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So komisch, warmherzig und gleichzeitig tiefgründig wurde selten über Musik geschrieben!

Wilco ist eine Rockband aus Chicago, deren Frontmann Jeff Tweedy für seine Musik vergöttert wird. Endlich spricht er offen und unfassbar humorvoll über seinen Werdegang und sein Leben. Doch das eigentliche Thema dieses Buches ist die Musik und ihre Kraft, Leben zu verändern.

Es gibt nicht viele Bands, die solch treue Anhänger haben wie Wilco. Und das ist vor allem ihrem Frontmann Jeff Tweedy zu verdanken. Wilcos Songs wurden von Fans und der Kritik endlos analysiert, doch Jeff Tweedy hat stets nur sehr wenig über sich selbst und seine Arbeit preisgegeben. Bis jetzt! In seinem von Fans lang ersehnten Memoir schreibt Tweedy über seine Kindheit in Belleville, Illinois, über seinen liebsten Plattenladen in St. Louis, seine ersten Auftritte in Clubs mit der legendären Alternative-Country-Band Uncle Tupelo und später mit Wilco, und wie all das seine Musik beeinflusst hat. Tweedy spricht schonungslos offen über seine Tablettensucht, seine Eltern und seine Familie.

Jeff Tweedy schenkt uns wahre Einblicke in sein Leben und seine musikalischen Prozesse, teilt Geheimnisse mit uns und beweist, dass auch seine literarische Stimme überzeugt. Und am Ende bleibt nur zu sagen: was für ein musikverrücktes Genie!

Italien und die Musik. In keinem anderen Land hat die Musik einen vergleichbaren Stellenwert. Mehr als jede andere Kunst ist sie in der Lage, das Land zu erklären und alle tausendfach gestellten Fragen zu beantworten.

Musik ist dauerpräsent. In einem Land, in dem Opernarien gepfiffen werden, überall Denkmäler namhafter Sänger herumstehen und die Einschaltquoten eines fünftägigen Liederwettbewerbs jede Sportübertragung in den Schatten stellen, kommt man an der Musik schlicht nicht vorbei.

Entlang von herzergreifenden Canzoni und unwiderstehlichen Ohrwürmern erzählt Eric Pfeil von der Zerrissenheit eines Landes zwischen Dolce Vita und undurchdringlicher Bürokratie, vom Erbe Silvio Berlusconis, von der Mafia und gesellschaftlichem Aufbruch, der Erfolgsgeschichte von Italiens uncoolster Band und immer wieder von der Liebe.

Mit einem neuen Nachwort von Manja Präkels
Die Nachwendezeit zwischen den Stralsunder Plattenbauten – während viele Erwachsene die Suche nach einem Platz im neuen System aufgeben, suchen sich Hendrik und seine Freunde Auswege aus der Langeweile. Und andere Vorbilder.

Langsam zerfallen die Frontlinien der Baseballschlägerjahre, die Springerstiefel werden von Turnschuhen abgelöst, Rechtsrock von Gangsterrap, die Optionen bleiben dieselben: Fressen oder gefressen werden. Im Kindergarten, in der Schule und im Fußballverein haben sie gelernt, dass der Klügere nur so lange nachgibt, bis er der Dümmere ist. Und so ist das Ziel klar: härter werden. Stumpfer werden. Die Mittel finden sich – Kraftsport, Drogen, Rap.

Hendrik Bolz erzählt von den ostdeutschen Nullerjahren, und erklärt uns ein Stück bundesrepublikanische Gegenwart.

»Eine Mischung aus Popliteratur, Coming-of-Age-Geschichte, Memoiren und sozialwissenschaftlicher Recherche« Bayerischer Rundfunk

Album-Cover sind unauslöschlich mit unseren kollektiven musikalischen Erinnerungen verbunden; denkt man an eine Lieblingsplatte, stellt man sich das Cover vor. Generationen von Grafikern, Fotografen, Illustratoren, Künstlern und Art-Direktoren haben sich an dieser lange verkannten Kunstform abgearbeitet. Viele Cover sind als feste Bestandteile in die Rockgeschichte eingegangen und haben ihre Schöpfer selber zu Prominenten der Populärkultur gemacht.

