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Nach dem Studioalbum 'Two Sisters' und dem Archiv-Sampler 'Selected Works 1&2' veröffentlicht die kanadische Komponistin & Performerin Sarah Davachi mit 'Long Gradus' ein Auftragswerk seitens des Montrealer Streicherquartetts Quatuor Bozzini für ein beliebiges Ensemble aus vier ähnlichen Instrumenten mit dem Untertitel 'Harmonische Beobachtungen in vier Teilen'.

4 Hands ist ein intimes Gespräch unter Freunden — geführt mit den Händen auf dem Klavier. Es ist eine surreal anmutende musikalische Konversation zwischen dem deutschen Klangpionier Hans-Joachim Roedelius und dem US-amerikanischen Komponisten Tim Story. Eindrucksvoll belegt dieses Gemeinschaftsprojekt, welch herzerwärmende und zugleich außerweltliche Schönheit entstehen kann, wenn sich zwei Menschen aus unterschiedlichen, sich überschneidenden Richtungen ihrem geliebten Instrument annähern.

Nacheinander auf ein und demselben Flügel aufgenommen, begann die Arbeit an 4 Hands, als Roedelius im Mai 2019 seinen langjährigen Freund Story in den USA besuchte und spontan eine Reihe von Klavieretüden einspielte. Tim setzte sich daraufhin intensiv mit den komplexen Phrasierungen auseinander und nutzte die folgenden Monate, um seine eigenen Ideen dazu in Klangfiguren zu fassen.

„Den Kern dieser Kompositionen schufen wir gemeinsam, wobei wir das Klavier zum Teil mit verschiedenen Gegenständen (oder auch meinen Händen) präparierten und wir zunächst Achims Passagen auf Band festhielten. Ich schrieb in den Monaten danach weiter und verfeinerte meine Parts. Da das gesamte Album auf demselben Flügel aufgenommen wurde, hat es insgesamt einen konsistenten, einheitlichen Klang — wobei unsere individuellen Beiträge hoffentlich zu einer einzigen, ganzheitlichen Stimme verschmelzen“, so Story. 4 Hands vereint minimalistische Klangfiguren, in deren Verlauf sich immer wieder ganz zart ein geisterhaftes Zusammenspiel offenbart und überraschende harmonische Wendungen aufblitzen: Roedelius’ auf Instinkt, Intuition und Improvisation basierender Ansatz geht mit Storys gegenläufiger Herangehensweise Hand in Hand, wenn der US-Amerikaner Ideen über längere Zeiträume herausdestilliert. Es entstehen zwei Seiten, zwei Perspektiven einer fesselnden Konversation, die zum Nachdenken anregt und mit jedem Anhören neue Gestalt annimmt, neue Tiefen aufzeigt.

„4 Hands ist mehr als bloß ein neues Album — die logische Fortsetzung einer langjährigen Freundschaft zwischen zwei Komponisten“, ergänzt Roedelius. „Es geht um Achtsamkeit, ums Erhören anstelle von Zuhören, und darum, eine neue Klangsprache zu entwickeln, indem wir uns vor den unendlichen Möglichkeiten verneigen, die das Klavier bietet, das von unseren vier Händen gespielt wird. Für mich drücken diese Kompositionen eine ganz eigene Art von Schönheit aus. Was sie evozieren, ist mehr als die Summe ihrer Teile; sie sind ein wortloser Dialog, eine Brücke über das große Wasser, das unsere Kulturen voneinander trennt. Allons enfants des deux patrie, haha!“

Gut vierzig Jahre Freundschaft bilden das Fundament dieser elf Stücke, die auf hochsensiblem Einfühlungsvermögen basieren, so dass eine Art der Kommunikation entsteht, die keiner Worte bedarf. Vom eröffnenden „Nurzu“ — so unmittelbar, ermutigend und aufmunternd wie im deutschen Titel angedeutet, bis zum abschließenden „Ba“ — im Japanischen der „Ort, an dem etwas stattfindet“: Die Titel weisen allenfalls auf mögliche Assoziationen hin und unterstreichen so auch, welche Rolle Humor und Unbeschwertheit für das befreundete Duo spielen, und wie spielerisch vielfältig und mehrdeutig ihre Kompositionen selbst sind.

