Pop 226 Artikel

Mehr als fünf Jahre nach "Unschuld & Verwüstung" kehrt Barbara Morgenstern im Januar 2024 mit einem neuen Album zurück. Es heißt "In anderem Licht" und wurde von Guy Sternberg in den legendären Hansa-Studios in Berlin aufgenommen.

Das kammermusikalische Doppel-Album erzählt von der drohenden Klima-Katastrophe, der Notwendigkeit gesellschaftlicher Transformations-Prozesse und der Hoffnung auf Befreiung aus dem Zustand der allgemeinen Paralyse: "Alles kann anders sein", heißt es im Album-Opener "Die Wand" oder auch im titelgebenden Song: "Alles wird hoffentlich wie immer sein, nur in anderem Licht" und schließlich: "Nur die alte Welt nicht!". Was sich hier auf dem Papier etwas didaktisch liest, wird auf „In anderem Licht“ in meist kleine Miniaturen übersetzt, aus denen Barbara Morgenstern und ihr Ensemble dramatische Spannungsbögen und überraschende Wendungen entstehen lassen. In beeindruckender Schwarmintelligenz folgen Streicher, Saxofon, Kontrabass und Schlagzeug auf Morgensterns Flügel-Spiel. "Ich schau' mich um nach Allianzen", singt sie und stellt – nach den richtigen Metaphern ringend - fest: "Die Zeit heilt mehr als tausend Worte". So lässt sie sich in ihrer Musik alle Zeit der Welt, obwohl sie unüberhörbar um die Dringlichkeit der aufgeworfenen Fragen und Paradoxien in ihren Liedern weiß.

In Zeiten hart umkämpfter, im Sekundentakt vergehender und neu entstehender Aufmerksamkeits-Ökonomien und Clickbait-Logiken, die sich durch alle Lebensbereiche zu ziehen scheinen, wirkt diese auf 11 Stücke verteilte gute Stunde Musik wie Balsam. Ein zartes Manifest der Veränderung.

"Denn ich erzähl den Witz nicht mir selbst, sondern dir und mir und dann sind wir hier", singt sie in "Der Witz" und im Loop kreist die Musik,wie eine Biene, die sich zärtlich auf einer Blüte niederlassen möchte, um einen angenehmeren Jetzt-Zustand der Welt, einen Möglichkeitsraum. Bevor uns der ganze Laden am Ende doch um die Ohren fliegt und ihr Ensemble dabei die melancholischen Melodiebögen mit jeder Umrundung größer und größer wirken lässt bis sie uns wieder in einem gänzlich anderen Licht erscheinen! Wenn Barbara Morgenstern in "Dein Name" "This place will stay when we go, this place will never be the same again" singt, dann klingt das so, als würde sie die Welt für uns beschwören wollen. Oder von einem Fluch befreien. „Ich dachte immer, Verbindung zählt, die Liebe zur Sache, zum Rest der Welt!" singt sie schließlich in "Die Liebe zur Sache", und fragt sich, ob das so überhaupt noch zählt, in der Welt da draußen. Berechtigte Frage! Barbara Morgenstern gehört seit über 20 Jahren zu den eigenständigsten Musiker*innen dieser Republik. Von der Berliner Wohnzimmer-Szene der 90er Jahre bis zu den jüngsten, preisgekrönten Theater-Produktionen mit Rimini-Protokoll, folgt sie stets ihrer inneren Stimme im ungebrochenen Glauben an die Magie der Musik. John Cale, Mark Hollis, Hans Unstern, Robert Wyatt oder Björk kommen einem beim Hören als mögliche Seelenverwandte in den Sinn: Eine gewisse Kauzigkeit, gepaart mit einer großen Virtuosität und einem Faible für einen gewissen Minimalismus, der aber immer gerne auch groß und episch werden darf. Für den Moment. Es bleibt Barbara Morgenstern und ihrem mutigen Ensemble mit diesem wundervoll entrückten, somnambulen Album nur zu wünschen, dass sie damit die großen Bühnen bespielen werden. Denn wie heißt es so schön im Song "Zwischen den Stühlen": "Lass mich in Frieden, nützt mir nichts. Ich will hier weg, zwischen den Stühlen!". Ein Dokumentarfilm der Berliner Filmemacherin Sabine Herpich, die Barbara Morgenstern über die letzten Jahre begleitet hat, und der die Entstehungsgeschichte dieses außergewöhnlichen Albums nachzeichnet, kommt ebenfalls 2024 ins Kino. Das Video zur ersten Auskopplung „In anderem Licht“ zeigt bereits Material daraus, sodass wir hier eher einen Filmtrailer als ein Video vorliegen haben. Das Cover-Motiv des Albums stammt übrigens aus dem Jahre 1829 und wurde von Barbara Morgensterns Ur-Ur-Ur-Großvater Friedrich Preller dem Älteren gemalt.