Als Hommage an diese Kunstform stellen wir 750 der großartigsten Plattencover der Rockgeschichte vor, Klassiker des Genres wie auch weniger bekannte Glanzstücke – von Elvis über die Beatles, Pink Floyd und Iron Maiden bis zu The Cure, den Sex Pistols und Sonic Youth. Zu jedem Cover gibt es tabellarische Informationen über Erscheinungsjahr, Interpret, Label, Art-Direktor, Fotograf oder Illustrator und mehr. 250 Platten, die für die Entwicklung der Rockmusik, den Künstler oder ein ganzes Genre von besonderer Bedeutung waren, werden ausführlicher besprochen. Das Ganze wird abgerundet durch Insider-Interviews sowie Top-Ten-Listen von zehn ausgewählten Sammlern von Rockplatten.

Das Buch hat die Entstehung der Hip-Hop-Kultur der 1980er Jahre in Westberlin zum Gegenstand. Im Zentrum steht eine Generation Jugendlicher und junger Erwachsener, die in der Auseinandersetzung mit einer aus New York kommenden und vorrangig über die Medien vermittelten Kultur zu einer eigenen Berliner Hip-Hop-Szene avancierte.

Die Veröffentlichung ist eine explorative Studie und Materialarbeit, die bislang in der Forschung unbekannte bzw. unveröffentlichte Zeugnisse und Dokumente der Kultur und der Akteur:innen beinhaltet. Hierfür sind Interviews und Gespräche mit über 20 Akteur:innen geführt worden, die zwischen 1940 und 1970 geboren sind.

Der Autor verfolgt das Ziel, den Westberliner Akteur:innen eine Stimme in der gesamtdeutschen Hip-Hop-Geschichte zu geben, denn bis dato findet die Historie Westberlins wenig bis gar keinen Eingang in etablierte Narrative. Es wird veranschaulicht, dass die Historiographie des Hip-Hops in Deutschland nicht erst in den 1990er Jahren mit Advanced Chemistry, den Fantastischen Vier oder LSD beginnt, sondern auch die Westberliner Hip-Hop-Kultur der 1980er Jahre in Betracht gezogen werden muss.

Das Berliner Label staatsakt zählt seit 20 Jahren zu einem der aufregendsten Indies in Deutschland. Der Labelgründer Maurice Summen und der Autor und PR-Manager Markus Göres fangen die außergewöhnliche Geschichte in einer Art Oral History ein. Rund 40 Künstler*innen kommen zu Wort – von Christiane Rösinger über The Düsseldorf Düsterboys bis Masha Qrella –, die auf ungewohnt offene Weise auch Auskunft über die eigenen Biographien geben. Sie unterhalten sich über ihre musikalischen Anfänge, reflektieren den Weg aus der Provinz in die große Stadt und ihre Formierung als Künstler*innen. Sie sprechen über Mainstream und Subkultur, über ihre Ängste und Hoffnungen. Und natürlich über die ewige Liebe zur Musik. Aus der Vielzahl der Stimmen entsteht so ein Gesellschaftsbild, das weit mehr umfasst als zwei Jahrzehnte Independent-Kultur.

Mit Tobias Bamborschke, Ramin Bijan, Paul Buschnegg, Marcel Caspers, Patric Catani, Pedro Goncalves Crescenti, Reverend Dabeler, Dagobert, Jakob Dobers, Axana Exner, Jens Friebe, Brezel Göring, Jörg Heiser, Chris Imler, Zwanie Jonson, Tobias Jundt, Felix Keiler, David Julian Kirchner, Katharina Kollmann, Frau Kraushaar, Lambert, PeterLicht, Barbara Morgen stern, Masha Qrella, Gunther Osburg, Christiane Rösinger, Tilman Rossmy, Tilo Schierz-Crusius, Albrecht Schrader, Stefanie Schrank, Stella Sommer, Björn Sonnenberg-Schrank, Andreas Spechtl, Frank Spilker, Otto Von Bismarck, Jelena Von Eisenhart Rothe, Johannes von Weizsäcker, Hanitra Wagner und Nina Walser.

