Kunst / Design / Graffiti Print & Design 185 Artikel

Skandtastisch!

Das beste Design aus Europas Norden

Was macht Skandinavien zu einer solchen Quelle für Designtalent und Innovation? Dieses stylische Buch enthält ausführliche Einträge zu 125 Designerinnen und Designern aus Norwegen, Schweden, Dänemark, Island und Finnland und zeigt die meisterhaften Verbindungen zwischen Handwerk und industrieller Produktion, organischen Formen und Funktionalität.

Skandinavien ist weltberühmt für sein "Demokratisches Design": Nicht nur schafft es Verbindungen zwischen Handwerk und industrieller Produktion sowie organischen Formen und Alltagsfunktionalität, es ist Design für alle und somit einzigartig. Möbel, Glas, Keramik, Textilien, Schmuck, Metallwaren und Industriedesign Skandinaviens von 1900 bis heute bildet dieser umfassende Band ab – als detaillierter Überblick und mit ausführlichen Einträgen zu 125 Designern und von Designern geführten Unternehmen.

Dazu gehören Verner Panton, Arne Jacobsen, Alvar Aalto, Timo Sarpaneva, Hans Wegner, Tapio Wirkkala, Stig Lindberg, Finn Juhl, Märta Måås-Fjetterström, Arnold Madsen, Barbro Nilsson, Fritz Hansen, Artek, Le Klint, Gustavsberg, Iittala, Fiskars, Orrefors, Royal Copenhagen, Holmegaard, Arabia, Marimekko und Georg Jensen.

Der Autor
Charlotte und Peter Fiell sind renommierte Designautoren, die über 60 Bücher zum Thema geschrieben haben. Zu ihren verschiedenen Spezialgebieten gehört der Bereich Transportdesign in all seinen unterschiedlichen Formen. Sie haben zahlreiche Vorträge gehalten, Gastkurse gegeben, Ausstellungen kuratiert sowie weltweit Produktionsfirmen, Museen, Sale-Rooms und Privatsammler beraten. Für TASCHEN hat das Paar zahlreiche Titel verfasst.

„Das Standardwerk zum Thema.“
The Observer Magazine

Hardcover, 15.6 x 21.7 cm (6.1 x 8.5 in.), 512 Seiten

Post Graffiti - Kein lizenziertes Produkt der DHL Group

»Wir bringen Graffiti wieder ganz nah zu den Menschen« sprühte Code im Sommer 2023 auf einen Post-Wagen und pointierte damit genau den Trend, den er zusammen mit Moses und Taps, Otis, Futo und Thunder gesetzt hat.

Eine Welle aus nicht-mehr-ganz-gelben Lieferwagen, die von Hamburg aus erst nach Berlin und Dortmund schwappte und sich dann im ganzen Land ausbreitete.

Post Graffiti illustriert den Grundstein der spannenden Entwicklung von Graffiti auf Post-Wagen.

Das Buch zeigt auf 320 Seiten mit Fotos von Edward Nightingale, Emmett Edelstein und vielen anderen, wie sich Graffiti neu erfinden und sich dabei trotzdem treu bleiben konnte.

Ein Typ, den du nicht kennst, schreibt eine Nachricht, die du nicht verstehst, in Gegenden, in die du nicht gehst, und du glaubst trotzdem zu wissen, was das alles bedeutet? Was rauchen Sie, und können Sie das so weitergeben? In Podcasts behaupten Leute, sie wüssten, was die Schriftzüge an Wänden und Gegenständen bedeuten, während Stadtbeamte die Schriftzüge nutzen, um politisch zu punkten, und Slumlord-Bauträger den Schriftzügen folgen, um zu wissen, welches Armenviertel sie aufkaufen können, um die Schwächsten auszunutzen. Was auch immer sie rauchen, lass das liegen.

Seit der ersten Ausgabe dieses bahnbrechenden Textes hat sich viel verändert, deshalb müssen wir ein letztes Mal das Brot brechen, bevor wir diese Welt der Ideen zur Ruhe bringen. Diese dritte und letzte grüne Ausgabe bringt ein neues post-pandemisches Hyper-Speed-Internet-Migranten-über-die-Grenze-Crack-ist-zurück-Kapitel, in dem eine Zone des Exzeptionalismus entdeckt und zurückgewonnen wird.

In diesem Buch geht King Kong Novy als Weihnachtsmann verkleidet durch Zeitportale in U-Bahn-Tunneln, um einfache Graffiti in abstruse DIY-Folkmusik zu übersetzen, wobei er die treibende Frage Can the WoWO Speak? im Hinterkopf behält.