„In anderem Licht“ erscheint am 26.01.2024 via Staatsakt auf LP/CD/Digital.

Es gibt nichts Universelleres als die Vergänglichkeit. Noths neues Album “Lieder vom Verschwinden” (VÖ September 2023) versucht auszudrücken, was sich nicht in Worte fassen lässt. Ein zum Scheitern verurteiltes Unterfangen, dem man deshalb umso lieber lauscht. Es ist 2020, Europas Bordsteine klappen hoch, in Hamburg ist Ausgangssperre: Luis Schwamm reist aus Köln an und besetzt für einige Wochenenden Linus Kleinlosens Schlafsofa. Das ist die Geburtsstunde von Noth, einer Band auf der Suche nach den Außengrenzen des deutschsprachigen Indie-Pops. Das klingt, als würde eine britische Post-Punk-Band ein Liedermacher-Album spielen. Empathisches Storytelling wie bei Andy Shauf, Musik- und Sprachwitz wie bei der Höchsten Eisenbahn und energetische Ausbrüche wie bei Black Country, New Road prägen den Bandsound. Noths musikalische Eskapaden hinterlassen Kaffee- und Rotweinflecken auf dem Schlafsofa und “No Future”-Aufnäher auf Frank Sinatras Gala-Jäckchen. Noths Debüt „Die Wahrheit über Arndt“ erscheint 2022 bei Backseat - ein StorytellingKonzeptalbum zwischen psychotischer Office-Operette und akustischer Road-Novel. Eine bittersüße Geschichte von einem Hannoveraner Startupper, der sich in Tagträumen, Steuerhinterziehung und Paralleluniversen verliert. Für ihre aktuelle Platte haben Noth „Lieder vom Verschwinden“ gesammelt; Kippbilder aus Protestsong und Lobgesang, aus Punk und Zen. Denn überall verschwindet etwas, das sich lohnt, beim Verschwinden beobachtet zu werden: Die frühere Stammkneipe muss der hippen Cocktailbar weichen, der fertige Referendar flüchtet vor seiner eigenen Abschiedsfeier, und die Indieband fällt der Gentrifizierung zum Opfer. Ein Album für die ganze Familie.

„Die Kerzen laufen jetzt im Radio, ich hab’s dir doch gesagt“, singt Felix Keiler, Gitarrist und Sänger der Kerzen gleich im Album-Opener „Staub zu Staub“. Tatsächlich hatte schon ihr Debüt-Album „True Love“ (2019) der damals noch in Ludwigslust wohnenden Band ein paar veritable Hits zu bieten, die im Radio auf Rotation liefen.

Zu Felix Keiler gehören Jelena Von Eisenhart-Rohe an Gesang und Keyboards, Fabian Rose am Bass und Lucas Wojatschke am Schlagzeug. Vor etwa zwei Jahren, also pünktlich zum Pandemie-Start, zog die Band schließlich um nach Berlin.
Und hatte unerwartet viel Zeit, um Stücke für ihr zweites Album „Pferde & Flammen“ zu schreiben, das nun am 27.05.2022 erscheint. Die fertigen 10 Songs haben sie allerdings nicht in Berlin aufgenommen, sondern in Köln mit dem Produzenten und Kerzen-Fan der ersten Stunde Jochen Naaf. A perfect match: Der Kölner Produzent, der zuletzt mit Bosse oder Giant Rooks in den Charts unterwegs war, und die Die Kerzen haben zusammen eine fantastische Pop-Platte produziert. Ein New-Romantic-Update, das wie die perfekte Melange aus Purple Schulz und den Cocteau Twins klingt.

