HHV Exclusives 110 Artikel

Vor sechs Jahren veröffentlichten Oum Shatt ein von der Kritik gefeiertes Debütalbum, das zu Auszeichnungen als Song des Jahres von Berlin Radio Eins ("Gold To Straw") und TAZ Popblog ("Power To The Women Of The Morning Shift") sowie zu BBC- und Arte-Features und Auftritten beim Sxsw, Transmusicales in Frankreich und Electric Picnic in Irland führte.

Jetzt meldet sich die Berliner Band, deren Mitglieder sonst von Bands wie Kissogram, Fenster, Die Türen, Golden Showers und Peaches bekannt sind - bestehend aus Sänger und Songwriter Jonas Poppe, Gründungsmitglied Chris Imler am Schlagzeug, Gitarrist Richard Murphy und Rémi Letournelle am Bass und Synthesizer - mit einem zweiten Werk zurück, das ihr Debüt noch übertrifft. Aufbauend auf dem Minimal-Rock-Stil ihres Debütalbums (Vogue Magazine), weben OUM Shatt eine mystische, manchmal psychedelische Klanglandschaft mit mäandernden Gitarren, einer wilden perkussiven Ästhetik und Jonas Poppes beschwörendem, mantraartigen Bariton. "Opt Out" ist auch ein thematisches Konzeptalbum, das sich mit den verschiedenen Formen des Widerstands des Einzelnen gegen gesellschaftliche Erwartungen beschäftigt. Obwohl das Album auf obskure Einflüsse zurückgreift, bleibt es unverkennbar einzigartig.

Limitiert auf 100 Stück.

Coming-Of-Age Herzschmerz-Wahnsinn im 90th Indierock-Style aus dem Ruhrgebiet! Hier kommen EAT THEM, meine Damen und Herren. Dahinter steckt der Musiker Johannes Hofmann, der bis zum heutigen Tag schon mehr als 20 Alben im Alleingang aufgenommen hat. Und keine Sorge, Johannes ist gerade mal Mitte 20, er hat bloß schon im Alter von 14 begonnen, Musik aufzunehmen, die er dann für seine Oma zum Vorspielen auf CDs gebrannt hat. Wenig später dann der eigene Bandcamp-Account.
Nun erscheint Ende Juni eine Art Best-Of-Collection aus den ersten 10 Jahren seines kreativen Schaffens: EAT THEM ALL!

12 Tracks auf Vinyl mit einem beigelegten kleinen Art-Zine. Alles gestaltet von Joahnnes Hofmann himself.

Alle Songs remastert von Norman Nietzsche. So wird aus Lo-Fi im Handumdrehen Hi-Fi-Lo-Fi!

Gedacht ist die LP als Einstieg ins unerschöpfliche EAT THEM Multiversum. Denn hier gibt es in etwa so viel zu entdecken, wie beim legendären Shimmy-Disc-Label oder den Guided By Voices: Indierock, Lo-Fi-Pop, Shoegaze, Krautrock, Mathrock, Punkrock oder herzzerreißende Power-Balladen! Inzwischen hat Johannes zwei Mitstreiter gefunden, um EAT THEM auch live auf die Bühne zu bringen. Das solltet Ihr bitte nicht verpassen!

Wie sagte (Tocotronic-Entdeckerin) Myriam Brüger nach der ersten EAT THEM Show in Berlin neulich so schön: „Endlich mal wieder eine richtig uncoole Band!“ Das war tatsächlich als großes Kompliment gemeint!

Passend zum holistischen Aspekt des Projekts - und ergänzend zum Bandnamen - “ALL” betitelt, deckt das Album die volle Bandbreite ab: von Drum-Machine-und Sonic-Youth-Gitarren-Melange, nervösem Post-Funk bis hymnischem Lo-Fi-Indie-Rock findet sich hier alles, was das Indie-Herz begehrt.

Als erste Single erscheint heute “Do You Love Me When I’m Dead?”, ein eingängiger Song, der klanglich dort stattfindet, wo es in der reichen Geschichte des suburbanen Pop am schönsten ist: in der Garage. Dabei reflektiert das Stück das um Bass und Schlagzeug erweiterte Live-Line-Up. Fröhlich scheppert der Beat, und die offenen Gitarrenakkorde fließen! Jedoch transzendiert Hofmann mit verhalltem Gesang über emotionalen Bewegungsdrang die Vorstadt und fliegt in die City, die Disco oder auch durch Wolken und Landschaft.