Dr. Dumar Novy ist der stolze Stiefvater der Graffitistudien. Seine Schriften haben dazu beigetragen, dass Leute einen obskuren Namen in ihren Works Cited-Seiten verwenden, und sie sind eine Referenz für Wikipedia-Seiten, die wahrscheinlich eher im Sandkasten debattiert werden sollten. Nimm LSD und verstehe die Wahrheit. Einige neu veröffentlichte Essays sind: Peace 2 Fred & 16art (2023), Sazo, Spair & You (2011), Desa & Les Are Beautiful (2022), Tsombikos & Tianen Rock & Roll (2019), Phase II Spawned Writers (2025).

80 seitiges Fotobuch »Thank You Have A Nice Day - A NYC Photowalk« . Siebdruckcover und offene Fadenbindung.

Stille und Erhabenheit - Caspar David Friedrichs spirituelle Naturbilder

Von Nachthimmeln und Sonnenaufgängen bis hin zum vielzitierten Wanderer über dem Nebelmeer: Caspar David Friedrich gelang es, emotionale und metaphysische Naturerfahrungen in Kunst zu bannen. Diese Einführung stellt seine wichtigsten und bekanntesten Werke vor und präsentiert einen Maler, dessen verzaubernde, nach Erhabenheit strebenden Bilder ihn zu einem Hauptvertreter der romantischen Ästhetik machten. „Ich muss mich vereinigen mit meinen Wolken und Felsen, um das zu sein, was ich bin.“ Caspar David Friedrich

Die Schönheit der Natur und menschliche Einsamkeit sind bestimmende Themen im Werk von Caspar David Friedrich (1774–1840). Häufig positioniert er eine klein dimensionierte menschliche Figur in einer weiten Landschaft, wie auf seinen berühmten Gemälden Mönch am Meer und Der Wanderer über dem Nebelmeer. Lange Zeit wurden die Bedeutung und der Einfluss des großen Künstlers der Romantik unterschätzt. Als er starb, war Friedrich von seinen Zeitgenossen bereits vergessen, erst im frühen 20. Jahrhundert entdeckte man ihn wieder. Heute gilt er als wichtigster deutscher Maler seiner Generation und als Vorläufer der Expressionisten.

Einem im akademischen Regelwerk gefangenen Künstlerkollegen riet Friedrich einmal zu folgender Herangehensweise: „Schließe dein leibliches Auge, damit Du mit dem geistigen Auge zuerst siehest Dein Bild. Dann fördere zutage, was Du im Dunkeln gesehen, dass es zurückwirke auf andere von außen nach innen.“ Also Konzentration statt Imitation, Essenz statt Pinseltändelei.

Der Autor Norbert Wolf studierte Kunstgeschichte, Linguistik und mittelalterliche Geschichte in Regensburg und München und promovierte 1983 in Kunstgeschichte. Er war Gastprofessor in Marburg, Frankfurt, Leipzig, Düsseldorf, Nürnberg-Erlangen und Innsbruck. Wolf hat zahlreiche Bücher über Kunstgeschichte geschrieben, unter anderem die bei Taschen erschienenen Titel Diego Velázquez, Ernst Ludwig Kirchner, Caspar David Friedrich, Expressionismus, Romanik, Landschaftsmalerei und Symbolismus.

Jubiläumsjahr 2024 250 Jahre Caspar David Friedrich - Um den 250. Geburtstag Caspar David Friedrichs zu feiern, arbeiten die Hamburger Kunsthalle, die Alte Nationalgalerie der Staatlichen Museen zu Berlin und die Staatlichen Kunstsammlungen Dresden zusammen. Die drei Häuser verfügen über die umfangreichsten Bestände an Werken Friedrichs weltweit. Darüber hinaus finden zahlreiche weitere Ausstellungen und Veranstaltungen statt. Alle Informationen unter www.cdfriedrich.de

Hardcover, 21 x 26 cm (8.3 x 10.2 in.), 0.515 kg (1.1 lb), 96 Seiten

Leben auf großer Leinwand - Eine Begegnung mit dem Werk von Julian Schnabel

Jetzt als unlimitierte Ausgabe: die Taschen-Monografie über Julian Schnabel entstand in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler und zeigt sein Schaffen in allen Medien – Gemälde, Skulpturen, Filme. Die einmalige Gelegenheit, Schnabels Kunst so direkt zu erleben wie sonst nur in der persönlichen Begegnung mit den Werken.