Ja, Die Kerzen sind große Musik-Auskenner*innen und tragen dabei immer den unbedingten Willen zum allgemeinverständlichen Pop-Song im Herzen. Nur logisch also, dass es auch auf diesem Album inhaltlich weiterhin um alle möglichen Spielarten der Liebe und der damit verbundenen Beziehungsgeflechte und Lebenskonstellationen geht. Eines Lebens zwischen wilden Nächten („Flammen“) und romantischen Zweierbeziehungen („Pferde“).
Wo die Kerzen im Song noch die Frage stellen „Willst Du Pferde oder Flammen?“ ist sich die Band in der Formulierung ihres Album-Titels nach ein paar Schnäpsen schnell einig geworden: Pferde & Flammen! Warum sich auf eines bescheiden, wenn man beides haben kann? Dass es nicht immer einfach ist, all das unter einen Hut zu bringen, davon handelt dieses Album, also von nicht weniger als all unseren Begierden und Wünschen und Hoffnungen. Kurz: von großer Popmusik! Mal bittersweet, mal in bester Party- und Geberlaune.

Hörbar sind sie nach wie vor große Fans des Achtziger-Jahre-Pops: Von China Crisis bis The Smiths, von Hall & Oates zu Chris Rea oder Kate Bush. Doch die Aneignung und Transformation ins Hier & Jetzt gelingt ihnen so mühelos und jenseits jeden Retro-Verdachts, dass wir sie hier umstandslos zur vielleicht stilsichersten Popband der Republik der Gegenwart ausrufen möchten. Vermutlich waren sie dies auch schon zuvor, doch Jochen Naaf hat ihre Stärken nochmal konsequent herausgearbeitet: Keilers schwelgend gläsernes Gitarrenspiel, Eisenharts Dream-Wave-Sirenengesang, Roses Jaco-Pastorius-Gedächtnisbass und Wojatschkes Power-Drumming, das immer mindestens so groß wie Tears For Fears klingen will.

Unbedingt herauszustellen ist auch nochmal der besondere Humor der Band, den sie eher mit zeitgenössischen Berliner Künstler*innen wie Fuffifuzzig oder Luis Ake teilen, als mit den großen Wave-Posern der 80er Jahre. Allein wie sie in der Hit-Single „Cabriolet“ die Story vom Diebstahl eines gelben Ford Escort-Cabriolets erzählen, in der ein Pärchen in bester Bonnie & Clyde-Manier durchbrennt, und das im Jahr 2022, in der solche Plots höchstens noch in Serien wie Stranger Things vorkommen, aber ganz sicher nicht im Real Life der GenZ, ist einfach nur herzerwärmende, tanzbare Romcom.Das Real Life findet heutzutage ja ohnehin in der Hauptsache im Swipe-Modus auf dem Smartphone-Display statt. Mit der richtigen Selbstinszenierung zwischen Humana- und Gucci-Look. Und der Selbstvergewisserung vorm Spiegel: „Zu schön um heut allein zu sein“, wie es Die Kerzen so treffend formulieren. Wie gut für uns alle, dass sich diese Band irgendwann am vielleicht unwahrscheinlichsten Pop-Ort des Landes, in Ludwigslust, gefunden hat. Denn die langjährige Freundschaft und die Intimität, die sie in ihrer Musik mit uns allen teilt, macht sie zu etwas ganz Besonderem.

Und wenn dann am Ende des Albums die Protagonist*innen ihre (Fern-)Beziehung mal wieder in den Sand gesetzt haben und den Blutmond, so rot wie das Cover, anheulen, dann schalten wir bequem auf Repeat und lassen uns erneut vom großen Herzschmerz, dem Verschwenden der Jugend, von wilden Nächten und dem Ende der Welt erzählen. Und erinnern uns, dass da doch noch immer ein ganzes gefährliches Leben auf uns wartet. Nix wie hin da! Läuft dann sicher bald auch wieder im Radio.