Clubs und subkulturelle Freiräume prägen Berlin seit Jahrzehnten und machen die Stadt zu einem Sehnsuchtsort für Menschen aus aller Welt. Legendär sind zum Beispiel die Treffpunkte des Punk- und New-Wave-Untergrunds der 1980er Jahre oder die Technoclubs aus den 1990ern. Die Party- und Konzertlocations sind dabei oftmals auch Zeugen der bewegten Geschichte der Stadt, erzählen vom Kalten Krieg oder dem Fall der Berliner Mauer. Dieses Buch ist ihnen gewidmet, darunter berühmte Diskotheken, geheime Treffpunkte der DDR-Opposition und subkulturelle Abenteuerspielplätze verschiedenster Couleur. Viele dieser Orte existieren heute nicht mehr oder haben eine ungewisse Zukunft. Sie berichten von einem Berlin, das es nicht mehr gibt, und davon, wie stark die Club- und Subkultur von Verdrängung betroffen ist.Tine Fetz hat 60 dieser "Places" in Illustrationen verewigt, ihre Geschichten hat Daniel Schneider aufgeschrieben. Die Texte sind sowohl auf Deutsch als auch auf Englisch abgedruckt.

Mit den Büchern von Christiane Rösinger, Bernd íBegemann und Carsten Friedrichs starten wir eine Reihe, in der die Texte deutscher Musiker:innen erstmals in Buchform zugänglich gemacht werden. Texte von Musiker:innen, die die hiesige (Sub-)Kultur mit ihren íSongtexten in der Retrospektive ebenso geprägt haben wie die ausschließlich schreibende Zunft. Eine längst íüberfällige Würdigung außergewöhnlicher Songwriter:innen, deren Texte nicht bloße Anhängsel ígroßartiger Musik sind, sondern ebenso auch für sich stehen. Carsten Friedrichs, geboren 1971, macht seit den späten 80ern Musik, zunächst bei Twee-Pop Bands wie Die Fünf Freunde, später gründete er die Beat/Punk-Band Superpunk. Seit 2012 veröffentlicht er mit Die Liga der gewöhnlichen Gentlemen Alben und schrieb Songs mit und für Andreas Dorau. Er interessiert sich sehr für Popmusik und arbeitet beim Hamburger Label Tapete Records. "Carsten Friedrichs schreibt im Grunde keine Liedtexte, sondern wahrhaftige, unbestechliche Miniaturen. Er verwandelt mit der Kraft seiner Gedanken Elefanten in Mücken, die seine Lyrik dann wie fließendes Baumharz umschließt. Für immer in schillernden Rock-'n'-Roll-Bernstein eingeschlossenes Leben, jaja, das sind Carsten Friedrichs' Texte!"- Jan Böhmermann "Das Ouvre von Friedrichs ist wie Pattex zwischen den Texten von Andreas Dorau (die Idylle) und Max Müller (der Schrecken). Diese drei sind die Emerson, Lake & Palmer einer, nun ja, neuen deutschen Aufrichtigkeit, auch wenn Pattex giftige Fäden zieht, wie ELP klingt, aber Friedrichs ist the archbishop des Alleszusammenklebens, des Guten, des Wahren und des Richtigen, One Nation Under a Groove, the Groove of Friedrichs." - Tex Rubinowitz "Songtexte schreiben ist schwierig. Sie bestehen aus drei Säulen: Thema, Sprache und Standpunkt. Carsten Friedrichs erklimmt alle drei Säulen mit spielerischer Leichtigkeit. Daher sollten Sie dieses Buch kaufen." - Andreas Dorau

Der Sound der Jahre – ein detaillierter Überblick über die Musiklandschaft der BRD im Wandel der Zeit.

Mit dabei: Amon Düül II, Ash Ra Tempel, Birth Control, Can, Cluster / Kluster, Cosmic Jokers, DAF, Dieter Dierks, Klaus Doldinger, Floh de Cologne, Frumpy, Sergius Golowin, Manuel Göttsching, Guru Guru, Harmonia, Rolf-Ulrich Kaiser, Kraan, Kraftwerk, La Düsseldorf, James Last, Udo Lindenberg, Giorgio Moroder, NEU!, Conny Plank, Popol Vuh, Tangerine Dream, The Rattles, Ton Steine Scherben, Achim Reichel (A. R. & Machines), Hans-Joachim Roedelius, Klaus Schulze, Eberhard Schoener, Karlheinz Stockhausen, Walter Wegmüller, Witthüser & Westrupp, Xhol Caravan und viele mehr …

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Im Jahr 1974, als die Rockmusik noch unangefochten die Vorherrschaft genoss, eroberten ein paar Düssel­dorfer mit einem knapp 23-minütigen elektronischen Song über die deutsche Autobahn die britischen und amerikanischen Charts. Das Album Autobahn von Kraftwerk gilt als musikalisches Meisterwerk, das für die Band den Übergang vom Krautrock zur elektronischen Musik einläutete und seine Einzigartigkeit bis heute bewahrt hat.