Julian Schnabel macht Kunst aus dem Leben und findet seine Materialien in der Struktur des Alltags. Er verwendet zerbrochene Teller als unpraktischen Bildgrund, malt auf Samt, Planen von Marktständen und Armeefahrzeugen, Kabuki-Theaterkulissen oder dem Boden eines Boxrings – Oberflächen, die ihre jeweils eigene Geschichte in das Bild mit einbringen. Der Erfolg kam für Schnabel über Nacht mit seiner ersten New Yorker Einzelausstellung im Jahr 1979 und seitdem ist sein Name ein Synonym für die Rückkehr der totgesagten Gattung der Malerei in die zeitgenössische Kunst. Dabei hat er in einer Vielzahl von Medien gearbeitet: Seine Skulpturen erweitern die malerischen Formen der Bilder als grob gehauene, scheinbar abgenutzte Artefakte in den Raum. Als Regisseur von preisgekrönten Kinofilmen portraitiert er Künstler wie Basquiat, van Gogh und andere subtil-heroische Figuren. Und er baut seinen eigenen Traum von einem venezianischen Palast mitten in New York. „Ich möchte, dass mein Leben in meinem Werk steckt, komprimiert in meiner Malerei wie ein Auto in einer Schrottpresse. Sonst wäre meine Arbeit nur irgendwelches Zeugs“, sagt Julian Schnabel. Diese Dringlichkeit zieht sich durch sein Schaffen, ganz gleich, welche Mittel oder Medien der Künstler wählt.

Jetzt als unlimitierte Ausgabe erhältlich, stellt diese Taschen-Monografie die ganze Palette von Schnabels Arbeiten vor. Das Buch wurde in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler geschaffen. Die Texte steuern Freunde, Kuratoren und Kunsthistoriker bei, mit denen Schnabel schon zuvor an Projekten gearbeitet hat: Laurie Anderson zeichnet ein vertrauliches Porträt des Künstlers; Éric de Chassey widmet sich den Gemälden, Bonnie Clearwater den Skulpturen und Max Hollein der ortsspezifischen Arbeit; Donatien Grau schreibt über den Palazzo Chupi, das vom Künstler selbst entworfene Haus im New Yorker West Village; der Schriftsteller Daniel Kehlmann taucht in das filmische Werk ein. Mit diesen Texten und hochwertigen Werkabbildungen macht das Buch Schnabels Kunst auf eine direkte Weise erlebbar, wie es sonst nur in der persönlichen Begegnung mit den Werken möglich ist.

Der Künstler Julian Schnabel (born 1959) is an American painter, sculptor, and filmmaker. After his breakthrough in 1979, he became one of the most successful painters worldwide, with solo shows at the Stedelijk Museum, Amsterdam; the Tate and Whitechapel, London; Centre Georges Pompidou and Musée d'Orsay, Paris; the Whitney, New York, and many others. Began directing with Basquiat in 1996, most recently the van Gogh film At Eternity’s Gate from 2018.

Die Herausgeber Hans Werner Holzwarth ist Buchdesigner und Herausgeber mit zahlreichen Veröffentlichungen vor allem im Bereich der zeitgenössischen Kunst und Fotografie. Für Taschen hat er eine Reihe monografischer Collector’s Editions herausgegeben, darunter Jeff Koons, Christopher Wool, Albert Oehlen und Ai Weiwei, den David-Hockney-SUMO A Bigger Book und den XXL-Band Jean-Michel Basquiat.

Louise Kugelberg ist eine in Schweden geborene Innenarchitektin, die Gebäude aus dem 18. Jahrhundert renoviert und mit privaten Kunstsammlungen ausstattet, in Gemeinschaftsarbeiten Luxus-Boutique-Hotels entworfen und für Parley for the Oceans ein gewaltiges tragbares Pavillonzelt aus recyceltem Ozeanplastik gebaut hat. In den letzten fünf Jahren hat sie intensiv mit Julian Schnabel zusammengearbeitet, Ausstellungsräume und Kataloge entworfen sowie den Film At Eternity's Gate mitgeschrieben und bearbeitet. Sie lebt und arbeitet in New York.

„Sein wohl grösstes Buch – und ja, seines, weil es in engster Regie mit ihm zusammen ediert wurde: Auch es ist «larger than life», wie man im Angelsächsischen sagt… Schnabels Bilder feiern die Malerei, sind ein Fest der Farben, der Bezüge und Verweise – und vor allem der Freiheit.“ Neue Zürcher Zeitung

Hardcover, 25 x 33.4 cm, 3.69 kg, 572 Seiten

Dieses Album präsentiert über 500 Eyecatcher unter den Schallplatten. Von Picture Discs und knallbunten Pressungen über sowjetische Raubkopien auf Röntgenbildern bis hin zu fluoreszierenden Platten und solchen mit Hologrammen – gehen Sie auf eine Reise durch Vinylland und entdecken Sie eine kaleidoskopisch anmutende Welt aus Farben und Formen.