Die erste Single „Spirit Clock“ verdankt ihren Titel Robert Raths, dem Gründer von Erased Tapes, nachdem dieser Begriff in einem längeren Gespräch über die Faktoren Zeit und Timing aufgekommen war: „Ich finde, dieser Ausdruck – Spirit Clock – bringt wirklich perfekt auf den Punkt, was hier passiert: Es gibt da so eine unsichtbare Verbindung zwischen Achim und Tim, eine ganz besondere, unglaublich starke Energie, die immer dann frei wird, wenn die beiden zusammen Musik machen — selbst dann, wenn diese Zusammenarbeit in verschiedenen Zeitdimensionen stattfindet. Diese metaphysische Verschränkung ihrer vier Hände auf ein und demselben mechanischen Instrument, aufgenommen zu unterschiedlichen Zeitpunkten, hat etwas Technisches und zugleich etwas zutiefst Spirituelles — das finde ich daran so faszinierend.“

Während das gleichermaßen widersprüchliche „Allegro Estinto“ auf ein lebhaftes und dabei doch möglichst sanftes Tempo verweist — „lebendig-erloschen“, so wörtlich übersetzt aus dem Italienischen, tragen die mitunter zirpenden, auf präpariertem Klavier aufgenommen Stücke so phonetisch treffende Titel wie „Seeweed“, „Crisscrossing“ oder auch „Skitter“. Die persönlichste Komposition des Albums trägt den Titel „Haru“: Sie ist dem gemeinsamen Freund und Wegbegleiter Harold Budd (1936-2020) gewidmet, dem Story dieses Stück kurz vor dessen Tod gezeigt hatte. Bei ihrer ersten Begegnung in Los Angeles vor 25 Jahren, so erinnert sich Tim, hatte Budd zufällig beide Musiker mit den Worten „Go ahead, let’s do it!“ („Nur zu, lass es uns machen!“) verabschiedet.

Seit drei Jahrzehnten für seine wegweisenden Auftritte und Aufnahmen gefeiert, ist der Grammy-nominierte US-Komponist Tim Story für seine einzigartige Mischung aus Komposition und innovativem Sounddesign bekannt. Der in Berlin geborene und heute in Österreich lebende Komponist Hans-Joachim Roedelius hat mit seiner gut fünf Jahrzehnte umspannenden Karriere, in deren Verlauf er solo und in verschiedenen Konstellationen mehr als 100 Alben veröffentlichen sollte, gleich mehrere Generationen von Musiker*innen geprägt. Angefangen beim bahnbrechenden Trioprojekt Kluster (von Conrad Schnitzler ins Leben gerufen), später Cluster (mit Dieter Moebius), bis hin zu genreübergreifenden Soloveröffentlichungen und Aufnahmen mit Größen wie Brian Eno, hat Roedelius die Entwicklungen in den Bereichen Ambient, elektronische und experimentelle Musik entscheidend geprägt — und ist zwischenzeitlich auch immer wieder in schwer definierbare, im Interferenzbereich des Klaviers liegende Klangregionen aufgebrochen.

Seit langer Zeit eng miteinander befreundet, haben Roedelius und Story im Laufe der Jahre bereits an unterschiedlichen Projekten zusammengearbeitet – unter anderem an den gefeierten Alben Lunz (2003), Inlandish (2007), Lazy Arc (2014) und zuletzt Lunz 3 (2019), das vom US-Sender National Public Radio (npr) in die „Best Music of 2019“-Auswahl aufgenommen wurde.