Auf 100 Stück limitiert!

Das Jahrtausend war ein langer böser Streich / wir haben uns angeguckt und wussten sofort: so, jetzt reicht’s.“ Die Welt da draußen geht vor die Hunde. Also, nicht erst seit gestern. Und morgen ist es auch noch nicht vorbei. Beschissene Zeiten also. Denen könnte man jetzt natürlich mit Zynismus begegnen. Oder mit Verzweiflung. Aber vielleicht ja auch nicht. Vielleicht könnte man auch Hoffnung schöpfen, gerade weil es so viel einfacher wäre, jetzt in Schwarzmalerei und bitterem Lachen zu verfallen. Und vielleicht ist es auch okay, etwas zu brauchen, was uns inmitten der Apokalypse bei Laune hält.

Und so ist WIR SIND SCHÖN entstanden, Jens Friebes neuntes Album, das, wie schon die Vorgängeralben, pünktlich vier Jahre nach dem letzten (FUCK PENETRATION von 2018) ebenfalls auf Staatsakt erscheint. Es ist ein heiter-melancholisches, ironisch-ernsthaftes, lässiges Stück Musik, das eben keinen Bock auf Abstumpfung und Einkehr hat. Das hymnisch-schöne, den Kitsch mit selbstironischer Ernsthaftigkeit umfassende und vor allem tröstliche Titelstück „Wir sind schön“ bringt es auf den Punkt: die bessere Welt da draußen, wir können sie uns selbst bauen. Trotz allem. „Es ist ein anti-nihilistisches Album“, sagt Friebe. No Future ist ja schon nicht verkehrt, aber gar nicht mehr so lustig, wenn die Future wirklich eher brennende Erde in Aussicht stellt. Es ist aber nicht so, dass das Problematische getilgt wird. Es erscheint auf der Platte in verschiedensten Formen: In der nahezu sozialrealistischen Schilderung einer durchs mehrgliedrige Bildungssystem zerstörten Jugendfreundschaft mit dem schönen – zwischen stadtsoziologischer Abhandlung und Märchen schillerndem – Titel „Die Schrumpfende Stadt“, in dem niederschmetternden Protokoll gescheiterter Self-Care („Das Nichtmehrkönnen“) oder der rätselhaft düsteren Phantasie „Was haben wir getan“. Doch an diesen Stimmungstiefpunkten versackt man als Hörer*in nie, sondern wird immer wieder raus- und raufgerissen ins Euphorische, Utopische. Oder, wie bei dem mitreißenden Protestsong „Sing it to the Converted“, ins Kämpferische. Doch was zuerst klingt, wie die schiere Wiederholung banaler Parolen, erweist sich im nächsten Moment als Reflektion über die Notwenigkeit, banale Parolen zu wiederholen. Denn, das haben nicht erst die letzten Jahre gezeigt, auch ans scheinbar Selbstverständliche muss immer wieder erinnert werden. Oder, wie es bei Friebe heißt: „Predigt denn die Priesterin nicht zu den Bekehrten / Wie lang wären sie bekehrt, wenn sie sie nie hörten?“

Ähnlich unmittelbar ergreifend und vertrackt zugleich ist „Frei“: Was ist Freiheit? Neoliberale Ausbeutung, ein Privileg der Bessergestellten, wie es gewisse Bundesfinanzminister predigen? Oder nackte Haut im Sonnenlicht, Feiern, Wind in den Baumwipfeln, entfesselte Wut? Ja, das ist irgendwie auch Satire, aber eben nicht nur: Friebe belässt es nicht dabei, wie ein müder Kabarettist einfach nur einen Missstand anzuprangern. Zwischen den verschobenen Drums, der minimalistischen Instrumentierung und samtigen Grooves und Backgroundgesängen (wie auch auf anderen Tracks von Elektrik Diva MALONDA und Pola Lia Schulten) dringt auch die tatsächliche, wahrhaftige Sehnsucht nach einer Freiheit durch, die sich nicht durch antisoziale Wirtschaftsordnung und kommerzielle Verwertung auszeichnet.

