Hardcover Bücher 116 Artikel

Das Buch der renommierten Kuratorin und Wissenschaftlerin Dr. Kim Hong-Hee ist das erste, das sich mit dem Einfluss koreanischer feministischer Künstlerinnen auf die ostasiatische Kulturlandschaft befasst.

Diese beispiellose visuelle Bestandsaufnahme feiert die Arbeit von 42 zeitgenössischen Künstlerinnen, von aufstrebenden Stars bis hin zu weltweit anerkannten Namen, darunter Theresa Hak Kyung Cha, Kyungah Ham, Kimsooja, Lee Bul, Mire Lee, Minouk Lim, Haegue Yang und Yun Suknam. Korean Feminist Artists ist nach Themen wie queere Politik, Ökofeminismus, Diaspora und Abstraktion geordnet und zeigt Kunstwerke aus den Bereichen Malerei, Skulptur, Fotografie, Film, Video, Installation, Kunsthandwerk und Performance. Mit einer reichen Bildsprache und aufschlussreichen Texten erkundet das Buch das Streben dieser wegweisenden Künstlerinnen nach sozialer, kultureller und sexueller Gleichberechtigung, von ihren Konfrontationen mit dem Mainstream-Kunstbetrieb bis hin zur Bedeutung ihrer ästhetischen und politischen Interventionen.

Reich bebildert mit fast 260 wunderschön reproduzierten Bildern und mit einem persönlichen und zum Nachdenken anregenden Essay der einflussreichen südkoreanischen Dichterin Kim Hyesoon als Abschluss, zeigt diese lebendige und zeitgemäße Übersicht den Einfluss von Künstlerinnen auf die koreanische Kultur im Allgemeinen.

Maße: ca. 22,5 x 30 x 3,2 cm. 360 Seiten; Sprache: Englisch.

Autorisierte englische Originalausgabe. Ca. 240 Seiten mit über 200 Fotos in Farbe und s/w. Hardcover im Format 29 × 25 cm

«Meine Frau sagt, sie erkennt ein Riff der Rolling Stones sofort an den klassischen drei Akkorden. Sehr schön, sag’ ich dazu, aber viel zu aufwendig.» — Angus Young

Für Millionen von Fans dürfte Ac/dc die grösste Hard Rock-Band aller Zeiten sein. 1973 von den aus Schottland stammenden Brüdern Angus und Malcolm Young in Australien gegründet, ist die Band für ihren energiegeladenen und elektrisierenden Rockstil bekannt. Ihre mitreißenden Gitarrenriffs, kraftvollen Basslines, frenetischen Rhythmen und die markante Stimme ihres legendären Sängers BonScott haben Ac/dc zu einer Säule der Rockgeschichte gemacht. 2003 wird Ac/dc in die Rock’n’Roll Hall of Fame aufgenommen. Der Name der Band geht auf die englische Bezeichnung für Wechselstrom/Gleichstrom zurück.

Nach etlichen personellen Veränderungen besteht die Band zur Zeit aus:

Angus Young – lead guitar, occasional backing vocals (1973–present) Phil Rudd – drums (1975–1983, 1994–2015, 2018–present) Cliff Williams – bass, backing vocals (1977–2016, 2018–present) Brian Johnson – lead vocals (1980–2016, 2018–present) Stevie Young – rhythm guitar, backing vocals (2014–present)

Der Bildband zum 50jährigen Jubiläum ist ein fantastischer Trip durch die Karriere der Hardrocker – mit allen Höhen und Tiefen, Exzessen und Tragödien. Ac/dc treten diesen Sommer nach langer Pause in Kalifornien auf und Fans hoffen sehnsüchtig auf eine weitere Welt-Tournee.

Über den Autor: Paul Elliott begann 1985 als Autor für Sounds über Rock zu schreiben und hat seitdem für Kerrang!, Q, Vox, Heat, Blender, Metal Hammer und verschiedene andere Titel gearbeitet. Zu seinen Büchern gehören Black Sabbath: The Vault und Kiss: Hotter than Hell. Derzeit schreibt er für Total Guitar und Classic Rock.

Eine berührende Hommage an einen begnadeten Künstler – Prince Mobeen Azhar, Produzent der hochgelobten BBC-Dokumentation Hunting for Prince’s Vault und selbsterklärter Prince-Megafan, berichtet über das Leben dieses Ausnahmekünstlers, indem er Menschen zu Wort kommen läßt, die ihn am besten kannten: Freunde, Musiker, Künstler, Vertraute.

Azhars Porträt ist anders als alles, was Sie zuvor über Prince gesehen oder gelesen haben. Es ist eine Hommage, die ihm wirklich gerecht wird. Mit Bedacht zusammengestellte, wunderschöne Bilder illustrieren diese Lebensgeschichte, darunter seltene, nie zuvor veröffentlichte Aufnahmen sowie Kultfotos von bekannten Fotografen, und eine Diskographie der offiziellen und bisher bekannten Stücke auf Singles und LPs.

Wir alle wissen, da schlummert ein Riesenarchiv unveröffentlichten Materials, das sicher noch für einige Überraschungen sorgen wird … Prince ist tot, aber seine Musik – und sein Mythos – werden ewig leben.

Prince war eine Ikone, der Inbegriff eines Künstlers und Individualisten, ein Symbol (eine Zeitlang sogar buchstäblich) der Unabhängigkeit, ein Mann, der für seine Musik, seine Kunst lebte. Er verließ die ausgetretenen Wege der Musikindustrie und konnte aufnehmen, spielen und auftreten, wie er wollte. Die Fans blieben ihm treu, sein Einfluß war riesig, seine Musik auf der ganzen Welt bekannt, seine Live-Konzerte legendär. Die Nachricht von seinem unzeitigen Tod hat überall Entsetzen und Ungläubigkeit ausgelöst.

DUB, The Sound of Surprise ist die weltweit erste Biografie des jamaikanischen Dubs in englischer Sprache. Das Buch mit über 200 Abbildungen beschreibt die Ursprünge und Entwicklung einer Technik, die zu Beginn der 1970er Jahre in jamaikanischen Studios entstand und die Musikwelt verändern sollte. Der Autor Helmut Philipps hat jene Orte aufgesucht, wo es passiert ist, und Pioniere, Vordenker und Erfinder des Dub getroffen. Neben Essays und Gesprächen mit und über King Jammy, Scientist, Style Scott, David Rodigan, Bunny Lee, King Tubby, Lee Perry, Dennis Bovell, Ernest Hoo Kim, Errol Brown, Linval Thompson, Tippy I-Grade, Victor Rice, Mad Professor und vielen anderen wirft das Buch auch einen Blick auf die Entwicklung in Europa, England und den USA.

Helmut Philipps hat selbst Dub-Musik gemischt und bereits in Deutschland zwei Bücher über Dub und Reggae veröffentlicht, die beide im Jahr ihres Erscheinens als „Bestes Buch“ von der Fachpresse gewählt wurden.

Die Übersetzerin Ursula „Munchy“ Münch ist eine international vernetzte Reggae-Autorin und hat lange Zeit auf Jamaika gelebt. Als Reporterin für das Onlinemagazin Reggaeville ist sie regelmäßig dort unterwegs und hat weit über 500 Interviews geführt.

Münch und Philipps eint eine jahrzehntelange Leidenschaft für Jamaika, für das Land, die Menschen, die Musik und die Kultur. Beide schreiben für das international renommierte Fachmagazin Riddim und sind ausgebildete Tontechniker.

Original English Edition translated by Ursula Münch. 256 Seiten mit über 300 meist farbigen Fotos. Hardcover im Format 25 × 25 cm.

Die Frage „Was ist Kunst?“ ist komplex und wird seit Jahrtausenden aus verschiedenen Perspektiven diskutiert.
Der Band 1001 ANTWORTEN AUF DIE FRAGE: WAS IST KUNST? bietet weit mehr als nur eine Zitatensammlung; es ist ein wertvoller Beitrag zur Kunsttheorie und eine Einladung zur Reflexion über das Konzept der Kunst.
Dieses Werk erschien seit 1987 in diversen Auflagen und erfuhr positive Resonanz in der Kunstwelt. Künstler und Galerien nutzen die Zitate für Aktionen und Ausstellungen.
Der Autor stellt die gewagte Frage, ob wir die Frage „Was ist Kunst?“ vielleicht falsch stellen und lädt Sie ein, diese Idee in der neu aufgelegten und visuell verbesserten Ausgabe zu erforschen. Tauchen Sie ein in die Fülle von 1001 Zitaten und entdecken Sie die vielfältigen Perspektiven auf die Frage „Was ist Kunst?“.

