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Limitierte Auflage von 300 Exemplaren auf curaçao-blauem Vinyl.

Galvanica: eine Stimme mit ungewöhnlichen Qualitäten, raffiniert und ausgewogen, aber auch hoch, sinnlich, verschönert durch eine orgasmische Inspiration, mit fließenden und weit auseinanderliegenden Soli in hypnotischen Rhythmen, die oft die Szenerie wechseln. "Nightlights in Japan": ein außergewöhnliches Stück reiner und tiefgründiger Kreativität, bei dem jede Version für sich gebaut zu sein scheint und bei dem der Westen auf den Osten trifft. Ein großartiger Interpret für ein wirklich atemberaubendes Stück, so frisch und weitsichtig wie an dem Tag, an dem es im Studio Emme in Calenzano von Marzio Benelli mit dem Yamaha DX7 Synthesizer und dem Linn 9000 Drum Sequencer aufgenommen wurde, die die Grundlage des Stücks bilden - hergestellt und neu interpretiert in den vier Originalversionen, die alle in der ostasiatischen pentatonischen Tonleiter gesungen werden. 'Nightlights in Japan' wurde auch von Massimiliano Orfei geschrieben, der damals an den Werbeprojekten des Labels Smash One Music von Pino Toma mitwirkte, dem Produzenten, der neue Inspirationen schöpfte, um sich auf den Plattenmarkt zu wagen, der 1987 täglich schwieriger wurde und dieses Lied als unmodern galt - auch wenn jede Version als einzigartige Komposition entstanden zu sein scheint und von dem talentierten Giorgio Costantini (Giokost als Komponist) gekonnt arrangiert wurde. Wir haben geklärt, zu wem Galvanicas Velopendulus gehört, um diesen Künstler zu Recht als eine tragende Stimme der Disco-Musik zu betrachten, obwohl er Teil der "zweiten Welle" der Italo-Disco-Szene ist, zu der er als Otero, Belen Thomas, Angelby und zuvor mit dem Disco-Projekt Plustwo mit "Melody" beigetragen hat (das nach 40 Jahren mit 134 Millionen Plays auf TikTok und rund 18 Millionen Streams einen neuen außergewöhnlichen Erfolg feiert).

Indies-only Gelbes & Rotes Doppelvinyl (140g) im Gatefold mit exklusivem Siebdruck inklusive Downloadcode. Designed von Alex Digard

Kevin Martins erstes Solo-Album unter dem Namen The Bug seit sieben Jahren könnte zeitlich nicht besser passen: „Fire“ - der dritte, berauschende Teil eines urbanen Triptychons, das mit dem explosiven „London Zoo“ von 2008 begann und mit dem bewusstseinsverändernden „Angels & Devils“ von 2014 fortgesetzt wurde - besteht aus vierzehn Tracks, die die Synapsen zum Schmelzen bringen, die den Körper durcheinanderwirbeln und die Hörerinnen und Hörer auf cineastische Weise von der Beschwörung einer düsteren, abgeriegelten Stadtlandschaft bis hin zu schwindelerregenden, tiefenscharfen Nahaufnahmen der Psyche von Martin, die ihn und seine Kollaborateur*innen an die Belastungsgrenze führen.

Die Aggression, die Attitüde, der beeindruckende Umfang und die destabilisierende, beunruhigende Raserei des Bug-Sounds ist durchweg perfekt umgesetzt, aber „Fire“ ist keine bloße Wiederbelebung der Vergangenheit - für Martin ist das Album sowohl eine Antwort auf die einzigartigen Umstände des vergangenen Jahres als auch eine Chance, seine eigene Reise vom zurückgezogenen Sound-Besessenen zum Familienvater zu reflektieren, und seinen Durst zu stillen - in einer Zeit erzwungener hermetischer Isolation - nach Kontakt, nach dem Chaos, das nur zwischen Menschen, Lärm und Bässen stattfinden kann, die Irritation der Sinne, die stets Bugs Methode und Weg waren, seit er in den späten 90ern aus den tiefsten Ecken Londons herauskroch.

Es ist das bisher beste Album von The Bug, möglicherweise die wildeste und bewegendste Musik, die Martin je gemacht hat, und es berührt immer noch die anfänglichen Sehnsüchte und Impulse, die „London Zoo“ wie eine Rohrbombe durch den Briefkasten in Ihre Welt katapultiert haben. Es ist eine hungrige Platte, in jeder Hinsicht.

Die MCs, die auf dem Album zu hören sind - einerseits langjährige Weggefährt*innen wie Flowdan, Roger Robinson, Moor Mother, Manga Saint Hilare, Irah & Daddy Freddy, andererseits relativ neue Namen im Bug-Stall wie Logan, Nazamba und Ffsytho - reflektieren unweigerlich den äußeren Wahnsinn einer auf den Kopf gestellten Welt, graben aber auch tief in sich selbst, um nachdenkliche, erbarmungslos ehrliche Darstellungen der Wut, des Widerstands und der Resignation zu schaffen, die das letzte Jahr in uns allen hervorgerufen hat.