Hardcover, 29.3 x 29.3 cm, 3.13 kg, 472 Seiten Ausgabe: Mehrsprachig (Deutsch, Englisch, Französisch)

Mythen für die Zukunft - Ängste, Fantasien und die biomechanische Kunst von HR Giger

Kopulierende Biomechanoiden, Angst vor der Atombombe und Dämonen aus den Welten von Lovecraft und Kubin: Diese umfassende Monografie bringt die düstere Psychedelik und eindringliche Kraft von HR Gigers Kunst in seinen Gemälden, Skulpturen, Filmarbeiten und ikonischen Plattencovern zum Ausdruck. Sie enthält einen ausführlichen Essay von Andreas J. Hirsch, Zitate von Zeitgenossen, kritische Betrachtungen und eine umfangreiche Biografie.

Der Schweizer Künstler HR Giger (1940–2014) wurde vor allem durch die Oscar-prämierte Gestaltung des Monsters für Ridley Scotts Science-Fiction-Horrorfilm Alien (1979) berühmt. Im Rückblick betrachtet war dies nur das prominenteste Wesen aus Gigers umfangreichem Arsenal biomechanischer Geschöpfe. Dazu zählen verschmolzene Zwitterwesen von Mensch und Maschine, sinnliche Körper, die in mutterleibsartigen Apparaten eingeschlossen sind, und gemalte Dämonen, von fantastischer Literatur und Gigers Albträumen beflügelt.

Diese Bilder verliehen den kollektiven Ängsten seiner Epoche Ausdruck: Angst vor dem Atomkrieg, vor Überbevölkerung und Ressourcenknappheit sowie einer Zukunft, in der das Überleben unserer Körper von Maschinen abhängt. Ihre visionäre Kraft spielt mit den Dämonen der Vergangenheit und erzeugt zugleich Mythen für die Zukunft.

Diese günstigere Ausgabe basiert auf der umfassenden Monographie, die kurz vor dem unerwarteten Tod des Künstlers begonnen wurde, und huldigt Gigers einzigartiger Vision. Sie erzählt die vollständige Geschichte seines Lebens und seiner Kunst, zeigt seine Skulpturen, die Filmarbeiten und Plattencover mit Kultstatus sowie das Erbe, das er in seinem eigenen Künstlermuseum in den Schweizer Alpen hinterlassen hat. In einem tiefgründigen Essay setzt sich der Giger-Experte Andreas J. Hirsch intensiv mit den Themen von Gigers Werk und seiner Welt auseinander. Zudem enthält das Buch zahlreiche Dokumente aus Gigers Archiv, Zitate von Zeitgenossen und kritische Betrachtungen sowie eine ausführliche Biographie, die sich auf die Aufzeichnungen des Künstlers stützt.

Der Künstler HR Giger (1940–2014) war ein Schweizer Maler, Bildhauer und Bühnenbildner, der surrealistische Einflüsse und düstere Fantasien zu einem eigenen biomechanischen Universum verschmolz. Erste Anerkennung wurde ihm in den 1960er-Jahren durch seine Fantasy-Darstellungen postapokalyptischer Geschöpfe und Landschaften in Airbrush-Technik zuteil, und berühmt wurde er durch bekannte Filmarbeiten, allen voran seine Erschaffung des „Alien“ für den gleichnamigen Film, der mit dem Oscar für die besten visuellen Effekte ausgezeichnet wurde. HR Giger wurde 2013 in die Science Fiction and Fantasy Hall of Fame aufgenommen.

Der Autor Andreas J. Hirsch, geboren 1961 in Wien, ist als Autor, Kurator und künstlerischer Fotograf tätig. Zu seinen Schriften zählen Bücher über Pablo Picasso, Tina Modotti, Friedensreich Hundertwasser und HR Giger. Von 2009 bis 2014 war er als Kurator des KunstHausWien tätig und gestaltete Ausstellungen unter anderem über Henri Cartier-Bresson, Linda McCartney und HR Giger.

Der Herausgeber Hans Werner Holzwarth ist Buchdesigner und Herausgeber mit zahlreichen Veröffentlichungen vor allem im Bereich der zeitgenössischen Kunst und Fotografie. Für Taschen hat er eine Reihe monografischer Collector’s Editions herausgegeben, darunter Jeff Koons, Christopher Wool, Albert Oehlen und Ai Weiwei, den David-Hockney-SUMO A Bigger Book und den XXL-Band Jean-Michel Basquiat.