Enthält u. a. die folgenden Kapitel:
Kommt Kunst von können? Kenntnis, Technik, Meisterschaft / Regelwerk und Chaos: Kunst als Ordnungssystem / Kunst und Natur: Mikrokosmos und Makrokosmos / Erforschung des Unbekannten: Wissenschaft und Kunst / Kunst und Politik: Vom Freiheitskampf zur Handelsware / Lustprinzip Sublimation: ein Spiel mit ernsten Problemen / Kunst der Kommunikation: Das dialogische System

224 Seiten mit zahlreichen farbigen und s/w Illustrationen.
Hardcover im Format 19 x 21 cm

Über den Autor und Herausgeber:
Andreas Mäckler, geboren 1958, ist promovierter Kunsthistoriker, Autor und Publizist. Zu seinen bekanntesten Büchern zählen die seinerzeit bei DuMont in mehreren Auflagen erschienenen Titel Was ist Kunst ..? 1080 Zitate geben 1080 Antworten(1987), Was ist Liebe ..? 1001 Zitate geben 1001 Antworten (1988), sowie Was ist der Mensch ..? 1111 Zitate geben 1111 Antworten (1989, mit Christiane Schäfers). Im Jahr 1992 erschien Malerei muss sein wie Rockmusik – Gottfried Helnwein im Gespräch mit Andreas Mäckler.
Andreas Mäckler hat sich auch als Krimiautor, Biograf und Wikipedia-Kritiker einen Namen gemacht. Weitere Informationen über den Autor: https://www.maeckler.com

Autorisierte englische Originalausgabe. 240 Seiten mit über 150 Fotos in Farbe und s/w. Hardcover im Format 27,5 × 21,5 cm

Nur wenige Bands haben mehr Platten verkauft als Fleetwood Mac. Und nur wenige Bands haben eine so beeindruckende und turbulente Historie vorzuweisen. 1967 noch ganz blues-orientiert gegründet als Peter Green’s Fleetwood Mac, gelang der Band bis 1970 durch die genialen Songs «Albatross» (Nummer 1 in den britischen Charts), «Black Magic Women» (später gecovert von Santana) «Oh Well» und der LP «Then Play on» erste Erfolge.

Doch der tragische Ausfall von Peter Green war der Anfang mehrerer personeller Katastrophen, das Ende einer Band schien besiegelt. Der Umzug nach Kalifornien und der Einstieg des Duos Lindsay Buckingham und Stevie Nicks 1974 sollte zum grossen Durchbruch als Superstars der 70er und 80er Jahre führen. Die LP’s «Rumour» und «Tusk» waren Mega-Seller und fanden sich in fast jedem Haushalt. Seit den 90er Jahren gab es einige Wiedervereinigungen, stets waren John McVie und Mick Fleetwood von den ersten Schritten bis heute die personelle Konstante. 1998 erfolgte die Aufnahme in die Rock’n’Roll Hall of Fame, am 30. November 2023 starb Christine McVie und eine weitere Reunion der Band scheint kaum noch möglich zu sein.

Mike Evans hatte bereits reichlich Erfahrung im berühmten Cavern Club in der Heimatstadt der Beatles gesammelt und auch schon zwei Singles bei Decca vorzuweisen, als er sich mit dem Dichter Adrian Henri und dem zukünftigen Pink-Floyd-Gitarristen Andy Roberts zusammen tat. Sie traten als The Liverpool Scene auf und spielten 1969 bei Led Zeppelin und Bob Dylan im Vorprogramm.

Die Agentur OSTKREUZ gründete sich inmitten der Umbruchszeit 1990 im Berliner Osten. Für Es war einmal ... Berlin haben neun OSTKREUZ-Fotograf·innen in Zusammenarbeit mit den Kurator·innen Annette Hauschild (OSTKREUZ) und Boaz Levin (C/O Berlin Foundation) einen heutigen Blick in ihre umfangreichen Archive geworfen. Als Dokumentarist·innen verfolgten sie zur Hochphase des Bildjournalismus genau, wo sich die Veränderungen in der Stadt vollzogen. Sie beobachteten den gesellschaftlichen Wandel und die Herausforderungen des Zusammenwachsens der ehe- maligen Mauerstadt. Die Essays spiegeln das auf verschiedenen Ebenen wider: Zum einen wird die Veränderung des Stadtraums (Janos Frecot) beleuchtet, zum anderen werden die kreativen und kulturellen Potenziale Berlins beschrieben (Jens Balzer), während Anne Rabe als junge ost- deutsche Stimme in einem sehr persönlichen Essay ihren Blick auf das heutige Berlin wiedergibt.

OSTKREUZ ist eine unabhängige, von 24 Fotograf·innen geführte Agentur mit Sitz in Berlin.

348 Seiten
250 s/w- und Farbabbildungen
fadengeheftes Hardcover

Breite: 20 cm
Länge: 24 cm

Sprache(n): Deutsch

Leipzig September, 2024

Editor: Boaz Levin, C/O Berlin Foundation, Annette Hauschild, Kathrin Kohle, OSTKREUZ

Designer: Marc Naroska

Text: Jens Balzer, Janos Frecot, Boaz Levin, Veronika Epple

Photographer: Sibylle Bergemann, Annette Hauschild, Harald Hauswald, Ute Mahler, Werner Mahler, Jordis Antonia Schlösser, Anne Schönharting, Maurice Weiss

Show You the World In My Eyes - Die offizielle, illustrierte Geschichte von Depeche Mode, fotografiert von dem niederländischen Künstler Anton Corbijn

Seit den 1980er Jahren hat der niederländische Künstler Anton Corbijn den Ruf von Depeche Mode als coolste Kultband der Welt geprägt. Diese aktualisierte Neuauôage im handlichen Format, in Zusammenarbeit mit der Band entstanden, enthält Corbijns handverlesene Auswahl an über 150 Lieblings-Motiven.

„Anton war in der Lage, dem DM-Sound, den wir zu kreieren begannen, eine visuelle Identität zu geben.“ Dave Gahan

Hardcover, 14 x 19.5 cm (5.5 x 7.7 in.), 0.411 kg (0.9 lb), 192 Seiten

Calling all Sneakerheads - Die Bibel für Turnschuhfans

Sneaker Freaker berichtet seit 20 Jahren wirklich Alles über Turnschuhe und ihre Liebhaber. Für Taschen haben die Sneaker Freakers das Beste der beiden Dekaden zu einer über 500-seitigen Mammutanthologie zusammengenäht: Reportagen, Interviews und natürlich unendlich viele Fotos von limitierten und legendären Tretern.

„Das einflussreichste Sneakerkultur-Magazin des Planeten!“ MTV

Hardcover, 15.6 x 21.7 cm (6.1 x 8.5 in.), 512 Seiten

Mythen für die Zukunft - Ängste, Fantasien und die biomechanische Kunst von HR Giger

Kopulierende Biomechanoiden, Angst vor der Atombombe und Dämonen aus den Welten von Lovecraft und Kubin: Diese umfassende Monografie bringt die düstere Psychedelik und eindringliche Kraft von HR Gigers Kunst in seinen Gemälden, Skulpturen, Filmarbeiten und ikonischen Plattencovern zum Ausdruck. Sie enthält einen ausführlichen Essay von Andreas J. Hirsch, Zitate von Zeitgenossen, kritische Betrachtungen und eine umfangreiche Biografie.

Der Schweizer Künstler HR Giger (1940–2014) wurde vor allem durch die Oscar-prämierte Gestaltung des Monsters für Ridley Scotts Science-Fiction-Horrorfilm Alien (1979) berühmt. Im Rückblick betrachtet war dies nur das prominenteste Wesen aus Gigers umfangreichem Arsenal biomechanischer Geschöpfe. Dazu zählen verschmolzene Zwitterwesen von Mensch und Maschine, sinnliche Körper, die in mutterleibsartigen Apparaten eingeschlossen sind, und gemalte Dämonen, von fantastischer Literatur und Gigers Albträumen beflügelt.

Diese Bilder verliehen den kollektiven Ängsten seiner Epoche Ausdruck: Angst vor dem Atomkrieg, vor Überbevölkerung und Ressourcenknappheit sowie einer Zukunft, in der das Überleben unserer Körper von Maschinen abhängt. Ihre visionäre Kraft spielt mit den Dämonen der Vergangenheit und erzeugt zugleich Mythen für die Zukunft.

Diese günstigere Ausgabe basiert auf der umfassenden Monographie, die kurz vor dem unerwarteten Tod des Künstlers begonnen wurde, und huldigt Gigers einzigartiger Vision. Sie erzählt die vollständige Geschichte seines Lebens und seiner Kunst, zeigt seine Skulpturen, die Filmarbeiten und Plattencover mit Kultstatus sowie das Erbe, das er in seinem eigenen Künstlermuseum in den Schweizer Alpen hinterlassen hat. In einem tiefgründigen Essay setzt sich der Giger-Experte Andreas J. Hirsch intensiv mit den Themen von Gigers Werk und seiner Welt auseinander. Zudem enthält das Buch zahlreiche Dokumente aus Gigers Archiv, Zitate von Zeitgenossen und kritische Betrachtungen sowie eine ausführliche Biographie, die sich auf die Aufzeichnungen des Künstlers stützt.