Jan Reetze beleuchtet in diesem Buch die Entstehungsgeschichte eines seiner ewigen Lieblingsalben und geht der Frage auf den Grund, weshalb Autobahn auch nach einem halben Jahrhundert noch immer so zeitlos klingt wie am Tag der Veröffentlichung.

Yvon Chouinard, Gründer und Eigentümer von Patagonia, kam als Kind zusammen mit seinem Vater, einem frankokanadischen Schmied, nach Südkalifornien. Sie hatten nur wenig Geld und geringe Englischkenntnisse. Heute hat seine Firma Patagonia einen Jahresumsatz von nahezu einer Milliarde Dollar und ist eines der sozial und ökologisch fortschrittlichsten Unternehmen der Welt. Vor 10 Jahren hat Chouinard seine revolutionäre Geschäftsauffassung erstmals der Öffentlichkeit vorgestellt. Seither ist Patagonia trotz globaler Rezession und zunehmender Umweltprobleme weltweit zu einer Vorbild-Firma geworden, die beweist, dass die in diesem Buch dargelegten Werte und Denkweisen der beste Weg zu gewinnbringenden Geschäften sind. Das Buch enthält nicht nur einen Bericht über einen weiteren erfolgreichen Geschäftsmann, der nebenbei etwas Gutes tut, sondern die Geschichte eines Unternehmers, der seinen ständig wachsenden Erfolg der Tatsache verdankt, dass er die Patagonia-Philosophie in den Mittelpunkt seiner Tätigkeit stellt: das beste Produkt herstellen, die Umwelt so wenig wie möglich belasten und andere Firmen dazu inspirieren, Lösungen zur Umweltkrise zu finden und umzusetzen. Confessions d'un entrepreneur…pas comme les autres ist das Porträt eines jungen Mannes, der die höchsten Berge der Welt erklommen hat, die Geschichte eines Reformers, der mit den Werkzeugen seines Vaters Ausrüstung schuf, die das Klettern für immer verändert hat, und die Philosophie eines Unternehmers, der den Gemeinnutz in den Mittelpunkt seiner Geschäfte stellt. Zudem ist es ein Leitfaden für alle Aspekte verantwortlicher Unternehmensführung - von der Entwicklung und Herstellung bis zu Marketing und Personalpolitik. Paperback Edition; englische Ausgabe; 280 Seiten; Format: ca. 16,5 x 24 cm; gedruckt auf 100% recyceltem Papier.

208 x 297mm, 246 Seiten, Farbe & S/W, Gestaltung: Caroline Lei & Anita Nguyen
Sprache: englisch

Tagging wurde bisher selten ernsthaft untersucht. Die Tag Conference ist ein erster Versuch, das zeitgenössische Tagging begrifflich zu fassen und es neben seinen zahlreichen, aber weitgehend ignorierten historischen Vorläufern zu untersuchen. Das informelle Schreiben von Namen im öffentlichen Raum ist eine uralte Praxis, wahrscheinlich so alt wie die Schrift selbst. Im letzten Jahrhundert hat sie eine noch nie dagewesene Intensität erreicht und ist zum zentralen Merkmal mehrerer vollwertiger Volkskulturen auf der ganzen Welt geworden.

Die anspruchsvollste dieser Kulturen ist die Graffiti-Tradition, die sich in den 1970er Jahren in den U-Bahnen von New York City entwickelte. Unter dem Einfluss dieser Tradition wird das Schreiben von Namen heute allgemein mit dem Slangbegriff "Tagging" bezeichnet.

Die Tag Conference bot einen Raum für Diskussionen über das Tagging, über sein Wesen, seine Bedeutung und seine Geschichte sowie über die verschiedenen Tagging-Traditionen und -Kulturen, die es gibt und gegeben hat.

Vinyl Mania

Die schönsten Plattencover des Jazz

Diese Anthologie der Jazzplatten-Coverkunst ist teils Designgeschichte, teils nostalgische Reise in die musikalische Vergangenheit, vor allem aber eine wahre Fundgrube kreativer und kultureller Inspiration. Zusammengetragen wurden die gewagtesten und dynamischsten Jazzcover-Designs eines halben Jahrhunderts – grafische Meisterwerke, die nicht nur das Musikgenre mitprägten, sondern auch ein ganz besonderes Lebensgefühl zum Ausdruck brachten.