„Im Kern gräbt sich Gigers Kunst in die Psyche ein und berührt unsere tiefsitzenden urzeitlichen Instinkte und Ängste. Seine Kunst bildet eine Kategorie für sich. Der Beweis dafür liegt in der Intensität seines Werks und seiner Vorstellungskraft, die ich in der Fähigkeit, zu provozieren und zu verstören, nur mit Hieronymus Bosch und Francis Bacon vergleichen kann.“ Ridley Scott

„Ein Prachtband im Großformat, eine liebevoll gestaltete Hommage, die der Bedeutung des Künstlers gerecht wird… So viel ist klar: Die meisten gefeierten Gegenwartskünstler geraten schnell wieder in Vergessenheit, H.R. Giger aber wird bleiben.“ Weltwoche

„Eine aufwühlend schöne Hommage an das albtraumhafte Werk von H.R. Giger.“ Wired.com

Hardcover, 15.6 x 21.7 cm, 1.10 kg, 512 Seiten

Leben in Tätowierungen

Henk Schiffmacher und die Kunst des Tattoos von den 1730er bis in die 1970er Jahre

In den letzten vierzig Jahren hat der legendäre Tätowierkünstler und Historiker Henk Schiffmacher all sein Herzblut in diese Sammlung gesteckt und Originalzeichnungen (in der Branche als Flash bekannt), Lithographien, Radierungen, Tätowierinstrumente, Gemälde, Fotos, Poster, Ladenschilder, Designs und sonstige Artefakte aus aller Welt zusammengetragen – darunter extrem seltene Vintage-Flash-Blätter von bedeutenden Meistern der frühen westlichen Tätowierung.

Dieser 700-seitige Band dokumentiert in fünf Kapiteln Schiffmachers Lebenswerk und die weltweite Verbreitung und Vielfalt dieser besonderen Kunstform – darunter Tätowierungen der Māori und der Inselbewohner des Südpazifiks, der alten Traditionen Asiens und der Ursprünge der alten westlichen Schule in Europa und den Vereinigten Staaten. Das Buch, zugleich Geschichtsbuch, Kunstbuch und faszinierendes Memoir, bewegt sich durch über 200 Jahre Tätowiergeschichte von den 1730er bis in die 1970er Jahre und zeigt intime Einblicke in das Leben der Tattoo-Künstler, deren persönliche Kämpfe und Triumphe, ihre beruflichen Risiken und den kreativen Mut, die ihre Geschichte prägten.

Abgerundet wird der Band durch ein Dutzend von Schiffmachers Originalillustrationen in seinem unnachahmlichen Stil und eine persönliche Einführung. In diesen privaten Reflexionen beschreibt er seinen Werdegang als Künstler und Sammler sowie die eigene faszinierende Sicht auf den Weg dieser Kunst vom Underground zum Mainstream. Zugleich erfährt man all die abenteuerlichen Geschichten rund um die Entstehung seiner Sammlung – einer der größten Tätowierungskollektionen der Welt – aus der Perspektive eines Kenners und Autodidakten, der diese Kunst und ihre Innovatoren wie kaum ein anderer liebt und verehrt.

Der legendäre Tätowierkünstler und Historiker Henk Schiffmacher nimmt uns mit auf seine ganz persönliche Reise durch 200 Jahre Tattoo-Geschichte von den 1730er bis in die 1970er Jahre. Dieser voluminöse Band zeigt atemberaubende Zeichnungen, Designs, Fotos sowie Artefakte aus aller Welt und vereint das Beste aus Schiffmachers renommierter Privatsammlung mit aufschlussreichen, persönlichen Kommentaren des beliebtesten Tätowierers und Philosophen seiner Kunst.

Der Autor Der Amsterdamer Tätowierer und Historiker Henk Schiffmacher ist eine lebende Legende in der Welt der Tattoos. Seit den 1970er Jahren reiste er um die Welt und trug dabei eine der weltweit größten Sammlungen zeitgenössischer und historischer Tattoo-Ephemera zusammen – das Schiffmacher Tattoo Heritage. Er hat viele Rock- und Popstars tätowiert, und sein Tattoo-Studio zieht unzählige Tattoo-Pilger an. Als Art Director und Autor hat er über zwanzig Bücher veröffentlicht, darunter 1000 Tattoos von Taschen, und auch für viele Marken Designs gestaltet. 2017 wurde ihm vom König und der Königin der Niederlande der Ritterorden von Oranien-Nassau verliehen, einer der für Zivilisten höchsten Auszeichnungen des Landes.