Der Künstler HR Giger (1940–2014) war ein Schweizer Maler, Bildhauer und Bühnenbildner, der surrealistische Einflüsse und düstere Fantasien zu einem eigenen biomechanischen Universum verschmolz. Erste Anerkennung wurde ihm in den 1960er-Jahren durch seine Fantasy-Darstellungen postapokalyptischer Geschöpfe und Landschaften in Airbrush-Technik zuteil, und berühmt wurde er durch bekannte Filmarbeiten, allen voran seine Erschaffung des „Alien“ für den gleichnamigen Film, der mit dem Oscar für die besten visuellen Effekte ausgezeichnet wurde. HR Giger wurde 2013 in die Science Fiction and Fantasy Hall of Fame aufgenommen.

Der Autor Andreas J. Hirsch, geboren 1961 in Wien, ist als Autor, Kurator und künstlerischer Fotograf tätig. Zu seinen Schriften zählen Bücher über Pablo Picasso, Tina Modotti, Friedensreich Hundertwasser und HR Giger. Von 2009 bis 2014 war er als Kurator des KunstHausWien tätig und gestaltete Ausstellungen unter anderem über Henri Cartier-Bresson, Linda McCartney und HR Giger.

Der Herausgeber Hans Werner Holzwarth ist Buchdesigner und Herausgeber mit zahlreichen Veröffentlichungen vor allem im Bereich der zeitgenössischen Kunst und Fotografie. Für Taschen hat er eine Reihe monografischer Collector’s Editions herausgegeben, darunter Jeff Koons, Christopher Wool, Albert Oehlen und Ai Weiwei, den David-Hockney-SUMO A Bigger Book und den XXL-Band Jean-Michel Basquiat.

„Im Kern gräbt sich Gigers Kunst in die Psyche ein und berührt unsere tiefsitzenden urzeitlichen Instinkte und Ängste. Seine Kunst bildet eine Kategorie für sich. Der Beweis dafür liegt in der Intensität seines Werks und seiner Vorstellungskraft, die ich in der Fähigkeit, zu provozieren und zu verstören, nur mit Hieronymus Bosch und Francis Bacon vergleichen kann.“ Ridley Scott

„Ein Prachtband im Großformat, eine liebevoll gestaltete Hommage, die der Bedeutung des Künstlers gerecht wird… So viel ist klar: Die meisten gefeierten Gegenwartskünstler geraten schnell wieder in Vergessenheit, H.R. Giger aber wird bleiben.“ Weltwoche

„Eine aufwühlend schöne Hommage an das albtraumhafte Werk von H.R. Giger.“ Wired.com

Hardcover, 15.6 x 21.7 cm, 1.10 kg, 512 Seiten

Der Thrill mit den drei Streifen

Die Geschichte des adidas-Schuhs, von den frühen Anfängen bis heute

Vor über 100 Jahren stellten die Gebrüder Adolf („Adi“) und Rudolf Dassler ihre ersten paar Sportschuhe her. Taschen präsentiert jetzt eine visuelle Aufarbeitung der Geschichte des adidas-Schuhs mit fast 200 Modellen. Wir begegnen Helmut Rahns Endspielschuhen des „Wunders von Bern“, Sondermodellen für Run DMC oder Lionel Messi, Collabs mit wichtigen Designern, Musikern und Organisationen wie Pharrell Williams, Raf Simons, Stella McCartney, Yohji Yamamoto sowie wegweisenden Techniken und Materialien.

Um seine Produkte weiter zu entwickeln und auf ihre spezifischen Bedürfnisse zuzuschneiden, bat Dassler die Athleten, ihre getragenen Schuhe nach Gebrauch zurückzugeben (bis heute geben viele Sportler ihre Schuhe an adidas zurück, oft als Dankeschön nach einem Titelgewinn oder Weltrekordversuch). Daraus entwickelte sich das „adidas archive“, eines der weltweit größten historischen Archive eines Sportartikelherstellers, das die Fotografen Christian Habermeier und Sebastian Jäger seit Jahren umfassend und detailliert dokumentieren.

Mittels hochauflösender Reproduktionstechniken wurden den Schuhen möglichst viele Details entlockt. Alles, was man sieht, Risse, Flecken, Grasreste, verblasste Signaturen, ist echt und bringt die persönlichen Geschichten jedes einzelnen Trägers ans Licht. Der Betrachter wird in die Lage versetzt, feinste Materialdetails wie Nähte und Webstrukturen zu entdecken und die Entwicklung des adidas-Schuhs en détail nachzuvollziehen. Mit drei Expertenessays dokumentiert der Band nicht zuletzt Deutsche Sport-, Design- und Wirtschaftsgeschichte von den Anfängen der Gebrüder Dassler über die Gründung von adidas bis heute.

Sepp Herbergers Anweisung „Adi, stoll auf“ ist fast so legendär wie der Radiokommentar von Herbert Zimmermann. Der Ausgang ist bekannt: Deutschland wird Fußballweltmeister und Dassler zum „Schuster der Nation“. Oder der Ausspruch von Tennislegende Stan Smith: „Some people think I’m a shoe.“ Oder die Geschichte des Superstars, der in den 80ern durch den Song „My adidas“ der New Yorker HipHop-Gruppe Run DMC zum Lifestyle-Sneaker wurde. Dies sind einige von vielen Geschichten, die Marken und Helden zusammenbringen. Man darf gespannt sein, welches sportliche Highlight als nächstes kommt.

Die Fotografen und Autoren Christian Habermeier arbeitet seit 1989 als Fotograf und Designer. Er studierte Kommunikationsdesign und lehrte in den Jahren 2000 bis 2006 Fotografie und Digitale Illustration. Außerdem verfolgt er eigene Projekte in Kuba, Kenia, Nepal, Indien, der Schweiz und Hong Kong. Im Jahr 2000 gründete er das studio waldeck photographers und konnte 2013 seine lang gehegte Vision eines CO2-neutralen Studios umsetzen.

Sebastian Jäger studierte Design an der Georg-Simon-Ohm-Fachhochschule Nürnberg mit den Schwerpunkten Bewegtbild und Fotografie. Dort lernte er 2005 den damaligen Dozenten Christian Habermeier kennen. Ihre gemeinsame Firma studio waldeck photographers betreut Kunden aus Industrie und Kulturbetrieb. Seit 2011 visualisieren sie die Bestände des historischen Archivs von adidas.

Salvador Dalí malt ein Bild für Jackie Gleason, Andy Warhol verpasst den Stones einen Reißverschluss und Velvet Underground die dazu passende Banane – es hat Tradition, dass Künstler Plattencover gestalten. Mit dieser beispiellosen Sammlung von über 450 Covern, geschaffen von bildenden Künstlern zwischen den 1950er-Jahren und heute, verfolgen wir das spannende Zusammenspiel von Musik und Kunst und finden heraus, wie Moderne, Pop-Art und konzeptionelle Kunst Klänge sichtbar machen.

Never Mind the Pollocks

Kunst mit Umdrehungen: Künstler gestalten Plattencover

Ob Salvador Dalí wohl gerne romantische Tanzmusik und Mood Music gehört hat, heute zumeist geringschätzig „Easy Listening“ genannt? Man kann nur mutmaßen, zumindest fabrizierte er einen echten Dalí als Plattencover für den US-amerikanischen Entertainer und Orchesterchef Jackie Gleason, auf dessen Plattenhüllen ansonsten schmachtende Frauen oder auch nur deren Beine, Liebespärchen und Cocktailgläser dominierten. Gleasons Lonesome Echo erschien 1955 und ist damit ein frühes Beispiel für die Kollaboration zwischen bildender Kunst und Tonkunst. Die Geschichte der Popmusik ist immer auch die Geschichte ihrer ästhetischen Inszenierung, und die bildende Kunst hatte stets einen großen Anteil daran.

Francesco Spampinatos beispiellose Sammlung zeigt über 450 Album- und Plattencover, die zwischen den 1950er-Jahren und heute von Künstlern gestaltet wurden, darunter Jean-Michel Basquiats städtische Hieroglyphen für sein eigenes Label Tartown, Banksys schablonierte Graffiti für Blur und Damien Hirsts Schädel mit Zifferblattaugen für The Hours.

