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Mythen für die Zukunft - Ängste, Fantasien und die biomechanische Kunst von HR Giger

Kopulierende Biomechanoiden, Angst vor der Atombombe und Dämonen aus den Welten von Lovecraft und Kubin: Diese umfassende Monografie bringt die düstere Psychedelik und eindringliche Kraft von HR Gigers Kunst in seinen Gemälden, Skulpturen, Filmarbeiten und ikonischen Plattencovern zum Ausdruck. Sie enthält einen ausführlichen Essay von Andreas J. Hirsch, Zitate von Zeitgenossen, kritische Betrachtungen und eine umfangreiche Biografie.

Der Schweizer Künstler HR Giger (1940–2014) wurde vor allem durch die Oscar-prämierte Gestaltung des Monsters für Ridley Scotts Science-Fiction-Horrorfilm Alien (1979) berühmt. Im Rückblick betrachtet war dies nur das prominenteste Wesen aus Gigers umfangreichem Arsenal biomechanischer Geschöpfe. Dazu zählen verschmolzene Zwitterwesen von Mensch und Maschine, sinnliche Körper, die in mutterleibsartigen Apparaten eingeschlossen sind, und gemalte Dämonen, von fantastischer Literatur und Gigers Albträumen beflügelt.

Diese Bilder verliehen den kollektiven Ängsten seiner Epoche Ausdruck: Angst vor dem Atomkrieg, vor Überbevölkerung und Ressourcenknappheit sowie einer Zukunft, in der das Überleben unserer Körper von Maschinen abhängt. Ihre visionäre Kraft spielt mit den Dämonen der Vergangenheit und erzeugt zugleich Mythen für die Zukunft.

Diese günstigere Ausgabe basiert auf der umfassenden Monographie, die kurz vor dem unerwarteten Tod des Künstlers begonnen wurde, und huldigt Gigers einzigartiger Vision. Sie erzählt die vollständige Geschichte seines Lebens und seiner Kunst, zeigt seine Skulpturen, die Filmarbeiten und Plattencover mit Kultstatus sowie das Erbe, das er in seinem eigenen Künstlermuseum in den Schweizer Alpen hinterlassen hat. In einem tiefgründigen Essay setzt sich der Giger-Experte Andreas J. Hirsch intensiv mit den Themen von Gigers Werk und seiner Welt auseinander. Zudem enthält das Buch zahlreiche Dokumente aus Gigers Archiv, Zitate von Zeitgenossen und kritische Betrachtungen sowie eine ausführliche Biographie, die sich auf die Aufzeichnungen des Künstlers stützt.

Der Künstler HR Giger (1940–2014) war ein Schweizer Maler, Bildhauer und Bühnenbildner, der surrealistische Einflüsse und düstere Fantasien zu einem eigenen biomechanischen Universum verschmolz. Erste Anerkennung wurde ihm in den 1960er-Jahren durch seine Fantasy-Darstellungen postapokalyptischer Geschöpfe und Landschaften in Airbrush-Technik zuteil, und berühmt wurde er durch bekannte Filmarbeiten, allen voran seine Erschaffung des „Alien“ für den gleichnamigen Film, der mit dem Oscar für die besten visuellen Effekte ausgezeichnet wurde. HR Giger wurde 2013 in die Science Fiction and Fantasy Hall of Fame aufgenommen.

Der Autor Andreas J. Hirsch, geboren 1961 in Wien, ist als Autor, Kurator und künstlerischer Fotograf tätig. Zu seinen Schriften zählen Bücher über Pablo Picasso, Tina Modotti, Friedensreich Hundertwasser und HR Giger. Von 2009 bis 2014 war er als Kurator des KunstHausWien tätig und gestaltete Ausstellungen unter anderem über Henri Cartier-Bresson, Linda McCartney und HR Giger.