Spätestens jetzt mit der Veröffentlichung ihres dritten Albums 'X's' stehen Cigarettes After Sex im Zentrum der Aufmerksamkeit nicht nur als eine der herausragenden Indie-Bands der Gegenwart, sondern überhaupt als eine der weltweit erfolgreichsten Bands egal welchen Genres, deren oft unkonventioneller Weg zum Superstartum dazu beigetragen hat, die Definition von Erfolg für Künstler in der heutigen Zeit neu zu definieren.

In rohen, fantasievollen, manchmal schmutzigen Vignetten, die von hinreißenden, langsam vor sich hinschreitenden Popsongs untermalt werden, fängt Bandleader Greg Gonzalez alle Emotionen ein, die eine romantische Beziehung hervorruft. Doch während frühere Alben aus einem Sammelsurium von Beziehungen schöpften, konzentriert sich das dritte Album 'X's' auf eine einzige Beziehung, die sich über vier Jahre erstreckte. "Die Platte fühlt sich brutal an", gibt Gonzalez zu. "Ich könnte mich hinsetzen und mit jemandem über diesen Verlust reden, aber das würde nicht mal an der Oberfläche kratzen. Ich muss wirklich darüber schreiben, darüber singen, die Musik dazu haben, erst dann kann ich anfangen, es zu analysieren und daraus zu lernen. Oder ich erlebe es einfach noch einmal - auf eine gute Art und Weise.“

Gonzalez hält sich nach wie vor an die klassischen Strukturen des Popsongs, hat sich aber von den klanglichen Eckpfeilern der 50er und 60er Jahre entfernt und fühlt sich nun vom Slow Dance der 70er/80er Jahre angezogen. Auch wenn diese Veränderungen (in typischer Cigarettes-Manier) subtil sein mögen, so ist das Resultat doch eine andere Energie, eher vergleichbar mit Tränen, die sich in der Discokugel brechen, um ein starkes Bild zu bemühen.

Krautige Cumbia der Zukunft trifft auf unverzerrte Gitarre! Bewusstseinserweiternd! Der in Bogotá lebende kolumbianische Komponist Eblis Alvarez, bekannt als Meridian Brothers, kreiert seit 1998 eine einzigartige Mischung aus psychedelischen Klängen. Mit seinem neuesten Projekt "Mi Latinoamérica Sufre" erkundet Alvarez das ungenutzte Potenzial der E-Gitarre in einem tropischen Latin-Kontext. Inspiriert von afrikanischen Highlife- und Soukous-Traditionen schafft Alvarez ein furchtloses Klangexperiment voller Erfindungsreichtum, Verspieltheit und Emotionen. Im Gegensatz zu typischen tropischen Gitarrenalben verzichtet dieses Album auf Verzerrung und Klischees und setzt stattdessen auf einen reinen, sauberen Ansatz. Mit komplizierten Kompositionen, die Cumbia, Champeta, Soukous, brasilianische Tropicalia und psychedelischen Underground-Rock mischen, huldigt Alvarez der goldenen Ära der kongolesischen Rumba, des ghanaischen Highlife und des nigerianischen Afrobeat. "Mi Latinoamérica Sufre" ist ein Egotrip, der eine humorvolle und zugleich introspektive Reise der Selbstfindung und Identität darstellt. Die Hauptfigur, Junior Maximiliano der Dritte, navigiert mit Hilfe psychedelischer Substanzen, politischer Philosophie und Folklore durch die Komplexität der Selbstfindung. Während er sich mit Nostalgie, Paranoia und geteiltem Leid auseinandersetzt, stellt Alvarez sein stimmliches Können unter Beweis und schafft ein akustisches Theater des Geistes. Begleitet von visuellen Erzählungen des kolumbianischen Künstlers Mateo Rivano, porträtiert das Album verschiedene psychologische Zustände von Desorientierung, Selbstmitleid, Erleuchtung und Optimismus. "Mi Latinoamérica Sufre" entpuppt sich als würdige und innovative Ergänzung der Konzeptalbum-Tradition und bietet eine unverwechselbare Mischung aus bittersüßen Aromen, die von Latinoamérica inspiriert sind.