Sollen wir lachen oder weinen? Vielleicht einfach beides, so wie auf „Ende aller Feiern“, einer sixties-poppigen, subtil queeren Dreiecksgeschichte, mit einer der wohl besten Lines, die es je in einen deutschsprachigen Break-Up-Song geschafft haben: „Wir haben uns alles erzählt/Nur zuletzt wollt’ ich nicht alles wissen/ich glaube das hast du gemerkt/und mich zum Abschied gebissen.“

Stillstand war noch nie Jens Friebes Ding, aber diesmal ist es musikalisch noch etwas weiter von dem Indierockhabitus entfernt, der noch FUCK PENETRATION oder NACKTE ANGST ZIEH DICH AN WIR GEHEN AUS (2014) ausmachte. Ja, ein Hang zu Hymnen, zum Crooner-haften und zum Geschichtenerzähler gehört zu Jens Friebe immer dazu, aber diesmal spielen afrodiasporische Musikrichtungen dann doch eine größere Rolle. Mehr Soul, mehr Grooves, eine gewisse Smoothness, die der Hoffnung, die immer wieder zwischen ironischer Distanz und realistischer Gegenwartsbeschreibung auf WIR SIND SCHÖN aufblitzt, ziemlich gut steht.

Obwohl das echte Schlagzeug fast ganz vom Drumcomputer ersetzt wurde, wirkt Staatsakt-Kollege Chris Imler auch auf diesem Album wieder stilprägend mit Synths und zusätzlichen Percussion mit. Auf „Die Schrumpfende Stadt“ (wo außerdem Herman Herrmann am Bass zu hören ist) programmierte er den Beat. Mense Reents (Goldene Zitronen, Sophia Kennedy) mischte „Der Wahn“ und „Ende aller Feiern“. Die Produktion übernahm wie bei allen Alben seit DAS MIT DEM AUTO IST EGAL (2007) wieder Berend Intelmann.

WIR SIND SCHÖN ist ein Gegengift für unsere Zeit, eine Umarmung all der Ambivalenzen, die wir tagtäglich ertragen müssen und eine Adrenalininjektion hinein ins Herz der Apathie. Die Welt ist kompliziert, aber das ist okay. Denn: „Wenn sich unsere Augen an die Dunkelheit gewöhnen / Sieh uns an und du wirst sehen: Wir sind schön!“

Text: Aida Baghernejad

Superorganism kehren im Juli mit ihrem zweiten Album World Wide Pop zurück, ihrer ersten neuen Musik seit dem selbstbetitelten Debüt von 2018.

Mit dreizehn Tracks, die das Unendliche und das Intime erforschen und sich mit Freundschaft, Zeit, Verbundenheit und dem Universum befassen, kehrt World Wide Pop zurück und reflektiert den Widerspruch, hoffnungsvoll und neugierig zu sein, wenn man mit unerbittlichem Konsum und überwältigendem Lärm konfrontiert wird. Superorganism entscheiden sich für Optimismus und glauben an die Macht der Popmusik und an all das, was sie bewirken kann. World Wide Pop schlägt eine Brücke zwischen dem Persönlichen und dem Existenziellen und liefert dabei eine Tasche voller Melodien, die mit trockenem Humor gespickt sind.

World Wide Pop bringt auch eine Reihe von internationalen Kollaborateuren mit sich, darunter Stephen Malkmus, Chai, Pi Ja Ma, Dylan Cartlidge und der legendäre Musiker und Schauspieler Gen Hoshino.

Limitiert auf nur 500 Stück.

Nach dem Knaller-Debut "Mondo Cherry", das mehrmals nachgepresst wurde und dem Folgekracher "Fettucini" kommt nun das langerwartete, dritte Album des genialen Dreigestirns aus Hamburg, "Dubbies On Top". Die erste Single, "Alle Männer" teasert ein fantastisches Album an.