Der Herausgeber Hans Werner Holzwarth ist Buchdesigner und Herausgeber mit zahlreichen Veröffentlichungen vor allem im Bereich der zeitgenössischen Kunst und Fotografie. Für Taschen hat er eine Reihe monografischer Collector’s Editions herausgegeben, darunter Jeff Koons, Christopher Wool, Albert Oehlen und Ai Weiwei, den David-Hockney-SUMO A Bigger Book und den XXL-Band Jean-Michel Basquiat.

„Im Kern gräbt sich Gigers Kunst in die Psyche ein und berührt unsere tiefsitzenden urzeitlichen Instinkte und Ängste. Seine Kunst bildet eine Kategorie für sich. Der Beweis dafür liegt in der Intensität seines Werks und seiner Vorstellungskraft, die ich in der Fähigkeit, zu provozieren und zu verstören, nur mit Hieronymus Bosch und Francis Bacon vergleichen kann.“ Ridley Scott

„Ein Prachtband im Großformat, eine liebevoll gestaltete Hommage, die der Bedeutung des Künstlers gerecht wird… So viel ist klar: Die meisten gefeierten Gegenwartskünstler geraten schnell wieder in Vergessenheit, H.R. Giger aber wird bleiben.“ Weltwoche

„Eine aufwühlend schöne Hommage an das albtraumhafte Werk von H.R. Giger.“ Wired.com

Hardcover, 15.6 x 21.7 cm, 1.10 kg, 512 Seiten

Calling all Sneakerheads - Die Bibel für Turnschuhfans

Sneaker Freaker berichtet seit 20 Jahren wirklich Alles über Turnschuhe und ihre Liebhaber. Für Taschen haben die Sneaker Freakers das Beste der beiden Dekaden zu einer über 500-seitigen Mammutanthologie zusammengenäht: Reportagen, Interviews und natürlich unendlich viele Fotos von limitierten und legendären Tretern.

„Das einflussreichste Sneakerkultur-Magazin des Planeten!“ MTV

Hardcover, 15.6 x 21.7 cm (6.1 x 8.5 in.), 512 Seiten

Eine umfangreiche Textsammlung aus dem Nachlass der Stereo-Total-Musikerin, mit Auszügen aus ihrem unvollendeten Roman "Für immer 16".Françoise Cactus bereicherte über Jahrzehnte unser Leben mit ihrer Musik, ihren Texten und ihrer ganz íeigenen Art. Über 20 Alben hat sie als Sängerin und Schlagzeugerin mit ihren Bands Stereo Total und Lolitas veröffentlicht.Das Buch "Oh Oh Mythomanie" enthält Auszüge ihres nicht vollendeten Romans "Für immer 16" und zahlreiche kurze Texte, viele davon bislang unveríöffentlicht. Die Texte laden ein, ihre Wahlheimat Berlin neu zu erkunden, Lieblingskneipen mit ihr zu besuchen oder gemeinsam mit dem Rauchen aufzuhören. Daneben finden sich Liebeserklärungen an inspirierende Personen von Juliette Greco bis Rimbaud, Rezepte und ein Entwurf für eine Kurznovellensammlung.All diese Texte zeigen den verblüffenden Erfindungsreichtum dieser Ausnahme-Anti-Diva, die mit ihrer sprachlichen Phantasie die Welt umgekrempelt hat. Ungeheuerlich, hysterisch und glamourösKuratiert wird das anlässlich des 60. Geburtstags von Françoise Cactus erscheinende "Oh Oh Mythomanie" von Brezel Göring.

Ein Geschenk des Himmels - The Man Who Fell to Earth‘ - Nicolas Roegs Scifi-Meisterwerk mit David Bowie

Mit atemberaubenden Bildern, expliziter Gesellschaftskritik und einer hypnotisierenden schauspielerischen Leistung von David Bowie in der Hauptrolle wurde The Man Who Fell to Earth (Der Mann, der vom Himmel fiel) zu einem Kultfilm des Science-Fiction-Genres. Dieses Album versammelt die fantastischen Fotos von David Bowie in der Hauptrolle und von den Dreharbeiten, ergänzt durch ein Exklusivinterview mit Filmfotograf David James.