Die Cover werden von aufschlussreichen Analysen und allen sachdienlichen Informationen zu Coverkünstler und Interpret begleitet, während Interviews mit Tauba Auerbach, Shepard Fairey, Kim Gordon, Christian Marclay, Albert Oehlen und Raymond Pettibon persönliche Anekdoten und Einsichten zur Liaison zwischen bildenden und musizierenden Künstlern beisteuern.

Der Autor Francesco Spampinato ist Schriftsteller und Kunsthistoriker mit dem Schwerpunkt Gegenwartskunst. Mit Abschlüssen von der Universität Bologna sowie der Columbia University promovierte er an der Universität Sorbonne Nouvelle in Paris. Von 2011 bis 2015 war er außerordentlicher Professor an der Rhode Island School of Design und seit 2019 ist er leitender Assistenzprofessor an der Universität Bologna. Als Autor zahlreicher Bücher und Fachartikel untersucht er in seiner eigenen wissenschaftlichen Arbeit den Umgang zeitgenössischer Künstler mit den Medien und dem alltäglichen Leben.

Der Herausgeber Julius Wiedemann studierte Grafikdesign und Marketing und arbeitete in Tokio als Kunstredakteur für digitale Medien und Designmagazine. Zu seinen TASCHEN-Titeln zählen die Illustration Now!- und Plattencover-Serien sowie Sammlungen von Infografiken und Bücher über Werbung und Design.

Skandtastisch!

Das beste Design aus Europas Norden

Was macht Skandinavien zu einer solchen Quelle für Designtalent und Innovation? Dieses stylische Buch enthält ausführliche Einträge zu 125 Designerinnen und Designern aus Norwegen, Schweden, Dänemark, Island und Finnland und zeigt die meisterhaften Verbindungen zwischen Handwerk und industrieller Produktion, organischen Formen und Funktionalität.

Skandinavien ist weltberühmt für sein "Demokratisches Design": Nicht nur schafft es Verbindungen zwischen Handwerk und industrieller Produktion sowie organischen Formen und Alltagsfunktionalität, es ist Design für alle und somit einzigartig. Möbel, Glas, Keramik, Textilien, Schmuck, Metallwaren und Industriedesign Skandinaviens von 1900 bis heute bildet dieser umfassende Band ab – als detaillierter Überblick und mit ausführlichen Einträgen zu 125 Designern und von Designern geführten Unternehmen.

Dazu gehören Verner Panton, Arne Jacobsen, Alvar Aalto, Timo Sarpaneva, Hans Wegner, Tapio Wirkkala, Stig Lindberg, Finn Juhl, Märta Måås-Fjetterström, Arnold Madsen, Barbro Nilsson, Fritz Hansen, Artek, Le Klint, Gustavsberg, Iittala, Fiskars, Orrefors, Royal Copenhagen, Holmegaard, Arabia, Marimekko und Georg Jensen.

Der Autor
Charlotte und Peter Fiell sind renommierte Designautoren, die über 60 Bücher zum Thema geschrieben haben. Zu ihren verschiedenen Spezialgebieten gehört der Bereich Transportdesign in all seinen unterschiedlichen Formen. Sie haben zahlreiche Vorträge gehalten, Gastkurse gegeben, Ausstellungen kuratiert sowie weltweit Produktionsfirmen, Museen, Sale-Rooms und Privatsammler beraten. Für TASCHEN hat das Paar zahlreiche Titel verfasst.

„Das Standardwerk zum Thema.“
The Observer Magazine

Hardcover, 15.6 x 21.7 cm (6.1 x 8.5 in.), 512 Seiten

Post Graffiti - Kein lizenziertes Produkt der DHL Group

»Wir bringen Graffiti wieder ganz nah zu den Menschen« sprühte Code im Sommer 2023 auf einen Post-Wagen und pointierte damit genau den Trend, den er zusammen mit Moses und Taps, Otis, Futo und Thunder gesetzt hat.

Eine Welle aus nicht-mehr-ganz-gelben Lieferwagen, die von Hamburg aus erst nach Berlin und Dortmund schwappte und sich dann im ganzen Land ausbreitete.

Post Graffiti illustriert den Grundstein der spannenden Entwicklung von Graffiti auf Post-Wagen.

Das Buch zeigt auf 320 Seiten mit Fotos von Edward Nightingale, Emmett Edelstein und vielen anderen, wie sich Graffiti neu erfinden und sich dabei trotzdem treu bleiben konnte.

Graffiti Avantgarde™ gibt auf 544 Seiten mit über 2.000 Fotos in zehn Kapiteln und durch eine Vielzahl an spannenden und hintergründigen Texten einen tiefen Einblick in Moses & Taps™ breites Schaffen zwischen den Jahren 2011 und 2020. Das Buch zeigt, wie ihnen der Spagat zwischen Trainbombing und dem Dasein als Künstler gelungen ist und es macht deutlich, warum diese beiden Welten kein Gegensatzpaar sein müssen.

Den Anfang der Monografie macht ein Interview von Moses & Taps™ durch die Kriminologin Ike, in dem der Frage nachgegangen wird, was die Graffiti Avantgarde eigentlich ausmacht, wer sie ist, welche Ziele sie hat und was sie antreibt.

Dem TOPSPRAYER™-Kapitel, in welchem uns Moses & Taps™ über diverse

Zwischenstationen auf Zügen von Russland in die USA führen, folgt das SPLASH™-Kapitel, in dem man lernt, auf welchen Orten und Unorten man als Writer bunte Spuren mit

Spraydosen hinterlassen kann ohne ein Fatcap und Buchstaben benutzen zu müssen.

Anschliessend wird das Zepter an Alias™ übergeben, dessen vorgeblich 1001 Züge in 999 Tagen auf 176 Seiten durch seine Storys und die Actionfotos von Edward Nightingale

abgerundet werden.

In Scratchiti™ zeigt Moses™, warum er Glasscheiben nur bemalt um sie zu säubern, wie er sie aus dem Yard ins Museum und wieder zurück bringt und warum er Micky Maus hasst.

Im Kapitel Corporate Identity™ dechiffriert Robert Kaltenhäuser dann, wie sich über Moses & Taps™ CI-Codes alle Kapitel verbinden lassen, warum gelb-blau besser als Banksy funktioniert und was hinter ™ steckt.

Mit Image OF Graffiti™ macht Taps™ deutlich, warum Graffiti illegal sein muss und wie man trotzdem ein Abbild davon auf Leinwänden erschaffen kann.

Während sich das Kapitel Schöpferische Zerstörung™ mit der Vielschichtigkeit von

Moses & Taps™´ Arbeiten auseinandersetzt, die sich in collagenartigen Bildern und

Installationen ausdrücken, widmet sich der Teil Konzept-vandalismus ihren einzigartigen konzeptionellen Arbeiten auf Trains – und manchmal auch den Wänden darin.

Zum Abschluss erklären und illustrieren Moses & Taps™ in zwei separaten Kapiteln ihre ganz persönliche Sicht auf die Entwicklung ihrer Styles.

Topsprayer Expired™ ist die komplett überarbeitete Neuauflage des seit Jahren vergriffenen Buchs International Topsprayer™ und erscheint nach dem Ende der zehnjährigen Verjährungsfrist. Im Vergleich zum Vorgänger deckt Topsprayer Expired™ mit 176 zusätzliche Seiten, mehr als 200 ungesehenen Pieces und über 60 neuen Texten auch die Jahre 2011 und 2012 ab.

Polizeioberwachtmeister Dimpfelmoser der Ermittlungsgruppe Graffiti erklärt dazu:

»In den Jahren 2007 bis 2010 vertauschten die Beschuldigten Moses und Taps ihre Pseudonyme. Mit Hilfe einer unbekannten Zahl weiterer Tatbeteiligter beschmierten sie über einen Zeitraum von 1000 Tagen 1000 Reisezugwagen nach Graffiti-Art. Im Mai 2011 veröffentlichten sie ihre Taten im Bildband International Topsprayer.

Da sich aus dem Buch jedoch keinerlei Nachweise für eine Täterschaft herleiten ließen, musste das diesbezügliche Ermittlungsverfahren nach zehn Jahren auf Grund des Eintritts der Verjährung gemäß § 78 StGB endgültig eingestellt werden.

Nach Ablauf der Verjährungsfrist räumen Moses & Taps nun mit dem Buch Topsprayer Expired sämtliche Vorwürfe des Verfahrens umfassend in Wort und Bild ein. Des Weiteren ergänzen die Verdächtigen die Vorwürfe mit bislang unbekannten Lichtbildern und Tatbeschreibungen. Außerdem werden mehrere hundert bisher nicht zur Kenntnis gelangte Graffiti-Straftaten, insbesondere aus den Jahren 2011 und 2012, dokumentiert.«

Vor 50 Jahren forderte Aretha Franklin »Respect«, in den Neunzigern rebellierten die Riot Grrrls und heute vermarkten Superstars wie Beyoncé eine sexy Version des Feminismus. Die Charts sind voll mit weiblichen Stimmen, doch bleiben Festivalbühnen, Musikzeitschriften und Clubnächte männerdominiert. Dabei gibt es Role Models an jeder Ecke, in jedem Jahrzehnt, in dem Frauen zu Gitarre, Mikrofon oder DJ-Software griffen.