Die Herausgeberin Noel Daniel studierte nach ihrem Abschluss an der Universität von Princeton als Fulbright-Stipendiatin in Berlin. Zu ihren bislang erschienenen Taschen-Publikationen zählen Tattoo 1730s-1950s, Kay Nielsens Tausendundeine Nacht sowie Östlich der Sonne und westlich des Mondes, Die Märchen der Brüder Grimm, Die Märchen von Hans Christian Andersen, Das Wintermärchenbuch, Magic und The Circus.

Mit einem neuen Nachwort von Manja Präkels
Die Nachwendezeit zwischen den Stralsunder Plattenbauten – während viele Erwachsene die Suche nach einem Platz im neuen System aufgeben, suchen sich Hendrik und seine Freunde Auswege aus der Langeweile. Und andere Vorbilder.

Langsam zerfallen die Frontlinien der Baseballschlägerjahre, die Springerstiefel werden von Turnschuhen abgelöst, Rechtsrock von Gangsterrap, die Optionen bleiben dieselben: Fressen oder gefressen werden. Im Kindergarten, in der Schule und im Fußballverein haben sie gelernt, dass der Klügere nur so lange nachgibt, bis er der Dümmere ist. Und so ist das Ziel klar: härter werden. Stumpfer werden. Die Mittel finden sich – Kraftsport, Drogen, Rap.

Hendrik Bolz erzählt von den ostdeutschen Nullerjahren, und erklärt uns ein Stück bundesrepublikanische Gegenwart.

»Eine Mischung aus Popliteratur, Coming-of-Age-Geschichte, Memoiren und sozialwissenschaftlicher Recherche« Bayerischer Rundfunk

Englische Orginalausgabe 96 Seiten mit über 150 farbigen und s/w Fotos und 20 Faksimile-Beilagen und 2 Plakaten zum Herausnehmen. Fester Einband mit extra starken Deckeln. Hardcover 24,5 × 28 cm

Dieser quietschbunte Bildband kommt prall gefüllt daher mit herausnehmbaren Postern und skurrilen Memorabilien wie Autographen und Korrekturen von diversen Sketches, Eintrittskarten, persönlicher Monty Python Stempelkarte (zum Selbstausfüllen), Tagebuch-Notizen etc. Enthält die Frühgeschichte der Pythons in Oxford und Cambridge, Auszüge aller wichtigen Sketches usw. und eine Filmographie, TV/Discographie + eine Liste der Bühnenauftritte/Konzerte. Die legendären Monty Python’s Flying Circus gelten als die wohl international beliebteste Komiker-Truppe. Von 1969 bis 1974 lieferten die Mitglieder Graham Chapman (T), John Cleese, Terry Gilliam, Eric Idle, Terry Jones und Michael Palin für die BBC 45 Folgen ab, die heute wahren Kultstatus genießen. Danach folgten die bekannten Filmproduktionen und alle Mitglieder waren und sind als Schauspieler, Regisseure oder Produzenten aktiv. Wie beliebt Monty Python heute noch sind, zeigten zuletzt ihre Shows in der O2-Arena in London – die erste Nacht war in 43,5 Sekunden ausverkauft. Wer das verpasst hat, tröstet sich mit der sehr aktiven neuen Website www.montypython.com, andere zählen zu den 1 Mio Followern bei Facebook. Diese Originalausgabe ist britisch autorisiert und entstand unter Mitarbeit der Pythons. Das Erscheinen ist koordiniert mit dem Release der DVD-Gesamtausgabe von Mpfc. Über den Autor: Rod Green ist Herausgeber und Schriftsteller, der schon an vielen Büchern über Komiker- und Bühnen-Stars mitgewirkt hat, darunter Biographien zu Spike Milligan, Rowan Atkinson, Eric Sykes, Mr. Bean – und er soll ein Experte zum Thema Weihnachtsmann sein.

115 x 170mm, 104 Seiten, Softcover,
Covermotiv von Bob Haberfield,
Lektorat: Jo Preußler & Stefan Wartenberg
Sprache: deutsch

Graffitilegende, Künstler und Autor BUS 126 überrascht seit Jahrzehnten mit immer neuen Formen, Techniken und Orten für seine Bilder. In Höhlen, in Wäldern und auf den Fassaden der Stadt erschafft er ein Werk, das aus drei Buchstaben und einer Zahl besteht, BUS 126, und dabei weit über Graffiti hinausreicht, sich wie eine Wurzel in die unterschiedlichsten Gebiete künstlerischer Ausdrucksformen erstreckend.