„Ich warf einfach meine eigene Persönlichkeit in diesen Film hinein, so wie ich damals war … Ich fühlte mich tatsächlich so entfremdet wie diese Figur!“ David Bowie

Hardcover, 15.6 x 21.7 cm (6.1 x 8.5 in.), 1.17 kg (2.6 lb), 480 Seiten

80 seitiges Fotobuch »Thank You Have A Nice Day - A NYC Photowalk« . Siebdruckcover und offene Fadenbindung.

Die Frage „Was ist Kunst?“ ist komplex und wird seit Jahrtausenden aus verschiedenen Perspektiven diskutiert.
Der Band 1001 ANTWORTEN AUF DIE FRAGE: WAS IST KUNST? bietet weit mehr als nur eine Zitatensammlung; es ist ein wertvoller Beitrag zur Kunsttheorie und eine Einladung zur Reflexion über das Konzept der Kunst.
Dieses Werk erschien seit 1987 in diversen Auflagen und erfuhr positive Resonanz in der Kunstwelt. Künstler und Galerien nutzen die Zitate für Aktionen und Ausstellungen.
Der Autor stellt die gewagte Frage, ob wir die Frage „Was ist Kunst?“ vielleicht falsch stellen und lädt Sie ein, diese Idee in der neu aufgelegten und visuell verbesserten Ausgabe zu erforschen. Tauchen Sie ein in die Fülle von 1001 Zitaten und entdecken Sie die vielfältigen Perspektiven auf die Frage „Was ist Kunst?“.

Enthält u. a. die folgenden Kapitel:
Kommt Kunst von können? Kenntnis, Technik, Meisterschaft / Regelwerk und Chaos: Kunst als Ordnungssystem / Kunst und Natur: Mikrokosmos und Makrokosmos / Erforschung des Unbekannten: Wissenschaft und Kunst / Kunst und Politik: Vom Freiheitskampf zur Handelsware / Lustprinzip Sublimation: ein Spiel mit ernsten Problemen / Kunst der Kommunikation: Das dialogische System

224 Seiten mit zahlreichen farbigen und s/w Illustrationen.
Hardcover im Format 19 x 21 cm

Über den Autor und Herausgeber:
Andreas Mäckler, geboren 1958, ist promovierter Kunsthistoriker, Autor und Publizist. Zu seinen bekanntesten Büchern zählen die seinerzeit bei DuMont in mehreren Auflagen erschienenen Titel Was ist Kunst ..? 1080 Zitate geben 1080 Antworten(1987), Was ist Liebe ..? 1001 Zitate geben 1001 Antworten (1988), sowie Was ist der Mensch ..? 1111 Zitate geben 1111 Antworten (1989, mit Christiane Schäfers). Im Jahr 1992 erschien Malerei muss sein wie Rockmusik – Gottfried Helnwein im Gespräch mit Andreas Mäckler.
Andreas Mäckler hat sich auch als Krimiautor, Biograf und Wikipedia-Kritiker einen Namen gemacht. Weitere Informationen über den Autor: https://www.maeckler.com

Show You the World In My Eyes - Die offizielle, illustrierte Geschichte von Depeche Mode, fotografiert von dem niederländischen Künstler Anton Corbijn

Seit den 1980er Jahren hat der niederländische Künstler Anton Corbijn den Ruf von Depeche Mode als coolste Kultband der Welt geprägt. Diese aktualisierte Neuauôage im handlichen Format, in Zusammenarbeit mit der Band entstanden, enthält Corbijns handverlesene Auswahl an über 150 Lieblings-Motiven.