„Die Kerzen laufen jetzt im Radio, ich hab’s dir doch gesagt“, singt Felix Keiler, Gitarrist und Sänger der Kerzen gleich im Album-Opener „Staub zu Staub“. Tatsächlich hatte schon ihr Debüt-Album „True Love“ (2019) der damals noch in Ludwigslust wohnenden Band ein paar veritable Hits zu bieten, die im Radio auf Rotation liefen.

Zu Felix Keiler gehören Jelena Von Eisenhart-Rohe an Gesang und Keyboards, Fabian Rose am Bass und Lucas Wojatschke am Schlagzeug. Vor etwa zwei Jahren, also pünktlich zum Pandemie-Start, zog die Band schließlich um nach Berlin.
Und hatte unerwartet viel Zeit, um Stücke für ihr zweites Album „Pferde & Flammen“ zu schreiben, das nun am 27.05.2022 erscheint. Die fertigen 10 Songs haben sie allerdings nicht in Berlin aufgenommen, sondern in Köln mit dem Produzenten und Kerzen-Fan der ersten Stunde Jochen Naaf. A perfect match: Der Kölner Produzent, der zuletzt mit Bosse oder Giant Rooks in den Charts unterwegs war, und die Die Kerzen haben zusammen eine fantastische Pop-Platte produziert. Ein New-Romantic-Update, das wie die perfekte Melange aus Purple Schulz und den Cocteau Twins klingt.

Ja, Die Kerzen sind große Musik-Auskenner*innen und tragen dabei immer den unbedingten Willen zum allgemeinverständlichen Pop-Song im Herzen. Nur logisch also, dass es auch auf diesem Album inhaltlich weiterhin um alle möglichen Spielarten der Liebe und der damit verbundenen Beziehungsgeflechte und Lebenskonstellationen geht. Eines Lebens zwischen wilden Nächten („Flammen“) und romantischen Zweierbeziehungen („Pferde“).
Wo die Kerzen im Song noch die Frage stellen „Willst Du Pferde oder Flammen?“ ist sich die Band in der Formulierung ihres Album-Titels nach ein paar Schnäpsen schnell einig geworden: Pferde & Flammen! Warum sich auf eines bescheiden, wenn man beides haben kann? Dass es nicht immer einfach ist, all das unter einen Hut zu bringen, davon handelt dieses Album, also von nicht weniger als all unseren Begierden und Wünschen und Hoffnungen. Kurz: von großer Popmusik! Mal bittersweet, mal in bester Party- und Geberlaune.

Hörbar sind sie nach wie vor große Fans des Achtziger-Jahre-Pops: Von China Crisis bis The Smiths, von Hall & Oates zu Chris Rea oder Kate Bush. Doch die Aneignung und Transformation ins Hier & Jetzt gelingt ihnen so mühelos und jenseits jeden Retro-Verdachts, dass wir sie hier umstandslos zur vielleicht stilsichersten Popband der Republik der Gegenwart ausrufen möchten. Vermutlich waren sie dies auch schon zuvor, doch Jochen Naaf hat ihre Stärken nochmal konsequent herausgearbeitet: Keilers schwelgend gläsernes Gitarrenspiel, Eisenharts Dream-Wave-Sirenengesang, Roses Jaco-Pastorius-Gedächtnisbass und Wojatschkes Power-Drumming, das immer mindestens so groß wie Tears For Fears klingen will.