Die Urversion von ENEMY KIDS entstand bereits 1997 als Reaktion auf ODEMs „On the Run“, dem ersten deutschsprachigen Werk einer so genannten „Graffitiliteratur“, das freilich vor allem ein streitbares Stück Coming-of-Age-Prosa ist. BUS 126 sind in diesem Buch zwei Kapitel gewidmet, in denen er sich selbst nur schwer wiederfindet. Angestachelt durch den, spürbar von einem Ghostwriter formulierten, Text, erzählt er seine eigene Sicht auf die West-Berliner Graffitiszene, auf seine Kindheit und Jugend in Lichtenrade und Marienfelde. Waren diese Anfänge von Hip Hop und Graffiti in Berlin wirklich so glorreich und kreativ? Wer waren die jungen Männer zu deren Leben Graffiti ebenso selbstverständlich zählte, wie Gewalt, Drogen und Langeweile? Was war das für eine Stimmung in der eingemauerten halben Stadt?

Nach 25 Jahren endlich vollendet, erscheint ENEMY KIDS wie eine Zeitreise, in eine Stadt, deren Orte und Straßennamen uns zwar vertraut sind und die uns dennoch eine komplett andere Welt ist. Gänzlich auf Namedropping und Glorifizierung verzichtend, erzählt BUS 126 von einer Zeit ohne Handies und Internet, ohne Videoüberwachung und Graffitistores. Einer Zeit, in welcher Messer in bestimmten Kreisen ein ebenso normaler Hosentascheninhalt waren wie Marker, Schlägereien so selbstverständlich wie S-Bahn-Surfen und Liebe so fern wie jegliche Perspektive aus all dem jemals auszusteigen.

Titelstory: 75 Jahre Vinyl
1948 feiert die Vinyl-Platte Premiere und setzt schon bald zu einem beispiellosen Siegeszug an. Auf 38 Seiten erzählen wir diese Geschichte anhand wegweisender Platten und technischer Pioniertaten aus 75 Jahren und einer besonderen Episode unserer Reihe Master Class: über die ersten zwei Vinyl-Veröffentlichungen, die die Welt zu sehen und zu hören bekam.

London Calling
Wir besuchen den Independent Label Market in King’s Cross, auf dem unabhängige Labels ihre Veröffentlichungen präsentieren.

The Original Source
Die Deutsche Grammophon startet eine audiophile LP-Reihe. Wir reden mit dem zuständigen Tonmeister Rainer Maillard von den Emil Berliner Studios.

Frank Kozik
Ein Nachruf auf den Plakat- und Cover-Designer, der auch als Labelmacher hinter Man’s Ruin Rockgeschichte schrieb.

Enthüllt: Ian Dury
Die Hintergründe und Geheimnisse des Covers von Ian Durys New Boots And Panties!!, fotografiert von Chris Gabrin.

Soundtrack Of My Life
Der Bochumer Schriftsteller und Kabarettist Frank Goosen über eine ganz besondere Picture-Disc seiner Beatles.

Weitere Themen der Ausgabe
Praxistests zu Plattenspieler, Vollverstärker und Tonabnehmer, 125 LP-Besprechungen auf 52 Seiten, die Rubrik „33 1 / 3 Cover“, News-Features, Dr. MINT, Vinyl-Vorschau, das Sleeveface des Monats und vieles mehr.

208 x 297mm, 246 Seiten, Farbe & S/W, Gestaltung: Caroline Lei & Anita Nguyen
Sprache: englisch

Tagging wurde bisher selten ernsthaft untersucht. Die Tag Conference ist ein erster Versuch, das zeitgenössische Tagging begrifflich zu fassen und es neben seinen zahlreichen, aber weitgehend ignorierten historischen Vorläufern zu untersuchen. Das informelle Schreiben von Namen im öffentlichen Raum ist eine uralte Praxis, wahrscheinlich so alt wie die Schrift selbst. Im letzten Jahrhundert hat sie eine noch nie dagewesene Intensität erreicht und ist zum zentralen Merkmal mehrerer vollwertiger Volkskulturen auf der ganzen Welt geworden.

Die anspruchsvollste dieser Kulturen ist die Graffiti-Tradition, die sich in den 1970er Jahren in den U-Bahnen von New York City entwickelte. Unter dem Einfluss dieser Tradition wird das Schreiben von Namen heute allgemein mit dem Slangbegriff "Tagging" bezeichnet.