Schön rote Version des neuen Albums, limitiert auf 200 Stück.
Brezel Göring – die Grand Dame des Berliner Chansons bzw. des Chansons Kaputt, die funkelnde Punkprinzessin Kreuzbergs, die mit Glamour und anarchistischem Humor wie eine Flipperkugel an jeder musikalischen Erwartungshaltung abprallt – wechselt spielerisch und meisterhaft zwischen unzähligen Genres und saust ungebremst von einer Attraktion zur nächsten!

Wo auf dem Vorgängeralbum Psychoanalyse Volume 2 Fragenzeichen den Plattenrücken zierten, müssten es hier eigentlich Ausrufezeichen tun, denn die Platte hat Schmiss, ist mitreißend, temporeich, macht gute Laune, ist sehr verspielt und extrem facettenreich. Vor allem ist sie extrem. Thematisch, lyrisch und musikalisch. Es finden sich Referenzen zu Klassik, japanischen Blues, Diskomusik, Punk, Hiphop und natürlich französischen Chansons. Friedhof der Moral ist ein musikalisches Feuerwerk, sprachgewaltig, voller filmischer Kurzszenen und bringt unsere Synapsen zum Glühen.

Begeistert begeben wir uns auf die rasante Reise ins musikalische Universum von Brezel Göring – es ist eine unbändige, wilde und grenzenlose Reise. Gleich zu Beginn fliegen wir durchs All, durchqueren das komplette Planetensystem, fahren später über Italien, Frankreich und Griechenland direkt nach Tschernobyl, machen Halt im Stundenhotel, bleiben doch lieber in Berlin, schwanken die (Kreuzberger) Oranienstraße lang und treffen an der Straßenecke auf den Frühling, um dann wie ein Ufo über dieser beschissenen Stadt zu kreisen und schließlich setzt sich die Reise düster und melancholisch ins Jenseits fort … Es ist eine sehnsüchtige, sanfte Note, mit der die Platte endet und mit lieblichen Melodien und zartem Gesang ein Abschiedslied an Françoise Cactus erklingt.

So sind Einsamkeit, Dunkelheit, Sehnsucht und Tod auch bei diesen 13 Stücken stets wiederkehrende Motive und es gibt erneut einiges zu berichten aus der Themenwelt der Psychoanalyse: es geht um Obsessionen, Drogen, zwischenmenschliche Probleme, Trennungen, Vergangenheit und Aussichtslosigkeit. Die Texte sind tiefgründig und abgründig, dabei aber zuverlässig kurzweilig, poetisch, raffiniert, originell und wahnsinnig lustig. Wir treffen auf Feuerlöscher, Fast Food, Flipperautomaten, fantastische Fahrzeuge, sind sexuell aufgeladen, verzeihen nie und begraben schlussendlich unsere Moral.

Brezel Göring bleibt sich treu und erfindet sich doch neu. Und er hat sich Mitreisende an Bord geholt bei Friedhof der Moral. Seine Band Psychoanalyse ist eine illustre Truppe an Musiker:innen und Sänger:innen aus Kreuzberg, Taiwan, Frankreich, Chile und dem Sorbenland, die mit ihren ungewöhnlichen Klängen und Stimmen die Platte bereichern.
– Stefanie Mousa, Mai 2024

Brezel Göring hat darüber hinaus hier selbst noch ein paar weitere Gedanken zum Album aufgeschrieben.