Jede hat ihre eigenen Geschichten. Es geht um Selbstermächtigung, um Wut, um Gleichberechtigung, um Drugs and Rock n Roll, um Sex und Sexualität und auch mal um Menstruation. Vor allem aber um Musik. Egal, ob Stimmen im Soul, Battles im Rap, Gitarrensoli im Rock, große Hits im Pop oder Tunes im Techno. Ganze Enzyklopädien könnten mit herausragenden Musikerinnen und weiblichen Bands vollgeschrieben werden. Dieses Buch ist eher vergnügliche Lektüre als Lexikon, doch gibt es einen vielseitigen Einblick in die feministische Musikgeschichte.

In über 100 lehrreichen, kurzweiligen und persönlichen Texten schreiben Journalistinnen und Journalisten, Musikerinnen und Musiker, Fans und Freunde über Bands, die sie prägten, über Künstlerinnen, die den Feminismus eine neue Facette gaben, über Lieblingsplatten, Lebenswerke und Lieder, die sie mitgrölen vom Klassiker bis zum Außenseitertipp. Françoise Cactus, Paula Irmschler, Jacinta Nandi, Klaus Walter, Christina Mohr, Bettina Wilpert, Sonja Eismann, Linus Volkmann, Jonas Engelmann, Diviam Hoffmann, Sven Kabelitz, Elke Wittich, Myriam Brüger und viele andere schreiben über Björk, Christina Aguilera, Bikini Kill, Billie Holiday, Alice Coltrane, ESG, Georgia Anne Muldrow, Kimya Dawson, Madonna, Patti Smith, Spice Girls, Terre Thaemlitz und viele weitere Künstler*innen.

Ein Geschenk des Himmels - The Man Who Fell to Earth‘ - Nicolas Roegs Scifi-Meisterwerk mit David Bowie

Mit atemberaubenden Bildern, expliziter Gesellschaftskritik und einer hypnotisierenden schauspielerischen Leistung von David Bowie in der Hauptrolle wurde The Man Who Fell to Earth (Der Mann, der vom Himmel fiel) zu einem Kultfilm des Science-Fiction-Genres. Dieses Album versammelt die fantastischen Fotos von David Bowie in der Hauptrolle und von den Dreharbeiten, ergänzt durch ein Exklusivinterview mit Filmfotograf David James.

„Ich warf einfach meine eigene Persönlichkeit in diesen Film hinein, so wie ich damals war … Ich fühlte mich tatsächlich so entfremdet wie diese Figur!“ David Bowie

Hardcover, 15.6 x 21.7 cm (6.1 x 8.5 in.), 1.17 kg (2.6 lb), 480 Seiten

Goodbye Ziggy

Mick Rocks legendäre Fotos von David Bowies Aufstieg zum Glam-Hero

1972 veröffentlichte David Bowie das geniale Konzeptalbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars und präsentierte sich einer konsternierten Welt als androgyne, wimperngetuschte Kunstfigur in Glitzerklamotten, die die Grenzen zwischen männlich und weiblich, hetero und schwul, Fakten und Fiktion einriss, bis nur noch ein funkelndes Spektakel fantastischer Selbstinszenierung blieb. Album und Bühnenspektakel machten den stillen Londoner zu einem der größten Stars der Welt.

Begleitet wurde er auf diesem Glam-Trip in die Stratosphäre des Pophimmels von seinem Landsmann, dem Londoner Fotografen Mick Rock. Rock lag künstlerisch und persönlich auf einer Wellenlänge mit Bowie, wurde Teil seiner Entourage und arbeitete in den Jahren 1972/73 als Leibfotograf des Sängers.

Diese einzigartige, 2015 noch unter Bowies Mitwirkung entstandene Sammlung zeigt das Beste aus Mick Rocks Bowie-Portfolio, von spektakulären Liveshows, legendären Studio-Porträts, Coverfotos bis hin zu Bildern aus Promofilmen, aus dem Backstage-Bereich und vom Tour-Alltag; sie zeigen Bowie, die Kunstfigur, aber auch den nicht minder facettenreichen Menschen jenseits cooler Rock-Posen – eine leidenschaftliche Hommage an einen brillanten und inspirierenden Künstler, dessen kreative Vision bis heute fortlebt. Auch das Cover ist ein Tribut an Bowies Persönlichkeit: es schillert in allen Facetten und zeigt je nach Blickwinkel einen anderen Bowie.

Eine wunderbare Hommage an den David Bowie der frühen Siebziger, der sich als androgyne Kunstfigur Ziggy Stardust neu erschuf, die Welt in einen Taumel polyamouröser Begeisterung riss und zum umjubelten Kultstar aufstieg. Der Band wurde 2015 noch unter Bowies Mitwirkung von Mick Rock, seinem Hausfotografen der Ziggy-Jahre, zusammengestellt.

Der Fotograf Mick Rock (1948–2021), geboren in London, wurde als „der Mann, der die 70er ablichtete“ bekannt. Außer David Bowie hat er auch Lou Reed, Queen, Iggy Pop, Roxy Music und Blondie porträtiert. Er produzierte zudem die Videos für Bowies Songs “John, I’m Only Dancing”, “The Jean Genie”, “Space Oddity” und “Life on Mars?”. Wichtige Ausstellungen seiner Werke fanden in London, New York, Los Angeles, Tokyo, San Francisco und Las Vegas statt.

Die Autoren Barney Hoskyns kam 1959 in London zur Welt. Er ist der leitende Redakteur von Mick Rocks "Backpages", der einzigen Bibliothek der Popliteratur und des Popjournalismus. Er ist außerdem ehemaliger Redakteur des New Musical Express, hat für die Vogue geschrieben und für Mojo als U.S.-Korrespondent gearbeitet. Seine Biografie über Tom Waits, Lowside of the Road, ist 2009 erschienen, sein Buch über Led Zeppelin, Trampled Under Foot, im Jahr 2012.

Michael Bracewell ist ein britischer Schriftsteller und Kulturhistoriker. Er schreibt über moderne und zeitgenössische Kunst, seine jüngsten Veröffentlichungen sind Richard Hamilton: Modern Moral Matters (Serpentine Gallery, London, 2010), Bridget Riley Paintings and Related Work (National Gallery, London, 2010), Damien Hirst: Beauiful Inside My Head (Sotheby's London, 2008) und The Postcard Art of Gilbert and George 1979 - 2010 (Prestel, 2011)

80 seitiges Fotobuch »Thank You Have A Nice Day - A NYC Photowalk« . Siebdruckcover und offene Fadenbindung.

Stille und Erhabenheit - Caspar David Friedrichs spirituelle Naturbilder

Von Nachthimmeln und Sonnenaufgängen bis hin zum vielzitierten Wanderer über dem Nebelmeer: Caspar David Friedrich gelang es, emotionale und metaphysische Naturerfahrungen in Kunst zu bannen. Diese Einführung stellt seine wichtigsten und bekanntesten Werke vor und präsentiert einen Maler, dessen verzaubernde, nach Erhabenheit strebenden Bilder ihn zu einem Hauptvertreter der romantischen Ästhetik machten. „Ich muss mich vereinigen mit meinen Wolken und Felsen, um das zu sein, was ich bin.“ Caspar David Friedrich

Die Schönheit der Natur und menschliche Einsamkeit sind bestimmende Themen im Werk von Caspar David Friedrich (1774–1840). Häufig positioniert er eine klein dimensionierte menschliche Figur in einer weiten Landschaft, wie auf seinen berühmten Gemälden Mönch am Meer und Der Wanderer über dem Nebelmeer. Lange Zeit wurden die Bedeutung und der Einfluss des großen Künstlers der Romantik unterschätzt. Als er starb, war Friedrich von seinen Zeitgenossen bereits vergessen, erst im frühen 20. Jahrhundert entdeckte man ihn wieder. Heute gilt er als wichtigster deutscher Maler seiner Generation und als Vorläufer der Expressionisten.

Einem im akademischen Regelwerk gefangenen Künstlerkollegen riet Friedrich einmal zu folgender Herangehensweise: „Schließe dein leibliches Auge, damit Du mit dem geistigen Auge zuerst siehest Dein Bild. Dann fördere zutage, was Du im Dunkeln gesehen, dass es zurückwirke auf andere von außen nach innen.“ Also Konzentration statt Imitation, Essenz statt Pinseltändelei.