Unbedingt herauszustellen ist auch nochmal der besondere Humor der Band, den sie eher mit zeitgenössischen Berliner Künstler*innen wie Fuffifuzzig oder Luis Ake teilen, als mit den großen Wave-Posern der 80er Jahre. Allein wie sie in der Hit-Single „Cabriolet“ die Story vom Diebstahl eines gelben Ford Escort-Cabriolets erzählen, in der ein Pärchen in bester Bonnie & Clyde-Manier durchbrennt, und das im Jahr 2022, in der solche Plots höchstens noch in Serien wie Stranger Things vorkommen, aber ganz sicher nicht im Real Life der GenZ, ist einfach nur herzerwärmende, tanzbare Romcom.Das Real Life findet heutzutage ja ohnehin in der Hauptsache im Swipe-Modus auf dem Smartphone-Display statt. Mit der richtigen Selbstinszenierung zwischen Humana- und Gucci-Look. Und der Selbstvergewisserung vorm Spiegel: „Zu schön um heut allein zu sein“, wie es Die Kerzen so treffend formulieren. Wie gut für uns alle, dass sich diese Band irgendwann am vielleicht unwahrscheinlichsten Pop-Ort des Landes, in Ludwigslust, gefunden hat. Denn die langjährige Freundschaft und die Intimität, die sie in ihrer Musik mit uns allen teilt, macht sie zu etwas ganz Besonderem.

Und wenn dann am Ende des Albums die Protagonist*innen ihre (Fern-)Beziehung mal wieder in den Sand gesetzt haben und den Blutmond, so rot wie das Cover, anheulen, dann schalten wir bequem auf Repeat und lassen uns erneut vom großen Herzschmerz, dem Verschwenden der Jugend, von wilden Nächten und dem Ende der Welt erzählen. Und erinnern uns, dass da doch noch immer ein ganzes gefährliches Leben auf uns wartet. Nix wie hin da! Läuft dann sicher bald auch wieder im Radio.

Limitiert auf 100 weiße Exemplare, die es nur bei HHV gibt.

Wir schreiben das Jahr 2022 nach Jesu Geburt. DER MANN melden sich zurück. Acht Jahre nach ihrem Debütalbum „Wir sind der Mann“ rufen Ramin Bijan, Maurice Summen, Michael Mühlhaus und Johannes von Weizsäcker mit TOP: „Wer auch immer uns vermisst hat: Wir sind wieder da!“

Im Frühsommer 2021 nämlich begab sich die Berliner Band für einen Monat ins Studio und spielte aus zuvor erarbeiteten Songskizzen eine neue Platte ein. Und hier ist nun TOP.

Zum Personellen: Man bräuchte schon ein Organigramm, um nachvollziehen zu können, welche (Ex)-Mitglieder von DER MANN, Die Türen, Baked Beans, Erfolg sowie Ja, Panik, The Chap und Blumfeld nun mal auf welcher Position in welcher dieser Bands gespielt haben und warum respektive warum dann wieder kurzzeitig nicht. Es reicht aber zu wissen, dass Sänger Maurice Summen und Bassist Ramin Bijan seit ihrer Teenager-Zeit, also seit mehr als 30 Jahren, zusammen Musik machen und das Gravitationszentrum von DER MANN sind.
Neben den aktuell nun vier Musikern sind auch die Künstler und Designer Helmut Kraus und Sebastian Kaltmeyer erneut dabei, als Band-Mitglieder, die bei DER MANN für das Visuelle zuständig sind. Außerdem ist auf einigen Songs der Berliner TOP-Drummer Moritz Baumgärtner zu hören.

DER MANN ist also wieder auferstanden. Damit passt er nicht nur vom Namen her bestens in eine Welt, in der ein großer Teil derselben den Ablauf eines Jahres noch immer ernsthaft an den Lebens- und Sterbedaten eines einzelnen, vor mehr als zwei Millennien geborenen und ständig wiederauftauchenden Dudes ausrichtet. DER MANN passt damit auch bestens in eine Zeit, in der sich die Menschen vor lauter fundamentaler Unsicherheit und einem daraus erwachsendem Bedürfnis nach dem Gewohnten in ein Spiegelkabinett des schon Bekannten begeben haben, in denen fortwährend das Beste der 70er, 80er und 90er läuft und nur ganz manchmal das Beste von Heute. Wer könnte es ihnen verdenken.