Brezel Göring über „Friedhof der Moral“
Während das Thema meiner ersten Platte Psychoanalyse Volume 2, die ich direkt nach dem Tod von
Françoise Cactus aufgenommen habe, Trauer war, so ist das Thema meines neuen Albums eine andere
Art von Trauer. Die unwiederbringliche Reise in die Dunkelheit setzt sich fort – jedenfalls in den Texten,
die ich als das Wichtigste ansehe.
Psychoanalyse Volume 2 war in einsamen Nachtstunden aufgenommen worden, was sowohl in der
Geschwindigkeit als auch in der Lautstärke der Lieder hörbar ist. Die neue Platte hingegen wurde in
hysterischen Stunden der Nacht eingespielt, gemeinsam mit meiner Band Psychoanalyse. Die Musik ist
laut, schnell und räudig.
Psychoanalyse Volume 2 war die erste Platte, jetzt kommt die neue? Psychoanalyse 1? Und die Band
heißt jetzt Psychoanalyse? Ich steige selber nicht mehr durch. Der Titel dieses Albums lautet auf jeden
Fall Friedhof der Moral.
Einer Untersuchung zufolge haben sich Popmusiktexte in den letzten Jahren verändert: Zum einen gibt es
immer mehr Wort- und Satzwiederholungen, der Gebrauch der Worte "ich" und "mein" ist gestiegen und
statt universeller Zusammenhänge zu beschreiben, wird oftmals nur die nähere Lebensumgebung
negativ-kritisch betrachtet. Als ich von dieser Trenduntersuchung las, dachte ich: das klingt ja wie eine
exakte Beschreibung meiner neuen Platte!
Hier kommen einige Textzitaten, die die nihilistisch fröhlich-depressive Stimmung der Platte spiegeln (ich
unterstreiche jeweils die Worte "ich" und "mein"):
Track 1. Such dir einen Arzt - ich brauche keinen Arzt
Ihr seid Alle Teil meines Problems
Track 2. Meine Gedanken - sexuell aufgeladen
Traurigkeit - sexuell aufgeladen
Track 3. Visiteur spectaculaire: ein französisches Lied, das eigentlich nur traurig ist
Ein fernes Echo / fließende Gedanken / erreichen meine Gegenwart / Diskontinuität von Raum und Zeit
Spektakulärer Besucher in meinem Rückspiegel / Gruß aus der Vergangenheit / ich hatte dich schon fast
vergessen
mit einer gewissen Eleganz / materialisiert sich deine Gegenwart / Licht und Bild aber keine Substanz /
Beweis deiner Nichtexistenz
Track 4. Ich verzeihe nie
5. Ich will so sein wie Gudrun Ensslin
das Scheißkaufhaus anzünden
6. Ich dachte die Apokalypse läuft nicht davon
7. An der Straßenecke traf ich den Frühling
ich sagte zu ihm: hau ab
Ich brauche einen Feuerlöscher
Wäre ich ein UFO, ich würde niemals über dieser Scheißstadt kreisen
Track 8. Die Welt ist schöner - ohne Licht (bei Stereo Total hatten wir ein Lied "Mehr Licht" - dieses hier ist
die bitter-sarkastische Antwort darauf)
Track 9: In Françoises Nachlass fand ich das Buch "Obsessionen - eine Untersuchung über die Delirien
der Liebe", in welchem bestimmte Textstellen unterstrichen waren. Wenn ich jetzt diese Unterstreichungen
studiere, dann ergeben viele Geschehnisse der Vergangenheit einen neuen Sinn.
Track 10: Die letzte Kugel ist für mich
Track 11: Tilidin, ein Liebeslied an ein schmerzlinderndes Medikament
Track 12 und 13: "Friedhof der Moral", "Au revoir": diese Lieder sind selbsterklären

Nur bei HHV und im Shop der Band erhältlich!

Die Londoner Band High Vis kündigt ihr mit Spannung erwartetes neues Album Guided Tour an, das am 18. Oktober über Dais Records erscheinen soll. Gleichzeitig mit der Albumankündigung stellen High Vis die neue Single „Mind's a Lie“ vor, die für die Band neues klangliches Terrain markiert und Inspirationen aus House, Garage und Pirate Radio zu einer Dance-Punk-Hymne vereint. „Mind's a Lie“ besteht aus gesampelten weiblichen Vocals der gefeierten Südlondoner Sängerin und DJ Ell Murphy, die in einen messerscharfen Rhythmus aus tiefen Bässen, angespannten Drums und funkelnden Gitarren eingebaut sind, bevor Sänger Graham Sayle mit seiner markanten Stimme harte Wahrheiten herausposaunt.

Limitiert auf 100 Stück.