Der Autor Norbert Wolf studierte Kunstgeschichte, Linguistik und mittelalterliche Geschichte in Regensburg und München und promovierte 1983 in Kunstgeschichte. Er war Gastprofessor in Marburg, Frankfurt, Leipzig, Düsseldorf, Nürnberg-Erlangen und Innsbruck. Wolf hat zahlreiche Bücher über Kunstgeschichte geschrieben, unter anderem die bei Taschen erschienenen Titel Diego Velázquez, Ernst Ludwig Kirchner, Caspar David Friedrich, Expressionismus, Romanik, Landschaftsmalerei und Symbolismus.

Jubiläumsjahr 2024 250 Jahre Caspar David Friedrich - Um den 250. Geburtstag Caspar David Friedrichs zu feiern, arbeiten die Hamburger Kunsthalle, die Alte Nationalgalerie der Staatlichen Museen zu Berlin und die Staatlichen Kunstsammlungen Dresden zusammen. Die drei Häuser verfügen über die umfangreichsten Bestände an Werken Friedrichs weltweit. Darüber hinaus finden zahlreiche weitere Ausstellungen und Veranstaltungen statt. Alle Informationen unter www.cdfriedrich.de

Hardcover, 21 x 26 cm (8.3 x 10.2 in.), 0.515 kg (1.1 lb), 96 Seiten

Leben auf großer Leinwand - Eine Begegnung mit dem Werk von Julian Schnabel

Jetzt als unlimitierte Ausgabe: die Taschen-Monografie über Julian Schnabel entstand in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler und zeigt sein Schaffen in allen Medien – Gemälde, Skulpturen, Filme. Die einmalige Gelegenheit, Schnabels Kunst so direkt zu erleben wie sonst nur in der persönlichen Begegnung mit den Werken.

Julian Schnabel macht Kunst aus dem Leben und findet seine Materialien in der Struktur des Alltags. Er verwendet zerbrochene Teller als unpraktischen Bildgrund, malt auf Samt, Planen von Marktständen und Armeefahrzeugen, Kabuki-Theaterkulissen oder dem Boden eines Boxrings – Oberflächen, die ihre jeweils eigene Geschichte in das Bild mit einbringen. Der Erfolg kam für Schnabel über Nacht mit seiner ersten New Yorker Einzelausstellung im Jahr 1979 und seitdem ist sein Name ein Synonym für die Rückkehr der totgesagten Gattung der Malerei in die zeitgenössische Kunst. Dabei hat er in einer Vielzahl von Medien gearbeitet: Seine Skulpturen erweitern die malerischen Formen der Bilder als grob gehauene, scheinbar abgenutzte Artefakte in den Raum. Als Regisseur von preisgekrönten Kinofilmen portraitiert er Künstler wie Basquiat, van Gogh und andere subtil-heroische Figuren. Und er baut seinen eigenen Traum von einem venezianischen Palast mitten in New York. „Ich möchte, dass mein Leben in meinem Werk steckt, komprimiert in meiner Malerei wie ein Auto in einer Schrottpresse. Sonst wäre meine Arbeit nur irgendwelches Zeugs“, sagt Julian Schnabel. Diese Dringlichkeit zieht sich durch sein Schaffen, ganz gleich, welche Mittel oder Medien der Künstler wählt.

Jetzt als unlimitierte Ausgabe erhältlich, stellt diese Taschen-Monografie die ganze Palette von Schnabels Arbeiten vor. Das Buch wurde in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler geschaffen. Die Texte steuern Freunde, Kuratoren und Kunsthistoriker bei, mit denen Schnabel schon zuvor an Projekten gearbeitet hat: Laurie Anderson zeichnet ein vertrauliches Porträt des Künstlers; Éric de Chassey widmet sich den Gemälden, Bonnie Clearwater den Skulpturen und Max Hollein der ortsspezifischen Arbeit; Donatien Grau schreibt über den Palazzo Chupi, das vom Künstler selbst entworfene Haus im New Yorker West Village; der Schriftsteller Daniel Kehlmann taucht in das filmische Werk ein. Mit diesen Texten und hochwertigen Werkabbildungen macht das Buch Schnabels Kunst auf eine direkte Weise erlebbar, wie es sonst nur in der persönlichen Begegnung mit den Werken möglich ist.

Der Künstler Julian Schnabel (born 1959) is an American painter, sculptor, and filmmaker. After his breakthrough in 1979, he became one of the most successful painters worldwide, with solo shows at the Stedelijk Museum, Amsterdam; the Tate and Whitechapel, London; Centre Georges Pompidou and Musée d'Orsay, Paris; the Whitney, New York, and many others. Began directing with Basquiat in 1996, most recently the van Gogh film At Eternity’s Gate from 2018.

Die Herausgeber Hans Werner Holzwarth ist Buchdesigner und Herausgeber mit zahlreichen Veröffentlichungen vor allem im Bereich der zeitgenössischen Kunst und Fotografie. Für Taschen hat er eine Reihe monografischer Collector’s Editions herausgegeben, darunter Jeff Koons, Christopher Wool, Albert Oehlen und Ai Weiwei, den David-Hockney-SUMO A Bigger Book und den XXL-Band Jean-Michel Basquiat.

Louise Kugelberg ist eine in Schweden geborene Innenarchitektin, die Gebäude aus dem 18. Jahrhundert renoviert und mit privaten Kunstsammlungen ausstattet, in Gemeinschaftsarbeiten Luxus-Boutique-Hotels entworfen und für Parley for the Oceans ein gewaltiges tragbares Pavillonzelt aus recyceltem Ozeanplastik gebaut hat. In den letzten fünf Jahren hat sie intensiv mit Julian Schnabel zusammengearbeitet, Ausstellungsräume und Kataloge entworfen sowie den Film At Eternity's Gate mitgeschrieben und bearbeitet. Sie lebt und arbeitet in New York.

„Sein wohl grösstes Buch – und ja, seines, weil es in engster Regie mit ihm zusammen ediert wurde: Auch es ist «larger than life», wie man im Angelsächsischen sagt… Schnabels Bilder feiern die Malerei, sind ein Fest der Farben, der Bezüge und Verweise – und vor allem der Freiheit.“ Neue Zürcher Zeitung

Hardcover, 25 x 33.4 cm, 3.69 kg, 572 Seiten

Herausgegeben von Aaron Klotz und Reverend Christian Dabeler, mit einem Nachwort von Jörg Sundermeier

Die Musikerin und Autorin Almut Klotz beschreibt in diesem Buch ihre Liebesge­schichte mit dem Musiker und Autor Rev. Christian Dabeler – den sie im Mai 2013 heiratete. Zugleich aber ist „Fotzenfenderschweine“ eine Abrechnung mit der Indie-Pop-Szene und den alten und neuen Frauenrollen darin. Almut Klotz schreibt leiden­schaftlich, mitreißend und offen. Almut Klotz hat mit ihrem Text eine genaue Beschreibung eines Künstlerlebens gege­ben und eine wunderschöne Liebesgeschichte mit allen Höhen und Tiefen erzählt. Bis zu ihrem Tod hat sie an „Fotzenfenderschweine“ gearbeitet, der Text erscheint nun erstmals und ungekürzt aus ihrem Nachlass.

In den Erzählungen von Klotz und Dabeler verschwimmen die Realitäten. Ein Ex-Freund wird zur Katze. Der dubiose Liebhaber verwandelt sich in den Onkel der Protagonistin. Und eine Mutprobe wird zum Lebensmittelpunkt der Heranwachsenden eines Dorfes. In „Fragmente einer Umschulung“ besucht ein Künstler, der kurz vor einem Identitätsverlust steht, die Buchmesse. Lakonisch werden der Wahnsinn der Kunst-, Literatur- und Musikwelt sowie die Absurditäten des alltäglichen Lebens thematisiert. Den Protagonisten ist eins gemein: Es sind Außenseiter voller Stolz. Sie pflegen ein Leben an den Rändern der Gesellschaft und keiner von ihnen hat auch nur ansatzweise das Bedürfnis sich in diese zu integrieren – im Gegenteil. Klotz und Dabeler erzählen mit schwarzem Humor von einer Freiheit jenseits des Etablierten und des Abgesicherten. Der Erzählungsband „Tamara und Konsorten“ ist eine überarbeitete und um einen neuen, bislang unveröffentlichten Text von Almut Klotz und ein Nachwort von Reverend Christian Dabeler ergänzte Neuausgabe. Die Erzählungen erscheinen im Rahmen unserer Reihe „kurze form“ als Band 4.