Die Tag Conference bot einen Raum für Diskussionen über das Tagging, über sein Wesen, seine Bedeutung und seine Geschichte sowie über die verschiedenen Tagging-Traditionen und -Kulturen, die es gibt und gegeben hat.

Clubs und subkulturelle Freiräume prägen Berlin seit Jahrzehnten und machen die Stadt zu einem Sehnsuchtsort für Menschen aus aller Welt. Legendär sind zum Beispiel die Treffpunkte des Punk- und New-Wave-Untergrunds der 1980er Jahre oder die Technoclubs aus den 1990ern. Die Party- und Konzertlocations sind dabei oftmals auch Zeugen der bewegten Geschichte der Stadt, erzählen vom Kalten Krieg oder dem Fall der Berliner Mauer. Dieses Buch ist ihnen gewidmet, darunter berühmte Diskotheken, geheime Treffpunkte der DDR-Opposition und subkulturelle Abenteuerspielplätze verschiedenster Couleur. Viele dieser Orte existieren heute nicht mehr oder haben eine ungewisse Zukunft. Sie berichten von einem Berlin, das es nicht mehr gibt, und davon, wie stark die Club- und Subkultur von Verdrängung betroffen ist.Tine Fetz hat 60 dieser "Places" in Illustrationen verewigt, ihre Geschichten hat Daniel Schneider aufgeschrieben. Die Texte sind sowohl auf Deutsch als auch auf Englisch abgedruckt.

Dieser Band ist die zweite Ausgabe der Triologie Decades (Bd. 1 1990-2000 / Bd. 3 2010-2020), die 30 Jahre Graffiti in Berlin präsentiert. Mit einer Auswahl aus tausenden Fotos wird auf eine einzigartige Art und Weise ein Abbild der Entwicklung der Graffiti-Subkultur in Berlin geschaffen. Zusätzlich geben eine Vielzahl persönlicher Texte der Writer einen intimen Einblick in deren Erlebnisse und Sichtweisen. In diesen Ausführungen wird einerseits ein sehr plastisches Bild der Lebenswelt der Berliner Graffiti-Szene abgebildet, zum anderen wird hierbei das Berlin vergangener Tage für den Leser erfahrbar gemacht.

Der zweite Band 2000-2010 beinhaltet Portraits mit vielen Fotos und persönlichen Texten zu folgenden Graffiti-Writer und Crews:

Chika, CO2, Dike, Drow, Ehsone, Exot, FLS, Gate, HK, Kamel43, Kaze, Metro, MR.IX, MRN, Nerz, Pack, Past2, Relax, Rino, Roger, Sabe, Smash, Skar, Skey, Spair, TFZ, Tier + P. Berg Spezial mit einem Text von MC Bomber

Im Buch enthalten sind ebenso gemischte Kapitel mit hunderten Fotos vieler weiterer Graffiti-Writer und –Crews aus den 00ern. Berlins Graffiti in den 00er Jahre war geprägt von Transformation und Weiterentwicklung. Viele Writer aus den 90ern haben das Malen von illegalem Graffiti aufgegeben, ein paar sind geblieben und viele Leute, besonders aus dem Ostteil der Stadt, sind nachgerückt. Nach dem „Wildstyle-Diktat“ der 90er pluralisieren sich die Ausprägungsformen der Buchstabengestaltung nun. Die Repression gegen illegales Graffiti und die Professionalisierung der Writer im Umgang damit verstärken sich, die Anzahl der angebrachten Graffiti auf Zügen steigt enorm. Ein Großteil der Abbildungen im Buch beschäftigt sich somit wieder mit der Disziplin des Trainwritings. Ein weiteres großes Thema in Decades 2 ist die massive Veränderung des Erscheinungsbildes Berlins, die sich vor allem im Ostteil der Stadt vollzieht. Die braunen, bröckelnden Fassaden und die Baulücken samt der Brandwände verschwinden. Mit ihnen gehen Graffiti Streetpieces einer ganzen Dekade verloren. Besonders betroffen ist der Prenzlauer Berg, an keinem anderen Ort in Berlin, wird der radikale Umbau der Stadt so deutlich wie hier. Berlin bekommt sein neues hippes Gesicht. Die portraitierten Writer in diesem Band sprechen über ihre persönliche Entwicklung, ihre Wahrnehmung der Veränderung der Stadt und wie sich die Styles und die ästhetische Bewertung dieser auf ihr künstlerisches Schaffen und die individuelle Betrachtung auswirkt haben. Entstanden ist ein weiteres umfassendes Werk mit tiefen Einblicken in die unterschiedlichen Charaktere, Denkweisen und Lebensläufe der abgebildeten Protagonisten.