4 Hands ist ein intimes Gespräch unter Freunden — geführt mit den Händen auf dem Klavier. Es ist eine surreal anmutende musikalische Konversation zwischen dem deutschen Klangpionier Hans-Joachim Roedelius und dem US-amerikanischen Komponisten Tim Story. Eindrucksvoll belegt dieses Gemeinschaftsprojekt, welch herzerwärmende und zugleich außerweltliche Schönheit entstehen kann, wenn sich zwei Menschen aus unterschiedlichen, sich überschneidenden Richtungen ihrem geliebten Instrument annähern.

Nacheinander auf ein und demselben Flügel aufgenommen, begann die Arbeit an 4 Hands, als Roedelius im Mai 2019 seinen langjährigen Freund Story in den USA besuchte und spontan eine Reihe von Klavieretüden einspielte. Tim setzte sich daraufhin intensiv mit den komplexen Phrasierungen auseinander und nutzte die folgenden Monate, um seine eigenen Ideen dazu in Klangfiguren zu fassen.

„Den Kern dieser Kompositionen schufen wir gemeinsam, wobei wir das Klavier zum Teil mit verschiedenen Gegenständen (oder auch meinen Händen) präparierten und wir zunächst Achims Passagen auf Band festhielten. Ich schrieb in den Monaten danach weiter und verfeinerte meine Parts. Da das gesamte Album auf demselben Flügel aufgenommen wurde, hat es insgesamt einen konsistenten, einheitlichen Klang — wobei unsere individuellen Beiträge hoffentlich zu einer einzigen, ganzheitlichen Stimme verschmelzen“, so Story. 4 Hands vereint minimalistische Klangfiguren, in deren Verlauf sich immer wieder ganz zart ein geisterhaftes Zusammenspiel offenbart und überraschende harmonische Wendungen aufblitzen: Roedelius’ auf Instinkt, Intuition und Improvisation basierender Ansatz geht mit Storys gegenläufiger Herangehensweise Hand in Hand, wenn der US-Amerikaner Ideen über längere Zeiträume herausdestilliert. Es entstehen zwei Seiten, zwei Perspektiven einer fesselnden Konversation, die zum Nachdenken anregt und mit jedem Anhören neue Gestalt annimmt, neue Tiefen aufzeigt.

„4 Hands ist mehr als bloß ein neues Album — die logische Fortsetzung einer langjährigen Freundschaft zwischen zwei Komponisten“, ergänzt Roedelius. „Es geht um Achtsamkeit, ums Erhören anstelle von Zuhören, und darum, eine neue Klangsprache zu entwickeln, indem wir uns vor den unendlichen Möglichkeiten verneigen, die das Klavier bietet, das von unseren vier Händen gespielt wird. Für mich drücken diese Kompositionen eine ganz eigene Art von Schönheit aus. Was sie evozieren, ist mehr als die Summe ihrer Teile; sie sind ein wortloser Dialog, eine Brücke über das große Wasser, das unsere Kulturen voneinander trennt. Allons enfants des deux patrie, haha!“

Gut vierzig Jahre Freundschaft bilden das Fundament dieser elf Stücke, die auf hochsensiblem Einfühlungsvermögen basieren, so dass eine Art der Kommunikation entsteht, die keiner Worte bedarf. Vom eröffnenden „Nurzu“ — so unmittelbar, ermutigend und aufmunternd wie im deutschen Titel angedeutet, bis zum abschließenden „Ba“ — im Japanischen der „Ort, an dem etwas stattfindet“: Die Titel weisen allenfalls auf mögliche Assoziationen hin und unterstreichen so auch, welche Rolle Humor und Unbeschwertheit für das befreundete Duo spielen, und wie spielerisch vielfältig und mehrdeutig ihre Kompositionen selbst sind.