„Anton war in der Lage, dem DM-Sound, den wir zu kreieren begannen, eine visuelle Identität zu geben.“ Dave Gahan

Hardcover, 14 x 19.5 cm (5.5 x 7.7 in.), 0.411 kg (0.9 lb), 192 Seiten

Stille und Erhabenheit - Caspar David Friedrichs spirituelle Naturbilder

Von Nachthimmeln und Sonnenaufgängen bis hin zum vielzitierten Wanderer über dem Nebelmeer: Caspar David Friedrich gelang es, emotionale und metaphysische Naturerfahrungen in Kunst zu bannen. Diese Einführung stellt seine wichtigsten und bekanntesten Werke vor und präsentiert einen Maler, dessen verzaubernde, nach Erhabenheit strebenden Bilder ihn zu einem Hauptvertreter der romantischen Ästhetik machten. „Ich muss mich vereinigen mit meinen Wolken und Felsen, um das zu sein, was ich bin.“ Caspar David Friedrich

Die Schönheit der Natur und menschliche Einsamkeit sind bestimmende Themen im Werk von Caspar David Friedrich (1774–1840). Häufig positioniert er eine klein dimensionierte menschliche Figur in einer weiten Landschaft, wie auf seinen berühmten Gemälden Mönch am Meer und Der Wanderer über dem Nebelmeer. Lange Zeit wurden die Bedeutung und der Einfluss des großen Künstlers der Romantik unterschätzt. Als er starb, war Friedrich von seinen Zeitgenossen bereits vergessen, erst im frühen 20. Jahrhundert entdeckte man ihn wieder. Heute gilt er als wichtigster deutscher Maler seiner Generation und als Vorläufer der Expressionisten.

Einem im akademischen Regelwerk gefangenen Künstlerkollegen riet Friedrich einmal zu folgender Herangehensweise: „Schließe dein leibliches Auge, damit Du mit dem geistigen Auge zuerst siehest Dein Bild. Dann fördere zutage, was Du im Dunkeln gesehen, dass es zurückwirke auf andere von außen nach innen.“ Also Konzentration statt Imitation, Essenz statt Pinseltändelei.

Der Autor Norbert Wolf studierte Kunstgeschichte, Linguistik und mittelalterliche Geschichte in Regensburg und München und promovierte 1983 in Kunstgeschichte. Er war Gastprofessor in Marburg, Frankfurt, Leipzig, Düsseldorf, Nürnberg-Erlangen und Innsbruck. Wolf hat zahlreiche Bücher über Kunstgeschichte geschrieben, unter anderem die bei Taschen erschienenen Titel Diego Velázquez, Ernst Ludwig Kirchner, Caspar David Friedrich, Expressionismus, Romanik, Landschaftsmalerei und Symbolismus.

Jubiläumsjahr 2024 250 Jahre Caspar David Friedrich - Um den 250. Geburtstag Caspar David Friedrichs zu feiern, arbeiten die Hamburger Kunsthalle, die Alte Nationalgalerie der Staatlichen Museen zu Berlin und die Staatlichen Kunstsammlungen Dresden zusammen. Die drei Häuser verfügen über die umfangreichsten Bestände an Werken Friedrichs weltweit. Darüber hinaus finden zahlreiche weitere Ausstellungen und Veranstaltungen statt. Alle Informationen unter www.cdfriedrich.de

Hardcover, 21 x 26 cm (8.3 x 10.2 in.), 0.515 kg (1.1 lb), 96 Seiten

Leben auf großer Leinwand - Eine Begegnung mit dem Werk von Julian Schnabel

Jetzt als unlimitierte Ausgabe: die Taschen-Monografie über Julian Schnabel entstand in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler und zeigt sein Schaffen in allen Medien – Gemälde, Skulpturen, Filme. Die einmalige Gelegenheit, Schnabels Kunst so direkt zu erleben wie sonst nur in der persönlichen Begegnung mit den Werken.