Von den 1940er-Jahren bis zum Rückgang der LP-Produktion Anfang der 1990er: Jedes der ausgewählten Cover ergänzt die Energie der Musik auf dem Album mit den eigenen visuellen Rhythmen von Layout, Bild und Text. Zur Freude auch der anspruchsvollsten Musik-Geeks gibt es zu jedem Werk ein Factsheet mit Angaben über Künstler, Album, Art Director, Fotograf, Illustrator, Erscheinungsjahr, Label und mehr.
Der Autor
Joaquim Paulo ist Berater bei verschiedenen großen Plattenlabeln und leitet mehrere Radiosender in Portugal. Im Alter von 15 Jahren begann er Schallplatten zu sammeln. Er fliegt nach London, Paris, New York und São Paulo, um seine Plattensammlung, die mittlerweile über 25.000 LPs umfasst, zu erweitern. Paulo lebt und arbeitet in Lissabon. Seine Freizeit nutzt er, um alte und seltene Plattenaufnahmen zu restaurieren.

Der Herausgeber
Julius Wiedemann studierte Grafikdesign und Marketing und arbeitete in Tokio als Kunstredakteur für digitale Medien und Designmagazine. Zu seinen TASCHEN-Titeln zählen die Illustration Now!- und Plattencover-Serien sowie Sammlungen von Infografiken und Bücher über Werbung und Design.

Autorisierte amerikanische Sonderausgabe in Paperback. Mit einem Vorwort von B.B.King. 432 Seiten mit über 500 Fotos und Illustrationen. Grossformat 21,5 x 27,5 cm

Liebeskummer, Armut, harte Arbeit, Verfolgung und Erschöpfung, Ironie, Einsamkeit und Verrat, Sünde und Seelenheil, Trunkenheit, Verzweiflung, sexuelle Lust und pure Freude: über diese Zustände und einige mehr erzählen die Blues-Musiker mit grosser Leidenschaft.

Im Ursprung besticht die Blues-Musik durch geniale Einfachheit und ist über die Jahre erstaunlich reich an Varianten und Komplexität gewachsen. Keine andere populäre Musik spricht so viele Hörer an wie der Blues, es braucht aber ein gewisses Know-How, um die Feinheiten zu verstehen. Aufgegliedert in elf Kapitel, speziell für dieses Werk erarbeitet, geht Nothing BUT THE Blues den afrikanisch-amerikanischen Ursprüngen auf den Grund, erkundet seine frühe Entwicklung als publikumswirksame Unterhaltung, die ersten Tonaufnahmen, seine regionalen Unterschiede (Mid-South, Tidewater-Piedmont, Chicago, Detroit, New York, Los Angeles), seine stilistischen Eigenheiten und gegenwärtige Situation. Country Blues, Urban Blues, die Entwicklung des Rhythm and Blues, der Rock ‚n‘ Roll, und das erstaunliche Blues Revival in den 60ern werden ausgiebig erläutert.

Aber das geschriebene Wort bietet nur einen Teil der Geschichte. Blues-Fans verehren Ihre Musiker und schätzen die Fotos sehr. Darum präsentiert Nothing BUT THE Blues zahlreiche, zum Teil nie gesehene rare Archiv-Fotos und Abbildungen von Dokumenten, z.B. Leadbelly‘s Nypd Strafregisterblatt oder Verträge der Plattenfirmen mit den Musikern. Hinzu kommt ein Vorwort der Blues-Legende B.B. King und eine handverlesene Diskographie, eine Auswahl für Sammler mit Best of the Best-Empfehlungen, die man hören sollte.

Der Blues ist besonders heute in Europa wieder so populär wie nur in den 60ern. Konzerte mit Buddy Guy, Bobby Rush oder John Mayall aber auch jüngeren Künstlern wie Lilly Martin, Christoph „Kingfish“ Ingram und Shemekia Copeland sind stets ausverkauft.

Über den Autor: Lawrence Cohn war Vize-Präsident von CBS/Epic Records und ist bekannt als Mitbegründer des Labels Legacy Recordings bei Sony Music und hat die Serie Roots’N’Blues produziert. Er erhielt acht Grammy Award Nominierungen und gewann den Grammy Award für das «Best Historical Album» 1991 für sein Projekt „Robert Johnson: The Complete Recordings“.