Die erste Single „Spirit Clock“ verdankt ihren Titel Robert Raths, dem Gründer von Erased Tapes, nachdem dieser Begriff in einem längeren Gespräch über die Faktoren Zeit und Timing aufgekommen war: „Ich finde, dieser Ausdruck – Spirit Clock – bringt wirklich perfekt auf den Punkt, was hier passiert: Es gibt da so eine unsichtbare Verbindung zwischen Achim und Tim, eine ganz besondere, unglaublich starke Energie, die immer dann frei wird, wenn die beiden zusammen Musik machen — selbst dann, wenn diese Zusammenarbeit in verschiedenen Zeitdimensionen stattfindet. Diese metaphysische Verschränkung ihrer vier Hände auf ein und demselben mechanischen Instrument, aufgenommen zu unterschiedlichen Zeitpunkten, hat etwas Technisches und zugleich etwas zutiefst Spirituelles — das finde ich daran so faszinierend.“

Während das gleichermaßen widersprüchliche „Allegro Estinto“ auf ein lebhaftes und dabei doch möglichst sanftes Tempo verweist — „lebendig-erloschen“, so wörtlich übersetzt aus dem Italienischen, tragen die mitunter zirpenden, auf präpariertem Klavier aufgenommen Stücke so phonetisch treffende Titel wie „Seeweed“, „Crisscrossing“ oder auch „Skitter“. Die persönlichste Komposition des Albums trägt den Titel „Haru“: Sie ist dem gemeinsamen Freund und Wegbegleiter Harold Budd (1936-2020) gewidmet, dem Story dieses Stück kurz vor dessen Tod gezeigt hatte. Bei ihrer ersten Begegnung in Los Angeles vor 25 Jahren, so erinnert sich Tim, hatte Budd zufällig beide Musiker mit den Worten „Go ahead, let’s do it!“ („Nur zu, lass es uns machen!“) verabschiedet.

Seit drei Jahrzehnten für seine wegweisenden Auftritte und Aufnahmen gefeiert, ist der Grammy-nominierte US-Komponist Tim Story für seine einzigartige Mischung aus Komposition und innovativem Sounddesign bekannt. Der in Berlin geborene und heute in Österreich lebende Komponist Hans-Joachim Roedelius hat mit seiner gut fünf Jahrzehnte umspannenden Karriere, in deren Verlauf er solo und in verschiedenen Konstellationen mehr als 100 Alben veröffentlichen sollte, gleich mehrere Generationen von Musiker*innen geprägt. Angefangen beim bahnbrechenden Trioprojekt Kluster (von Conrad Schnitzler ins Leben gerufen), später Cluster (mit Dieter Moebius), bis hin zu genreübergreifenden Soloveröffentlichungen und Aufnahmen mit Größen wie Brian Eno, hat Roedelius die Entwicklungen in den Bereichen Ambient, elektronische und experimentelle Musik entscheidend geprägt — und ist zwischenzeitlich auch immer wieder in schwer definierbare, im Interferenzbereich des Klaviers liegende Klangregionen aufgebrochen.

Seit langer Zeit eng miteinander befreundet, haben Roedelius und Story im Laufe der Jahre bereits an unterschiedlichen Projekten zusammengearbeitet – unter anderem an den gefeierten Alben Lunz (2003), Inlandish (2007), Lazy Arc (2014) und zuletzt Lunz 3 (2019), das vom US-Sender National Public Radio (npr) in die „Best Music of 2019“-Auswahl aufgenommen wurde.

Penguin Cafe melden sich im Frühjahr mit einer exklusiven Jubiläumsedition zurück: Die liebevoll produzierte Neuauflage ihres 2011 veröffentlichten Debütalbums erscheint am 29. April unter dem Titel A Matter of Life... 2021. Komplett neu gemastert und zum 10. Jubiläum auch erstmals auf Vinyl erhältlich, besticht die Edition außerdem mit einer brandneuen Interpretation der Leadsingle Harry Piers, die Arthur Jeffes im vergangenen Jahr aufgenommen hat. Der Song ist seinem verstorbenem Vater Simon Jeffes gewidmet, der das Penguin Cafe Orchestra einst gegründet hatte. Das Debüt, an dessen Entstehung damals ganz unterschiedliche Persönlichkeiten mitwirken sollten - u.a. Neil Codling von Suede oder auch Gorillaz-Schlagzeuger Cass Browne -, basierte auf der ästhetischen Grundhaltung des ursprünglichen PCO und machte daraus einen selbstbewussten, neu definierten Sound: immer noch durch und durch Englisch, immer noch ähnlich verwurzelt, aber zugleich ganz anders, unterwegs zu etwas vollkommen Eigenem und Neuem... Auch das Original-Artwork des Debüts bekam ein Update: Zu sehen ist eine grandiose Aufnahme des angestammten britischen Fotografen Alex Kozobolis, der Arthur dafür in seiner zweiten Heimat in der Toskana besucht hat. Raths' visuelles Konzept bestand darin, nicht bloß das Originalgemälde von Emily Young mit fotografischen Mitteln nachzustellen, sondern zugleich den Generationswechsel auszudrücken, indem er Arthur und dessen kleine Tochter an die Stelle des kleinen Jungen und der Kaiserpinguinfigur setzt, die auf dem Originalcover Vater und Sohn darstellen. Die zum 10. Jubiläum erscheinende Remaster-Neuauflage A Matter of Life... 2021 ist ab dem 29. April 2022 digital, auf CD sowie erstmals auch auf Vinyl erhältlich.