Sinfonie einer Großstadt

Schein und Sein: Berlin in den 1920ern

Das Berlin der Goldenen 1920er ist eine Erfolgsstory, die das 20. Jahrhundert seinen Kindern und jetzt auch Kindeskindern immer wieder gerne erzählt: so viel Rasanz, Theatralik, Drama, Lichter der Großstadt, Verkehrschaos, Leben, das laut auf sich aufmerksam macht, will es nicht in Hinterhöfen und Mietskasernen verkümmern, Cabaret, Theater, Funk, Film, Reklame, Bubikopf und Monokel, queere Kieze, Charleston und der „Onkel Bumba aus Kalumba“; alles rennt, rast und schwoft, jeden Tag breaking news, Sensationen und Spektakel. An dieser Geschichte, deren Strahlkraft heller leuchtet als fünf Millionen Osram-Birnen (Werk Berlin-Friedrichshain), haben viele mitgestrickt: Kunstschaffende, City Girls, Gigolos, Bohemiens, Intellektuelle, Koksbarone, Ringvereine und Politgangster, Wissenschaftler, Sportskanonen und Spekulanten, Dr. Mabuse, Mackie Messer, Maria, der schöne Maschinenmensch und eine endlose Parade von tanzwütigen Nachtschwärmern.

Nach den Bestsellern Hollywood in the 30s und Jazz: New York in the Roaring Twenties hat sich Illustrator Robert Nippoldt diesmal mit dem Schriftsteller Boris Pofalla zusammengetan, um den Geist dieses Jahrzehnts in einem atmosphärisch dichten Album einzufangen.

Nippoldt stellt nicht nur bekannte Figuren wie Lotte Reiniger, Christopher Isherwood, Albert Einstein, Kurt Weill, Marlene Dietrich und George Grosz vor, sondern auch Thea Alba, „die Frau mit zehn Gehirnen“, Magnus Hirschfeld, den „Einstein des Sex“, und den berühmt-berüchtigten Ganoven Adolf Leib. Bevor Weltwirtschaftskrise und Naziherrschaft Berlin das Licht ausknipsen, zeigt uns Nippoldt noch einmal alles: die grellen Lichter der Großstadt und das Grau der Fabriken, Hinterhöfe und Mietskasernen, das Geschrei der Sporthallen und die Stille der Theatersäle, den Gesang der Comedian Harmonists und Marlene Dietrich, die sich zylinderbehütet eine Zigarette anzündet und dann – kluge Frau – ein Dampferticket nach Hollywood kauft.

Die Autoren Boris Pofalla studierte Kunstgeschichte und Allgemeine und Vergleichende Literaturwissenschaft an der Freien Universität Berlin. Er ist Autor und Kunstkritiker der Welt. 2015 erschien sein Debütroman Low. Er lebt in Berlin.

Robert Nippoldt ist Illustrator und Buchgestalter. Einem größeren Publikum bekannt wurde er durch verschiedene Publikationen und Bühnenprogramme zu den 1920er-Jahren sowie Zeichnungen für den New Yorker und das Time Magazine. Ihm wurden mehr als zwei Dutzend Preise verliehen, darunter der des Art Directors Club in New York und der International Design Award in Los Angeles.

Chronik eines legendären Labels

Capitol Records von 1942 bis heute

Von den Beatles bis Beck, von Sinatra bis Sam Smith – unzählige Künstler, die ganze Epochen geprägt haben, sind durch die Türen des Capitol Records Tower gegangen, einem der Wahrzeichen Hollywoods und Heimat einer der weltweit einflussreichsten Plattenfirmen der letzten acht Jahrzehnte.

Zur Erinnerung an diese außergewöhnliche Erfolgsgeschichte präsentiert Taschen die offizielle Chronik von Capitol Records, ausgehend vom Gründungsjahr 1942 bis in die Gegenwart. Mit einem Vorwort von Beck, Essays ausgewiesener Musikexperten und Historiker, sowie Hunderten von Bildern aus den umfangreichen Archiven des Labels, folgen wir der Entstehung einiger der größten Songs des 20. und 21. Jahrhunderts. Der Band durchstreift dafür sämtliche Genres – Pop, Rock, Country, Klassik, Soul und Jazz – und präsentiert die erfolgreichsten, coolsten, angesagtesten und kreativsten Stars des Labels, aber auch die vielen “one-hit wonders”, die nur kurz im Rampenlicht standen und kurz darauf wieder verschwanden.

Wir begegnen Legenden wie Miles Davis, Nat King Cole, dem Kingston Trio und Frank Sinatra aus den ersten 20 Jahren von Capitol; in den 1960er Jahren den Beach Boys, The Band und den Beatles; in den 1970er Jahren Rockikonen wie Pink Floyd, den Wings, der Steve Miller Band, Bob Seger und Linda Ronstadt; den Beastie Boys, Duran Duran, Radiohead und Bonnie Raitt aus den 1980ern und 1990ern; schließlich aktuellen Stars wie Coldplay, Katy Perry und Sam Smith. Capitol Records ist ein Meilenstein der Musikgeschichtsschreibung, auf den kein Fan verzichten sollte, und eine Hommage an ein legendäres Label, das für zahllose Generationen den Soundtrack ihres Lebens schuf.

Capitol Records brachte die Beatles nach Amerika, machte die Beach Boys weltweit bekannt und war mit seinem berühmten Tower in Hollywood die musikalische Heimat von Nat King Cole und Frank Sinatra. Diese offizielle Chronik folgt der außergewöhnlichen Erfolgsgeschichte des Labels und enthält ein Vorwort von Beck sowie Hunderte von Bildern aus den Archiven der Capitol Records zur Geschichte des Pop, Rock, Country, Klassik, Soul und Jazz.

Der Autor Barney Hoskyns kam 1959 in London zur Welt. Er ist der leitende Redakteur von Mick Rocks "Backpages", der einzigen Bibliothek der Popliteratur und des Popjournalismus. Er ist außerdem ehemaliger Redakteur des New Musical Express, hat für die Vogue geschrieben und für Mojo als U.S.-Korrespondent gearbeitet. Seine Biografie über Tom Waits, Lowside of the Road, ist 2009 erschienen, sein Buch über Led Zeppelin, Trampled Under Foot, im Jahr 2012.

Der Herausgeber Reuel Golden, ehemaliger Chefredakteur des British Journal of Photography, ist Editor für Fotografie bei Taschen. Für Taschen hat er unter anderem die Titel Mick Rock: The Rise of David Bowie, die Bände zu London und New York aus der Reihe Porträt einer Stadt, The Rolling Stones, Her Majesty, die Bildbände zu National Geographic, den David Bailey Sumo sowie Andy Warhol, Polaroids, herausgegeben.

Leben in Tätowierungen

Henk Schiffmacher und die Kunst des Tattoos von den 1730er bis in die 1970er Jahre

In den letzten vierzig Jahren hat der legendäre Tätowierkünstler und Historiker Henk Schiffmacher all sein Herzblut in diese Sammlung gesteckt und Originalzeichnungen (in der Branche als Flash bekannt), Lithographien, Radierungen, Tätowierinstrumente, Gemälde, Fotos, Poster, Ladenschilder, Designs und sonstige Artefakte aus aller Welt zusammengetragen – darunter extrem seltene Vintage-Flash-Blätter von bedeutenden Meistern der frühen westlichen Tätowierung.

Dieser 700-seitige Band dokumentiert in fünf Kapiteln Schiffmachers Lebenswerk und die weltweite Verbreitung und Vielfalt dieser besonderen Kunstform – darunter Tätowierungen der Māori und der Inselbewohner des Südpazifiks, der alten Traditionen Asiens und der Ursprünge der alten westlichen Schule in Europa und den Vereinigten Staaten. Das Buch, zugleich Geschichtsbuch, Kunstbuch und faszinierendes Memoir, bewegt sich durch über 200 Jahre Tätowiergeschichte von den 1730er bis in die 1970er Jahre und zeigt intime Einblicke in das Leben der Tattoo-Künstler, deren persönliche Kämpfe und Triumphe, ihre beruflichen Risiken und den kreativen Mut, die ihre Geschichte prägten.

Abgerundet wird der Band durch ein Dutzend von Schiffmachers Originalillustrationen in seinem unnachahmlichen Stil und eine persönliche Einführung. In diesen privaten Reflexionen beschreibt er seinen Werdegang als Künstler und Sammler sowie die eigene faszinierende Sicht auf den Weg dieser Kunst vom Underground zum Mainstream. Zugleich erfährt man all die abenteuerlichen Geschichten rund um die Entstehung seiner Sammlung – einer der größten Tätowierungskollektionen der Welt – aus der Perspektive eines Kenners und Autodidakten, der diese Kunst und ihre Innovatoren wie kaum ein anderer liebt und verehrt.