DER MANN haben sich musikalisch und visuell dafür entschieden, den Zeitpunkt Ende der 1970er und Anfang der 1980er fest zu umarmen. Das Cover: in der Ästhetik von Heaven 17s „Penthouse and Pavement“. Die dazu passenden Lifestyle-Accessoires: Kreditkarte, Rolex und Rolodex. DER MANN ist nämlich ein Yuppie. Auch so ein Wiedergänger, nur sieht der heute aus wie Christian Lindner und kommt auch mal im Hoodie daher. Was die musikalischen Ausdrucksformen angeht, hätten Gitarre, Schlagzeug, Bass und Synthesizer genau so auch schon vor 40 Jahren gespielt werden können.

Was DER MANN auf TOP jedoch thematisieren, ist eindeutig heutig. Es geht um Oberflächen-Phänomene. Im flotten Opener „SUV“ und dem zum Offbeat schunkelnden „Bewertungslied“ etwa um das fortwährende Hypen, Rummeinen und Raunen in den sozialen Medien. Es geht, im nachdenklich-sanften “Country, Western, Coaching & Consulting“ oder im Postpunk-Boogie-Hybrid “Peyote Retreat” um psychedelische Techniken, die mal subversiv waren, aber mittlerweile längst von Konzernen zur Mitarbeitermotivation und Umsatzsteigerung aufgesogen wurden. Und es geht um den Staat, der sich mit Fördergeldern und Stipendien eine Subkultur leistet (“Rock’n’Roll & Sozialstaat”), die sich dann überlegen kann, ob es die Hand, die sie füttert, überhaupt noch interessiert, ob sie nun gebissen wird oder nicht.

Kurz: Es geht auf TOP um alles, was einen in der spätkapitalistischen Gegenwart so richtig angruseln kann. Bei dem man aber, siehe Staatsgelder und Social Media, kaum NICHT nicht mitmachen kann, legt man Wert darauf, überhaupt in der Welt stattzufinden.

„Im Herz schmeißt du Steine/Im Kopf bist du müde“. In dieser Zeile steckt die ganze unausweichliche Ambivalenz, die TOP durchzieht. Keine Handlungsanweisungen, keine Rebellion, kein echter Ausweg, nirgends. DER MANN ist kein junger Aufrührer mehr, der noch glaubt, die Welt verändern zu können. DER MANN ist Ende 40, Anfang 50, also genau in dem Alter, in dem die Kinder für gewöhnlich auf dem Gröbsten raus sind und zu Hause etwas Ruhe einkehrt. Aber der Rücken und die Knie machen noch gut genug mit, dass er jetzt den Gipfel seiner Schaffenskraft erklimmen kann. Er ist erfahren und altgedient genug, um in der Firma in die C-Suite aufzusteigen. Als CEO weiß er, dass er nicht mal besonders viel Glück hatte, geschweige denn sich besonders anstrengen musste, sondern einfach nur so gut wie alle Privilegien auf seiner Seite hatte. Was ihm zunehmend unangenehm wird.

„Wir sind total privilegiert“, sagt Maurice Summen dazu – beziehungsweise zum anhaltenden Untergrund-Status seiner Männer-Band. „Aber wir haben recht wenig daraus gemacht.“

Aber nicht doch! TOP ist ist ein Alpha-Werk von einem Album geworden.

Anne Waak

„Spuck vom Balkon (BLN – VIE 2021)“ jetzt endlich auf Vinyl! Mit der Veröffentlichung setzt toobrokeforfiji einen Meilenstein: Das Rad neu erfinden ist vielleicht unmöglich, Punk-Rock und Rap auf einen Nenner bringen und ein komplett neues, erfrischendes Klangbild erschaffen offenbar nicht. Wien und Berlin werden auf 8 Songs, durch ein Klangbild gezeichnet und von Emotionen, Gedanken und Selbstreflektion, wie noch nie zuvor verbunden. Als ganz besonderes Highlight ist jede „Spuck vom Balkon (BLN – VIE 2021)“ Schallplatte durch die Fertigung aus 100% Colored Recycling Schallplatten ein Unikat und weist ein einzigartiges, farbenfrohes Muster auf. Zusätzlich enthält jede Schallplatte ein von toobrokeforfiji handsigniertes Poster!