Penguin Cafe melden sich im Frühjahr mit einer exklusiven Jubiläumsedition zurück: Die liebevoll produzierte Neuauflage ihres 2011 veröffentlichten Debütalbums erscheint am 29. April unter dem Titel A Matter of Life... 2021. Komplett neu gemastert und zum 10. Jubiläum auch erstmals auf Vinyl erhältlich, besticht die Edition außerdem mit einer brandneuen Interpretation der Leadsingle Harry Piers, die Arthur Jeffes im vergangenen Jahr aufgenommen hat. Der Song ist seinem verstorbenem Vater Simon Jeffes gewidmet, der das Penguin Cafe Orchestra einst gegründet hatte. Das Debüt, an dessen Entstehung damals ganz unterschiedliche Persönlichkeiten mitwirken sollten - u.a. Neil Codling von Suede oder auch Gorillaz-Schlagzeuger Cass Browne -, basierte auf der ästhetischen Grundhaltung des ursprünglichen PCO und machte daraus einen selbstbewussten, neu definierten Sound: immer noch durch und durch Englisch, immer noch ähnlich verwurzelt, aber zugleich ganz anders, unterwegs zu etwas vollkommen Eigenem und Neuem... Auch das Original-Artwork des Debüts bekam ein Update: Zu sehen ist eine grandiose Aufnahme des angestammten britischen Fotografen Alex Kozobolis, der Arthur dafür in seiner zweiten Heimat in der Toskana besucht hat. Raths' visuelles Konzept bestand darin, nicht bloß das Originalgemälde von Emily Young mit fotografischen Mitteln nachzustellen, sondern zugleich den Generationswechsel auszudrücken, indem er Arthur und dessen kleine Tochter an die Stelle des kleinen Jungen und der Kaiserpinguinfigur setzt, die auf dem Originalcover Vater und Sohn darstellen. Die zum 10. Jubiläum erscheinende Remaster-Neuauflage A Matter of Life... 2021 ist ab dem 29. April 2022 digital, auf CD sowie erstmals auch auf Vinyl erhältlich.

Mit Music For Animals legt er das erste neue Studiomaterial seit dem Release von All Melody 2018 und dem ein Jahr später erschienenen zugehörigen Album All Encores vor. Mit insgesamt zehn Tracks und einer Spielzeit von über drei Stunden stellt Music For Animals eine ebenso ambitionierte wie auch faszinierende Ausnahme in Frahms bisherigem Schaffen dar: Während der Piano Day-Initiator diesmal komplett auf den Einsatz eines Klaviers verzichtet, bleibt er gleichzeitig seinen stilistischen Markenzeichen treu, die das einflussreiche Werk des Künstlers in den vergangenen beiden Dekaden ausgezeichnet haben.