Der legendäre Tätowierkünstler und Historiker Henk Schiffmacher nimmt uns mit auf seine ganz persönliche Reise durch 200 Jahre Tattoo-Geschichte von den 1730er bis in die 1970er Jahre. Dieser voluminöse Band zeigt atemberaubende Zeichnungen, Designs, Fotos sowie Artefakte aus aller Welt und vereint das Beste aus Schiffmachers renommierter Privatsammlung mit aufschlussreichen, persönlichen Kommentaren des beliebtesten Tätowierers und Philosophen seiner Kunst.

Der Autor Der Amsterdamer Tätowierer und Historiker Henk Schiffmacher ist eine lebende Legende in der Welt der Tattoos. Seit den 1970er Jahren reiste er um die Welt und trug dabei eine der weltweit größten Sammlungen zeitgenössischer und historischer Tattoo-Ephemera zusammen – das Schiffmacher Tattoo Heritage. Er hat viele Rock- und Popstars tätowiert, und sein Tattoo-Studio zieht unzählige Tattoo-Pilger an. Als Art Director und Autor hat er über zwanzig Bücher veröffentlicht, darunter 1000 Tattoos von Taschen, und auch für viele Marken Designs gestaltet. 2017 wurde ihm vom König und der Königin der Niederlande der Ritterorden von Oranien-Nassau verliehen, einer der für Zivilisten höchsten Auszeichnungen des Landes.

Die Herausgeberin Noel Daniel studierte nach ihrem Abschluss an der Universität von Princeton als Fulbright-Stipendiatin in Berlin. Zu ihren bislang erschienenen Taschen-Publikationen zählen Tattoo 1730s-1950s, Kay Nielsens Tausendundeine Nacht sowie Östlich der Sonne und westlich des Mondes, Die Märchen der Brüder Grimm, Die Märchen von Hans Christian Andersen, Das Wintermärchenbuch, Magic und The Circus.

Ol’ Blue Eyes ist wieder da

Gay Taleses Meisterwerk des New Journalism: Frank Sinatra Has a Cold

„Sinatra mit Schnupfen ist wie Picasso ohne Farbe, Ferrari ohne Sprit – nur schlimmer. Weil ihn eine Erkältung seines unbezahlbaren Juwels, seiner Stimme, beraubt; sie bohrt sich nicht nur tief in sein Selbstbewusstsein und verändert seine Psyche, sondern ruft obendrein noch eine Art psychosomatischen Schnupfen bei Dutzenden von Menschen hervor, die für ihn arbeiten, mit ihm trinken, ihn verehren, auf Gedeih und Verderb von ihm abhängig sind.“ —Gay Talese

Im Winter 1965 brach der Journalist Gay Talese im Auftrag der Zeitschrift Esquire nach Los Angeles auf, um ein umfangreiches Porträt von Frank Sinatra anzufertigen. Als er ankam, verhielten sich der Sänger und seine wachsame Entourage leider eher frostig: Sinatra war verschnupft und wollte nicht interviewt werden.

Doch Talese blieb am Ball. Er nutzte die Zeit, um den Star aus der Distanz zu beobachten und seine Freunde, Kollegen, Produzenten, Studiobosse, Angehörigen, Putzerfische und Satelliten zu interviewen. Sinatra gewährte ihm nie das erhoffte Einzelinterview, doch Taleses Beharrlichkeit zahlte sich dennoch aus: Sein detailversessenes Porträt Frank Sinatra Has a Cold ging als Glanzstück des New Journalism in die Geschichte ein. Das dichte Porträt offenbart ebenso viel über den ausnahmsweise mal maulfaulen Entertainer wie über die ganze Hollywoodmaschinerie.

Diese Ausgabe präsentiert Frank Sinatra Has a Cold ergänzt um ein Vorwort von Gay Talese, Faksimiledrucke von Manuskriptseiten, Briefwechsel und Originalstoryboards und eine Vielzahl von Fotos, darunter zahlreiche Aufnahmen des legendären Phil Stern – des einzigen Fotografen, der Sinatras Karriere über vier Jahrzehnte begleitete – und anderer prominenter Bildjournalisten der Sechzigerjahre, wie John Bryson, John Dominis und Terry O’Neill. Die Fotos dokumentieren die vielen Gesichter des nicht gerade pflegeleichten Stars: den Showmenschen, den notorischen Großkotz, den liebevollen Vater, den cleveren Geschäftsmann und Hollywoodkassenmagneten, den Boss des Rat Packs, den Freund führender Mafiosi und den gnadenlosen Womanizer, zu dessen Hofstaat, wie wir dank Talese wissen, auch eine unscheinbare kleine Dame zählte, die ihm stets in einem Köfferchen seine 60 Toupets hinterhertrug.

Der Fotograf Phil Stern (1919–2014) war einer der bekanntesten Fotografen in den Glanzzeiten Hollywoods und veröffentlichte u.a. in Look, Life und Colliers. Er wirkte bei über 100 Filmproduktionen mit, darunter Some Like It Hot (Manche mögen's heiß), West Side Story und What Ever Happened to Baby Jane (Was geschah wirklich mit Baby Jane).

Der Autor Bestseller-Autor Gay Talese begann seine Karriere 1955 bei der New York Times. In den 60er und 70er Jahren schrieb er für zahlreiche Magazine, vornehmlich für Esquire. Er veröffentlichte elf Bücher, darunter The Neighbor's Wife (Du sollst begehren – Auf den Spuren der sexuellen Revolution), Honor Thy Father (Ehre deinen Vater) und A Writer's Life. Talese lebt in New York.

It’s Just a Shot Away

Die ultimative illustrierte Geschichte der Rolling Stones

Der Berühmtheitsgrad, den die Rolling Stones im Laufe ihrer fast 60-jährigen Karriere erreicht haben, ist beispiellos; ihre bekanntesten Riffs und eingängigsten Textzeilen haben sich unauslöschlich in unser kollektives Gedächtnis eingegraben. Mit ihrer hypnotisierenden Präsenz auf und jenseits der Bühne setzten die Stones Maßstäbe dafür, wie eine Rockband klingen und sich in Szene setzen sollte. Sie waren die ersten, die instinktiv verstanden, dass das Image einer Band, ihr Aussehen, ihr Style, mindestens so wichtig ist wie die Musik, und dass die Fotografie dabei eine entscheidende Rolle spielt. „Kleidung und Frisuren sind stets tadellos“, schreibt der Autor Luc Sante. „Sie spielten immer nur sich selbst, aber mit so außergewöhnlicher Finesse, da sie die Präsenz der Kamera spürten und wussten wie gut sie auf den Fotos aussehen werden." So ist es wenig überraschend, dass viele der größten Fotografen in der Geschichte des Mediums sie fotografieren wollten.f

In enger Zusammenarbeit mit den Stones entstanden, zeichnet diese aktualisierte Ausgabe auf über 450 Seiten anhand von zahllosen Fotos und Zeitdokumenten die erstaunliche Historie der Band und ihren unverschämt lässigen Lifestyle nach. Viele der aus Archiven weltweit zusammengetragenen Bilder wurden hier zum ersten Mal veröffentlicht. Zum ersten Mal konnte man auf die privaten Archive der Rolling Stones in New York und London zugreifen, was manche Überraschung bereithält. Für Mick, Keith, Charlie und Ronnie ist dieses Buch das offizielle fotografische Archiv der Rolling Stones.

Der Band enthält: über 450 Seiten mit fantastischen Bildern von einigen der berühmtesten Fotografen unserer Zeit, darunter David Bailey, Annie Leibovitz, Cecil Beaton, Anton Corbijn, Herb Ritts, Albert Watson, Andy Warhol, David LaChapelle, Peter Beard, Helmut Newton, Bent Rej, Gered Mankowitz und Norman Parkinson. Essays der preisgekrönten Autoren David Dalton, Waldemar Januszczak und Luc Sante einen ausführlichen Anhang mit einer Chronologie der Bandgeschichte und ihrer medialen Rezeption, einer Diskografie und Kurzbiografien der Fotografen.

Diese Ausgabe entstand in enger Zusammenarbeit mit der Band, die dafür beispiellosen Zugang zu ihren Archiven gewährte. Mehr als 450 reich bebilderte Seiten dokumentieren die 60-jährige Geschichte der Stones – mit Werken legendärer Fotografen wie David Bailey, Herb Ritts, Peter Beard, Andy Warhol, David LaChapelle, Albert Watson, Annie Leibovitz, Cecil Beaton und Anton Corbijn. Satisfaction guaranteed!

Der Herausgeber Reuel Golden, ehemaliger Chefredakteur des British Journal of Photography, ist Editor für Fotografie bei Taschen. Für Taschen hat er unter anderem die Titel Mick Rock: The Rise of David Bowie, die Bände zu London und New York aus der Reihe Porträt einer Stadt, The Rolling Stones, Her Majesty, die Bildbände zu National Geographic, den David Bailey Sumo sowie Andy Warhol, Polaroids, herausgegeben.