Julian Schnabel macht Kunst aus dem Leben und findet seine Materialien in der Struktur des Alltags. Er verwendet zerbrochene Teller als unpraktischen Bildgrund, malt auf Samt, Planen von Marktständen und Armeefahrzeugen, Kabuki-Theaterkulissen oder dem Boden eines Boxrings – Oberflächen, die ihre jeweils eigene Geschichte in das Bild mit einbringen. Der Erfolg kam für Schnabel über Nacht mit seiner ersten New Yorker Einzelausstellung im Jahr 1979 und seitdem ist sein Name ein Synonym für die Rückkehr der totgesagten Gattung der Malerei in die zeitgenössische Kunst. Dabei hat er in einer Vielzahl von Medien gearbeitet: Seine Skulpturen erweitern die malerischen Formen der Bilder als grob gehauene, scheinbar abgenutzte Artefakte in den Raum. Als Regisseur von preisgekrönten Kinofilmen portraitiert er Künstler wie Basquiat, van Gogh und andere subtil-heroische Figuren. Und er baut seinen eigenen Traum von einem venezianischen Palast mitten in New York. „Ich möchte, dass mein Leben in meinem Werk steckt, komprimiert in meiner Malerei wie ein Auto in einer Schrottpresse. Sonst wäre meine Arbeit nur irgendwelches Zeugs“, sagt Julian Schnabel. Diese Dringlichkeit zieht sich durch sein Schaffen, ganz gleich, welche Mittel oder Medien der Künstler wählt.

Jetzt als unlimitierte Ausgabe erhältlich, stellt diese Taschen-Monografie die ganze Palette von Schnabels Arbeiten vor. Das Buch wurde in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler geschaffen. Die Texte steuern Freunde, Kuratoren und Kunsthistoriker bei, mit denen Schnabel schon zuvor an Projekten gearbeitet hat: Laurie Anderson zeichnet ein vertrauliches Porträt des Künstlers; Éric de Chassey widmet sich den Gemälden, Bonnie Clearwater den Skulpturen und Max Hollein der ortsspezifischen Arbeit; Donatien Grau schreibt über den Palazzo Chupi, das vom Künstler selbst entworfene Haus im New Yorker West Village; der Schriftsteller Daniel Kehlmann taucht in das filmische Werk ein. Mit diesen Texten und hochwertigen Werkabbildungen macht das Buch Schnabels Kunst auf eine direkte Weise erlebbar, wie es sonst nur in der persönlichen Begegnung mit den Werken möglich ist.

Der Künstler Julian Schnabel (born 1959) is an American painter, sculptor, and filmmaker. After his breakthrough in 1979, he became one of the most successful painters worldwide, with solo shows at the Stedelijk Museum, Amsterdam; the Tate and Whitechapel, London; Centre Georges Pompidou and Musée d'Orsay, Paris; the Whitney, New York, and many others. Began directing with Basquiat in 1996, most recently the van Gogh film At Eternity’s Gate from 2018.

Die Herausgeber Hans Werner Holzwarth ist Buchdesigner und Herausgeber mit zahlreichen Veröffentlichungen vor allem im Bereich der zeitgenössischen Kunst und Fotografie. Für Taschen hat er eine Reihe monografischer Collector’s Editions herausgegeben, darunter Jeff Koons, Christopher Wool, Albert Oehlen und Ai Weiwei, den David-Hockney-SUMO A Bigger Book und den XXL-Band Jean-Michel Basquiat.

Louise Kugelberg ist eine in Schweden geborene Innenarchitektin, die Gebäude aus dem 18. Jahrhundert renoviert und mit privaten Kunstsammlungen ausstattet, in Gemeinschaftsarbeiten Luxus-Boutique-Hotels entworfen und für Parley for the Oceans ein gewaltiges tragbares Pavillonzelt aus recyceltem Ozeanplastik gebaut hat. In den letzten fünf Jahren hat sie intensiv mit Julian Schnabel zusammengearbeitet, Ausstellungsräume und Kataloge entworfen sowie den Film At Eternity's Gate mitgeschrieben und bearbeitet. Sie lebt und arbeitet in New York.