Heiko Maile und Julian Demarre, vertraut mit dem Schreiben von Popsongs und Filmmusik, arbeiten seit dem Album-Klassiker "meanwhile" von Camouflage Mitte der 90er Jahre zusammen. Während Heiko seine Arbeit am perfekten Popsong kontinuierlich weiterführte, kam es bei Julian und Heiko unabhängig voneinander zu ersten Engagements im Bereich Filmmusik. Seit die beiden begannen, auch gemeinsam an Spielfilmen zu arbeiten, wuchs in ihnen stetig das Bedürfnis, eine Liebeserklärung an die elektronische Musik der 70er und 80er Jahre zu schreiben. Mit manch esoterischen japanischen Keyboards aus den 70er Jahren, die für den Klang von morgen entwickelt wurden, entstand so ein Werk für alle Tage danach - das genreübergreifende Album Neostalgia, eine einzigartige und facettenreiche Mischung elektronischer Stile, verbunden mit einer Prise Krautrock. So finden sich dann auch auf so manchen Stücken Intros/Outros, Flöten, Flanger-Gitarren oder Vocoder, und sogar solche, die die Sechs-Minuten-Marke spielend erreichen.

Fließen, bleiben, gehen

„Wir heißen dich willkommen, Endless Rüttenscheid“, singen International Music im Titelstück zu ihrem dritten Studio-Album, das am 06. September 2024 erscheint. Der Albumtitel „Endless Rüttenscheid“ dürfte für Fans jenseits des deutschen Sprachraums eine echte Herausforderung sein. „Endless", klar, aber dann: Ein rollendes R gefolgt von einem Umlaut, ein Doppeltes T und am Ende ein hart ausgesprochenes D: Rüttenscheid. So heißt der florierende Essener Stadtteil mitten in Europa, der im Ruhrgebiet für lukratives Wachstum, aber eben auch für die allseits bekannte Gentrifizierungs-Problematik steht. Aber wie bei International Music üblich, bilden solche gesellschaftspolitischen Sujets hauptsächlich Räume, um sich darin zu verlieben, zu träumen und sich wieder zu trennen, bloß um sich eines Tages wiederzusehen. „Herz ist Trumpf“, um an dieser Stelle einfach mal die Kultband Trio zu zitieren, die mit International Music nicht nur die Besetzungsgröße gemein haben.

Pedro Goncalves Crescenti, Peter Rubel und Joel Roters haben seit ihrem Debüt-Album „Die besten Jahre“ (2018) konsequent einen eigenen, so farbenfrohen wie minimalistischen Rock-Sound entwickelt, der zwischen 60ies Beat & Boogie, 70ies Krautrock, 80ies New Wave und 90ies Shoegaze und Postrock oszilliert. Also so ziemlich allem, was der Mensch in der Formation Bass, Schlagzeug und Gitarre zusammen an freudiger Musik herstellen kann.

„Hier nur Kraut und Rüben, drüben blühen Blüten“ heißt es im Opener „Kraut“, der genauso nach CAN wie Canned Heat klingt. Und das ist das Faszinierende an dieser Band: Die besagten Dekaden, Genres und Sounds bilden im International Music-Kosmos im Grunde layers, die wie bei einer Doppelbelichtung übereinandergeschichtet werden und am Ende noch einmal durch den Vhs- oder Super-8-Recorder laufen. Die drei Wahl-Essener entwickeln mit großer Faszination für die unterschiedlichen Techniken und Gerätschaften aus mehr als 50 Jahren Rock- und Popgeschichte die eigene Musik stets weiter. Und die scheint bei International Music im wahrsten Sinne „Endless“.

Getragen werden diese Songs vom unverkennbaren Harmoniegesang von Peter Rubel & Pedro Goncalves Crescenti, die bekanntlich auch als The Düsseldorf Düsterboys ihr Unwesen treiben. Auf „Endless Rüttenscheid“ treten sie erstmals aus ihren Hallräumen an die trockene Oberfläche und verleihen ihren Stimmen und dem Text somit eine neue Nähe. Wenn es auf dem Album so etwas wie einen inhaltlichen roten Faden gibt, dann die sogenannte „Feste Beziehung“ und die damit verbundenen Fragen: Ab wann ist eine Beziehung überhaupt „fest“ und wie lange bleibt sie so, bloß weil sie gerade fest ist? Können wir den Zustand der Liebe irgendwie konservieren? Können wir an der Liebe, dem großen empfundenen Glück, festhalten, ohne sie am Ende mit all unseren Ängsten und Zwängen wieder kaputt zu machen? Und können wir das überhaupt wollen?