Music For Animals entfaltet sich in einem gemächlichen, meditativen Tempo und wird durch das Zusammenspiel von Klangfarben, Timbre und Textur zu einem eindringlichen und intensiven Erlebnis. „Meine ständige Inspiration war“, so Frahm, „sich etwas ähnlich Hypnotisierendes wie einen riesigen Wasserfall oder die Blätter eines Baumes im Sturm anzuschauen. Es ist gut, dass wir Symphonien und andere Musik hören können, die eine gewisse Entwicklung haben. Aber der Wasserfall und die Blätter brauchen keinen ersten, zweiten oder dritten Akt und keinen Höhepunkt. Manche Leute sehen einfach gerne zu, wie das Wasser fällt, hören die Blätter rascheln und beobachten, wie sich die Äste bewegen. Dieses Album ist für sie.“

Mit einer Länge von drei Stunden mag Music For Animals auf den ersten Blick einschüchternd wirken – tatsächlich aber lädt dieses umfangreiche Werk das Publikum ein, so tief in seine Ruhe einzutauchen wie gewünscht und es je nach Bedarf mehr oder weniger aufmerksam zu genießen. Oder wie es Frahm ausdrückt: „Es geht alles auf diesen Wasserfall zurück. Wenn du ihn beobachten willst, dann beobachte ihn. Wenn nicht, dann musst du das auch nicht. Er wird immer derselbe sein, aber eben nie ganz derselbe.“ In der Tat die größte Stärke von Music For Animals: Sofort wiedererkennbar und doch mit nichts zu vergleichen.

Das 4LP-Vinyl-Set ist in einem single-pocket Cardboard Jacket untergebracht und wird durch antistatische, polygefütterte Innenhüllen geschützt.

Mit Mit Music For Animals legt er das erste neue Studiomaterial seit dem Release von All Melody 2018 und dem ein Jahr später erschienenen zugehörigen Album All Encores vor. Mit insgesamt zehn Tracks und einer Spielzeit von über drei Stunden stellt Music For Animals eine ebenso ambitionierte wie auch faszinierende Ausnahme in Frahms bisherigem Schaffen dar: Während der Piano Day-Initiator diesmal komplett auf den Einsatz eines Klaviers verzichtet, bleibt er gleichzeitig seinen stilistischen Markenzeichen treu, die das einflussreiche Werk des Künstlers in den vergangenen beiden Dekaden ausgezeichnet haben.



Music For Animals entfaltet sich in einem gemächlichen, meditativen Tempo und wird durch das Zusammenspiel von Klangfarben, Timbre und Textur zu einem eindringlichen und intensiven Erlebnis. „Meine ständige Inspiration war“, so Frahm, „sich etwas ähnlich Hypnotisierendes wie einen riesigen Wasserfall oder die Blätter eines Baumes im Sturm anzuschauen. Es ist gut, dass wir Symphonien und andere Musik hören können, die eine gewisse Entwicklung haben. Aber der Wasserfall und die Blätter brauchen keinen ersten, zweiten oder dritten Akt und keinen Höhepunkt. Manche Leute sehen einfach gerne zu, wie das Wasser fällt, hören die Blätter rascheln und beobachten, wie sich die Äste bewegen. Dieses Album ist für sie.“



Mit einer Länge von drei Stunden mag Music For Animals auf den ersten Blick einschüchternd wirken – tatsächlich aber lädt dieses umfangreiche Werk das Publikum ein, so tief in seine Ruhe einzutauchen wie gewünscht und es je nach Bedarf mehr oder weniger aufmerksam zu genießen. Oder wie es Frahm ausdrückt: „Es geht alles auf diesen Wasserfall zurück. Wenn du ihn beobachten willst, dann beobachte ihn. Wenn nicht, dann musst du das auch nicht. Er wird immer derselbe sein, aber eben nie ganz derselbe.“ In der Tat die größte Stärke von Music For Animals: Sofort wiedererkennbar und doch mit nichts zu vergleichen.



Das 4LP-Vinyl-Set ist in einem single-pocket Cardboard Jacket untergebracht und kommt in einer speziellen Edition mit hochwertigen, dreilagigen, antistatischen Innenhüllen (Mobile Fidelity Sound Lab’s Original Master Sleeves).