„Sein wohl grösstes Buch – und ja, seines, weil es in engster Regie mit ihm zusammen ediert wurde: Auch es ist «larger than life», wie man im Angelsächsischen sagt… Schnabels Bilder feiern die Malerei, sind ein Fest der Farben, der Bezüge und Verweise – und vor allem der Freiheit.“ Neue Zürcher Zeitung

Hardcover, 25 x 33.4 cm, 3.69 kg, 572 Seiten

Herausgegeben von Aaron Klotz und Reverend Christian Dabeler, mit einem Nachwort von Jörg Sundermeier

Die Musikerin und Autorin Almut Klotz beschreibt in diesem Buch ihre Liebesge­schichte mit dem Musiker und Autor Rev. Christian Dabeler – den sie im Mai 2013 heiratete. Zugleich aber ist „Fotzenfenderschweine“ eine Abrechnung mit der Indie-Pop-Szene und den alten und neuen Frauenrollen darin. Almut Klotz schreibt leiden­schaftlich, mitreißend und offen. Almut Klotz hat mit ihrem Text eine genaue Beschreibung eines Künstlerlebens gege­ben und eine wunderschöne Liebesgeschichte mit allen Höhen und Tiefen erzählt. Bis zu ihrem Tod hat sie an „Fotzenfenderschweine“ gearbeitet, der Text erscheint nun erstmals und ungekürzt aus ihrem Nachlass.

In den Erzählungen von Klotz und Dabeler verschwimmen die Realitäten. Ein Ex-Freund wird zur Katze. Der dubiose Liebhaber verwandelt sich in den Onkel der Protagonistin. Und eine Mutprobe wird zum Lebensmittelpunkt der Heranwachsenden eines Dorfes. In „Fragmente einer Umschulung“ besucht ein Künstler, der kurz vor einem Identitätsverlust steht, die Buchmesse. Lakonisch werden der Wahnsinn der Kunst-, Literatur- und Musikwelt sowie die Absurditäten des alltäglichen Lebens thematisiert. Den Protagonisten ist eins gemein: Es sind Außenseiter voller Stolz. Sie pflegen ein Leben an den Rändern der Gesellschaft und keiner von ihnen hat auch nur ansatzweise das Bedürfnis sich in diese zu integrieren – im Gegenteil. Klotz und Dabeler erzählen mit schwarzem Humor von einer Freiheit jenseits des Etablierten und des Abgesicherten. Der Erzählungsband „Tamara und Konsorten“ ist eine überarbeitete und um einen neuen, bislang unveröffentlichten Text von Almut Klotz und ein Nachwort von Reverend Christian Dabeler ergänzte Neuausgabe. Die Erzählungen erscheinen im Rahmen unserer Reihe „kurze form“ als Band 4.

Das Berliner Label staatsakt zählt seit 20 Jahren zu einem der aufregendsten Indies in Deutschland. Der Labelgründer Maurice Summen und der Autor und PR-Manager Markus Göres fangen die außergewöhnliche Geschichte in einer Art Oral History ein. Rund 40 Künstler*innen kommen zu Wort – von Christiane Rösinger über The Düsseldorf Düsterboys bis Masha Qrella –, die auf ungewohnt offene Weise auch Auskunft über die eigenen Biographien geben. Sie unterhalten sich über ihre musikalischen Anfänge, reflektieren den Weg aus der Provinz in die große Stadt und ihre Formierung als Künstler*innen. Sie sprechen über Mainstream und Subkultur, über ihre Ängste und Hoffnungen. Und natürlich über die ewige Liebe zur Musik. Aus der Vielzahl der Stimmen entsteht so ein Gesellschaftsbild, das weit mehr umfasst als zwei Jahrzehnte Independent-Kultur.