„Hier ist ein guter Ort zu leben, hier ist keiner, der lang bleibt, eine Zwischenstation, die lange war und länger wird, von mir zu Dir, von hier zu Dir“, heißt es etwa in „Guter Ort“, einer Hymne für alle Liebenden nicht nur in Fernbeziehungen. „Karma ist Karma, come on enjoy only yourself, ist doch kein Drama, haben wir Zeit oder wird es schon hell“, fragen sie an anderer Stelle in „Karma Karma“, in dem International Music für einen Moment wie ihre französischen Nachbarn von der Band Phoenix klingen.

Anspannung und Release, Denken und Fühlen, International Musics Texte sind so etwas wie eine quantendynamische Superposition, ein Spannungsfeld, aus dem sich je nach Lebens- und Gefühlslage neue Fragen und Antworten ergeben. „Heute morgen oder nächstes Jahr“ eben, wie in „Liebesformular“ postuliert. Das Stück ist zugleich die erste Single – und liefert so etwas wie das Selbstverständnis von Rubel, Roters und Goncalves Crescenti: „Wir machen timeless melancholic music“! Und tatsächlich steckt in Roters stoischem Schlagzeug und den sich umspielenden Bass- und Gitarrenmelodien Rubels und Goncalves Crescentis eine feine Melancholie - die International Music nach Belieben durch subtilen Humor zu konterkarieren oder eben zu verstärken wissen. Eine einzigartige Mischung, die Olaf O.P.A.L.s Produktion in ein zeitloses Gewand gepackt hat.

„Du leitest geschickt, mich fesselt Dein Blick, Du bindest mich an, ziehe ich mich zurück“ singen sie im Lovesong „Im Sommer bin ich dein König“, mit dem International Music eine echte Power-Ballade im Gepäck haben. Aber ja, der Weg zum Glück bleibt ein steiniger, zu dem sie mit „Kieselwege“ auch schon wieder eine packende Hymne liefern.

Die professionelle Provinz-Fotografie auf dem Cover des Albums, die aussieht wie ein Portrait der Enkelkinder auf dem Kaminsims der stolzen Oma Gerda, weiß um die Vergangenheit und eine mögliche Zukunft. Und somit ist das Bild sinnigerweise auch kein flotter Selfie-Handy-Schnappschuss, sondern eine aufwändig-inszenierte Studio-Fotografie mit den technischen Mitteln unserer Großeltern. Der Chor unserer Ahnen ragt schließlich in all unsere Lebensbereiche hinein. Sie grüßen, erinnern, inspirieren und mahnen uns täglich. Immer und überall.

Am Ende stellen wir uns die Frage nach dem Unterschied: also welcher Lebensentwurf in unseren Kulturkreisen überhaupt möglich ist und fundamental anders sein kann! Egal, ob in Berlin-Prenzlauer Berg, New York-Williamsburg oder Essen-Rüttenscheid. Die wirklich spannenden Dinge passieren doch meist ungeplant im Moment, manchmal auf schwer zu durchblickenden Umwegen, und da war doch gerade die Rockmusik schon immer ein großer Zen-buddhistischer Lehrmeister. Oder um an dieser Stelle noch ein letztes Mal International Music zu zitieren: „Und wieder gibt es kein Prinzip, wenn sich der Augenblick verschiebt, denn wir heben doch nur auf, was uns gefällt, was vor uns liegt, was uns umgibt“. Und wenn wir schon den Moment konservieren müssen, dann bitte so wie im Boogie-Twister „International Heat“: „Es kann nur eine Liebe geben, für immer auf der Wiese leben“.

Ihr: Maurice Summen.

PS: Nach 6-jährigem Praktikum beim Berliner Label Staatsakt hat die Band nun für ihre eigenen Release-Angelegenheiten das eigene Label Timeless Melancholic Music gegründet. „Endless Rüttenscheid“ ist somit die Katalognummer 1.

Limitiert auf 100 Stück ist diese Farbedition des neuen The Doctorella Albums.