild des gleichnamigen Potsdamer Stadtteils. Nun erscheint ein weiteres eher monothematisch geprägtes Album, das sich mit einem Berg, dem Mount Paektu, beschäftigt. Der Paektusan, ist ein immer noch aktiver Vulkan, der im Grenzgebiet von China und Nordkorea liegt und das höchste Gebirge der Region ist. Das Album liefert die audio-biographische Geschichte dieses Gipfels, der auf Grund seiner geographischen Lage eine bewegte Vergangenheit hat. "Seeking New Gods" ist das mittlerweile siebzehnte Solo-Album des ehemaligen Super Furry Animals-Sängers.Produziert wurde es von Gruff Rhys selbst und anschließend vom legendären Beastie Boy Produzenten Mario Caldato Jr. abgemischt. Die musikalische Biographie des Berges fügt dem Lebenslauf des mittlerweile 50-jährigen Gruff einen - nicht nur geologischen - neuen Höhepunkt hinzu. Er etabliert sich als ein Meister des eigenwilligen Pops mit unvergleichlichem Gespür für Melodien und Hooks. Mit "Seeking New Gods" erklimmt der Waliser musikalisch neue Pop-Gipfel, deren atemberaubende Aussicht ihn in diesem Moment sicher schon wieder neuen Songs inspirieren.

Falls das allumgreifende Horror-Szenario 2021 bei jungen Newcomer-Bands dafür sorgen sollte, dass sie sich mit Existenzängsten und dem Lecken ihrer zahlreichen Wunden beschäftigen, haben black midi wohl das Memo nicht bekommen. Denn weder Covid-19, noch das zweite-Album-Syndrom oder sonstige Hindernisse konnten der vielleicht spannendsten neuen britischen Rock-Hoffnung den Wind aus den Segeln nehmen. Dementsprechend ist der Nachfolger „Cavalcade“ zum gefeierten Debüt „Schlagenheim“ ein dynamischer, wie innovativer Höllenritt. Und eine weitere Standortbestimmung einer immer getriebenen jungen Band, die sich nicht auf dem bisher erreichten ausruhen will.
Die Bedeutung des Titels beschreibt eine feierliche Prozession, wie eine königliche Parade und black midi sehen ihr neues Album als Ansammlung aus übermenschlichen Persönlichkeiten an: vom gefallenen Kult-Führer, über einen antiken Leichnam, der in einer Diamanten-Mine gefunden wurde, bis zur legendären Sängerin Marlene Dietrich streift die Band diese. Geordie Greep, Gitarrist und Haupt-Sänger der Band erklärt die fundamentalen Pfeiler von „Cavalcade“:

Girl-Power aus Süd-London. 2017 revitalisierte der Süden Londons den Sound einer ganzen Stadt. Der Melting-Pot dieser neuen Bewegung war der Club The Windmill in Brixton, wo Bands wie Shame oder HMLTD ihre ersten Auftritte hatten. Auch Goat Girl wagten dort ihre ersten Schritte auf die Bühne. 2018 erschien ihr selbstbetiteltes Debüt, das die vier Musikerinnen über Nacht ins rauchige Scheinwerferlicht der Szene setzte. Zurzeit stehen auch in The Windmill die Mühlenflügel coronabedingt still, dafür waren Lottie Cream, Gitarristin L.E.D, Schlagzeugerin Rosy Bones und die neue Bassistin Holly Hole umso aktiver. "On All Fours" wurde, wie der Vorgänger, von Dan Carey (Kate Tempest, black midi, Franz Ferdinand) produziert und zeigt neue Facetten der Band. Der Sound wurde um Synthesizer-Klänge, Drum-Machine-Loops und anderen experimentellen Sounds erweitert. Geblieben sind natürlich die trockenen Gitarren und die bissigen politischen Texte. "On All Fours" zeichnet ein Bild einer Generation, die in Zeiten des Post-Brexit aufwächst und lernen muss mit den Folgen zu leben.

2020, wir müssen reden! Corona, Brexit, Johnson, Trump und jede Menge andere Scheiße, die in der Welt vor sich geht. Für Jason Williamson und Andrew Fearn aka Sleaford Mods bietet dieses Seuchenjahr natürlich reichlich Material für ein neues Album. Williamson, auch bekannt als eine der spitzesten Zungen Englands, nimmt auch auf dem neuen Album „Spare Ribs“ kein Blatt vor den Mund. Über die Jahre haben sich die Sleaford Mods zu einer relevanten popkulturellen außerparlamentarischen Opposition gemausert, deren Liveshows mittlerweile überall die großen Hallen füllen (würden, wenn es sie denn gäbe). Jason Williamson spricht die Sprache der Menschen auf der Straße, hat dabei ein Gespür für ihre Sorgen sowie Nöte und trägt sein Herz stets auf der Zunge. Dabei klingt die Karriere der Sleaford Mods fast schon zu kitschig, um wahr zu sein. Aus einem Hobbykeller in Nottingham heraus erobern zwei normale Typen mit ihrer eigenwilligen Musik binnen kürzester Zeit die ganze Welt. Richtig bewusst wurde Williamson das erst auf Touren in Australien und den USA, wo ihm klar wurde, dass seine Texte und die Musik der Band eine universelle Sprache sprechen, die Fans auf der ganzen Welt verstehen können. Selbst wenn man die Lyrics, auf Grund des derben Akzents und der Geschwindigkeit mit der Jason Williamson seine Geschichten erzählt, nur bedingt versteht, vermittelt der intensive Sound eine Dringlichkeit, die unmissverständlich ist. Der Titel des sechsten Albums ist „Spare Ribs“. Der Name bezieht sich auf die Corona-Krise in England, wo manchen politischen Eliten, das Leben ihrer Mitmenschen verzichtbar erscheint. Die erste Single heißt „Mork n Mindy“ und ist ein Duett von Jason Williamson und der britischen Newcomerin Billy Nomates. Jason über den Track “Mork n Mindy is the sound of the central heating and the dying smells of Sunday dinner in a house on an estate in 1982. Concrete, dinted garages, nicotine. Where beauty mainly exists in small cracks on the shell of your imagination. Captured perfectly in Ben Wheatley’s video for the song.” Auf einem weiteren Song singt Amy Taylor, Sängerin der australischen Punkband Amyl & The Sniffers. „Spare Ribs“ wurde binnen 3 Wochen während des Lockdowns aufgenommen und filetiert textlich das politische Establishment. “'Our lives are expendable under most governments, secondary under a system of monetary rule. We are stock if you like, parts on a shelf for the purposes of profit, discarded at any moment if fabricated or non-fabricated crisis threatens productivity. This is constant, obviously and notably in the current pandemic. The masses cannot be present in the minds of ill-fitting leaders, surely? Or else the realization of their catastrophic management would cripple their minds. Much like the human body can still survive without a full set of ribs we are all 'spare ribs’, preservation for capitalism, through ignorance and remote rule, available for parts.” In kürzester Zeit sind Sleaford Mods zu einem elementaren Bestandteil der britischen Kulturszene geworden. In Zeiten wie diesen ist die räudige Stimme dieser Band wichtiger denn je, denn niemand bellt der High Snobiety kesser ins Gesicht als Jason Williamson. Mit „Spare Ribs“ wird er das 2021 noch etwas lauter tun.