Mit Tobias Bamborschke, Ramin Bijan, Paul Buschnegg, Marcel Caspers, Patric Catani, Pedro Goncalves Crescenti, Reverend Dabeler, Dagobert, Jakob Dobers, Axana Exner, Jens Friebe, Brezel Göring, Jörg Heiser, Chris Imler, Zwanie Jonson, Tobias Jundt, Felix Keiler, David Julian Kirchner, Katharina Kollmann, Frau Kraushaar, Lambert, PeterLicht, Barbara Morgen stern, Masha Qrella, Gunther Osburg, Christiane Rösinger, Tilman Rossmy, Tilo Schierz-Crusius, Albrecht Schrader, Stefanie Schrank, Stella Sommer, Björn Sonnenberg-Schrank, Andreas Spechtl, Frank Spilker, Otto Von Bismarck, Jelena Von Eisenhart Rothe, Johannes von Weizsäcker, Hanitra Wagner und Nina Walser.

Das Buch hat die Entstehung der Hip-Hop-Kultur der 1980er Jahre in Westberlin zum Gegenstand. Im Zentrum steht eine Generation Jugendlicher und junger Erwachsener, die in der Auseinandersetzung mit einer aus New York kommenden und vorrangig über die Medien vermittelten Kultur zu einer eigenen Berliner Hip-Hop-Szene avancierte.

Die Veröffentlichung ist eine explorative Studie und Materialarbeit, die bislang in der Forschung unbekannte bzw. unveröffentlichte Zeugnisse und Dokumente der Kultur und der Akteur:innen beinhaltet. Hierfür sind Interviews und Gespräche mit über 20 Akteur:innen geführt worden, die zwischen 1940 und 1970 geboren sind.

Der Autor verfolgt das Ziel, den Westberliner Akteur:innen eine Stimme in der gesamtdeutschen Hip-Hop-Geschichte zu geben, denn bis dato findet die Historie Westberlins wenig bis gar keinen Eingang in etablierte Narrative. Es wird veranschaulicht, dass die Historiographie des Hip-Hops in Deutschland nicht erst in den 1990er Jahren mit Advanced Chemistry, den Fantastischen Vier oder LSD beginnt, sondern auch die Westberliner Hip-Hop-Kultur der 1980er Jahre in Betracht gezogen werden muss.

Der Sound der Jahre – ein detaillierter Überblick über die Musiklandschaft der BRD im Wandel der Zeit.

Mit dabei: Amon Düül II, Ash Ra Tempel, Birth Control, Can, Cluster / Kluster, Cosmic Jokers, DAF, Dieter Dierks, Klaus Doldinger, Floh de Cologne, Frumpy, Sergius Golowin, Manuel Göttsching, Guru Guru, Harmonia, Rolf-Ulrich Kaiser, Kraan, Kraftwerk, La Düsseldorf, James Last, Udo Lindenberg, Giorgio Moroder, NEU!, Conny Plank, Popol Vuh, Tangerine Dream, The Rattles, Ton Steine Scherben, Achim Reichel (A. R. & Machines), Hans-Joachim Roedelius, Klaus Schulze, Eberhard Schoener, Karlheinz Stockhausen, Walter Wegmüller, Witthüser & Westrupp, Xhol Caravan und viele mehr …

Mehr Infos

Im Jahr 1974, als die Rockmusik noch unangefochten die Vorherrschaft genoss, eroberten ein paar Düssel­dorfer mit einem knapp 23-minütigen elektronischen Song über die deutsche Autobahn die britischen und amerikanischen Charts. Das Album Autobahn von Kraftwerk gilt als musikalisches Meisterwerk, das für die Band den Übergang vom Krautrock zur elektronischen Musik einläutete und seine Einzigartigkeit bis heute bewahrt hat.

Jan Reetze beleuchtet in diesem Buch die Entstehungsgeschichte eines seiner ewigen Lieblingsalben und geht der Frage auf den Grund, weshalb Autobahn auch nach einem halben Jahrhundert noch immer so zeitlos klingt wie am Tag der Veröffentlichung.